10e Garden party veilingen Auctions...auctions) opent reeds vanaf 11u op woensdag 24 augustus 2016...

tuinfeest (Garden�party)&veilingen(Auctions) MuseumDD3/9/2016

10e

18u

Vanaf 20.8.2016 in buurwoning: Museumlaan 18, Deurle.À partir du 20.8.2016 dans la maison adjacente au musée:

Museumlaan 18, Deurle. (An upcoming project of Glenn Sestig Architects)

pop-uptentoon-stelling expositionpop-up20/8/2016

Het Tuinfeest in het museum Dhondt-Dhaenens is gekend voor zijn ongedwongen sfeer. Het is een jarenlange en mooie traditie die het begin van het nieuwe artistieke seizoen aankondigt. De 10de jubile-umeditie heeft plaats op zaterdag 3 september 2016 vanaf 18u. Het feest is informeel en zet het museum op een unieke manier in beeld. Een jubileumeditie kan niet zonder een state of the arts. De Angolese kunstenaar en performer Nastio Mosquito laat ons ken-nis maken met de hoop en de angst in de complexe wereld van de kunsten. Naast deze unieke performance blijven de vaste waarden. De succesvolle benefietveiling wordt zoals steeds verzorgd door Christie’s en de internetveiling door Paddle8. Op woensdag 24 au-gustus 2016 worden alle kunstwerken op de website geplaatst van het internationaal veilingplatform, Paddle8, waardoor het bieden voor iedereen toegankelijk is. De kunstwerken die op het Tuinfeest onder de hamer gaan, zijn aan het museum geschonken door bevriende kunstenaars, betrokken galeries en gepassioneerde verzamelaars. We hebben dit jaar opnieuw een fraai aanbod van bijzondere werken waarop onze enthousiaste kunstliefhebbers kunnen bieden. De inter-netveiling heeft als doel nieuw talent te ontdekken. We vroegen aan kunstkenners een kunstenaar te selecteren die zij als beloftevol erva-ren. Het resultaat is een waaier van werken van zeer diverse en talent-volle kunstenaars. De internetveiling Paddle8 (http://paddle8.com/auctions) opent reeds vanaf 11u op woensdag 24 augustus 2016 en sluit af op 3 september 2016 om 24u. Via een aantal Paddle8 iPads in de feeststent kunt u tot middernacht online bieden op de werken van de internetveiling. Op de werken die op 3 september 2016 door Christie’s live geveild worden kan online geboden worden vanaf 11u op woensdag 24 augustus 2016 (http://paddle8.com/auctions). Bieden kan tot 17u op 2 september 2016. Het hoogste bod dat door Paddle8 werd ontvangen geldt tevens als bod tijdens de Christie’s veiling. Last but not least, mocht u meedoen met bieden, verlies dan niet uit het oog dat alle opbrengsten zorgvuldig besteed worden om de werking van het museum en de tentoonstellingscontext voor de kunstenaar te optimaliseren. De Raad van Bestuur, het Uitvoerend Comité, het team van het museum en mezelf zijn ontzettend dankbaar voor het enthousiasme en de liefde waarmee de kunstenaars, de galeries, de patroons van het museum, de sponsors en in het bijzonder Christie’s, Eland en alle vrijwilligers, telkens het Tuinfeest helpen mogelijk maken! Heel hartelijk,Joost Declercq, directeur

Voorwoord

PROGRAMMA

18:00 .................... verwelkoming en aperitief

19:00 ................ diner verzorgd door Silverspoon

21:00 ..................... state of the arts, Nástio Mosquito

21:15 .....................................................

.. live veiling Christie’s

22:15–01:00 .....................................................

........... DJ-sets

door lopend . . . via een aantal Paddle8 iPads kunt

u tot middernacht online bieden op de werken

van de internetveiling. De tentoonstelling

Biënnale van de Schilderkunst is gratis

te bezichtigen tot 21:00 .

Bent u

geïnteresseerd in

een bepaald lot en kunt

u niet aanwezig zijn,

doe een bod aan de balie

van het museum.

09 330 17 30

[email protected]

La Garden Party du musée Dhondt-Dhaenens est réputée pour son ambiance décontractée. Il s’agit d’une tradition de longue date qui marque toujours le début de la nouvelle saison artistique. L’édition du dixième anniversaire se tiendra le samedi 3 septembre 2016 à partir de 18h. Plongée dans une ambiance informelle, la fête offre une vision unique du musée. Une édition jubilaire mérite un invité d’exception. L’artiste ango-lais Nastio Mosquito nous fera découvrir l’espoir et l’angoisse que sus-cite l’univers complexe des arts. En marge de cette performance hors du commun, les valeurs sûres ne seront pas en reste. Comme on ne change pas une équipe qui gagne, la vente aux enchères caritative sera encore une fois organisée par Christie’s et la vente aux enchères en ligne par Paddle8. Toutes les œuvres d’art seront présentées sur le site web de la plateforme internationale de vente aux enchères Paddle8 le mercredi 24 août 2016. Les enchères seront donc ouvertes à tous. Les chefs-d’œuvre mis en vente lors de la Garden Party ont été offerts au musée par des artistes amis, des galeries engagées et des collec-tionneurs passionnés. Cette année encore, nous proposerons aux amateurs d’art enthousiastes un bel éventail d’œuvres exceptionnelles. La vente aux enchères en ligne est axée sur la découverte de jeunes talents. Nous avons demandé à des connoisseurs d’art de sélection-ner un artiste qu’ils jugent prometteur. Résultat : un panaché d’œuvres signées par des artistes talentueux. La vente aux enchères Paddle8 (http://paddle8.com/auctions) se tiendra du mercredi 24 août 2016 à 11h au 3 septembre 2016 à minuit. Des iPad Paddle8 seront mis à votre disposition dans le chapiteau. Vous aurez jusqu’à minuit pour surenchérir sur les œuvres de la vente aux enchères en ligne. En ce qui concerne les œuvres que Christie’s mettra aux enchères le 3 septembre 2016, les enchères en ligne seront ouvertes à partir du mercredi 24 août 2016 à 11h au 2 septembre 2016 à 17h (http://paddle8.com/auctions). La meilleure enchère qu’aura reçue Paddle8 sera valable lors de la vente orchestrée par Christie’s. Last but not least : si vous décidez de surenchérir, n’oubliez pas que toutes les recettes serviront à optimiser le fonctionnement du musée et le contexte des expositions pour les artistes. Le Conseil d’Administration, le Comité exécutif, l’équipe du musée et moi-même tenons à remercier les artistes, les galeries, les patrons du musée, les sponsors et, en particulier, Christie’s, Eland et tous les bénévoles. Sans leur amour et leur enthousiasme, la Garden Party ne serait pas ce qu’elle est. Cordialement,Joost Declercq, directeur

Préface

PROGRAMME

18:00 ................................

.....accueil et apéritif

19:00 ..................dîner concocté par Silverspoon

21:00 ...................... state of the arts, Nástio Mosquito

21:15 ....... vente aux enchères organisée par Christie’s

22:15–01:00 ...............................

................................

.........DJ-sets

tou te la soi rée .................. vous pourrez utiliser des iPad

Paddle8 jusqu’à minuit pour surenchérir sur les œuvres

de la vente aux enchères en ligne. L’exposition

Biennale de la Peinture sera accessible

gratuitement jusqu’à 21:00 .

Si une œuvre vous intéresse et vous ne pouvez pas être présent, faites vos enchères à la réception du musée09 330 17 [email protected]

live

veiling

Vente aux

encheres

live

Het werk van Johan Nobell (°1963, Zweden) kan het best beschre-ven worden als landschapsschilderkunst, een genre dat een lange traditie kent maar vooral in bourgeoismilieus zeer populair was in de 19de en 20ste eeuw. Zijn schilderijen zijn eerder bescheiden van formaat, maar de ruimte die ze verbeelden is onmetelijk doordat je weinig of geen referentiepunten hebt om de schaal van het afge-beelde te bepalen. Figuratie en abstractie komen op een bizarre, surreële manier samen. Enerzijds lijken het onheilspellende en zelfs apocalyptische landschappen, tegelijk verwerkt Nobell cartooneske figuren en motieven waardoor ze ook lichtvoetig blijven.

L’œuvre de Johan Nobell (°1963, Suède) s’inscrit dans l’art de repré-senter les paysages, un genre issu d’une longue tradition, mais qui avait surtout la cote auprès de la classe bourgeoise aux XIXe et XXe siècles. Si les peintures de l’artiste sont de taille plutôt modeste, l’espace qu’elles représentent est immense, car les points de repère qui permettent de déterminer l’échelle utilisée sont rares, voire inexistants. La figuration et l’abstraction se mélangent de manière étrange et surréaliste. Nobell utilise des figures et des motifs car-toonesques pour apporter de la légèreté à des paysages à première vue lugubres et apocalyptiques.

Lot 1 Johan Nobell

Live veiling/Vente aux enchères Live

Short-hand-inspection

2012

Olie op doek, 34,5 x 44,5 x 3 cm, courtesy van de kunstenaar en stephane simoens contemporary fine art, Knokke-Zoute

Stijn Cole (°1978, België) vertrekt vanuit landschapsfoto’s om ab-stracte schilderijen te creëren. De werkwijze van de kunstenaar omvat de digitale deconstructie van de foto's in de 256 meest voorkomende kleuren, die vervolgens volgens helderheid wor-den geordend. Het resultaat is een 'colorscape', een gepixeleerd schilderij met 256 vierkanten, op het eerste gezicht geometrisch abstract, rationeel en geordend, maar tegelijkertijd verleidelijk met een impressionistische schoonheid. Het wordt nog interessanter wanneer Cole het element tijd introduceert door het maken van sequenties van colorscapes van hetzelfde landschap in intervallen van 30 minuten. Het werk dat op de MDD veiling wordt gepresen-teerd is een colorscape-drieluik gebaseerd op het zeezicht vanaf Cabo Da Fisterra (Spanje).

Stijn Cole (°1978, Belgique) part de photos de paysages pour créer des toiles abstraites. Le processus consiste à décomposer numéri-quement la photo en ses 256 couleurs les plus abondantes. Celles-ci sont ensuite arrangées en fonction de la luminosité. Le résultat est un « colorscape », c’est-à-dire une toile pixélisée composée de 256 carrés. Abstraite, rationnelle et ordonnée de prime abord, cette toile séduit également par sa beauté impressionniste. Le travail devient particulièrement intéressant quand Cole introduit la notion de temps en réalisant des séquences de colorscapes du même paysage à des intervalles de 30 minutes. L’œuvre présentée à la vente aux enchères du MDD est un triptyque colorscape basé sur le paysage marin de Cabo Da Fisterra (Espagne).

Lot 2 Stijn Cole


Fisterra 04/04/2016 19:45

2016

Olieverf op inkjetprint, 31 x 64 x 10 cm, courtesy van de kunstenaar en Galerie Van De Weghe, Antwerpen

Het werk van Lionel Estève (°1967, Frankrijk) bevindt zich op een kruispunt tussen tekening, sculptuur en installatie. Informaliteit en breekbaarheid, die kenmerkend zijn voor zijn werken, openen onze perceptie op een oneindige werkelijkheid door de onthulling van een voelbare, haast tastbare ruimte. Zijn werk speelt met ruimte, kleur en zintuiglijke waarneming. Deze werken illustreren de interes-se van de kunstenaar in creatieve energie en hoe ze aangewend kan worden. Lionel Estève, ambachtsman en zoeker, maakt gebruik van materialen, lijnen en kleuren op de grens tussen het waarneembare en het onwaarneembare. Lionel Estève's mobiel bevat een verschei-denheid aan elementen — kleurvlekken, glitter, parels, linten enz … — die in de lucht zweven.

Le travail de Lionel Estève (°1967, France) se situe à la croisée du dessin, de la sculpture et de l’installation. L’informel et la fragilité, qui caractérisent ses œuvres, éveillent notre perception d’une réalité infinie en dévoilant un espace palpable, presque tactile. Son travail joue sur l’espace, les couleurs et la perception sensorielle. Ces œuvres rappellent l’intérêt de l’artiste pour les énergies créatrices et leurs captations. Artisan, chercheur, Lionel Estève déploie matières, lignes, couleurs dans l’intervalle du perceptible et de l’impercep-tible. Le mobile de Lionel Estève fait flotter divers éléments — points de couleur, paillettes, perles, rubans, etc. — dans les airs.

Lot 3 Lionel Estève


Untitled 2015

Gemengde technieken, variabele afmetingen: ± 100 x 100 x 80 cm, © foto: Isabelle Arthuis, courtesy van de kunstenaar en Albert Baronian, Brussel

Alan Charlton (°1948, Verenigd Koninkrijk) schilderde zijn eerste grij-ze schilderij in 1969 en gebruikt tot op de dag van vandaag enkel die kleur. Toch zijn al zijn schilderijen verschillend aangezien hij steeds wisselt van grijstonen en formaten. Wat hem vooral interesseert in de kleur grijs is de neutraliteit en het industriële aspect. Hij trekt zich zo los van het modieuze en het aantrekkelijke om tot een fundamen-tele schilderkunst te komen: het maakt van Alan Charlton zonder twijfel een van de belangrijkste minimalistische schilders in Europa.

Alan Charlton (°1948, Royaume-Uni) a peint sa première toile grise en 1969 et utilise uniquement cette couleur depuis. Ses toiles n’en sont pas moins toutes différentes dans la mesure où il varie les formats et les nuances de gris. La neutralité et l’aspect industriel du gris intéressent particulièrement l’artiste. Alan Charlton se détache ainsi de ce qui est tendance et attrayant pour aboutir à une peinture fondamentale, ce qui en fait incontestablement l’un des plus grands peintres minimalistes d’Europe.

Lot 4 Alan Charlton


Untitled(Triangle painting)

2012

Acrylverf op doek, 40,5 x 40,5 x 4,5 cm, © foto: Rik Vannevel, courtesy van de kunstenaar en Patrick De Brock Gallery, Knokke

Jacqueline Dehond (°1965, België) en Koenraad Uyttendaele (°1962, België) vormen samen het kunstenaarsduo Jacqy duVal. Beiden studeerden aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten te Antwerpen. Jacqueline werkte als vormgever en de-signconsultant voor bedrijven in binnen- en buitenland. Na zijn opleiding schilderkunst specialiseerde Koenraad zich in restaura-tie van historische interieurs en muurschilderingen. Koenraad en Jacqueline werkten ondertussen regelmatig samen aan artistieke projecten waarbij de ervaringen uit beider loopbaan hun artistiek werk verrijkten. De eerste Jacqy duVal tentoonstelling werd in 2011 gehouden.

Jacqueline Dehond (°1965, Belgique) et Koenraad Uyttendaele (°1962, Belgique) forment ensemble le duo d’artistes Jacqy duVal. Tous deux ont étudié à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers. Jacqueline a travaillé comme designer et consultante en design pour des entreprises belges et étrangères. Après sa formation en peinture, Koenraad s’est spécialisé dans la restauration d’intérieurs historiques et de peintures murales. Koenraad et Jacqueline ont régulièrement collaboré dans le cadre de projets artistiques que sont venues enrichir leurs expériences respectives. La première exposition Jacqy duVal s’est tenue en 2011.

