196

RES

EÑAS * Cantisani

* Anne Sofie Von Otter * Chicks On Speed* Dave Matthews Band* Eels* Gary Go * Gliss* Iggy Pop* Iron & Wine * Julie Dorion* Klezmerson* Manic Street Preachers* Mos Def* Peaches* Sébastien Schuller* The Sounds* Tori Amos* Veo Muertos * Wavves* WhoMadeWho

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Alejandro González Castillo

AMANTE DE LOS OCHENTAS

24

Paul van Dyk, remezclándose a sí mismo / Esteban IlladesGreen Day / Una erupción de ira / David MeléndezNacho Vegas / Manifiestos y Desastres / Alex Castro John Legend / El nuevo héroe del R&B / Rockstar

Placebo / De la implosión a la batalla por el sol / Alejandro Rojas Luna Su nombre es Matt... M Ward, para los amigos / Carlos Andrade

The Black Eyed Peas / Fiesta en todo su esplendor / David Meléndez

Hello Seahorse! / Pop a lo bestia / Alejandro Mancilla

Playing for Change / Música para los niños / Pablo Emilio Islas MárquezAvenged Sevenfold / Metal apocalíptico y desintegrado / Pedro EscobarAnita Tijoux / Con el Kaos por delante / Alex CastroCoti / Poesía y canciones malditas / Nayeli RiveraFrancisco Céspedes / Pura nostalgia / Ana GalletaPolka Madre / Bailongo itinerante / Alejandro González Castillo

El Puma / Rugidos para Sandro / Ana Galleta

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Editorial / Mauricio HammerRápidas y Furiosas / Alex CastroSe Habla Español / Jacobo VázquezDoble vida / 50 velitas para Island Records / Jorge R. SotoDiez rolas para los detractores del reggaeton / David Mélendez DVDs / Elías Nahmías / RockstarVideojuegos / Nayeli Rivera Lo Más Vendido La Miscelánea / Pilar Ortega

SECCIONES

ARTÍCULOS

Director General Mauricio Hammer /

Director Jacobo Salleh A. / Editora Pilar Ortega / Coordinador Editorial Alex

Castro / Colaboradores en este número /

Carlos Andrade, Berenice Balboa, Enrique Blanc, Luis Cardoso Villa, Pedro Escobar, Ana Galleta,

Alejandro González Castillo, Esteban Illades, Pablo E. Islas Márquez, Ivett López de la Mora, Alejandro Mancilla, Violeta Mayer Lux, David Meléndez,

Darío Moreno, Elías Nahmías, Pilar Ortega, Nayeli Rivera, Rockstar, Jorge R. Soto, Alejandro Rojas Luna, Jacobo Vázquez / Diseño Armando Monsiváis, Alfonso Peña / Comercialización y

ventas Sofía Cabrera 5395 5951 / Impresión Pérez Varona Impresos, S.A. de C.V. Marcelino Dávalos 49 06880 México, D.F.

Círculo Mixup Es la revista oficial de las tiendas Mixup / Una publicación mensual de Grupo Neón, Huitlapexco #37, San Miguel Tecamachalco C.P. 06500, Edo. Mex. Tel/Fax: 5395 5951 / Esta

revista se distribuye gratuitamente en las tiendas Mixup / El contenido de los artículos es responsabilidad exclusiva de los autores / Certificado de Reserva de Derechos del Uso Exclusivo de Título

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Año 18, número 196, julio 2009

2

Hace apenas unos minutos me enteré de la noticia: Michael Jackson ha muerto… Una vez más, como si fuera una ley, como si se tratara de un requisito, el ídolo muere prematuramente, antes de lo que se esperaba, sin conocer la vejez.Así, el artista vivo (hasta el 25 de junio de 2009) más famoso del mundo, el icono pop por excelencia, el hombre-niño que se creyó Peter Pan al grado de vivir en Neverland, el pobre millonario, el negro-blanco, pasa a engrosar las filas de los héroes cuya muerte los embellece y engrandece.

Decía Vladimir Mayakovski que en esta vida es fácil morir. Construir la vida es mucho más difícil. Y así fue con Michael Jackson. Después de alcanzar la cima, luego de lograr toda la fama y la fortuna de que es capaz un hombre, ya no se supo construir una vida. Porque como diría aquel clásico: no se hallaba. No se hallaba en su cuerpo de negro de Indiana; no se hallaba en el mundo de los adultos ni tampoco tenía ya cabida en el de los niños; no hallaba su verdadera identidad sexual y, claro, también se perdía en esa gigantesca casa que su éxito y su pequeñez emocional le obligaron a construir. Y como sucede con todos los famosos que se van, lo que sigue corre a cargo no de ellos, sino de sus fans, de sus herederos, de todos quienes lo siguen por amor o por dinero: surgirá ahora, en todo su esplendor, el mito Michael Jackson: las historias secretas o desconocidas, la sacralización de todos los objetos que lo rodeaban, los mitos, las teorías conspiratorias, el reciclaje de sus videos, sus canciones, sus fotografías, hasta el infinito.Y desde luego, el simbolismo implícito en la forma de morir: no por una bala, ni por sus excesos, ni en un accidente de auto: tan sólo por un corazón solitario que repente deja de latir. Lo malo de la inmortalidad es que hay que morir para alcanzarla, dijo Víctor Hugo. Y Michael Jackson acaba de contraerla para siempre.

Mauricio Hammer

Alex Castro

4

Rhino lanzó una caja de sencillos remasterizados de The Smiths, titulada Singles Box, en formato de CD. El paquetito

de edición limitada –aprobado por el propio Johnny Marr– incluye sus primeros diez sencillos editados en el Reino

Unido, además del sencillo “Hand in glove”, dos rarezas y un póster con el arte gráfico de los singles. Ya sabes, tanta

belleza para que al final, como eres taan fan, ¡ni la abras!