Lot 5 Jacqy duVal


Untitled 2015

Tempera op doek, zonder lijst 30 x 45 cm, met plexi 46,3 x 31,3 x 5,7 cm, courtesy van de kunstenaars

De fotografische werken van Barbara de Jonghe (°1981, België) zijn een uitnodiging om mentaal te verdwalen in een geabstraheerde wereld van vormen en kleuren. Fundamenteel in haar werk is de captatie van licht en ritmes die door elkeen anders kunnen geïnter-preteerd worden, naargelang de gemoedstoestand. Tegelijk schrijft ze zich in in een traditie van fundamentele fotografie zoals ook ge-praktiseerd door Bernd & Hilla Becher of Thomas Ruff.

Les œuvres photographiques de Barbara de Jonghe (°1981, Belgique) invitent à s’égarer mentalement dans un univers abstrait de formes et de couleurs. Le travail de l’artiste repose sur la capture de la lumière et sur des rythmes susceptibles d’être interprétés dif-féremment par chacun, selon l’humeur. Barbara de Jonghe s’inscrit, en même temps, dans une tradition de photographie fondamentale telle que celle pratiquée par Bernd & Hilla Becher ou Thomas Ruff.

Lot 6 Barbara de Jonghe


Orchestra Symphony #2

2009

Foto op Chromalux, 170 x 110 cm, editie 3/3, courtesy van de kunstenaar

⁕ Kunstdiner in het atelier van kunstenaar Thomas Lerooy door Kristof en Stefan Boxy.⁕ Art talk door Joost Declercq, directeur museum Dhondt-Dhaenens⁕ Diner voor 8 personen. Creatief concept door Kristof en Stefan Boxy uitgewerkt samen met Thomas Lerooy.⁕ Aperitief, wijnen, vier gangen menu, koffie/thee en versnaperingen geserveerd in het unieke kader van het atelier van internationaal bekend kunstenaar Thomas Lerooy te Brussel. Joost Declercq, directeur van het museum Dhondt-Dhaenens vergezelt u en informeert u over de laatste tendensen in de hedendaagse kunstwereld.⁕ Datum te bepalen in overleg.

⁕ Dîner artistique à l’atelier de l’artiste Thomas Lerooy par Kristof et Stefan Boxy. ⁕ Art talk par Joost Declercq, directeur du musée Dhondt-Dhaenens.⁕ Dîner pour 8 personnes. Concept créatif par Kristof et Stefan Boxy, élaboré en collaboration avec Thomas Lerooy. ⁕Apéritif, vins, menu à quatre services, café/thé et mignardises. Servi dans le cadre unique de l’atelier de l’artiste de renommée internationale Thomas Lerooy, à Bruxelles. Joost Declercq, directeur du musée Dhondt-Dhaenens, vous accompagnera et vous présentera les dernières tendances de la scène artistique contemporaine.⁕ Date à fixer de commun accord.

Lot 7 KunstdinerDîner artistique


Met dank aan/Merci à:Thomas Lerooy (www.thomaslerooy.com)Boxy's (www.boxys.be)

in het atelier van Thomas Lerooyà l’atelier de Thomas Lerooy

Het werk van Leo Gabin vertrekt van een grote fascinatie voor de manier hoe mensen zichzelf en hun naaste omgeving ‘tentoon-stellen’ via webcams of smartphone-camera’s. Leo Gabin doet dit echter zonder moralistische bedenkingen over ons hedendaagse maatschappij te willen formuleren. Het is wel een doorgedreven onderzoek naar wat ‘auteurschap’ betekent, en een in vraagstelling van de genialiteit van de kunstenaar als scheppend individu: ener-zijds door met z’n drieën samen te werken, anderzijds door zich het beeldmateriaal gemaakt door anderen toe te eigenen en te recycleren tot iets nieuws. Leo Gabin is een kunstenaarscollectief bestaande uit Lieven Deconinck, Gaëtan Begerem en Robin De Vooght. In 2015 was hun eerste langspeelfilm A Crackup at the Race Riots te zien in het museum Dhondt-Dhaenens. A walk is een werk dat verband houdt met hun recentste film EXIT/ENTRY. De film vertelt het verhaal van Bonnie, een gepensioneerde lerares, die zich bezig houdt met de verzorging van haar mentaal mindervalide broer en haar blinde hond.

L’œuvre de Leo Gabin part d’une grande fascination pour la ma-nière dont les gens « s’exposent », eux et leur entourage proche, par le biais de webcams ou de smartphones. Leo Gabin le fait cependant sans vouloir formuler de considérations moralisatrices sur notre société contemporaine. Il s’agit, en revanche, d’une en-quête approfondie sur la signification de la qualité d’auteur et d’un questionnement sur la génialité de l’artiste en tant que créateur : d’une part, par le fait qu’ils travaillent à trois, d’autre part, par l’em-prunt de contenu visuel réalisé par d’autres et son recyclage en quelque chose de neuf. Leo Gabin est un collectif artistique com-posé de Lieven Deconinck, Gaëtan Begerem et Robin De Vooght. En 2015, le musée Dhondt-Dhaenens a présenté leur premier film long métrage : A Crackup at the Race Riots. A walk est une œuvre en relation avec leur film récent EXIT/ENTRY. Le film raconte l’his-toire de Bonnie, une enseignante pensionnée, qui soigne son frère handicapé et son chien aveugle.

Lot 8 Leo Gabin


A Walk 2016

Primer en acrylverf op aluminium, 192 x 135 x 4 cm, courtesy van de kunstenaars, Peres Project, Berlijn & Elisabeth Dee, New York

Sinds een tweetal jaar verblijft Andy Wauman (°1975, België) hoofd-zakelijk op Bali, waar zijn poëtisch-anarchistische kunst een invloed heeft ondergaan die hij zelf omschrijft als een soort ‘tropicalisatie’. Onder invloed van de surfcultuur en het vrijheidsgevoel van het afgelegen tropisch eiland is het karakter van zijn taal speelser ge-worden. Met het borduurwerk No is More biedt Andy Wauman te-genwicht aan de onmiddellijke bevrediging die wordt gepusht door overvloedige marketing de dag van vandaag. “Nee” is geen verlies, het betekent vrijheid! Niet toegeven aan de talloze verlokkingen biedt ruimte voor eigen keuzes. No is More maakte deel uit van de solotentoonstelling in Deus Ex Machina Temple of Enthousiasm, Canggu, Bali in 2015 en van de soloshow Tropicalization bij Deweer Gallery in 2016.

Depuis deux ans, Andy Wauman (°1975, Belgique) passe le plus clair de son temps à Bali, où son art anarchiste poétique a été soumis à une influence qu’il définit comme une sorte de « tropi-calisation ». Plongé dans la culture du surf, avec le sentiment de liberté qui règne dans cette île lointaine, son langage a pris un caractère plus enjoué. Avec la broderie No is More, Andy Wauman offre un pendant au contentement immédiat attisé par le marke-ting foisonnant d’aujourd’hui. « Non » n’induit pas une perte, mais une liberté. Ne pas céder aux innombrables tentations laisse de la place à des choix personnels. No is More faisait partie de l’expo-sition solo Deus Ex Machina Temple of Enthousiasm organisée à Canggu (Bali) en 2015 et du show solo Tropicalization présenté à la Deweer Gallery en 2016.

Lot 9 Andy Wauman


No is more 2015

Borduurwerk op doek, zonder lijst 80 x 60 cm, met lijst 100,70 x 78,70 x 3 cm, courtesy van de kunstenaar en Deweer Gallery, Otegem

Voor kunstenaarsduo Sofie Lachaert en Luc d'Hanis zijn leven en werk onlosmakelijk met elkaar verweven. Al meer dan 25 jaar ont-wikkelen zij samen een intrigerend oeuvre van objecten, meubels en plaatsspecifieke installaties, waarin ze de grenzen tussen beel-dende kunst, ambacht en design doorkruisen en in vraag stellen. Elk project is collectief, elk werk een symbiose tussen de designer-zil-versmid en de beeldende kunstenaar. Hun subtiele ingrepen ver-rijken alledaagse voorwerpen die daardoor nieuw leven en nieuwe betekenissen krijgen. Elk werk kan op verschillende niveaus en op verschillende manieren geïnterpreteerd worden. Betekenis en func-tie worden verschoven, zintuigen worden geprikkeld, onverwachte schoonheid wordt geopenbaard. Het werk van Sofie Lachaert & Luc d'Hanis laat boeiende momenten van bewondering, bezinning, stilte en poëzie in het dagelijkse leven ontstaan.

Impossible de dissocier vie et travail dans le vécu quotidien du tandem de créateurs Sofie Lachaert et Luc d’Hanis. Voilà plus de 25 ans qu’ils développent ensemble du mobilier, des objets et des installations contextuelles. Intrigant, leur travail questionne et repousse sans cesse la frontière entre arts appliqués, artisanat et design. Chaque projet est une aventure commune, chaque œuvre le résultat d’une symbiose entre une orfèvre créatrice de bijoux et un plasticien. De subtiles interventions viennent enrichir des objets usuels, leur superposant différentes strates de sens. Chaque pièce peut être interprétée et regardée de diverses façons. La signification et la fonction de l’objet sont décalées, les sens stimulés, laissant apparaître une beauté insoupçonnée. Le travail de Sofie Lachaert & Luc d’Hanis génère des moments de réflexion, de silence, d’interro-gation… une expérience poétique.

Lot 10 Sofie Lachaert& Luc d’Hanis


Precious painter’s palette / VVG’s ‘Starry Night’ for MDD

2016

Lapis lazuli, sodalite, turmaline, quartz, azurite, apatite, chalcantide, pyrargyrite, carnotite, orpiment, purpurite, jasper and chalcedony, goethite, langite, verf op hout, zilveren nagellak, 30 x 25 cm, courtesy atelier Lachaert Dhanis

Tatiana Wolska (°1977, Polen) ontwikkelt haar werken doorheen een onvermoeibare herhaling van steeds hetzelfde proces: geleid door gebaren, geeft ze het werk de tijd nodig om tot stand komen. Het resultaat is een veranderend proces waarin tekeningen en sculptu-ren een dialoog laten ontstaan en een bizar universum creëren vol mutante vormen, landschappen of eender welke andere configura-tie die de kunstenaar en de toeschouwer zouden willen oproepen. Steevast vindt men eenvoud in het gekozen gebaar, alsook een spaarzame benadering in de keuze van materialen. Tatiana Wolska recycleert voornamelijk afval: lege plastic flessen, stukken hout en schuim, oude nagels, afgedankte meubels … Deze keuze ontstaat niet uit een bezorgdheid voor het milieu, maar als een gewoonte die ze in haar jeugd heeft ontwikkeld. Dit kunstwerk bestaat uit een verzameling mineraalwaterflessen; ze zijn versneden, thermogesol-deerd en doorboord met gaten, en roepen een beeld van gewichtlo-ze nimbuswolken of onaangeroerde sneeuwbanken op. Hier opnieuw sublimeert Tatiana Wolska de meest bescheiden vormen door hun schoonheid te onthullen.

Tatiana Wolska (°1977, Pologne) élabore ses œuvres en répétant in-fatigablement le même processus : guidée par les gestes, elle laisse à l’œuvre le temps dont elle a besoin pour prendre forme. Résultat : un processus inconstant dans le cadre duquel les dessins et les sculptures entrent en dialogue pour créer un univers inhabituel riche en formes mutantes, en paysages et en configurations que l’artiste et le spectateur ont envie d’invoquer. Le geste choisi respire toujours la simplicité. Il traduit également une approche économique du choix de matériaux. Tatiana Wolska recycle essentiellement des déchets : bouteilles en plastique vides, morceaux de bois ou de mousse, vieux clous, meubles mis au rebut… Elle n’explique pas ce choix par un souci d’environnement : il s’agit d’une habitude acquise durant son enfance. Cette œuvre d’art est un agglomérat obtenu en assemblant des bouteilles d’eau minérale découpées, thermo-soudées et per-cées de trous, qui font penser à des nimbus légers ou à des bancs de neige immaculée. Tatiana Wolska sublime une fois de plus les formes les plus modestes en révélant leur beauté.

Lot 11 Tatiana Wolska


Untitled 2016

Thermogesoldeerd rood plastiek, 170 x 200 cm, courtesy van de kunstenaar en Irene Laub Gallery (Feizi), Brussel

Ann Veronica Janssens (°1956, Verenigd Koninkrijk, leeft en werkt in België) experimenteert met het ongrijpbare. Toch probeert de kunstenares eerder te experimenteren met de verschillende vormen en verschijningen van het ongrijpbare dan ze werkelijk vast te hou-den. Haar werk is gebaseerd op de zintuiglijke ervaring en op het samenkomen van het lichaam en de ruimte. Ann Veronica Janssens gebruikt licht, kleur, geluid als tastbare materialen voor haar experi-menten rond perceptie van de ruimte en beweging. De meeste van haar sculpturen zijn dan ook niet zomaar te fotograferen, maar zijn intense ervaringen van licht en ruimte.

Ann Veronica Janssens (°1956, Royaume-Uni, vit et travaille en Belgique) questionne l’insaisissable. Elle cherche pourtant moins à contenir son échappée qu’à l’expérimenter dans ses multiples formes et apparitions. Son travail s’appuie sur l’expérience sen-sorielle et sur la rencontre du corps et de l’espace. Ann Veronica Janssens utilise la lumière, la couleur et le son comme matériaux sensibles pour ses expérimentations autour de la perception de l’espace et du mouvement. La plupart de ses sculptures ne sont donc pas simples à être photographiées : il s’agit d’immersions lumi-neuses et spatiales intenses.

Lot 12 Ann VeronicaJanssens


Untitled 2004

Lichtprojectie, halogeen lamp, dichroic kleurenfilter, variabele afmetingen, editie 1/3, © foto: Rik Vannevel, courtesy van Hester van Royen, London

Lot 13 Sam Windett


Sam Windett (°1977, Verenigd Koninkrijk) is één van de sterk opko-mende kunstenaars in Engeland. Hij wordt onder meer vertegen-woordigd door de galerij The approach in Londen en door Marc Foxx in Los Angeles. Sam Windett heeft een grote liefde voor oude en klassieke schilderkundige technieken. De talloze zorgvuldig aangebrachte verflagen zorgen voor een bijzondere textuur en een uitzonderlijke luminositeit. Zijn werken zijn noch abstract, noch figuratief. Het zijn eerder hedendaagse iconen.

Sam Windett (°1977, Royaume Uni) est l'un des artistes émergents au Royaume-Uni. Sam Windett est représenté entre autres par la gallérie The approach à Londres et par Marc Foxx à Los Angeles. Sam Windett a un grand amour pour les techniques de peinture traditionnelles et classiques. Les nombreuses couches de peinture soigneusement appliquées créent une texture singulière et une luminosité exceptionnelle. Ses œuvres ne sont ni abstraites ni figu-ratives. Ce sont plutôt des icônes contemporaines.

Olieverf en collage op doek, 40 x 25 x 2,5 cm, © foto: Guy Braeckman, courtesy van de kunstenaar en Patrick De Brock Gallery, Knokke

Untitled 2016

De in Gent wonende kunstenaar Nicolás Lamas (°1980, Peru) wordt, sinds hij voor het eerst bij Meessen De Clercq getoond werd in 2013, internationaal steeds prominenter aanwezig. Zijn praktijk wordt gevoed door een reflectie over ruimte, tijd, cultuur en wetenschap. Verschillende wetenschappelijke velden (zoals astronomie en fysica) onderzoekend, formaliseert Lamas zijn be-vragingen door middel van diverse media, spelend met codes van het ‘tonen’, door het confronteren van objecten die op het eerste gezicht tegengesteld lijken, om er betekenis en drama uit te laten tevoorschijn komen.

L’artiste Nicolás Lamas (°1980, Pérou) vit à Gand. Depuis sa pre-mière exposition chez Meessen De Clercq en 2013, il est de plus en plus présent sur la scène internationale. Sa pratique est nourrie d’une réflexion sur l’espace, le temps, la culture et les sciences. Explorant différents champs scientifiques comme l’astronomie ou la physique, Lamas formalise ses interrogations en utilisant divers médias, en jouant sur les codes de monstration, en confrontant des objets a priori opposés pour en faire surgir du sens et du drame.

Lot 14 Nicolás Lamas


Paul 2014

Inkjet print op glanzend papier, met certificaat, zonder lijst 150 x 113 cm, met lijst 153,5 x 117 cm, courtesy van de kunstenaar en Meessen De Clercq, Brussel

De Brusselse ‘Urban Art’ kunstenaar Denis Meyers (°1979, België) werkte vele maanden in het afgedankte Solvay-gebouw in Elsene, waar hij de wanden, deuren en vensters van het 20.000m² grote complex met zwarte spuitbussen voorzag van teksten en beelden uit zijn leefwereld. Het project, dat Remember Souvenir heette, was een groot succes: vele duizenden bezoekers schoven de laatste maan-den aan om de wereld van Denis Meyers te verkennen. Binnenkort wordt dit gigantisch werk vernietigd door de sloop van het gebouw, maar een aantal elementen, zoals de beschilderde deuren, konden gerecupereerd worden. De te veilen deur is overigens nog gefabri-ceerd door het Kortrijkse meubelbedrijf De Coene.

L’artiste urbain bruxellois Denis Meyers (°1979, Belgique) a travaillé pendant des mois dans l’ancien bâtiment de Solvay à Ixelles. Il a utilisé une bombe de peinture noire pour recouvrir les murs, les portes et les fenêtres de ce complexe de 20 000 m²de mots et de dessins tirés de son univers. Baptisé Remember Souvenir, le projet a remporté un franc succès : des milliers de visiteurs se sont pres-sés dans le bâtiment ces derniers mois pour explorer le monde de Denis Meyers. Cette œuvre gigantesque sera bientôt détruite lors de la démolition du bâtiment, mais plusieurs éléments pourront être ré-cupérés, notamment les portes peintes. La porte mise aux enchères est d’ailleurs encore fabriquée par l’entreprise courtraisienne de mobilier De Coene.

Lot 15 Denis Meyers


Denken & Dream 2016

Montana spuitbus, acrylverf, massieve houten deur, 209 x 92,5 x 7,2 cm, © foto: Jean-Michel Byl, courtesy van de kunstenaar

De meest recente werken van Collin Penno (°1980, Duitsland) kunnen worden opgevat als het eindpunt en het startpunt van vele jaren conceptuele en experimentele analyse van de conventies van representatie, intermedialiteit en transmedialiteit, alsook de kunst-historische erfenis van de 20 eeuw. Doorheen zijn benadering stelt hij conventionele kijkgewoonten in vraag en doorbreekt hij de tradi-tionele grenzen tussen verschillende media en disciplines, zonder hierbij echter speelse, associatieve momenten op te offeren. Penno ontwikkelt werken die bewust tussen verschillende media en disciplines balanceren en het beeld een object laten worden. Het is precies deze “tussenstaat” die de kunstenaar interesseert. Het komt tot uitdrukking in zijn behandeling van stroken doek die aan elkaar zijn genaaid als zogenaamd “beeldvormend” materiaal, in zijn schijn-baar spel met penseelvoering dat bij nadere beschouwing uit puur drukraster bestaat, of in het wegbleken van reeds bestaande kleur uit het voorgeverfde doek. (Uit een tekst van Axel Braun.)

Les œuvres les plus récentes de Colin Penno (°1980, Allemagne) peuvent être comprises, d’une part, comme la conclusion et le point de départ de nombreuses années d’analyse conceptuelle et expéri-mentale des conventions de la représentation, de l’intermédialité et de la transmédialité et, d’autre part, comme l’héritage historique du XXe siècle. Son approche défie les habitudes d’observation établies et franchit les traditionnelles frontières entre les médias et les dis-ciplines sans sacrifier les moments joyeusement associatifs. Penno développe des œuvres qui oscillent consciemment entre les médias et les disciplines et permettent à la photo de devenir un objet. C’est précisément cet « entre-deux » qui intéresse l’artiste. Il transparaît dans sa manipulation de bandes de toile cousues ensemble en un matériau « formant une photo », dans son utilisation ludique de ce qui semble être un travail au pinceau, mais qui, à y regarder de plus près, se compose en réalité d’une simple trame d’impression ou encore dans la décoloration d’une couleur existante issue du coton préteinté. (Extrait d’un texte d’Axel Braun.)

Lot 16 Colin Penno


Untitled Stripes No 26

2015

Acrylverf, olieverf, inkt, zeefdruk op doek, in stroken aan elkaar genaaid, 200 x 140 x 5 cm, courtesy van de kunstenaar en Berthold Pott, Keulen

Het werk van Renato Nicolodi (°1980, België) verwijst voornamelijk naar grootstedelijke architectuur. Via gesimuleerde beelden, op schaal gemaakte sculpturen en sitespecificieke installaties wordt de toeschouwer uitgenodigd tot het afleggen van een fysieke en visuele zoektocht binnen de architectonische vormen van het werk. De steeds terugkomende subjectieve zwarte ruimte, die voor de toeschouwer onbereikbaar blijft, nodigt hem uit tot reflectie en/of mentale benadering.

Le travail de Renato Nicolodi (°1980, Belgique) renvoie principale-ment à l’architecture des grandes villes. À l’aide d’images simulées, de sculptures à l’échelle et d’installations in situ, le spectateur est invité à accomplir une quête physique et visuelle parmi les formes architectoniques de l’œuvre. L’espace noir subjectif récurrent, qui reste inaccessible pour le spectateur, invite celui-ci à une réflexion et/ou à une approche mentale.

Lot 17 Renato Nicolodi


2016

Acrylverf op papier, zonder lijst 70 x 70 cm, met lijst 74 x 74 x 3 cm, courtesy van de kunstenaar en Axel Vervoordt Gallery, Antwerpen

Claustrum IV

In de afgelopen twee jaar is figuratie zo goed als verdwenen uit de nu aanzienlijk kleiner geworden schilderijen van Loïc Raguénès (°1968, Frankrijk). Dit zowel in formaat als in kleur. Op net-niet vierkante platen brengt Loïc Raguénès grondlagen van grijze gesso aan die hij daarna wegschuurt, totdat het oppervlak rijk en gevari-eerd is. Een aantal lichter gekleurde stippen verraden het gebruik van een sjabloon. Deze zijn initieel getraceerd in potlood, maar de stippen zijn weliswaar met de vrije hand aangebracht. Geen enkele cirkel is perfect en van dichtbij bekeken merk je steeds een reeks spatten eromheen. Geen twee stippen zijn helemaal gelijk — de kleurtonen zijn soms zeer verschillend of juist haast onmerkbaar. Ze zijn opgebouwd uit lagen gouache, vaak zo dik dat er craquelures ontstaan onder het gewicht van de verf.

Ces deux dernières années, la figuration a pratiquement disparu des toiles de Loïc Raguénès (°1968, France). Elle s’est considé-rablement réduite en termes de taille et de gamme de couleurs. Raguénès applique des couches de gesso gris sur des panneaux presque carrés et les décape au fur et à mesure jusqu’à ce que la surface soit aussi riche et variée qu’elle est unie. Parmi les pois plus clairs, certains trahissent l’utilisation d’un gabarit d’abord tracé au crayon alors que les pois proprement dits sont appli-qués à main levée puisqu’aucun ne forme un cercle parfait. Une inspection plus poussée révèle d’ailleurs toujours une ondée de projections autour des cercles. Il n’y a pas deux pois identiques — les différences de nuances sont tantôt évidentes, tantôt imper-ceptibles. Les pois se composent de couches de gouache souvent si épaisses qu’elles commencent à craqueler sous le poids de la peinture.

Lot 18 Loïc Raguénès


Méthode Des Méthodes

2016

Gesso en tempera op hout, met lijst 54 x 52 cm, kunstenaarslijst, courtesy van de kunstenaar en C L E A R I N G, New York-Brussel

De sculpturen van Brian Rochefort (°1987, Verenigde Staten) provo-ceren de kijker met angstwekkende scenes van wanorde en chaos, die er ons aan herinneren dat de Horror Vacui daadwerkelijk be-staat. De verleidelijke rotzooi en smurrie die ons leven doordringen, ondanks onze verwoede pogingen om ze in te perken, vormen de permanente aanwezigheid op het voorplan van het werk. Het werk, bevroren momenten van wanordelijkheid en troebelheid, schreeuwt ons toe om het nakende onontwikkelde op te merken en te om-armen. Groezelige, onduidelijke ideeën transformeren in mooie vloeistofachtige klodders en gekletter wordt klaarheid. De drager fungeert tegelijkertijd als doek en als laboratorium.

Les sculptures de Brian Rochefort (°1987, États-Unis) balancent les états d’angoisse du désordre et du chaos au visage du spectateur, en nous rappelant que « l’horreur du vide » existe. La mélasse et le bazar attrayants qui envahissent nos vies, peu importe les efforts que nous déployons pour les contenir, forment une présence in-sistante à l’avant-plan de l’œuvre. En figeant des instants troubles et désordonnés, les œuvres nous implorent de prêter attention et d’accueillir l’inachevé qui se profile. Des idées vagues et poussié-reuses se transforment en adorables gouttes d’aspect liquide et le fracas trouve le chemin de la clarté. Le récipient fait à la fois office de toile et de laboratoire.

Lot 19 Brian Rochefort


Vase 2015

Geglazuurd keramiek, 20 x 18 cm, courtesy van Sorry We’re Closed/Sébastien Janssen, Brussel

⁕ Zes personen, onder begeleiding van Joost Declercq⁕ Driedaags verblijf in Milaan van do. 30.03 tot zo. 2.4.2017⁕ Bezoek aan Pinacoteca Agnelli, Pinacoteca di Brera, Het Laatste Avondmaal door Leonardo da Vinci in Santa Maria delle Grazie, de Prada Stichting, toonaangevende galerijen, Miart en enkele private collecties.⁕ Heen & terug met Brussels Airlines in flex economy: Heen Zaventem: 30.3.2017 om 9:45 Aankomst Milaan Linate: 11:20 Terug Milaan Linate: 02.4.2017 om 18:50 Aankomst Zaventem: 20:20⁕ 3 nachten dubbele kamer in Starhotels Rosa Grand ****⁕ Maaltijden en transport ter plaatse zijn niet inbegrepen ⁕ Vluchten, hotel, toegangstickets musea, begeleiding inbegrepen

⁕Six personnes, sous la direction de Joost Declercq⁕ Séjour de trois jours à Milan du jeu. do. 30.03 au di. 2.4.2017⁕ Visite de la Pinacoteca Agnelli, la Pinacoteca di Brera, La Cène de Leonardo da Vinci à l’église Santa Maria delle Grazie, la Fondation Prada, des galeries renommées, Miart et de collections privées.⁕ Aller & retour avec Brussels Airlines en flex economy (*): Aller Zaventem: 30.3.2017 à 09:45 Arrivée Milan Linate: 11:20 Retour Milan Linate: 02.4.2017 à 18:50 Arrivée Zaventem: 20:20⁕ 3 nuits en chambre double au Starhotels Rosa Grand ****⁕ Repas et transport sur place ne sont pas compris⁕ Vols, hôtel, tickets d’entrée des musées, visites guidées par Joost Declercq sont compris.

Lot 20 KunstreisVoyage artistique


Met dank aan/Merci à:Art Travel/Atlas Reizen, Vanessa Vande Vyvere/Bert Uyttenbroeck

2017naar Milaanà Milan

De objecten die Timothy Segers (°1983, België) maakt, ontstaan uit lichte, spontane, geïmproviseerde gebaren, die in een moment opwellen. Zonder hun ultieme bestemming te kennen, bedenkt hij ze als onbepaalde objecten die door anderen kunnen worden opgesteld: de curator, de verzamelaar, en uiteindelijk ook de toe-schouwer. Segers maakt een snelle tekening op zijn iPad, die hij dan vervormt met vectoriële programma’s en daarna vergroot in gepoe-derlakte staalplaat die met magneten aan de muur wordt opgehan-gen. Het gaat hem vooral om de uiteindelijke situatie waarin het werk terecht komt — de omgeving, het exposeren ervan, en de mensen die het zien. De muurobjecten van Timothy Segers hebben in feite het aspect van grafische vlakke vormen die hun eigen ruimtelijkheid overstijgen. Met hun empathische zwartheid, creëert de kunstenaar een visuele slingerbeweging tussen oppervlak en de illusie van diepte: een trompe l’oeil. (Extract uit een tekst van Bruno Leitão en Kate Christina Mayne)

Les objets que Timothy Segers (°1983, Belgique) crée sont le ré-sultat de gestes légers, spontanés et improvisés qui jaillissent à un moment précis. Sans en connaître la finalité ultime, l’artiste les imagine comme des objets indéterminés, susceptibles d’être agen-cés par d’autres : le curateur, le collectionneur et, enfin, le specta-teur. Timothy Segers trace un rapide croquis sur son iPad avant de le transformer à l’aide de programmes vectoriels et de l’agrandir sur une plaque d’acier revêtue d’une laque en poudre et accrochée au mur avec des aimants. Ce qui l’intéresse avant tout, c’est la situation finale dans laquelle l’œuvre sera présentée — l’environnement, le mode d’exposition, le public. Les objets muraux de Timothy Segers s’apparentent en fait à des formes graphiques plates qui dépassent leur propre espace. L’artiste se sert de leur noirceur empathique pour créer un mouvement visuel de balancier entre la surface et l’illusion de profondeur ; un trompe-l’œil. (Extrait d’un texte de Bruno Leitão et Kate Christina Mayne)

Lot 21 Timothy Segers


Untitled (Utop) 2016

Roestvrij staal, 120 x 260 cm, courtesy van de kunstenaar en Tommy Simoens, Antwerpen

Jessica Rankin (°1971, Australië) is vooral bekend om haar uitge-strekte hemelkaarten en landschappen die zijn bezaaid met codes, tekens en symbolen die verwijzen naar de processen van herinne-ring, intuïtie, en interpretatie. Rankin begint vaak haar creatieve pro-ces met het geschreven woord, een combinatie van stream of cons-ciousness, gevonden teksten, verhalen, herinneringen en vluchtige gedachten. Ze knipt vervolgens individuele woorden en zinnen uit en stelt ze opnieuw samen in nieuwe reeksen door gebruik te maken van een methode van “begeleid toeval”. Deze clusters van teksten worden vervolgens geïntegreerd in Rankins tekeningen en borduur-sels. Door te focussen op een discreet, privaat ogenblik, plaatst Rankin het persoonlijke in een bredere macro-relatie met tijd en ruimte. In het voorjaar van 2016 presenteerde het Museum Dhondt-Dhaenens de duotentoonstelling Julie Mehretu/Jessica Rankin.