Empezamos la segunda mitad del año con un nombre que vamos a estar oyendo mucho. Los Beastie Boys regresan el 15 de septiembre con su octavo disco, Hot Sauce Committee Part 1, además de que ya empezaron una gira que hará escalas en los festivales más importantes del globo (léase Bonnaroo, All Points West, Lollapalooza, Osheaga, Outside Lands y Austin City Limits). Y por si fuera poco, a mediados de este mes lanzan las reediciones lujosas, remasterizadas y súper-pimpeadas de sus discos Ill Communication y Check Your Head, este último con sorpresita para coleccionistas…

Los Arctic

Monkeys ya terminaron de grabar su

tercer disco, que verá la luz este 24 de agosto, en los formatos de CD y LP. Esta

vez, los ingleses trabajaron bajo las órdenes de Josh Homme (sí, el pelirrojo grandulón de las bandas Kyuss y Queens

of the Stone Age), por lo que no se espera menos que una hecatombre. Pronto tendremos gratas sorpresas al respecto… Dicen los que saben de rock jevi

que cada que Judas Priest anuncia la salida de un nuevo álbum en concierto, los fans del metal en todo el mundo experimentan mareos, hipertensión y temblorina crónicos. Y ya llegó

ese momento, pues a mediados de julio sale a la venta A Touch of Evil: Live, que incluye interpretaciones de clásicos de la banda como “Riding in the wind”, “Dissident agresor”, “A touch of evil”, “Painkiller” y las más recientes

“Death” y “Prophecy”. Seguro que Rob Halford y sus muchachos no defraudarán a sus fieles seguidores…

Otra combinación explosiva resultó ser la mancuerna que hizo el grupo

Kasabian con Dan The Automotor (Gorillaz, DJ Shadow)

en la producción de “Vlad the impaler”, tema que antecedió

al lanzamiento de su nuevo disco The West Ryder

Pauper Lunatic Asylum. Y la mecha siguió

corriendo con la salida del sencillo

“Fire”, que ya está arañando los primeros

sitios de las listas británicas. Este verano,

Kasabian saldrá de gira y pisará cuanto escenario se le ponga enfrente

para que, terminando todo el numerito y según sus humildes cálculos, hayan tocado para un millón de

personas. Uyuyuy…

Quienes seguro estarán alegres serán los fieles devotos de esa religión conocida popularmente como Beatlemanía, ya que además del videojuego The Beatles Rock Band, que sale en septiembre, está por lanzarse Let It Roll, una colección de los éxitos del desaparecido

George Harrison (desde 1970 hasta 2002), que incluye un librillo de 28

páginas con fotos inéditas…

ProMoCIoNes

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Ciara

se parece a

Beyoncé, pero no es. En

cada oportunidad se desvive por

demostrarnos que es tan sexy como

ella (es más, le acaba de abrir algunos

shows a su ex, Jay-Z) pero de verdad,

¡no es! Mejor escucha su disco

Fantasy Ride y decide tú mismo

si esta bailarina y cantante

de R&B se parece o no.

Y en nuestra nueva y mala copa

sección denominada “¿Por qué

#$%!& nosotros no?”, les informamos que

ya se agotaron los boletos para la presentación

de Faith No More en Chile, misma que

ocurrirá el 30 de octubre. Señores promotores,

sin escudarse en la crisis, háganos saber

por qué no compraron al menos una fecha

del “Second Coming Tour” para México,

contesten de una vez: ¿Por qué #$%!&

nosotros no?

Mientras Nelly Furtado está de regreso con un sencillo (¡otra vez en español!) titulado “Manos al aire”, los latinos levantamos los brazos al cielo y preguntamos: ¿Qué hemos hecho para merecer esto?... Y esta noticia nos puso a temblar a todos en la Redacción: Alice in Chains regresa en septiembre con nuevo disco. Lo que queda del grupo (tras el fallecimiento de Layne Staley) reclutó al cantante y guitarrista William Duvall, firmó contrato con Virgin y ya están listos para encabezar un festival en Ohio y alternar con Kid Rock y Metallica en otras fechas. El baterista de la banda, Sean Kinney, aseguró que están en su mejor momento y que hicieron “un disco del que están realmente orgullosos”. ¿O sea que de los anteriores no lo estaban? Me siento timado, algo me dice que todo ese rollo del grunge fue una farsa…

• Después de adquirir el nuevo disco de Fratta, entra a mixup.com y descarga tracks inéditos de este cantautor, hasta el 15 de julio, en todas las tiendas.• en la pre compra del CD Hannah Montana 3 participa contestando la trivia

para ganar increíbles premios, antes del 9 de julio, en todas las tiendas del DF.• Busca los títulos de música clásica con 50% de descuento en Mixup Plaza del sol, Mérida, Monterrey, Valle oriente, León, Galerías Cuernavaca, Xalapa, Metepec, satélite, Universidad, Palmas, Polanco, Parque Delta, Génova, santa Fe, Chihuahua,

Morelia y Tijuana.• en la compra de The Sims 3, llévate un organizador, hasta el 18 de julio, en Mixup santa Fe, Génova, Polanco, Universidad, satélite, Loreto, Cuicuilco, Palmas Delta y Parque Lindavista.• Pregunta por los títulos de la Blu-ray Manía que tienen 20% de descuento. Además, en la compra de un Blu-ray marcado con el sticker participa en mixup.com para ganar uno de los 25 Playstation 3, antes del 23 de agosto, en todas las tiendas.• Hasta el 19 de julio, siguen los precios congelados de varios títulos a sólo $79.00, en todas las tiendas.• Al apartar con $50.00 el DVD de la película Up, llévate un práctico cesto (hasta el 12 de agosto o agotar existencias) en todas las tiendas.• Y en la compra de cualquier título marcado con el sticker de Ángeles y Demonios participa en mixup.com para ganar un viaje a roma. Válido hasta el 12 de julio en todas las tiendas.

Se Habla eSpañol

“Mientras siga habiendo una desigualdad social y económica entre Europa y los demás países, la gente seguirá migrando”.

Tengo La Voz

Jorge Drexler

CaifanesLo Esencial de CaifanesSony Music, 2009Caja con tres discos y un DVD de la última gran banda mexicana. Si eres fan, te conviene comprarlo por el DVD, y si aún no tienes idea de quiénes fueron los Caifanes, estos tres discos te pueden aclarar la duda.