Jessica Rankin (°1971, Australie) est célèbre pour ses cartes cé-lestes et ses paysages expansifs, parsemés de codes, de signes et de symboles qui renvoient aux processus de la mémoire, de l’intui-tion et de l’interprétation. Elle entame souvent son processus créa-tif par l’écrit, en combinant un flux de conscience, des textes, des histoires, des souvenirs et des pensées fugaces. Elle sépare en-suite les mots et les locutions et elle les réassemble pour former de nouvelles séquences selon une méthode qu’on pourrait quali-fier de « hasard accompagné ». Rankin intègre alors ces groupes de textes dans ses dessins et ses broderies. En se concentrant sur un moment privé et discret, Rankin replace le côté personnel dans une macro-relation plus large au temps et à l’espace. Au printemps 2016, le musée Dhondt-Dhaenens a présenté la double exposition Julie Mehretu/Jessica Rankin.

Lot 22 Jessica Rankin


But Our Victimhood Gets Trying

2014

Collage op papier, zonder lijst 30 x 30 cm, met lijst 49,3 x 49,5 x 4,2 cm, courtesy van de kunstenaar en carlier | gebauer, Berlijn

Lorna Simpson (°1960, Verenigde Staten) is een Afro-Amerikaanse kunstenaar en fotograaf, die haar naam maakte in de jaren 1980 en 1990 en beschouwd wordt als één van toonaangevende kunstenaars van haar generatie. Lorna Simpson over haar collages: “Ik kan mijn originele interesse in gevonden beelden terugleiden naar het mo-ment waarop ik een verzameling oude Ebony tijdschriften van mijn oma ontdekte. Ik vond ze echt fascinerend om naar te kijken omdat ze zo contextueel waren — uit een bepaalde tijd en voor een be-paalde doelgroep. Van daaruit ben ik begonnen met het verzamelen van honderden Ebony en Jet tijdschriften en andere, vergelijkbare uitgaves, gaande van de late jaren 1930 tot de late jaren 1970. Voor mij roepen die beelden mijn kindertijd op, maar ze zijn ook een lens waardoor de Amerikaanse geschiedenis van de afgelopen vijftig jaar gezien kan worden.”

Lorna Simpson (°1960, États-Unis) est une artiste et photographe afro-américaine qui s’est fait connaître dans les années ’80 et ’90. Elle est considérée comme l’une des plus grandes artistes de sa génération. « Mon intérêt pour les images trouvées remonte au jour où j’ai découvert les magazines Ebony de ma grand-mère », explique Lorna Simpson à propos de ses collages. « J’adorais les regarder, car ils étaient extrêmement contextuels — à un moment particulier et pour un public particulier. À partir de là, j’ai commencé à ras-sembler des tonnes de magazines Ebony, Jet et d’autres supports imprimés du même acabit datant des années ’30 à la fin des années ’70. Si les images me rappellent mon enfance, elles offrent aussi un prisme à travers lequel regarder les cinquante dernières années de l’Histoire américaine. »

Lot 23 Lorna Simpson


Riunite & Ice, collage #11

2014

Collage en inkt op papier, met lijst 76,84 x 59,37 cm, courtesy Galerie Nathalie Obadia, Brussel-Parijs

Philip Van Isacker (°1949, België) is beeldhouwer en kunsthistoricus. Vanaf 1980 exposeert hij zijn werk, aanvankelijk als schilder maar vrij snel als beeldhouwer. In zijn meer recente werken verschijnen organische en lichamelijke elementen en ook videobeelden. Het gebruik van diverse materialen — zoals brons, klei en was — en de verschillende werkwijzen doen vormen ontstaan in een dialectische confrontatie van de klassieke vorm en de aanvaarding van de nooit ophoudende twijfel resulterend in steeds hetzelfde onaffe resultaat: enkel het onvoltooide is compleet.

Philip Van Isacker (°1949, Belgique) est sculpteur et historien d’art. Il commence à exposer son travail en 1980, d’abord en tant que peintre, puis rapidement sous la casquette de sculpteur. Ses œuvres plus récentes mettent en scène des éléments organiques et phy-siques ainsi que des images vidéo. L’utilisation de divers matériaux — comme le bronze, l’argile et la cire — et les différentes méthodes de travail donnent naissance à des formes dans une confrontation dialectique de la forme classique et l’acceptation du doute inces-sant. Le processus débouche toujours sur le même résultat inache-vé : seul l’inachevé est complet.

Lot 24 Philip Van Isacker


Drawing without properties (study for the relief of the pavilion)

2013

Grafiet op papier, zonder lijst 96 x 64,5 cm, met lijst 99 x 67 x 4 cm, © foto: Rik Vannevel, courtesy van de kunstenaar en stephane simoens contemporary fine art, Knokke-Zoute

De vroege schilderijen van Terry Winters (°1949, Verenigde Staten) werden beïnvloed door de monochromatische benaderingen van het minimalisme. Winters’ voorliefde voor tekenen en zijn groeien-de belangstelling voor weergave leidden hem naar het ontwikkelen van schematische verwijzingen naar biologische, astronomische of architectonische structuren als onderwerp van zijn schilde-rijen. Tegen de vroege jaren 1980 waren deze geëvolueerd tot losse rasters van organische vormen op een achtergrond van weelderig geschilderde vlakken. Winters’ eerste solotentoon-stelling in New York vond plaats in de Sonnabend Gallery (1982). Overzichtstentoonstellingen van zijn kunst werden eerder georga-niseerd in het Los Angeles County Museum of Contemporary Art (1991) en het Whitney Museum of American Art (1991).

Les premières toiles de Terry Winters (°1949, États-Unis) étaient influencées par les approches monochromatiques du minima-lisme. L’amour de Winters pour le dessin et son intérêt croissant pour le portrait l’ont néanmoins amené à introduire des références schématiques à des structures biologiques, astronomiques ou architecturales comme sujet de ses toiles. Au début des années ’80, cela donne lieu à des entrelacs de formes organiques sur des champs luxuriants. Winters a exposé pour la première fois en solo à New York en 1982, à la Sonnabend Gallery. Des expositions ré-trospectives de ses œuvres ont été organisées par le Los Angeles County Museum of Contemporary Art (1991) et le Whitney Museum of American Art (1991).

Lot 25 Terry Winters


Grafiet op papier, zonder lijst 43 x 52 cm, met lijst 63 x 72,5 x 3 cm, © foto: Rik Vannevel, courtesy van Jablonka Maruani Mercier Gallery, Brussel-Knokke

Untitled 1991


Untitled 1991


Untitled 1992

De schilderijen van Liam Everett (°1973, Verenigde Staten) zijn het resultaat van zeer intensief ‘atelierwerk’. De meeste werken zijn opgebouwd uit vele verflagen en een combinatie van verschillende verfsoorten. Vaak gaat hij de verfkorst op het doek ook opnieuw bewerken, bijvoorbeeld door delen van de verflaag af te schuren of door de doeken buiten te leggen waardoor zon en wind het droog-proces mee gaan bepalen. Wat hem in het bijzonder fascineert, is het feit dat de werken een diepte suggereren door de vele verflagen, maar je tegelijk geconfronteerd wordt met de onmogelijkheid om verder te kijken dan de bovenste laag. Vandaar word je als toeschou-wer uitgedaagd om in de ruimte rondom het werk verschillende invalshoeken te nemen om toch meer te zien te krijgen.

Les peintures de Liam Everett (°1973, États-Unis) sont le fruit d’un « travail en atelier » très intensif. Son œuvre consiste à peindre, sans tendre vers une image finale. La plupart de ses œuvres se composent de plusieurs couches et associent différentes sortes de peinture. Il retravaille souvent la surface de la toile, par exemple en grattant des parties de la couche de peinture ou en installant ses toiles à l’extérieur pour que le soleil et le vent influencent le processus de séchage. Une chose fascine particulièrement l’artiste : les nombreuses couches de peinture donnent une impression de profondeur, mais, en même temps, le spectateur est confronté à l’impossibilité de voir plus loin que la couche supérieure. Le specta-teur est donc obligé d’observer l’œuvre sous différents angles pour la découvrir davantage.

Lot 26 Liam Everett

Live veiling/Vente aux enchères LiveOlieverf, inkt en grafiet op canvas, 93,3 x 80 x 3,3 cm, courtesy van de kunstenaar en Office Baroque, Brussel

Untitled (salvia coccinea)

2016

veiling

internet

internet

Vente aux

encheres

paddle8Nous collaborons à

nouveau avec Paddle8, la maison internationale spécialisée dans les ventes

caritatives. La vente aux enchères internet ouvre sur Paddle8 (www.paddle8.com/auctions) le mercredi

24 août 2016 à partir de 11:00 et se termine le 3 septem-bre 2016 à minuit. Lors de la Garden Party il y aura un cer-tain nombre de iPads dans la tente festive vous permettant

de miser jusqu’à minuit. Le mercredi 24 août 2016 à partir de 11:00 vous pourrez également miser online sur les œuvres

de la vente aux enchères Christie’s (www.paddle8.com/auctions). Cette vente sera clôturée online le 2 sep-tembre 2016 à 17:00. La mise la plus élevée entre

également dans la vente aux enchères Chris-tie’s le soir de la Garden Party.

Dit jaar werken we opnieuw samen met Paddle8, een internationaal

bureau gespecialiseerd in benefietveilingen. De internetveiling Paddle8 (www.paddle8.com/

auctions) opent reeds vanaf 11:00 op woensdag 24 augustus 2016 en sluit af op 3 september 2016 om

24:00. Gedurende deze avond zijn er een aantal iPads in de feesttent beschikbaar die u toelaten te bieden tot middernacht. Op de werken die op 3 september 2016 door Christie’s live geveild worden kan online geboden

worden vanaf 11:00 op woensdag 24 augustus 2016 (www.paddle8.com/auctions) en dit tot 17:00 op 2 september 2016. Het hoogste bod dat door

Paddle8 werd ontvangen, geldt tevens als bod voor de Christie’s veiling tijdens

het Tuinfeest.

De eerste tentoonstelling van Arne Bastien (°1989, Eeklo) in onze galerie in 2014 was voor veel bezoekers een confrontatie met een nieuw denken over schilderkunst. De kunstenaar schrijft hierover zelf: "Schilderkunstig oeuvre ontstaat vaak vanuit een zekere vorm van contaminatie. Een eerste voorbeeld is een vorm van ‘intellectue-le contaminatie’, gaande van alles dat het subject beïnvloedt om tot een bepaalde vorm te komen, daar inhoud aan te geven, en die vorm te behouden. Een tweede vorm van ‘fysieke contaminatie’, vertrek-kende vanuit het handelen met verf, heeft te maken met de fysieke eigenschappen van het medium. Het is belangrijk dat deze twee vormen onlosmakelijk met elkaar verweven zijn. De tekens die zich binnen de interne logica van één werk manifesteren worden in de samenkomst van verschillende werken aangevuld en dragen bij aan het ontstaan van een nieuw geheel.” Er waren lovende kritieken van verzamelaars en curatoren, en we gaan Arne blijven ondersteunen.

La première exposition d’Arne Bastien (°1989, Eeklo) dans notre galerie, en 2014, a confronté bon nombre de visiteurs à une nouvelle approche de la peinture. L’artiste emploie lui-même ces termes : « L’œuvre picturale découle souvent d’une forme de contamination. Un premier exemple est une forme de ‘contamination intellectuelle’, qui inclut tout ce qui incite le sujet à parvenir à une certaine forme, à lui donner du sens et à la conserver. La deuxième forme de conta-mination est la ‘contamination physique’. Elle trouve son origine dans l’utilisation de la peinture et porte sur les caractéristiques physiques du support. Il importe que ces deux formes soient in-dissociablement imbriquées. Les signes qui se manifestent au sein de la logique interne d’une seule œuvre se voient complétés par le rassemblement de différentes œuvres et contribuent à l’émergence d’un nouvel ensemble. » Les collectionneurs et les curateurs n’ont pas tari d’éloges et nous continuerons de soutenir Arne.

Arne BastienLot 27

Voorgedragen door/Nominé par: Bert De Leenheer & Dirk Van Hecke, Galerie Transit, Mechelen

Zonder titel 2014

Olieverf, hoogglanslak, marmerpoeder en kalk op gyproc paneel, 75 x 52 cm, courtesy van de kunstenaar en Galerie Transit, Mechelen

Het werk van Léa Belooussovitch (°1989, Parijs) is geëngageerd, innovatief en bijzonder verrassend. Het eerste contact is troeblerend want we beseffen dat het wazige beeld deel uitmaakt van het figu-ratieve register en dat onze waarneming aangetast is door de keuze van vilt als draagvlak waardoor we een niet-figuratief beeld zien met precieze kleuren maar toch van een grote zachtheid. Dit contras-teert sterk met de door Léa gekozen thema’s die sociale drama’s inhouden. De onderwerpen komen uit de pers en vertellen over menselijke drama’s die ze dan omwikkelt met vilt en zachtheid. De invraagstelling is actueel: hoe leven, omringd door zoveel tragedies binnen onze beschermende cocon.

Le travail de Léa Belooussovitch (°1989, Paris) est engagé et inno-vant et particulièrement surprenant. Le premier contact est désta-bilisant, car l’on se rend compte que l’image estompée fait partie du registre figuratif, mais notre perception, altérée par le choix du feutre comme support, nous donne plutôt une image non figu-rative aux couleurs marquées, mais d’une grande douceur. Ceci contraste étonnamment avec les sujets choisis par Léa qui sont de l’ordre du drame social. En effet empruntées à la presse, les images nous relatent des drames humains qu’elle nous représente enrobés de feutre et de douceur. Le questionnement est d’actuali-té : comment vivre entouré de tant de drames à l’intérieur de notre cocon protecteur.

Lot 28

Voorgedragen door/Nominé par: Cédric Lienart de Jeude

Léa Belooussovitch

Ecuador 2016

Kleurpotlood op vilt, zonder lijst 80 x 60,5 cm, met lijst 86 x 66,5 cm, met certificaat, courtesy van de kunstenaar

Het werk van Martin Belou (°1986, L’Union, Frankrijk) speelt met het idee van rituelen en vormen die alle menselijke leeftijden en cultu-ren beheersen, met een bijzondere aandacht voor de rituelen die gerelateerd zijn met welzijn. Het werk is seizoensgebonden en wordt gevormd door verschillende hoofdstukken en oscilleert tussen uitgevoerde sculpturen, een workshop en de ontwikkeling van een decorum voor deze dingen. Er is vaak iets te ruiken, iets dat op-warmt, iets om in te zwemmen … Belou mengt allerlei materialen en technieken met veel verwijzingen, net zo veel uit de kunstgeschiede-nis als uit onze diepe en eeuwenoude gevoeligheden.