Vetusta MorlaUn Día en el MundoPequeño Salto Mortal, 2008El trabajo más reciente de la banda española favorita de Thom Yorke. Su sonido nos remite inmediatamente al The Bends, de Radiohead, pero sin tanta distorsión. Y aunque no alcanzan el nivel en la lírica de grupos como Maga o Sr. Chinarro, este disco puede ser un buen compañero para la temporada de lluvias que se avecina.

DedupléxSin Ley de GravedadViva Music, 2008Desde Guadalajara nos llega este grupo de techno pop con la formación chico/chica. No esperes sorpresas, aquí hay referencias ochenteras y letras de amor y desamor. Si te gustan Dixybait y La Monja Enana, este disco te puede interesar.

MuaCaminoMolécula Records, 2009El dueto chileno nos regala un techno-pop cálido y amable. La voz de su cantante te puede recordar a Belanova, pero no te asustes, porque el concepto es totalmente diferente. Esto es pop análogo y no plástico como el de la banda mexicana.

Jacobo Vázquez

Comenzamos la segunda mitad de este 2009 con la resaca del Vive Latino y las elecciones. Y por supuesto que los rockeros no son ajenos a este tipo de situaciones, como el mismísimo Leonardo de Lozanne (Fobia y Los Concorde), quien no quita el dedo del renglón e invita a votar a todos sus fans, ya que como mencionó en una entrevista reciente, “No hay que dejar que otros tomen decisiones por nosotros”. En buen momento llega esta invitación, ya que parece que el abstencionismo es el candidato a ganar en esta ocasión. Sólo esperamos que Leonardo no se quiera ir del país como su compañero Paco Huidobro, quien en una ocasión declaró que si ganaba López Obrador, él se iba de México

Los Discos Del Mes

Los Simplifires siguen viento en popa con su Why People Make Countries y luego de haberlo defendido en el Vive Latino, lo llevarán a la tierra natal de su vocalista Dave, por lo que ya están empacando maletas para viajar a Irlanda. Lo cierto es que esta banda tiene todo para hacerla en grande por aquellos lugares. Además de la visita a la tierra de Bono, el cuarteto ya está preparando un EP que posiblemente salga para otoño de este año. Buena suerte, muchachos… Vetusta Morla está en nuestro país en plena promoción de su álbum Un Día en el Mundo. La banda más aclamada del último año en España quiere conquistar también al público mexicano, y aunque en este momento no esté planeada una gira, los españoles ya están organizando una para el mes de noviembre. Así que si te gustan Radiohead, Muse o Maga, no puedes perdértelos. A esperar… Molotov está vivito y coleando, a pesar de que los cuatro integrantes han estado muy activos en otros negocios. Huidobro estará promocionando su proyecto Mongol Gol Gol; el gringo Randy continúa en Estados Unidos trabajando con distintas bandas y Tito sigue chambeando con la banda capitalina Bengala, sin olvidar que Paco Ayala estará cuidando a su segundo retoño. Sin embargo, los creadores de “Frijolero” amenazan con presentar su nuevo disco a final de este año. Hay Molotov para rato… Otros mexicanos que no se cansan de dar pelea son los integrantes de La Castañeda, quienes festejan su XX aniversario de estar en la escena con su alineación original. Les recomendamos a los fans de esta banda que empiecen a guardar sus domingos, porque próximamente estarán en circulación las reediciones de los álbumes Globo Negro e Hilo de Plata, además

de un recopilatorio con sus grandes éxitos. Sin duda, será un festejo de locura… Olvido Gara y Nacho Canut, mejor conocidos como Fangoria, están estrenando el video de su más reciente sencillo, titulado “La pequeña edad de hielo”, el cual se desprende de su más reciente producción llamada Absolutamente. El sencillo aparecerá en las tiendas en una edición con dos remixes, además del videoclip mencionado. No dudamos que los fans agradezcan este tipo de artículos, aunque sabemos que agradecerían más si el dúo dinámico repitieran la grata experiencia de su concierto en el Salón 21, hace ya más de dos años… Los argentinos Caña de Azúcar están tan contentos con el recibimiento que les dio el público mexicano, que no dudan en regresar muy pronto a suelo azteca. La banda de reggae y ska ha comentado que la próxima vez que estén por acá realizarán una gira más extensa y comentaron que lo que más le gustó de México fue su variedad cultural, así como la calidez del público. No por nada Los Fabulosos Cadillacs tocan dos veces al año aquí… El mes pasado se festejó el XXV aniversario de Rock 101, donde se recordaron canciones y programas que hicieron de la mítica estación de radio todo un concepto. Sin duda, uno de los programas pilares de Rock 101 fue “El Chiringuito”, que es considerado como el primer programa de rock en español de la radio mexicana. Qué lejos han quedado los días donde se hacía radio con inteligencia, sentido del humor y amor por la buena música. ¡Felicidades Rock 101!

IslandRecords

este 2009 se cumplen 50 años de la fundación del sello discográfico Island y lo celebran con la aparición de un álbum triple titulado Island Life. Cuando vi el repertorio, sufrí un ataque de nostalgia al recordar que, cuando estaba en la escuela, durante los períodos de exámenes me reunía en mi casa con cinco amigos con los que estudiaba hasta altas horas de la noche.