L’œuvre de Martin Belou (°1986, L’Union, France) joue sur l’idée des rituels et des formes qui dominent tous les âges et toutes les cultures, avec une attention particulière pour les rituels liés au bien-être. Calqué sur les saisons, son travail se compose de plusieurs chapitres et oscille entre la sculpture, l’atelier et la mise en place d’un décorum pour ces éléments. Il est souvent ponctué d’une odeur, d’une source de chaleur, d’un endroit où nager … Belou mélange toutes sortes de matériaux et de techniques riches en ré-férences tirées de l’histoire de l’art ou de nos sensibilités séculaires les plus profondes.

Lot 29

Voorgedragen door/Nominé par: Sybille du Roy, directrice Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

Martin Belou Palm 2016

Olieverf op marmer, 70 x 40 cm, courtesy van de kunstenaar

Ernesto Burgos (°1979, Santa Clara) is een veelbelovende Chileens-Amerikaanse kunstenaar die met zijn organische werken een sculp-turale ambacht combineert met schilderkunst. Burgos transformeert alledaagse materialen zoals karton, glasvezel en hars doorheen een intens proces van verschillende manipulaties. Hij is geïnteresseerd in objecten die veranderlijk zijn en waarvan het proces zichtbaar is in het eindresultaat. Zijn werken bezitten een natuurlijke aantrek-kingskracht en stralen een zekere spanning en energie uit. Ze vech-ten tegen de zwaartekracht, balanceren, staan rechtop terwijl ze zouden willen plat liggen … Er spreekt een vlugge, ongeplande en gestuele impuls uit de materialen en de chaos van de penseelstre-ken en sporen van spray paint. De invloedrijke Amerikaanse kunst-critica Roberta Smith beschreef het als volgt: “In a way, Mr. Burgos is combining bad painting and bad sculpture to make something that is more than the sum of its parts.”

Ernesto Burgos (°1979, Santa Clara) est un artiste américano-chilien prometteur dont les œuvres organiques associent l’artisanat sculp-tural à la peinture. Burgos transforme des matériaux contemporains comme le carton, la fibre de verre et la résine au fil d’un processus intense composé de diverses manipulations. Il s’intéresse aux objets changeants, dont le résultat final laisse entrevoir le processus. Ses œuvres possèdent un pouvoir d’attraction naturel. Elles respirent la tension et l’énergie. Elles luttent contre la pesanteur, balancent, se tiennent à la verticale alors qu’elles devraient être à l’horizontale… Les matériaux ainsi que le chaos des traits de pinceau et des traces de peinture à la bombe traduisent une impulsion gestuelle rapide, imprévue. La critique artistique américaine influente Roberta Smith décrit l’artiste comme suit : « Dans un sens, M. Burgos combine la mauvaise peinture et la mauvaise sculpture pour créer quelque chose qui va plus loin que la somme de ses parties. »

Lot 30

Voorgedragen door/Nominé par: Laurence Dujardyn, director Gladstone Gallery, New York, mede-oprichter Bunk Club

Ernesto Burgos Untitled 2015

Karton, glasvezel, acryl, houtskool, 51 x 36 x 53 cm, courtesy van de kunstenaar en The Goma Gallery, Madrid

De voorgestelde tekening van Els Ceulemans (°1966, Mortsel) is gemaakt met potlood en acryl. Het is een reflectie over een complexe samenleving waarin iedereen wanhopig tracht overeind te blijven. Dit wordt gevisualiseerd door het samenbrengen van verschillende her-kenbare elementen, die een nieuwe context creëren die na de her-kenning de vervreemding en verwarring laten binnensluipen.

Le dessin d’Els Ceulemans (°1966, Mortsel) présenté est réalisé au crayon et à l’acrylique. Il s’agit d’une réflexion portant sur la société complexe où tout le monde tente désespérément de rester debout. Cette réflexion se traduit visuellement par la réunion de divers élé-ments reconnaissables qui créent un nouveau contexte. Une fois identifiés, ces éléments laissent place à l’aliénation et à la confusion.

Lot 31

Voorgedragen door/Nominé par: Jan Dhaese, galerist, Gent

Els Ceulemans Let’s play games - F 2014

Potlood en acrylverf op papier, zonder lijst 102 x 72 cm, met lijst 73 x 103 x 3,5 cm, courtesy van de kunstenaar

Alexandra Chaushova (°1985, Sofia, Bulgarije) zoekt naar bouwme-chanismen van de geschiedenis. Ze gebruikt hiervoor archiefstuk-ken die ze niet alleen benadert als getuigen, maar ook als “in-gang-zetters”, en waarin ze een fictieve kracht laat ontwaken. Met haar tekeningen, schilderijen, artistieke edities en boeken, geeft ze vorm aan een grillig, tragikomisch, vreemd en bedwelmend univer-sum waarvan de poëtische kracht haar kritische blik onderstreept over de fundamenten van het geloof in een feitelijke historiek. Deze is onvermijdelijk beïnvloed door die kleine anonieme, indivi-duele ficties van hen die hebben bijgedragen tot de realisatie van documenten en van hen die in het verleden of vandaag de bestem-meling zijn. Alexandra Chaushova nam deel aan de groepstentoon-stelling ReSiDuE naar aanleiding van haar residentie in het Wiels in 2013. Het was hier dat ik haar werk ontdekte en in 2015 hebben we samen gewerkt in het kader van een workshop in ISELP.

Alexandra Chaushova (°1985, Sofia, Bulgarie) sonde les mécanismes de construction de l’histoire que révèlent les documents d’archives qu’elle aborde comme étant à la fois les témoins et les agents, et dont elle éveille la charge fictionnelle. Au gré de ses dessins, peintures, éditions et livres d’artiste, elle donne corps à un univers fantasque, tragicomique, étrange et enivrant, dont la puissance poé-tique souligne le regard critique qu’elle porte sur les fondements de la foi en une factualité historique, inéluctablement emprise de ces petites fictions anonymes, individuelles, de ceux qui ont contribué à la réalisation des documents et de ceux qui, d’alors ou d’aujourd’hui, en sont les destinataires. Alexandra Chaushova participait à l’expo-sition collective ReSiDuE qui faisait suite à sa résidence au Wiels en 2013. C’est alors que j’ai découvert son travail et en 2015, nous avons collaboré dans le cadre d’un workshop à l’ISELP.

Lot 32

Voorgedragen door/Nominé par: Pauline Hatzigeorgiou, chargée de médiation à l’ISELP, Bruxelles

Aleksandra Chaushova

Vraisemblance 2014–2016

Kunstenaarsboek gebonden door de kunstenaar/digitale druk + originele potloodtekening op papier, 24,6 x 20,2 x 1 cm (boek), 16 x 14,5 cm (tekening), editie 1/10, courtesy van de kunstenaar

Tijdens hongerige momenten in het atelier kwam het wel eens voor dat Kasper De Vos (°1988, Antwerpen) in bepaalde materialen etenswaren begon te herkennen. Met een voorkeur voor junk food, verboden vrucht van onze samenleving. De Vos kunnen we, in deze zogenaamd post-mediale tijden, als een onvervalste beeldhouwer bestempelen, ook al maakt hij tevens collages, tekeningen en schil-derijen. Een essentieel kenmerk van sculpturaal werk is dat het, naast een beeld, ook zo manifest en concreet een ding is. Dat is een span-ning die De Vos graag bespeelt, bijvoorbeeld wanneer een sculptuur de vorm van een stoel, een barbecue, een boom, een burger of een combinatie van dat alles aanneemt. Het Smoske dat u wordt geser-veerd, bestaat uit overschotten van isolatieplaten, gelardeerd met silicone, pu-schuim, plastieken buis en dito vuilniszak. Smakelijk!

Quand la faim se fait sentir dans son atelier, il arrive que Kasper De Vos (°1988, Anvers) voie des aliments dans certains matériaux, avec une préférence pour la malbouffe, le fruit défendu de notre socié-té. En cette époque dite « post-médiale », De Vos peut être décrit comme un sculpteur pur jus, bien qu’il réalise aussi des collages, des dessins et des toiles. Le travail sculptural présente une caractéris-tique essentielle : outre une image, il incarne aussi manifestement et concrètement un objet. De Vos aime jouer sur cette tension, notamment quand une sculpture prend la forme d’une chaise, d’un barbecue, d’un arbre, d’un burger ou d’une combinaison de tous ces objets. Le Smoske qui vous est présenté se compose de chutes de panneaux isolants agrémentées de silicone, de mousse PU ainsi que d’un tuyau et d’un sac-poubelle en plastique. Bon appétit !

Lot 33

Voorgedragen door/Nominé par: Frank Maes, directeur Emergent, Veurne

Kasper De Vos Smoske 2016

Polyurethaan, pigment, spuitbus, epoxy, siliconen, textiel, plastieken buis, 40 x 15 x 15 cm, editie 17/20, courtesy van de kunstenaar

Ik leerde het werk van Adelheid De Witte (°1982, Roeselare) ken-nen tijdens een studio visit in haar atelier in Gent. Haar werken van de reeks Guestrooms geven de dunne lijn tussen illusie en realiteit enorm geloofwaardig weer. Adelheid is een ongelooflijk talent en veelzijdige kunstenares met oog voor detail.

J’ai découvert le travail d’Adelheid De Witte (°1982, Roulers) lors d’une visite de son atelier à Gand. Les œuvres de sa série Guestrooms représentent de manière infiniment réaliste la frontière tenue entre l’illusion et la réalité. Adelheid est une artiste polyvalente incroyable-ment talentueuse, qui a le souci du détail.

Lot 34

Voorgedragen door/Nominé par: Emely Christiaens, kunstliefhebber

Adelheid De Witte Splash Zone 2016

Olieverf op doek, 30 x 30 x 2 cm, courtesy van de kunstenaar

Ik draag graag kunstenaar Rein Dufait (°1990, Oostende) voor. Het werk van Rein Dufait fascineert me enorm vanwege de schijnbare eenvoud en bijzondere schoonheid. Rein werkt met alledaagse materialen en transformeert ze tot een volmaakt sculptuur. Het volmaakte vindt niet zijn oorsprong in het feit dat het uiteindelijke sculptuur is ‘afgewerkt’, maar in de keuze om het object in een spe-cifieke richting te kantelen, te boetseren, te hakken, op te stapelen. Rein Dufait zoekt, wroet met materialen, niet enkel vanwege de interesse voor het proces. Wel vanwege zijn zoeken naar een kwets-bare schoonheid.

J’aime exposer l’artiste Rein Dufait (°1990, Ostende). Son travail me fascine énormément par son apparente simplicité et son incroyable beauté. Rein utilise des matériaux de tous les jours, qu’il transforme en sculptures parfaites. La perfection ne trouve pas son origine dans le fait que la sculpture est « finie », mais dans le choix de bas-culer l’objet dans une certaine direction, de le modeler, de le tailla-der ou de l’empiler. Si Rein Dufait cherche et creuse les matériaux, ce n’est pas uniquement par intérêt pour le processus : il est en quête d’une beauté vulnérable.

Lot 35

Voorgedragen door/Nominé par: Sofie Van de Velde, Gallery Sofie Van de Velde

Rein Dufait Vit 2016

Lijm en metaal, 35 x 34 x 0,5 cm, © foto: Rik Vannevel, courtesy van de kunstenaar en Gallery Sofie Van de Velde, Antwerpen

Sacha Eckes (°1971, Brugge, leeft en werkt in Antwerpen) liet zich in enkele recente tentoonstellingen in Gent en Antwerpen opmerken met overschilderde affiches. Zowat alle culturele instellingen moeten eraan geloven: de Vlaamse Opera, het SMAK, de Warande, Galerie Tim Van Laere, … Affiches van tentoonstellingen of voorstellingen worden in de beste traditie van meedogenloze farao’s geüsurpeerd met haar eigen geestige, geïnspireerde en vaak ironische beeldtaal. Bij een eerste aanblik glimlach je om de humor, maar op het tweede gezicht ontdek je de krachtige en gevoelige picturaliteit en poëzie. Ook al is de ondergrond “slechts” een arme affiche, het uiteindelijke resultaat zijn gelaagde schilderijen met een grote resonantie en complexiteit.

Sacha Eckes (°1971, Bruges, vit et travaille à Anvers) s’est fait re-marquer, lors de plusieurs expositions récentes à Gand et à Anvers, par ses affiches recouvertes de peinture. Toutes les institutions culturelles y passent : l’Opéra flamand, le SMAK, De Warande, la Galerie Tim Van Laere… Les affiches d’expositions ou de repré-sentations sont usurpées dans la plus pure tradition des pharaons impitoyables, via le langage pictural spirituel, inspiré et souvent iro-nique de l’artiste. Dans un premier temps, l’humour fait sourire, mais après, vous décelez une picturalité et une poésie à la fois puissantes et sensibles. Même si le support se résume à une affiche pauvre, le résultat final prend la forme de toiles stratifiées, dotées d’une réso-nance et d’une complexité incroyables.

Lot 36

Voorgedragen door/Nominé par: Hans Martens, directeur Academie Mechelen

Sacha Eckes Jan Fabre The Sceptic

Acrylverf op papier, zonder lijst 118,5 x 84 cm, met lijst 140 x 106 x 5 cm, courtesy van de kunstenaar

2015–2016

Het werk van Robin Gerris (°1988, Bergen op Zoom) wordt gedreven door een dynamiek die beelden in de opbouw van een nieuw verhaal deconstrueert. Het werk wordt een soort visueel middel dat van de ene naar de andere staat schuift, waardoor het werk een instabiele constructie wordt die fictie en werkelijkheid combineert. Op deze manier herdenkt de kunstenaar een herinnering als een fragment net zo kwetsbaar als deze vluchtige momenten op zichzelf. De wer-ken van Gerris geven een gevoel van architectonische composities die voltooid moeten worden. Zijn beelden lijken te zweven zodat de toeschouwer herinneringen kan oproepen of zich een einde kan in-beelden van een onvoltooid verhaal. De begrippen van geheugen en het opslaan van herinneringen, migratie en translocatie, constructie en deconstructie vormen de kern van het werk van Gerris dat een permanente interactie suggereert van een moment dat nooit ein-digt. Zijn werken zijn daarom fysieke manifestaties van de oneindige creatie van herinnering.

Le travail de Robin Gerris (°1988, Bergen op Zoom) est animé par une dynamique de déconstruction des images dans la construction d’une nouvelle histoire. L’œuvre est une sorte de moyen visuel qui passe d’un état à l’autre pour devenir une construction stable qui associe la réalité et la fiction. L’artiste se remémore ainsi un souvenir tel un fragment tout aussi vulnérable que les moments éphémères proprement dits. Les œuvres de Gerris font penser à des com-positions architectoniques qui doivent être achevées. Ses images semblent flotter de sorte que le spectateur peut faire appel à ses souvenirs ou imaginer la fin d’une histoire inachevée. Les concepts de mémoire et de mémorisation de souvenirs, de migration et de translocation, de construction et de déconstruction forment le cœur du travail de Gerris, qui suggère une interaction permanente d’un moment qui n’a pas de fin. Ses œuvres sont, dès lors, des manifes-tations physiques de la création infinie d’un souvenir.