Doble ViDaJorge R. Soto

50 velitas para

en algún momento soltábamos los libros y poníamos un poco de música para distraer la mente. en ocasiones alguien llevaba a las sesiones de estudio alguna novedad y entonces oíamos el disco antes de tomar los cuadernos.Aún recuerdo que en esos tiempos pensaba –lo digo con pena– que “I shot the sheriff” era una canción de eric Clapton refriteada por un jamaiquino llamado Bob Marley. en una de esas ocasiones, un amigo me sacó del error. Lo curioso del asunto es que muchos de los discos que escuchábamos procedían del sello Island, aunque el dato nos importaba un comino. Es así que discos de Cat Stevens, Traffic, Marley, alguno de Joe Cocker, algo de roxy Music y Free, fueron aprendidos casi de memoria, lo mismo que las materias que debíamos aprobar. Island se convirtió durante los sesenta y setenta en la compañía independiente más importante del reino Unido, a donde se trasladó a partir de 1960. el sello siguió adelante

reclutando a artistas tan importantes como U2 y más recientemente a Keane, Amy Winehouse y The Fratellis, por mencionar algunos. este álbum triple incluye dos discos integrados por temas muy conocidos de sus más grandes artistas, entre los que se cuentan U2, roxy Music, The B52’s, Frankie Goes to Hollywwod, Jethro Tull, emerson Lake & Palmer, Mika y Pulp. el tercero presenta a 14 artistas del sello reinterpretando composiciones de otros artistas de todas las épocas de la compañía, como es el caso de Keane, con “Disco

2000” (original de Pulp); Grace Jones, con “Love is the drug” (propiedad de roxy Music); The Fratellis interpretando “stir it up” (de The Wailers) y Johnathan Jeremiah haciendo su versión a “With or without you”, de U2, entre otros.Aunque nadie de mis amigos lo dijo abiertamente, sé que en aquella época una de las motivaciones para reunirnos a estudiar era la selección musical, que incluía muchos de los artistas contratados por Chris Blackwell, quien fundó la marca en Jamaica, en 1959, con una inversión de mil libras.

“Lo de Wolfgang Amadeus Phoenix es una niñería. Es como si dejaras libre a un infante dentro del

museo y éste le dibujara un bigote a la Mona Lisa”; así describe Thomas Mars el título del álbum

más reciente firmado por Phoenix, el cuarteto francés en el cual se desempeña como cantante.

“México es nuestra base de operaciones, pero la música

la componemos en el camino, en diversas ciudades. Nuestro primer

disco lo grabamos en México, el que actualmente presentamos, Dead

in the eye, en estados Unidos, y el tercero planeamos hacerlo en

Finlandia”. Quienes hablan son Marina de Ita y enrique Pérez,

acordeonista y clarinetista de Polka Madre, el conjunto que completan

eric Bergman, Andrew Cameron y raimundo Vera. Juntos han

tocado desde oaxaca hasta Finlandia, pasando por Tijuana, París y

Alemania. Para ellos no hay escenarios menores, incluso les encantan

las cantinas atestadas de punks: “Preferimos eso a tocar en un

antro fresa”.

10. M.I.A. – “Galang”Ahí está el mismo ritmo reciclado una y otra vez. Lo peor (¿o lo mejor?) es que es arteramente simple y pegajoso. sí, esa batería programada tiene poca creatividad, pero M.I.A. hace fulgurar —no brillar— la canción hasta volverla un resplandor cegador que convierte a sus escuchas en títeres de baile. el ADN del reggeaton está impreso en las células de “Galang” (y también algo de batucada, funk con taquicardia y un prototipo de drum ‘n’ bass, aderezado con una línea de bajo de ghetto brasileño).

9. No Doubt – “Hey baby”Tal vez el éxito de esta canción (con un Grammy y primeros lugares del Billboard incluidos), haya suavizado la percepción de que tiene clavadas varias espinas con la etiqueta perdida de “reggaeton” colgando en una de ellas. Con una raquítica participación de instrumentos orgánicos, el tema exuda ragga y mucho dancehall caramelizado. este bombón fue grabado en parte en Jamaica y el guitarrista de la banda dijo que era “música para La Guerra de las Galaxias”. Claro, un rasgo capital que le da su distintivo atroz es el bajo sintetizado que, contundente, enfatiza cada oleaje rítmico. otro corte hermano con estos ritmos en la discografía de No Doubt es “start the fire”.

8. Calle 13 – “Atrévete te te”Himno generacional que tiene cadencias encubiertas de vallenato y arranca como una cumbia a medio gas. Los puertorriqueños crearon una imponente carga de frases incoherentes que no funcionan ligadas unas con otras, sino como axiomas aislados, lo que le da una potencia bárbara al fluir rítmico del tema. Pero, ojo, en el plano jocoso, no místico. Ése fue su gancho básico, puesto que el pilar armónico es reggaeton puro y de la calaña más básica. sólo lo embellecieron con portamentos de balada romántica en guitarra, clarinetes de ínfulas norteñas y un pellizco imperceptible de chicha. Aunque canten “¿Qué importa si te gusta Coldplay?”, dicha filosofía de “toda la música es buena” es demasiado perfecta para creerse. ¿Lo mejor? Bailar e ignorar.

Sabemos que muchos no la consi deran una música trascendente o es-

piritual. Tal vez sea por su carácter bastardo, por sus ritmos repetitivos o

su caló tan subido de tono, que se le ha llenado al reggaeton de críticas e

improperios al por mayor.Pero en ese horizonte sombrío se

asoman algunas canciones que han roto el hechizo, convirtiéndolo en un medio de expresión desfachatado e

irreverente, que ha ganado cierta “validez”, gracias a la crítica especial-izada. Por ello, aquí te recetamos una docena de canciones del género que

te harán levantar (cuando menos) la ceja.

para quienes odian el

10

7. Don Omar – “Dile”el boricua puede representar sin problemas el espectro “maduro” del reggaeton. “Dile” fue un excelente crossover entre lo comercial y lo tradicional: esa guitarra juguetona y costumbrista que se escucha de fondo, juntó la cordillera de Los Andes con el concreto de las calles de Puerto rico. Aparte, la producción es tan sólida (o seria) que el reggaeton no domina las acciones sonoras.

6. Nicky Jam – “Pasado”¿reggaeton introspectivo? Con un arranque parecido —alguien dirá plagio— a “The box” del dúo británico orbital, la pieza del dominicano funciona a dos niveles: baile cadencioso para calentar la noche y goce onírico para observar paisajes y puestas de sol, gracias al preciosista uso de sintetizadores y clásicos “parones” que enfatizan el espectro dramático del abandono del amor, ése del que tanto se habla en la letra. Intensidad emocional y fiesta unidas por la sombra banalizadora del reggaeton.

5. Wisin y Yandel – “Pégate”el dúo boricua tiene mejores canciones, pero “Pégate” es un mix desfachatado de géneros que sirve de autodefensa y parodia para promover al reggaeton. Lo mejor es que arranca a contra ritmo, con el beat tradicional del género pero cojo, con la adición de un arpegio infantiloide creado por el sintetizador procesado a manera de percusión. Después, todo muta en un reggaeton a la usanza de la old school, donde voz y batería programada se responden y contestan, con los ruidos de fondo carentes de armonía y como mero adorno. entonces, surge un aire de rock (con efímera guitarra distorsionada) y la parodia cierra su círculo.

4. Daddy Yankee – “Lati-gazo”No podía faltar el flow energético de Daddy Yankee y su narrativa misógina y en ciertas ocasiones sadomasoquista. “Latigazo” cumple con el “tu, pa-tu, pa” característico

del reggaeton, pero cuenta con arreglos frenéticos y quisquillosos que le dan un guiño de techno. sí, seguramente su corte “Gasolina” debería de estar aquí, pero tras el chapuzón mediático que recibió es mejor buscar un pariente en la discografía de Yankee que sea igual de efectivo.

3. Trébol Clan – “Gata fiera”el lado más “latinoso” y orgánico del reggaeton, a un centímetro de pisar los derroteros de la salsa o la cumbia, es representado con la bandera de este trío. Lo suyo es acompañar el fluir de las baterías programadas con el loop de una armonía clásica de piano sincopado y el matiz tradicional de bajar el ritmo y “platicar” cuando el coro no se usa. No presten atención a la letra, que es de las más sosas que puedan memorizarse.

2. Johnny Prez – “Nebuleando conmigo”Actitud teatral, contundencia reggaetonera. Muchos escuchas aludirán que la base rítmica del boricua se siente “vacía” y endeble ante, digamos, el músculo de Calle 13 o Daddy Yankee. De ahí que su atractivo sonoro caiga más directamente en la cazuela sonora urbana —de hecho, sus melodías vocales se sienten de barrio bravo—, recargando parte del gancho en los fantasmales sonidos como sacados de los quejidos de Gasparín u otro ente del más allá, que pueblan cada segundo del tema.

1. Beastie Boys – “Girls”Que nos quemen en la hoguera por irreverentes, pero la concepción general de “Girls”, es un proto reggaeton que cambia por completo con la adición de las vocales de los neoyorquinos, transformándola en un corte alternativo bastante futurista y visionario para su tiempo. La batería juguetea hasta el hastío con un mismo ritmo, mientras que el repetitivo fraseo —que jamás aburre— de un sintetizador de juguete alegra y hace saltar hasta al anciano más decrépito.

David Meléndez

rolas

10

Volume trae un remix de “For an angel”, que es tu canción más famosa. ¿Qué tan difícil es remezclar tus propios temas?En realidad es muy fácil. Lo único que busqué fue actualizar la canción, pero que mantuviera el sabor de antaño. Me gustó mucho, porque odio todo el proceso de crear una nueva canción; tienes que hacer la versión extendida, la versión para el antro, la versión para la radio... Esto fue mucho más sencillo.Si no fueras Paul van Dyk, “el mejor DJ del mundo”, ¿qué estarías haciendo ahora?Bueno, en realidad no me considero como tal. Simplemente hago lo mejor que puedo. En cuanto a tu pregunta, sería chef. Hacer platillos es similar a hacer una canción. Haría cosas picantes, como mi música.¿Qué equipo estás usando en esta gira?La música electrónica siempre ha tratado de ampliar los horizontes, así que para mí, usar la tecnología más nueva del mercado tiene sentido. Cuando estoy en el escenario utilizo dos computadoras; una es sólo para software y sintetizadores y la otra cuenta con el material de audio. Ambas están entrelazadas y corren con el mismo programa y reloj. Eso es lo que oyes cuando me vas a ver.¿Cuándo supiste que la música electrónica era lo tuyo?Debe haber sido en 1985 o 1986. Yo vivía en Berlín del Este, así que tenía poco acceso a la música electrónica, que sólo se podía escuchar a través del radio. A pesar de la mala calidad, el poder y la energía del house me dejaron estupefacto.¿Alguna vez te has cansado de hacer lo que haces?No. Lo único que comienza a molestarme es el proceso de viajar. Ya sabes, hacer el check-in, pasar por seguridad, esperar en la sala de abordaje, pasar una cantidad increíble de horas en el avión... Aunque llegar a lugares nuevos y conocer gente sigue siendo increíble.¿Qué te falta por conquistar?Muchas cosas. La verdad es que no tengo una lista escrita sobre todo lo que tengo que hacer, pues siempre hay proyectos nuevos que representan retos para mí. Por ejemplo, el equipo organizador del festival para conmemorar el vigésimo aniversario de la caída del Muro de Berlín se me acercó hace un par de días. No puedo hablar de lo que me pidieron hacer, pero sí puedo decir que, si lo logramos concretar, será gigante. Espérenlo el 9 de noviembre.

Paul van Dyk ganó un Ariel en el 2004 por la banda sonora de la película Zurdo, que es la historia ficticia del mejor jugador de canicas del mundo, un niño mexicano. en ella actúan Alex Perea y eugenio Derbez, entre otros.

Paul van Dyk, remezclándose a sí mismoQuince años después de su primer lanzamiento, Paul van Dyk nos trae un compilado de éxitos titulado Volume. Todo un referente dentro de la escena electrónica –ha sido nombrado el mejor DJ del mundo dos veces por DJ Magazine–, van Dyk nunca se aburre de su trabajo. Al contrario, siempre busca nuevas formas de superarse, como espera hacerlo con un proyecto secreto que guarda para noviembre.

esteban Illades

Paul van Dyk. Volume. EMI Music, 200924 canciones, entre las que destacan los remixes a “elevation”, de U2; “Gimme more”, de Britney spears, y “Martyr”, de Depeche Mode. También contiene “Magical moment” y “Another way”, tracks esenciales en la discografía de van Dyk.