Lot 37

Voorgedragen door/Nominé par: Pascal Donders, Directeur HD Gallery, Bruxelles

Robin Gerris Consolidation (4) 2015

Gevonden foto, collage, zonder lijst 9 x 9 cm, met lijst 20 x 20 cm, courtesy van de kunstenaar

Het werk van Valérian Goalec (°1986, Rennes) is gebaseerd op volu-mes uit de architectuur, gevels, ramen … om ze vervolgens te con-textualiseren en te vertalen naar het domein van de schilderkunst en beeldhouwkunst waar abstractie domineert. Zijn plastisch onder-zoek heeft de neiging deze nieuwe vormen een eigen identiteit en autonomie te verlenen waarin hij slaagt dankzij de preliminaire prak-tijk van het tekenen die de passage kristalliseert tussen de bestaan-de vorm en de nieuwe vorm die hij opnieuw creëert in zijn atelier. De sculptuur die Valérian voorstelt correspondeert op deze manier met de creatie van een volume, van een object, van een sculptuur met een ambivalente functie. Dit geeft ons inderdaad de illusie van een inhoud die uiteindelijk inhoudsloos is, waardoor de kwestie van finaliteit, het nuttige, het mogelijke, het uiterste gesteld wordt; para-doxale en terugkerende thema’s in het werk Valérian Goalec.

Le travail de Valérian Goalec (°1986, Rennes) se base sur des vo-lumes qu’il puise dans l’architecture, les façades, les fenêtres… pour les décontextualiser et les transposer dans le champ de la peinture et de la sculpture où domine l’abstraction. Sa recherche plastique tend à réapproprier à ces nouvelles formes une identité et une autonomie propres qu’il parvient à trouver grâce à sa pratique pré-liminaire du dessin qui cristallise ce passage entre la forme glanée dans un contexte préexistant à la forme recréée au sein de l’atelier. La sculpture présentée aujourd’hui correspond ainsi à la création d’un volume, d’un objet, d’une sculpture à la fonction ambivalente. Celle-ci nous donne en effet l’illusion d’un contenant qui est finale-ment dépourvu de contenu, posant ainsi la question de la finalité, de l’utilitaire, du possible, de la limite, thèmes paradoxaux et récurrents dans le travail de Valérian Goalec.

Lot 38

Voorgedragen door/Nominé par: Virginie Devillez, Deputy Director – Specialist Impressionist, Modern & Contemporary Art | Sotheby’s Belgium

Valérian Goalec V.N°15 2016

Beton, vazen, 32,5 x 20 x 17,5 cm, courtesy van de kunstenaar en Galerie Stems, Brussel

Het werk van Tine Guns (°1983, Aalst) bestaat naast video uit boe-ken en fotografische installaties. De werking van ons geheugen op wat we waarnemen heeft tot gevolg dat beelden nooit een sluitende betekenis hebben. Haar werk tracht onze lineaire historiografische beeldbetekenissen steeds opnieuw open te trekken door nieuwe combinaties aan te bieden. Ze focust zich op de constante meta-morfose die we als mens ondergaan en de onmogelijkheid om de vluchtige werkelijkheid te vangen. Haar werk is het resultaat van een verkenning naar kortstondige diepten van de tijd. Ze waakt erover om te zien dat er geen kristallisatie in de inhoud, noch de vorm zou optreden. Een dergelijke kristallisatie zou een verlies voor haar bete-kenen. Het zou het werk overbodig maken voor de toekomst.

Outre la vidéo, le travail de Tine Guns (°1983, Alost) se compose de livres et d’installations photographiques. Étant donné l’impact de notre mémoire sur ce que nous percevons, les images ne re-vêtent jamais une signification définitive. Le travail de l’artiste tente constamment de rouvrir nos significations picturales historiogra-phiques linéaires en proposant de nouvelles combinaisons. L’artiste se concentre sur la métamorphose constante que l’être humain subit et sur l’impossibilité de capturer la réalité éphémère. Son tra-vail est le fruit d’une exploration des profondeurs fugaces du temps. Tine Guns veille à ne pas induire une cristallisation du contenu, ni de la forme. Cette cristallisation s’apparenterait à une perte pour elle. Elle rendrait l’œuvre inutile pour l’avenir.

Lot 39

Voorgedragen door/Nominé par: Monia Warnez, zaakvoerder Fotorama, Wevelgem en medewerker galerie Albert Baronian, Brussel

Tine Guns Paintbombs 2016

Afdruk op Hahnemühle Fine Art Photo Rag, met lijst 60 x 40 cm, editie 3/5, courtesy van de kunstenaar

Friedemann Heckel (°1986, Hamburg, woont en werkt in Brussel en Berlijn) put inspiratie uit zijn directe omgeving, de onophou-delijk muterende stad met haar clash aan culturen en haar mas-saproductie aan beelden. Met een scherpe intuïtie tast Heckel de mogelijkheden af van taal, codes en vormen, en analyseert tegelijk haar begrenzingen. De dialectiek tussen ‘leesbaar’ en ‘onleesbaar’ materialiseert hij in suggestieve collages, installaties en sculpturen. Met snippers en flarden — echo’s uit een collectief geheugen — bevraagt Heckel de artistieke creatie en de rol van het kunstwerk binnen het hedendaagse kunstenlandschap.

Friedemann Heckel (°1986, Hambourg, vit et travaille à Bruxelles et Berlin) s’inspire de son environnement direct, la ville en constante mutation, caractérisée par un choc des cultures et une production massive d’images. Avec beaucoup d’intuition, Heckel explore les possibilités de la langue, des codes et des formes tout en analy-sant leurs limites. Il matérialise la dialectique entre « le lisible » et « l’illisible » dans des sculptures, des installations et des collages suggestifs. Il utilise des rognures et des lambeaux — échos d’une mémoire collective — pour questionner la création artistique et le rôle de l’œuvre d’art dans le paysage artistique contemporain.

Lot 40

Voorgedragen door/Nominé par: Melanie Deboutte, curator

Friedemann Heckel

Vase 2015

Gegraveerde glazen vaas, 82 x 22 x 22 cm, editie 3/4, courtesy van de kunstenaar en Galerie Thomas Fischer, Berlijn

Het werk van Liesbeth Henderickx (°1991, Aalst) is tegelijk architec-turaal en antropomorf. Het is opgebouwd uit verschillende lagen gegoten beton die doen denken aan maquettes van onbestaande arena’s. Liesbeth stapelt deze lagen opeen, dit volgens een vooraf door haar bepaald patroon, en laat haar toeschouwer de vrijheid om haar sculpturen op heel uiteenlopende manieren te begrijpen. Het beton dat ze gebruikt maakt de beelden zowel robuust als breek-baar. Sporen van de polystyrenen mallen waarin ze de beelden giet zijn hier en daar te zien, en geven zo identiteit aan een anoniem materiaal.

Le travail de Liesbeth Henderickx (°1991, Alost) est à la fois ar-chitectural et anthropomorphique. Il se compose de plusieurs couches de béton coulé qui ressemblent à des maquettes d’arènes qui n’existent pas. Liesbeth empile ces couches selon un schéma qu’elle a préalablement défini et laisse au spectateur la liberté de comprendre ses sculptures de manières très différentes. Le béton qu’elle utilise rend ses sculptures à la fois robustes et fragiles. On distingue çà et là les traces des moules en polystyrène dans les-quels elle coule ses sculptures, ce qui confère une identité à un matériau anonyme.

Lot 41

Voorgedragen door/Nominé par: Julie Senden, Galerie Rodolphe Janssen, Brussel

Liesbeth Hendrickx

Just before thewatchtower

2016

Beton, 75 x 40 x 35 cm, courtesy van de kunstenaar

In zijn werken onderzoekt Quinten Ingelaere (°1985, Gent, MFA Academie Antwerpen) de manier waarop klassieke thema’s uit de kunstgeschiedenis zich in ons collectief visueel geheugen nestelden en hoe die archetypes onze verwachting en beleving van heden-daagse kunst beïnvloeden. Hij eigent zich technieken en strategieën van oude meesters toe, zet ze naar zijn hand, analyseert ze tot op het bot, en balanceert op die manier op de grens tussen figuratie en abstractie. Op donderdag 8 september opent Quinten zijn tweede solotentoonstelling in onze galerie Dauwens & Beernaert.

Dans ses œuvres, Quinten Ingelaere (°1985, Gand, MFA Academie Antwerpen) étudie la manière dont les thèmes classiques de l’his-toire de l’art se sont ancrés dans notre mémoire visuelle collective et comment ces archétypes influencent nos attentes et notre res-senti vis-à-vis de l’art contemporain. Il s’approprie les techniques et les stratégies d’anciens maîtres, les exploite à sa manière et les ana-lyse en profondeur. Il évolue ainsi en équilibre entre la figuration et l’abstraction. Le jeudi 8 septembre, Quinten inaugurera sa deuxième exposition solo dans notre galerie Dauwens & Beernaert.

Lot 42

Voorgedragen door/Nominé par: Laurence Dauwens, galeriehouder Dauwens & Beernaert Gallery, Brussel

Quinten Ingelaere Honor V 2016

Olieverf op paneel, zonder lijst 20 x 15 cm, met lijst 22,4 x 17,2 x 4 cm, © foto: Rik Vannevel, courtesy van de kunstenaar en Dauwens & Beernaert Gallery, Brussel

Wobbe Micha (°1985) studeerde aan Sint-Lukas Hogeschool, Brussel. Artist in Residence Wiels, 2008–2009.The Nipple Twist, Christchurch, New Zealand, 2016.

“Van de tentoonstelling The Nipple Twist in Nieuw-Zeeland heb ik drie bloemen meegebracht, gemaakt uit papier bekleed met alumi-niumfolie en beschilderd met muurverf. De kleuren van de bloemen kwamen terug in alle andere werken en ruimtes van de tentoonstel-ling. Ze groeiden rond de inkomdeur en bloeiden op het hoogtepunt van de tentoonstelling: de opening. Ze vatten wortels in een steen die de ijzerdraad waarlangs de bloemen zich omwinden in spanning houdt. Na verloop van tijd sluiten de bloemen als de palm van een hand door de hitte, waarna de vingertoppen de bloemen zachtjes weer moeten openvouwen. Voor het museum Dhondt-Dhaenens zorgen de bloemen niet meer voor een twist of plot in een tentoon-stelling, maar staan ze op zichzelf, delen hetzelfde hart en hebben de mogelijkheid om eindeloos door te groeien.” Wobbe Micha

« J’ai ramené trois fleurs de l’exposition The Nipple Twist en Nouvelle-Zélande. Elles sont recouvertes d’aluminium et de peinture murale. Les couleurs des fleurs revenaient dans toutes les autres œuvres et salles de l’exposition. Les fleurs poussaient à l’entrée et leur éclosion marquait le temps fort de l’exposition. Elles prenaient racine dans une pierre qui maintenait le fil de fer le long duquel les fleurs s’enroulaient. Au fil du temps, les fleurs se fermaient comme la paume d’une main sous l’effet de la chaleur, après quoi il fallait les rouvrir délicatement du bout des doigts. Pour le musée Dhondt-Dhaenens, les fleurs ne constituent plus un clin d’œil ou une intrigue au sein d’une exposition. Elles existent par elles-mêmes. Elles partagent le même cœur et ont la possibilité de pousser à l’infini. » Wobbe Micha

Lot 43

Voorgedragen door/Nominé par: Andre Gordts

Wobbe Micha Three flowersfrom New Zealand

2016

Beton, steen, draad, papier, aluminiumfolie, muurverf,30 x 20 x 20 cm, courtesy van de kunstenaar

De cross-over werken van Joke Raes (°1983, Brugge) zijn gemaakt met een variatie aan materialen en technieken. De wereld die ze creëert met textiel, keramiek en industriële restanten vormt de ontmoeting tussen het sensueel esthetische en het soms ruige weerzinwekkende. Haar fascinatie voor ruwe natuurlijke elementen staat in schril contrast met de luchtige speelsheid waarmee ze haar universum telkens verder ontrafelt. Met dit werk uit 2016 toont Joke ons de kaart van wat iedereen vinden wil … Joke Raes heeft momenteel haar atelier in het HISK in Gent en toonde haar werken al onder meer op de Moscow Biennale of Contemporary Art, Vanhaerents Art Collection op Art Brussels, de plantentuin in Gent, de pianofabriek in Brussel, SMAK Gent tijdens Coming People, Casa O’Higgings Gallery in Lima en in de Rode Zee in Egypte.

Les œuvres métissées de Joke Raes (°1983, Bruges) exploitent plu-sieurs matériaux et techniques. L’univers que l’artiste crée avec du tissu, de la céramique et des chutes de matériaux industriels force la rencontre entre l’esthétique sensuelle et un dégoût parfois rude. Sa fascination pour les éléments naturels bruts contraste clairement avec la frivolité avec laquelle elle effiloche toujours un peu plus son univers. Avec cette œuvre de 2016, Joke nous montre la carte de ce que tout le monde veut trouver… L’atelier de Joke Raes est actuellement installé au HISK de Gand. Elle a déjà exposé à la Moscow Biennale of Contemporary Art, à Art Brussels dans le cadre de la Vanhaerents Art Collection, au jardin botanique de Gand, au centre Pianofabriek de Bruxelles, au SMAK de Gand lors de Coming People, à la Casa O’Higgings Gallery à Lima et dans la mer Rouge en Égypte.

Lot 44

Voorgedragen door/Nominé par: Sofie Lattré

Joke Raes A search for happiness

2016

Textiel, gemengde technieken, 41,5 x 27 x 2 cm, editie 1/10, courtesy van de kunstenaar

Mijn eerste ontmoeting met Meggy Rustamova (°1985, Georgië) da-teert van 2011 naar aanleiding van een tentoonstelling waar ik toen bij betrokken was. Zowel haar werk als haar persona zijn intrigerend dus we blijven in contact. Ze studeert verder aan het HISK, stelt tentoon in S.M.A.K., CAB in Brussel en was recent op residentie in Wenen. Op een persoonlijke en poëtische manier verbindt ze het fo-tografische en filmische beeld met haar warme stem die zich in ver-schillende talen ontvouwt. Fictie en non-fictie geraken verstrengeld in elkaar. Ze voert zichzelf op tijdens performances waarin ze be-heerst een narratief articuleert en visueel vormgeeft. (dis)Location, Search in depth is verbonden aan een performance die ze realiseer-de voor het Kaaitheater naar aanleiding van Performatik (2013).

J’ai rencontré Meggy Rustamova (°1985, Géorgie) pour la première fois en 2011 lors d’une exposition à laquelle je participais. Sa per-sonnalité est tout aussi intrigante que son œuvre. C’est la raison pour laquelle nous restons en contact. Elle poursuit ses études au HISK et expose au SMAK ainsi qu’au CAB de Bruxelles. Elle a aussi récemment participé à une résidence à Vienne. Elle réunit l’image photographique et filmique de manière personnelle et poétique, avec sa voix chaude qui se déploie en plusieurs langues. La fiction et la non-fiction s’entremêlent. L’artiste se met en scène lors de performances durant lesquelles elle articule une narration de main de maître et lui donne une forme visuelle. L’œuvre (dis)Location, Search in depth est liée à une performance qu’elle a réalisée pour le Kaaitheater à l’occasion de Performatik (2013).