Para el octavo disco de Green Day, la mano de Butch Vig (Nirvana, Smashing Pumpkins) es una sombra sin contorno. Esto es, la contundencia de cada una de las 18 canciones está contenida porque Vig adecuó toda la producción para que el disco se sintiera como una unidad, algo más parecido a hojear un libro con principio y fin, que una revista con artículos diversos. Lo anterior sucede porque 21st Century Breakdown está dividido en tres actos (“Heroes and cons”, “Charlatans and saints” y “Horseshoes and handgrenades”), desde donde el escucha conoce la historia de la pareja que está inmersa en un mundo caótico y problemático. ¿Hay novedades en el sonido? Claro, puesto que el dramatismo surge en múltiples cambios de intensidad en las secciones de las canciones; vaya, es como el estilo de Queen, pero como si Freddy Mercury y sus compinches hubieran tenido una tarde de perro y la ira estuviera presente en todo momento. Además, existe algo de surf y el clásico conato desgarrado con guitarra acústica. ¿La lírica? Denuncia tras denuncia. Armstrong lo mismo arremete contra la religión y la guerra que contra la avaricia y las pocas ganas de la humanidad por cuidar su planeta.

Desde que debutaron en 1989 con su EP 1,000 Hours, Billie Joe Armstrong (voz, guitarra), Mike Dirnt (bajo) y Tré Cool (batería), han recibido fuertes críticas solamente por ser uno de los más recientes grupos que revivieron el espíritu punk, tanto en música como en actitud. Ya saben, adentrarse al legado de bandas como Ramones y The Clash tiene su precio. Pero Green Day se volvió un icono de la cultura musical contemporánea cuando firmó en 1993 con Reprise Records (antes estaban en Lookout!) y su álbum Dookie llegó a las tiendas a principios de 1994. Basta mencionar canciones como “Basket case”, “She” y “When I come around” para recordar el éxito súbito que mandó a la banda al puesto número dos del Billboard —muchos les espetaron que “vendieron su música para servir a las masas”—, para después ganar un Grammy por Mejor Disco Alternativo y vender 16 millones de copias por los cinco continentes. Incluso la ¿prestigiosa? revista Rolling Stone lo mete dentro de su conteo de los 500 discos más grandes, influyentes, “buenos”, apabullantes o como quieran llamarles, de toda la historia. Green Day tuvo altibajos hasta que en 2004 y tras un descanso de cuatro años, salió a la venta American Idiot, placa donde la agrupación maduró sin olvidarse de los guitarrazos y le tiró candela pura al gobierno de su país. La etiqueta de punk rock seguía clavada férreamente, pero la lírica se había expandido a niveles incendiarios para que el escucha no sólo se divirtiera con la música, sino que tomara conciencia. Tras otro “descansito” (ahora de un lustro pero con una larga agenda de conciertos de por medio), Armstrong y compañía regresan a la carga con 21st Century Breakdown, que está más emparentado con discos como 2112, de Rush —en concepto, no en música, antes de que algún fanático de esta banda canadiense ponga el grito en el cielo—, que con el territorio conquistado por bandas como The Misfits y The Damned. Últimamente Green Day se ha arropado con la bandera de la crítica social y la música es el medio para que el mensaje llegue a sus seguidores. Podría decirse, con las debidas providencias, que 21st Century... es una ópera-rock, ya que el álbum tiene a dos protagonistas jóvenes, Christian y Gloria, que como pareja sufren los avatares del nuevo milenio. En pocas palabras, existe un hilo conductor que jamás cae en abstracciones ni devaneos experimentales, tan propios y comunes de la ópera-rock que tiene su ejemplo más fastuoso en Tommy, cinta dirigida por Ken Russell en 1975 y con música principalmente compuesta por The Who y algunos de sus integrantes. Lo que Green Day hacen es ser honestos y punto. Tienen plena conciencia de que su música es punk rock y que este estilo es lo que mejor les sale. No es que se hayan vuelto de mensaje social, sino que encontraron en la sociedad el mejor caldo de cultivo para componer música.

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Háblame de los dos significados que tiene el título de este disco…Bueno, es una referencia a los manifiestos, puede ser el comunista o cualquier otro, básicamente porque son textos muy racionales y argumentativos, a diferencia de mis canciones, que suelen ser más emocionales e imperfectas, por eso es un Manifiesto Desastre. Pero también es porque cuando hacía alguna trastada, mi madre me decía que era yo “un desastre manifiesto”.Vienes de trabajar en diversos proyectos con Bunbury, Lucas 15 y Christina Rosenvinge, ¿crees que este disco muestre alguna huella de esas colaboraciones?Sí, la verdad es que después de mi disco Desaparezca Aquí no sabía qué haría y las colaboraciones con todos ellos surgieron de manera casual, pero fueron colaboraciones muy profundas.Me llamó la atención “Crujidos”, que parece ser uno de los temas más pop de tu carrera...Sí, la verdad es que es una canción que no quería incluir en este disco, precisamente por lo que dices y porque creía que quizá podría quedar mejor en alguno de los EPs que de repente hago; pero al final la incluí y me alegré de hacerlo, porque creo que funciona como contrapunto de canciones como “El tercer día”.

“Dry martini” y “Morir o matar”, las que abren y cierran el disco, son también las más intensas, ¿fue intencional colocarlas así?Sí, me gusta plantearme la secuencia de las canciones como si fuera un viaje o un recorrido. Y suelo poner especial atención en las canciones que abren y cierran los discos, porque de alguna manera son el punto de partida y el destino de esta especie de viaje.Leí un comentario que hiciste sobre Amaia Montero y me divertí muchísimo…Es curioso, porque el otro día un amigo me hablaba de eso y la verdad es que yo no me acordaba; ¿qué voy a hablar yo de ella? Pobrecita, si ni la conozco. Y bueno, ya me recordó él eso de que yo conocía gente que trabajaba en BMG, cuando ella estaba aún en La Oreja de Van Gogh y que me contaban que en las reuniones de marketing se hablaba de lo hermosa que estaba Amaia y de que había que suavizarle un poco las curvas (risas) pero vaya, no sé, ¡tampoco es muy decoroso meterse con la gente!si todo sale como lo planea, en septiembre Vegas volverá a nuestro país, para presentarse por primera vez por su cuenta, tras la visita que hizo hace unos años, acompañado de enrique Bunbury.

La receta ideal del martini seco, según Nacho VegasBueno, lleva una buena ginebra, como la Hendrick’s, el vino tiene que estar muy seco, en el punto del vermouth seco, porque sólo le tiene que dar un poco de aroma. Pero bueno, tienen que ser nueve partes de ginebra por una de vermouth seco, porque si te pasas de vermouth, estropeas el martini.

La edición nacional del disco El Manifiesto Desastre, de Nacho Vegas, es la ocasión perfecta para volver a charlar con este cantautor gijonés, quien no suele grabar videoclips (pero si tienes amplio criterio puedes buscar el de “Dry Martini s.A.”) y no suele hablar de los demás, aunque en esta charla lo intenta y nos hace doblarnos de la risa.

Desastres Manifiestos y

Alex Castro

Nacho Vegas. El Manifiesto

Desastre. Limbo starr / eMI,

2009.

16

John, ¿qué te trae a México?Vengo a promocionar mi disco, pero también a actuar a beneficio de los niños con cáncer de Casa de la Amistad. Es algo que hago de corazón; la energía de los niños me conmueve y me mantiene sensible.También ayudas niños en otros países…Apoyo a una organización llamada Show Me Campaign, que nació de la canción “Show me” y que trata de una conversación con Dios y del estado en el que se encuentra el mundo. La campaña apoya a comunidades en pobreza extrema, para que reciban educación y servicios dentro de un modelo de crecimiento sustentable.

Dura e importante labor. Ahora hablemos de tu música. ¿En algún momento te sentiste presionado tras el éxito de tu álbum anterior?No me he sentido presionado por los demás, pero sí por mí, ya que quería superar el disco anterior. Sentía que debía escribir mejores canciones, cantar y producir mejor. Y es eso en lo que he trabajado, lo que estoy intentando hacer. Fui yo quien me puse esa presión.Has trabajado con algunos de los mejores productores. ¿Crees que has conseguido hacer exactamente la música que querías?Este es el mejor disco que podría haber hecho. Quién sabe cómo será en el futuro, pero este disco representa dónde estoy ahora. Estoy muy orgulloso de él, es un disco con mucha pasión.¿Cómo ha sido trabajar con ellos?Genial. Llevo años trabajando con Kanye West, y en este disco no podía faltar su colaboración, al igual que Andre 3000, con quien hice “Green light”. Con will.i.am también llevo años colaborando, ambos son grandes amigos y los respeto, así que trabajar a su lado es un placer. Con Raphael Saadiq colaboré en el primer disco, es alguien que he admirado siempre como productor y como artista, lo veo como una figura fuerte del soul y me alegro de que hayamos podido trabajar juntos. También hicimos temas como “No other love”, con Estelle, y “Quickly”, con Brandy. He disfrutado mucho a todos los que han colaborado en el disco.Con tu sonido, ¿intentas recuperar la esencia del soul?Creo que lo que hago es una mezcla de sonidos

clásicos y nuevos. Admiro a grandes artistas

del soul, como Marvin Gaye o Stevie Wonder. Intento

emularlos en cierto modo, pero de forma que el resultado sea algo

nuevo y tenga otros elementos. Por otro lado, admiro lo que hacen Kanye o Jay-Z. También son influencias fuertes

que me gusta mezclar.¿De dónde sale el nombre de John Legend?Empezó siendo un mote que me pusieron mis amigos, porque decían que sonaba como si perteneciera a otra época. Al principio me daba vergüenza y no sabía si aceptarlo,

pero poco a poco me fui haciendo a él y decidí seguir adelante.

Eres una de las cien personas más influyentes, según la revista Time, y

Quincy Jones habla maravillas de ti. ¿Por qué no has perdido el suelo?

Mi premisa es hacer buena música y buenos discos. Saber lo que opinan de mí

es importante, pero no determinante. No he cambiado mucho con la fama. En muchos aspectos aún siento que estoy haciendo lo mismo que solía hacer: soy músico, escribo canciones, canto, toco y actúo por todo el mundo, sólo que ahora tengo más éxito que antes.

Háblame de tu experiencia en el festival Coachella 2009.Estuve en el escenario con MSTRKRFT y fue alucinante

dirigirme a un público diferente y ante una gran audiencia. Me

gustó mucho... Haré más presentaciones en festivales.

La música negra tiene una importancia enorme en Estados Unidos, pero ¿cómo la ves en Latinoamérica?

Mi música es universal, no va dirigida a ningún país ni a ningún grupo de gente en concreto. Es para que la

disfrute todo el mundo y eso es lo mejor de la música, que puede trascender las barreras culturales…

¿Cómo fue la experiencia de cantar con Stevie Wonder?Increíble. Canté con él en los BET Awards hace un par de

años. Cantar con un artista al que había admirado toda mi vida y que lleva cuarenta años haciendo grandes discos fue

un sueño hecho realidad.Finalmente, ¿cómo viste a tus seguidores en México?En un principio no tenía idea de cómo iban a reaccionar. Tuve

un meet & greet con ganadores de una estación de radio y fue sensacional, no me imaginaba que estuviera en el gusto

de gente tan diferente en edades. Y me sorprendió ver cómo coreaban mis canciones. Fue muy emocionante.

¿Regresarás?Desde luego, México es un país increíble. Amo su gente, su

comida y sus playas.

John Legend debutó en 2004 con Get Lifted y hoy es ya poseedor de seis

premios Grammy. Hay quienes lo consideran

–no sin exageración– el nuevo Marvin Gaye. Aprovechando que

tiene una nueva placa en el mercado, titulada Evolver (Círculo Mixup 192), y que se dio una

vuelta por México, conversamos con el

pianista, compositor y cantante.

héroe el nuevo

del r&Beduardo “rockstar” rodríguez

En las letras había espasmos de euforia al criticar al sistema y referencias

permanentes a lo frágil que se vuelve cualquiera en las relaciones de pareja.