Lot 45

Voorgedragen door/Nominé par: Benedicte Goesaert, medewerker Zeno X Gallery, Antwerpen

Meggy Rustamova

(dis)Location,Search in depth

Foto, 2012–2013, 60 x 90 cm, met lijst 62 x 92 x 3 cm, editie 3/5 (+ 2 A.P.), courtesy van de kunstenaar

2012–2013

In de huidige context waarin schilderkunst grotendeels auto-re-ferentieel is, plaatst Pedro Ruxa (1992, Lissabon) de kwestie van het onderwerp in het centrum van zijn werk. Door het naast elkaar plaatsen van beelden en genres uit verschillende tijdperken die hij met dezelfde filter benadert, dwingt Pedro Ruxa ons het beeld te zien voor hetgeen als essentie in zich draagt. In de serie Traces de sang sur une colonne dorique (Bloedsporen op een Dorische zuil) overlappen barokke schilderkunst, film, medische beelden en strip-verhalen elkaar en vormen zo een intrige rond de concepten over het leven, de dood, de tijd en de geschiedenis.

Dans un contexte actuel où la peinture est largement auto-réfé-rentielle, Pedro Ruxa (°1992, Lissabon) place la question du sujet au centre de sa pratique. En juxtaposant des images de genres et d’époques différents, traités selon un même filtre, il nous pousse à voir l’image pour ce qu’elle a d’essentiel. Dans la série Traces de sang sur une colonne dorique, la peinture baroque, le cinéma, l’ima-gerie médicale, et la bande dessinée se côtoient pour porter une intrigue autour des concepts de vie, de mort, de temps et d’histoire.

Lot 46

Voorgedragen door/Nominé par: Lodovico Corsini, CLEARING, New York-Brussel

Pedro Ruxa Joachim dans son lit de mort

2016

Olieverf op doek, 90 x 75 cm, courtesy van de kunstenaar

Seher Shah (°1975, Karachi, Pakistan) werkt met tekeningen, sculp-turen en foto’s om formele en viscerale opstellingen ten opzichte van de architectuur en voorwerpen te vertolken. Deze serie neemt als onderwerp La Ville Radieuse van Le Corbusier. Het is een con-cept dat werd ontwikkeld vanaf de jaren 1930, en dat zijn fundamen-tele utopische en zelfs socialistische ambities om de samenleving te hervormen beschrijft door middel van modernistische benaderingen van stedenplanning. In dit werk beschouwt Shah de tegenstellingen die inherent zijn aan deze architectonische esthetiek en de daarmee gepaard gaande beginselen, waarbij landschappen, social engi-neering en herhaaldelijk reducerende structurele vormen worden gebruikt. Capitol Complex onderzoekt verder hoe de Europese modernistische ideeën worden vertaald en herhaald in andere delen van de wereld en door nieuwe generaties.

Seher Shah (°1975, Karachi, Pakistan) utilise des dessins, des sculp-tures et des photos pour traduire des prises de position formelles et viscérales à l’égard de l’architecture et des objets. Cette série a pour sujet La Ville Radieuse de Le Corbusier. Développé à partir des années ’30, ce concept décrit ses ambitions fondamentales et utopiques, voire socialistes, de réformer la société au moyen d’approches modernistes de l’urbanisme. Dans cette œuvre, Shah envisage les contradictions inhérentes à cette esthétique architec-tonique et les principes qui y sont associés. Pour ce faire, elle utilise des paysages, l’ingénierie sociale et des formes structurelles ré-ductrices. Capitol Complex examine la manière dont les idées mo-dernistes européennes sont traduites et reproduites dans d’autres parties du monde et par les nouvelles générations.

Lot 47

Voorgedragen door/Nominé par: Yasmin Atassi, director Green Art Gallery, Dubai

Seher Shah Capital Complex:Red Tower Bridge

2012

Collage op papier, zonder lijst 28 x 36 cm, met lijst 34 x 41 x 1,5 cm, courtesy van de kunstenaar en Green Art Gallery, Dubai

Het ruimtelijk werk van Kato Six (°1986, Brugge) bestaat uit minima-le, maar scherpe ruimtelijke ingrepen die fungeren als sculpturale marginalia — aantekeningen die vaak letterlijk worden geplaatst in de marge van de ruimte die ze innemen. Met elementen, vormen en materialen die doen denken aan vroegere interieurontwerpen als uitgangspunt, gebruikt ze onze vertrouwde materiële cultuur en re-activeert ze spoken uit ons collectief geheugen. Door het abstrahe-ren van de oorspronkelijke functie van deze mentale, affectieve en fysieke middelen is Kato Six gericht op het opnieuw configureren van onze ervaring hoe we ons thuis willen voelen in deze wereld. Formeel doet ze dit op een vrij radicale wijze aangezien de abstractie tot de limieten van haar eigen kunstmatigheid wordt geduwd — ongeacht of het nu gaat over het begrijpen van het werk, de materie of de vorm.

Le travail spatial de Kato Six (°1986, Bruges) repose sur des inter-ventions spatiales minimes, mais précises, qui fonctionnent comme des marginalia sculpturales — des annotations souvent placées dans la marge de l’espace qu’elles occupent. Grâce à des éléments, des formes et des matériaux qui rappellent d’anciens objets de déco-ration intérieure, l’artiste utilise notre culture matérielle familière et ranime des fantômes de notre mémoire collective. En abstrayant la fonction originelle de ces moyens mentaux, affectifs et physiques, Kato Six cherche à reconfigurer notre expérience de la manière dont nous voulons nous sentir chez nous dans ce monde. Sur le plan formel, elle se montre plutôt radicale étant donné que l’abstraction est poussée jusqu’aux limites de sa propre artificialité — qu’elle porte sur la compréhension de l’œuvre, de la matière ou de la forme.

Lot 48

Voorgedragen door/Nominé par: Eléonore de Sadeleer, directrice du CAB, Bruxelles

Kato Six Re-located intoSilence

2014

Zeefdruk op papier, zonder lijst 49,4 x 69,4 cm, met lijst 50,2 x 70,2 x 3 cm, editie 2/5, courtesy van de kunstenaar

Het was op een benefiettentoonstelling L’Art pour l’Accueil dat ik voor het eerst het werk van Carole Solvay (°1954, Terhulpen) ontdek-te. Ik was meteen getroffen door het pure, luchtige en esthetische karakter ervan. Snel is men ook gefascineerd door de materie en het ontwerpproces van haar werk. Zijn het pluimen? Niet echt meer. De veren van verschillende diersoorten zijn verknipt, genaaid en met veel nauwkeurigheid herwerkt. Het zijn dus geen pluimen meer. Het werk van Carole is op het eerste gezicht statisch, mooi lineair en evenwichtig, toch speelt het met de omgeving, de atmosfeer. Het beweegt, het trilt, het leeft. Carole Solvay leeft en werkt in Brussel. Ze nam deel aan verschillende tentoonstellingen in België, Frankrijk en Brazilië.

En découvrant l’œuvre de Carole Solvay (°1954, La Hulpe) lors d’une vente de charité de L’Art pour l’Accueil, je fus d’abord touchée par la beauté, la pureté et la légèreté de l’œuvre. Puis on est intrigué par la matière utilisée, sa composition. Est-ce des plumes ? Plus vraiment. Les plumes ont été découpées, cousues, retravaillées très précisé-ment. Ce ne sont plus des plumes. L’œuvre paraît au premier abord statique, linéaire et équilibrée, mais ensuite elle se donne à l’atmos-phère, elle bouge, elle vibre, elle vie. Carole Solvay travaille et vit à Bruxelles. Elle a participé à de nombreuses expositions en Belgique, en France et au Brésil.

Lot 49

Voorgedragen door/Nominé par: Ann-Sophie De Stoop

Carole Solvay Irisation 2012

Pluimen, ijzerdraad, plexiglas, in plexi box 60 x 50 x 50 cm, courtesy van de kunstenaar en Galerie Deletaille, Brussel

Merlin Spie (°1969, Willebroek) is één van de meest intrigerende performancekunstenaars in ons land. Ze specialiseerde in Polen en aan het HISK. Vormelijk behoort ze tot de Body Art/Live Art niche-beweging die het lichaam als medium beschouwt. Maatschappelijke thema’s en kritische reflecties over innerlijke processen staan centraal; tekeningen, sculpturen, foto’s en video’s blijven als residu over. Spie werkt in een sober palet van kleuren met lichaamseigen of organische materialen. Iconisch zijn haar creaties in perenstroop waarmee ze internationaal scoort. Zo inspireerde Helmut Lang zich in 2010 op La Petite Musette, Casquée voor zijn herfstcollectie en onderstreepte Louise Bourgeois hun artistieke overeenkomst.

Merlin Spie (°1969, Willebroek) compte parmi les artistes perfor-meurs les plus intrigants de notre pays. Il a fait sa spécialisation en Pologne et au HISK. Sur le plan formel, il appartient au mouve-ment de niche Body Art/Live Art qui considère le corps comme un support. Il axe son travail sur les thèmes sociaux et les réflexions critiques quant aux processus intérieurs. Il en découle des dessins, des sculptures, des photos et des vidéos, tels des résidus. Spie décline des matériaux physiques ou organiques dans une palette de nuances sobres. Ses emblématiques créations en sirop de poires sont célèbres dans le monde entier. En 2010, Helmut Lang s’est inspiré de La Petite Musette, Casquée pour sa collection automnale et Louise Bourgeois a souligné leur rapport artistique.

Lot 50

Voorgedragen door/Nominé par: Astrid David, curator en oprichtster DAVID vzw, platform voor kunstzorg, Gent

Merlin Spie Le Silence des Danses

2009

Foto van Live Art Performance in Kaaitheater 2009, onder regie van Merlin Spie (dramaturge: Marianne Vandekerckhove, curator: Katleen Van Langendonck), foto op dibond, 20,9 x 31,4 x 0,4 cm, courtesy van de kunstenaar, © Merlin Spie, 2009 (© foto: Lieven Herreman)

Met dank aan/Merci à:Mastertechnic: Robrecht MCVaeck, Kaaitheater, Troubleyn Antwerpen, Vlaamse Gemeenschap en Brussels Gewest, Theater a/h Vrijthof Maastricht en vele anderen.

Kris Van Dessel (°1967, Antwerpen) ontmoette ik aan het begin van mijn loopbaan in het museum Dhondt-Dhaenens. In al die jaren zijn wij contact blijven houden met elkaar, al dan niet gekoppeld aan bepaalde projecten. In die tijd ontwikkelde hij zich voornamelijk als schilder — of beter gezegd — onderzocht hij de schilderkunst. Ondertussen heeft hij echter beslist de schilderkunst achter zich te laten, en dit net op een punt waarop hij — volgens mij — de grenzen van het medium heel sterk begon uit te dagen. Het doet me denken aan John Baldessari, die in 1970 al zijn schilderijen uit de periode 1953–1966 liet cremeren en de assen in een bronzen urne bewaar-de. Het jaar erop schreef Baldessari het manifest I will not make any boring art. Kris verliet al veel eerder wel eens het pad van de schil-derkunst, maar ondertussen beweegt hij zich al geruime tijd met en tussen alledaagse objecten. Dit is dan ook de reden waarom ik net nu Kris wil voordragen voor deze internetveiling. Hij heeft een heel rijk verleden achter zich en verdient een ontluikende toekomst. Succes!

J’ai rencontré Kris Van Dessel (°1967, Anvers) au début de ma car-rière au musée Dhondt-Dhaenens. Nous sommes restés en contact toutes ces années, que ce soit dans le cadre de projets ou non. À l’époque, il se consacrait essentiellement à la peinture. Ou disons plutôt qu’il analysait la peinture. Il a toutefois décidé d’abandonner la peinture, au moment même où, selon moi, il commençait à remettre fortement en question les limites de ce médium. Cela me fait pen-ser à John Baldessari : en 1970, il a fait brûler toutes ses toiles de la période 1953–1966 et a conservé les cendres dans une urne en bronze. L’année suivante, Baldessari écrivait le manifeste I will not make any boring art. Si Kris a quitté le chemin de la peinture bien plus tôt, il évolue néanmoins avec et entre les objets usuels depuis un bon bout de temps. C’est la raison pour laquelle je souhaite présenter Kris pour cette vente aux enchères en ligne. Il a un riche passé derrière lui et mérite un avenir florissant. Bonne chance !

Lot 51

Voorgedragen door/Nominé par: Jan(us) Boudewijns, medewerker museum Dhondt-Dhaenens, Deurle

Kris Van Dessel Wedge 2011

Gips, 2 x 20 x 6 cm, editie 3/5 (+ 2 A.P.) met certificaat, courtesy van de kunstenaar en Annie Gentils Gallery, Antwerpen

Frank Van Hiel (°1980, Jette) is een nog relatief jonge Belgische kun-stenaar wiens werk ik al een tijdje volg. Hij wordt in België vertegen-woordigd door galerie De Ziener (Asse), en ik heb zijn werk opge-nomen in een groepstentoonstelling in mijn galerie. Zijn werken (hij maakt behalve schilderijen ook tekeningen en sculpturen) hebben raakpunten met de fundamentele schilderkunst. Het zijn uitgepuur-de composities, waarbij hij met vorm, kleur en textuur spanning creëert, of balans zoekt. Uit het werk spreekt bedachtzaamheid en nauwgezetheid, helderheid en eenvoud.

Frank Van Hiel (°1980, Jette) est un artiste belge relativement jeune dont je suis le travail depuis un certain temps. Il est représenté en Belgique par la galerie De Ziener (Asse) et j’ai intégré son œuvre à une exposition collective dans ma galerie. Ses œuvres (il crée des toiles, mais aussi des dessins et des sculptures) présentent des points communs avec la peinture fondamentale. Il s’agit de com-positions épurées où il crée de la tension ou cherche un équilibre grâce à la forme, la couleur et la texture. L’œuvre respire la circons-pection et la rigueur, la pureté et la simplicité.

Lot 52

Voorgedragen door/Nominé par: Kristof De Clercq, directeur Kristof De Clercq Gallery, Gent

Frank Van Hiel Zonder titel 2015

Acrylverf op karton, zonder lijst 55,5 x 73 cm, met lijst 81,2 x 64,2 x 1,5 cm, courtesy van de kunstenaar en Kristof De Clercq Gallery, Gent

Bram Van Meervelde (°1991, Borgerhout) is voor ons een verrassen-de ontdekking. Met zijn kleine werken maar ook met zijn grotere in-stallaties of ingrepen roept hij een wereld op met verwijzingen naar de basis van onze cultuur, en tegelijk drukt hij ons met de neus op de lopende conflicten en schrijnende situaties in de directe wereld rondom ons. Hij trekt regelmatig naar Griekenland of Oekraïne, ver-broedert met straatkunstenaars, schildert op vondsten uit rommel-markten en verwondert ons met verhalen uit een mythische wereld.

Bram Van Meervelde (°1991, Borgerhout) fut une découverte sur-prenante pour nous. Tant ses petites œuvres que ses installations ou interventions de plus grande envergure évoquent un univers qui renvoie au fondement de notre culture tout en attirant notre atten-tion sur les conflits et les situations navrantes de notre environne-ment direct. Bram se rend régulièrement en Grèce et en Ukraine. Il fraternise avec des artistes de rue, peint sur des objets dénichés dans des marchés aux puces et nous propose des histoires merveil-leuses issues d’un univers mythique.

Lot 53

Voorgedragen door/Nominé par: Bert de Leenheer & Dirk Van Hecke, Galerie Transit, Mechelen

Bram Van Meervelde

Life on Stage 2015

Metaal, was, bijenwas, acryl, 54 x 51 x 6 cm, courtesy van de kunstenaar en Galerie Transit, Mechelen

Graag zou ik het werk van de Gentse kunstenaar Kevin Vanwonterghem (°1984, Gent) willen voorstellen. In zijn meest recente reeks werken onderzoekt hij de boeiende tegenstelling tussen cultuur en natuur door constructies en assemblages van uit de context gerukte landschapselementen als objecten tentoon te stellen. Hij creëert situaties waarin cultuur en natuur op een on-comfortabele manier samen komen. De houtskooltekeningen van Kevin Vanwonterghem weerspiegelen de menselijke controledrang op zijn natuurlijke omgeving en hoe deze omgeving vandaag de dag wordt gepercipieerd. Kevin Vanwonterghem behaalde in 2007 een Master in de Beeldende Kunst aan de Sint-Lucas Hogeschool voor Wetenschap en Kunst en volgde eveneens een opleiding in Vrije Grafiek aan de Academie van Gent.

Je souhaite présenter le travail de l’artiste gantois Kevin Vanwonterghem (°1984, Gand). Dans sa série la plus récente, il analyse l’opposition entre la culture et la nature en exposant comme des objets des constructions et des assemblages d’éléments pay-sagers hors contexte. Il crée des situations où la culture et la nature se rencontrent de manière inconfortable. Les dessins au charbon de bois de Kevin Vanwonterghem reflètent le désir qu’a l’homme de contrôler son environnement naturel et la manière dont cet environ-nement est perçu à l’heure actuelle. Kevin Vanwonterghem a décro-ché son master en arts plastiques à la Sint-Lucas Hogeschool voor Wetenschap en Kunst en 2007. Il a également suivi une formation en graphisme libre à l’Académie de Gand.

Lot 54

Voorgedragen door/Nominé par: Cecilia Jaime, Cecilia Jaime Gallery, Gent

Kevin Vanwonterghem

Cummulus I 2016

Houtskooltekening op Hahnemühle papier, zonder lijst 100 x 70 cm, met lijst 107 x 73 x 3 cm, courtesy van de kunstenaar en Cecilia Jaime Gallery, Gent

Het werk van Loïc Van Zeebroek (°1994, Gent, MFA St.-Lucas Gent) schept een vacuüm, een ruimte zonder druk. In een historisch bela-den medium, schilderkunst, slaagt hij er in, via een zorgvuldige vorm van cherry-picking, ruimtes voor contemplatie te scheppen. Zijn wer-ken vertrekken vanuit educatief/utilitair botanisch werk (Diocorides), renaissance schilderkunst en romantische landschapsschilderkunst. Hij ontdoet die inspiratiebronnen van hun initiële teleologie en adjectieven en schept op die manier zowel in zijn figuratief als mo-nochroom werk, ruimtes voor reflectie en introspectie. Als je goed naar zijn werken luistert hoor je de stilte.

Le travail de Loïc Van Zeebroek (°1994, Gand, MFA St.-Lucas-Gand) crée un espace sous vide, sans pression. Dans le cadre d’un mé-dium chargé d’histoire, à savoir la peinture, il parvient à instaurer des espaces de contemplation via une forme méticuleuse de cherry-picking. Ses œuvres se basent sur un travail botanique utilitaire/éducatif (Diocorides), la peinture de la Renaissance et les paysages romantiques. Il débarrasse ces sources d’inspiration de leur théolo-gie et de leurs adjectifs initiaux pour créer des espaces de réflexion et d’introspection, dans son travail tant figuratif que monochrome. Si vous écoutez attentivement ses œuvres, vous entendrez le silence.

Lot 55

Voorgedragen door/Nominé par: Joris Beernaert, kunstverzamelaar/partner Dauwens & Beernaert Gallery, Brussel

Loïc Van Zeebroek

Zonder titel 2016

Olieverf op paneel, tweeluik, 18,5 x 17 x 1,8 cm & 11,5 x 11,5 x 1,5 cm, courtesy van de kunstenaar en Dauwens & Beernaert Gallery, Brussel

Geometrie, herhaling en modulariteit zijn de drie basisprincipes in het werk van Conrad Willems (°1983, Oostende) die door zijn visu-ele taal zeer herkenbaar is. Zijn tekeningen tonen de herhaling van cijfers, variërend in soorten en maten. Ze zijn gemaakt met de vrije hand en zonder een vooropgezet plan: elke getekende lijn is een permanente. Een methode van met de vrije hand gegenereerde pa-tronen, verstoord door onvolkomenheden in het herhalingsproces. Sommige tekeningen doen denken aan minimale stedelijke land-schappen. Het zijn echter maar vormen, geen gebouwen. De vorm ontkent elke functie, in lagen over elkaar heen, vervagen herkenbare vormen en worden er nieuwe toegevoegd. Zijn sculpturen delen dezelfde basisprincipes. Ze verkennen eenvoudige geometrische vormen, wazig of versterkt door het toevoegen van licht.

Géométrie, répétition et modularité. Tels sont les trois principes de base de l’œuvre de Conrad Willems (°1983, Ostende), dont le lan-gage visuel se reconnaît très facilement. Ses dessins se composent d’une répétition de chiffres de différentes sortes et de différentes tailles. Ils sont réalisés à main levée, sans plan préétabli : chaque ligne dessinée est définitive. Une méthode de motifs générés à main levée, troublée par les imperfections du processus répétitif. Certains dessins évoquent des paysages urbains minimalistes. Il ne s’agit pourtant que de formes et pas de bâtiments. La forme nie toute fonction : au fil des couches, les formes reconnaissables s’estompent et de nouvelles viennent s’y ajouter. Les sculptures de l’artiste partagent les mêmes principes de base. Elles explorent des formes géométriques simples, floues ou renforcées par l’ajout de lumière.

Lot 56

Voorgedragen door/Nominé par: Monia Warnez, zaakvoerder Fotorama, Wevelgem en medewerker galerie Albert Baronian, Brussel

Conrad Willems Study n°10,drawing included

Penseel en inkt op papier/gedroogde klei, zonder lijst 26 x 37 cm, met lijst 31 x 42 cm (tekening), 12 x 6 x 5 cm (klei), © foto: Rik Vannevel, courtesy van de kunstenaar

2015–2016

Raad van bestuur/Conseil d’administration:

Jan Steyaert* voorzitter, Bie Hooft-De Smul* ondervoorzitter, Lieve Andries-Van Louwe, Frank Benijts*, Bieke Clerinx, Franciska Decuypere, Laurence Delagaye- Soens, Karel De Meulemeester, Luc De Pesseroey, André Gordts, Marianne Hoet*, Agnes Lannoo-VanWanseele, Filiep Libeert, Damien Mahieu, Dirk Matthys, Michel Moortgat, Stéphanie Moortgat-Donck, Christian Mys, Serge Platel, Patricia Talpe-Duyck, Paul Thiers*, Olivier Vandenberghe, Jef Van den Heede*, Katrien van Hulle, Johan van Geluwe, Tanguy Van Quickenborne*, Jocelyne Vanthournout (* = uitvoerend comité/comité exécutif)

Stafmedewerkers/Collaborateurs du personnel:

Joost Declercq directeur, Jan(us) Boudewijns,Tanguy Eeckhout, Monique Famaey, Lies Leliaert, Beatrice Pecceu, Rik Vannevel, Gerry Van Billemont

Patroons/Patrons:

Rinaldo Castelli, Virginie Cigrang, Benedicte De Pauw, Michel Delfosse, Arnold Devroe, Regine Dumolin, Miene Gillion, Eric & Marc Hemeleers, Marianne Hoet, Luc Keppens, Peter Lecoutere, Françoise Liedts, Marc Maertens, Michel Moortgat, Christian Mys, Paul Thiers, James Van Damme, Tanguy Van Quickenborne, Leo Van Tuyckom, Pierre Verschaffel en anonieme leden

Schenkers/Donateurs:

Advocatenkantoor Keirsmaekers, Zeno X Gallery en anonieme schenkers

Structurele sponsors/Sponsors structurels:

Christie's, Eeckman Art & Insurance, Eland

Tentoonstellingsponsors/Sponsors d’exposition:

BNP Paribas Fortis, Bank Degroof Petercam, Limited Edition

Bedrijfsclub/Club d'entreprise:

Barista Coffee & Cake, Bio Bakkerij De Trog, bRoodstop, Deloitte Bedrijfsrevisoren, Deloitte Fiduciaire, Duvel Moortgat, Filliers, Houthandel Lecoutere, Jet Import, Mobull Art Packers and Shippers, Pentacon bvba, Stone, Van Den Weghe, Westmalle

Mediapartner/Partenaire média:

Klara

Mecenassen Woning Van Wassenhove: Mécènes Maison Van Wassenhove:

Philippe en Miene Gillion

Mecenassen VillaDD/Bibliotheek Jan Hoet: Mécènes VillaDD/Bibliothèque Jan Hoet:

Stefaan & Isabelle Bettens-Moriaud, Stefan & Bénédicte De Bock-De Pauw, Michel Goreux & Ria Martens, Rudy & Hilde Koch-Ockier, Yves & Isabelle Van Bavel-Van Hool, Leo en Diana Van Tuyckom-Taets, Marc Vandecandelaere, Paul Thiers en anonieme schenkers.

Mecenassen nieuwe museumvleugel: Mécènes nouvelle aile du musée:

Piet & Anne Van Cauwenbergh-De Man en andere anonieme schenkers

Druk/Print:

Cassochrome, Waregem

Vormgeving/Design:

Chloé D’hauwe

DANK U

We willen graag alle kunstenaars en galerijen bedanken alsook iedereen die geholpen heeft bij het welslagen van het Tuinfeest en in het bijzonder alle personen die een beloftevolle kunstenaar hebben voorgedragen.

MERCI

Nous tenons à remercier chaleureusement l’ensemble des artistes et des galeries ainsi que tous ceux qui ont contribué au succès de la Garden Party. Un merci tout particulier aux personnes qui ont proposé un artiste prometteur.

De kunstenaars/Les artistes:

Arne Bastien, Léa Belloussovitch, Martin Belou, Ernesto Burgos, Els Ceulemans, Alan Charlton, Aleksandra Chaushova, Stijn Cole, Barbara de Jonghe, Kasper De Vos, Adelheid De Witte, Rein Dufait, Jacqy duVal, Sacha Eckes, Lionel Estève, Liam Everett, Leo Gabin, Robin Gerris, Valérian Goalec, Tine Guns, Friedemann Heckel, Liesbeth Henderickx, Quinten Ingelaere, Ann Veronica Janssens, Sofie Lachaert & Luc d'Hanis, Nicolás Lamas, Thomas Lerooy, Denis Meyers, Wobbe Micha, Renato Nicolodi, Johan Nobell, Colin Penno, Joke Raes, Loïc Raguénès, Jessica Rankin, Brian Rochefort, Meggy Rustamova, Pedro Ruxa, Timothy Segers, Seher Shah, Lorna Simpson, Kato Six, Carole Solvay, Merlin Spie, Kris Van Dessel, Frank Van Hiel, Philip Van Isacker, Bram Van Meervelde, Loïc Van Zeebroek, Kevin Vanwonterghem, Andy Wauman, Conrad Willems, Sam Windett, Terry Winters, Tatiana Wolska

De galerijen/Les galléries:

Albert Baronian Brussel, Annie Gentils Gallery Antwerpen, Axel Vervoordt Gallery Antwerpen, Berthold Pott Keulen, CAB Brussel, Carlier/Gebauer Berlijn, Cecilia Jaime Gallery Gent, CLEARING, Brussel

& New York, Dauwens & Beernaert gallery Brussel, Deweer Gallery Otegem, Emergent Veurne, Galerie Deletaille Brusssel, Galerie Jan Dhaese Gent, Galerie Nathalie Obadia Parijs, Brussel, Galerie Rodolphe Janssen Brussel, Galerie Thomas Fischer Berlijn, Galerie Transit Mechelen Gallery Sofie Van de Velde Antwerpen, Goma Gallery Madrid, Green Art Gallery Dubai, HD Gallery Brussel, Irene Laub Gallery (Feizi) Brussel, Jablonka Maruani Mercier Gallery Brussel-Knokke, Kristof De Clercq Gallery Gent, Meessen De Clercq Brussel, Office Baroque Brussel, Patrick De Brock Gallery Knokke, Sorry We're Closed Brussel, Stephane Simoens Gallery Knokke, Tommy Simoens Antwerpen

Schenkers/Donateurs:

Art Travel/Atlas Reizen, Boxy’s

Live veiling Vente aux enchères Live

Lot 1 Johan NobellLot 2 Stijn ColeLot 3 Lionel EstèveLot 4 Alan CharltonLot 5 Jacqy duValLot 6 Barbara de JongheLot 7 Kunstdiner atelier Thomas LerooyLot 8 Leo GabinLot 9 Andy WaumanLot 10 Sofie Lachaert & Luc d’HanisLot 11 Tatiana WolskaLot 12 Ann Veronica JanssensLot 13 Sam WindettLot 14 Nicolás LamasLot 15 Denis MeyersLot 16 Colin PennoLot 17 Renato NicolodiLot 18 Loïc RaguénèsLot 19 Brian RochefortLot 20 Kunstreis Milaan Voyage artistique MilanLot 21 Timothy SegersLot 22 Jessica RankinLot 23 Lorna SimpsonLot 24 Philip Van IsackerLot 25 Terry WintersLot 26 Liam Everett

Internetveiling Vente aux enchères Internet

Lot 27 Arne BastienLot 28 Léa BelooussovitchLot 29 Martin BelouLot 30 Ernesto BurgosLot 31 Els CeulemansLot 32 Aleksandra ChaushovaLot 33 Kasper De VosLot 34 Adelheid De WitteLot 35 Rein DufaitLot 36 Sacha EckesLot 37 Robin GerrisLot 38 Valérian GoalecLot 39 Tine GunsLot 40 Friedemann HeckelLot 41 Liesbeth HendrickxLot 42 Quinten IngelaereLot 43 Wobbe MichaLot 44 Joke RaesLot 45 Meggy RustamovaLot 46 Pedro RuxaLot 47 Seher ShahLot 48 Kato SixLot 49 Carole SolvayLot 50 Merlin SpieLot 51 Kris Van DesselLot 52 Frank Van HielLot 53 Bram Van MeerveldeLot 54 Kevin VanwonterghemLot 55 Loïc Van ZeebroekLot 56 Conrad Willems

Museumlaan 14, 9831 Deurle+32 (0)9 330 17 30, [email protected]

www.museumdd.be

Date post:	03-Sep-2020
Category:	Documents
Upload:	others
View:	0 times
Download:	0 times

10e Garden party veilingen Auctions...auctions) opent reeds vanaf 11u op woensdag 24 augustus 2016...

Documents