Placebo llegó cuando se requería gente que fuese observadora y partícipe

del momento que se vivía y, si a esto agregamos la imagen andrógina del cantante, se fortalecía la idea de que

no había banda semejante a ellos, puesto que Blur, Oasis o Suede ya eran peligrosamente mayores. El trío mostró que podía ser más crudo con su disco Black Market Music (2001), debido a esa guitarra que transmitía urgencia o pesadumbre, aún cuando poco a poco

se incorporó tecnología propia de la consola de grabación, herramienta que progresivamente transformó la

adrenalina en el refinamiento (tanto en armonía como en imagen) que derivaría

en Sleeping With Ghosts (2003) y Meds (2006), discos bien producidos que, sin embargo, ya no sorprendían

tanto. Los fundadores de Placebo reconocen que en el último período

sólo seguían siendo una banda por el nombre. Eso forzó la renuncia de Steve Hewitt y llevó a la contratación de Steve

Forrest (ex Evaline). Asimismo, en su reestructura se acercaron al productor

Dave Bottrill (Tool) y al mezclador Alan Moulder (Nine Inch Nails), para obtener en su nueva placa, Battle for the Sun, lo que Molko considera Un disco acerca de elegir la vida, acerca

de salir de la oscuridad (sin renunciar del todo a ella) e ir hacia la luz.

¿Conoces a una banda donde tocan un gay, un bisexual y un heterosexual? Palabras más, palabras menos, eso era lo que se escuchaba, alrededor de 1998, entre las personas que sabían y aquellas que hasta entonces desconocían a Placebo, un trío inglés que había debutado (aunque con otra alineación) en 1996 con un material homónimo que les generó una especie de culto, mismo que se consolidó con Without You I’m Nothing (1998), producción que hizo a Brian Molko (voz y guitarra), Stefan Olsdal (bajo) y Steve Hewitt (el baterista que sustituía las baquetas fundadoras de Robert Schultzberg) sobrepasar el morbo y el desconocimiento. Ambos materiales fueron adoptados por núcleos de gente que transitaba de la adolescencia a la edad adulta y que se identificó con el grupo a partir de frases que en la voz nasal de Molko hablaban de la angustia y confusión con que se suele asociar esa etapa de la vida.

Placebo. Battle for the Sun. PIAS / EMI Music, 2009

Hasta para el seguidor más entusiasta, el arranque con los cortes “Kitty litter” y “Ashtray heart” enciende focos rojos, dado que en la primera circula un riff repetitivo que arrogante convive con una batería recia, pero sin alma. En tanto, la segunda es pop donde lo destacable es la línea: Cenicero, mi corazón de cenicero, para complacer a los fans hispanoparlantes. Sin embargo, Placebo despierta y recupera terreno en el corte tercero y homónimo, donde el filo habitual retorna, corta y cuenta con pequeños páramos de violines y teclados. Tal voluntad de reto prosigue en “Devil in details”, “Julien” y “Breath underwater”. Todas ellas reventarán duro en vivo. “For what it’s worth” incluye algo inesperado: instrumentos de viento. Trompetas que, discretas pero definitivas, suben el nivel. Dicho recurso repite con tino en las risueñas “The never-ending why” y “Kings of medicine.” La sana controversia la aportan “Bright lights” y “Speak in tongues” pues ¿abusan? de sintetizadores ‘lindos’ para generar pop asequible, cuya rebaba es romántica y adolescente. Eso sí, con Battle… no se podrá acusar a la banda de perezosa, al incorporar nuevos recursos.

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¿Por qué se llama Hold Time este disco?Viene de la idea de que la música tiene propiedades casi fotográficas para capturar momentos importantes y del deseo de no olvidarlos.Tú produces el disco, pero ¿por qué elegiste a Mike Mogis como ingeniero de mezcla?

Me encanta trabajar con él, porque tiene un increíble poder con la música, puede animar cosas que la mayoría de las personas no. Es un arreglista muy detallado y es mi ingeniero de mezcla favorito.¿Cuál es tu canción favorita del disco?Si tuviera que escoger una, sería la misma que nombra al disco, porque fue la primera que grabé, la que me dio la idea de hacer el disco completo y la que me guió para terminarlo.¿Por qué reinterpetar “Rave on”, de Buddy Holly?Es una canción que crecí escuchando, nunca la he olvidado y ha estado en mi cabeza por veinte años, así que tarde o temprano tenía que salir.¿Crees que le haya faltado algo a este disco o quedaste satisfecho?No, soy perfeccionista y no lo hubiera sacado hasta que estuviera completamente balanceado y terminado. Tengo la suerte de trabajar

Después de la tempestad viene

la calma. Y después de un disco como Post War –y del maravilloso trabajo que M Ward hizo con el proyecto She & Him– nos llega

el sexto álbum de este guitarrista y cantautor que, cobijado bajo el nombre de Hold Time, nos presenta

nuevos temas y de paso trae como invitados a Zooey Deschanel, Jason Lytle y Lucinda Williams,

tal y como nos cuenta en esta charla.

es Matt...

M ardpara los amigos

Su nombre

SOBRE ÉL Y ELLA

El año pasado, el dúo She & Him, que M Ward formó en compañía de la actriz Zooey Deschanel (voz, piano y banjo) debutó con el disco Volume One. Matt reconoce que compaginar ambos proyectos fue algo complicado al principio, pero que ya tiene todo bajo control y que quizá el próximo año salga otro disco de este encantador dúo.

M Ward. Hold Time. Merge Records, 2009

Matt escribe, canta, toca y produce; su voz provoca e invita a intimar a ritmo de melodiosos tracks cubiertos de folk, blues y country que crean un efecto relajante, casi hipnotizante.La utilización de metáforas sobre la soledad, la vida y la muerte resaltan en “Jailbird”, “Hold time” y “To save me”. Además, los covers a Don Gibson (“Oh, lonesome me”) y Buddy Holly (“Rave on”) hacen de este, un disco con un brillo casi deslumbrante. Un disco para detenerse en el tiempo y escuchar.

Carlos Andrade

20

con una disquera que me da libertad con el tiempo y me deja entregar la música hasta que está completamente terminada.Eres un gran guitarrista y, aunque no tiene nada que ver, ¿qué opinas de videojuegos como Guitar Hero y Rock Band? Yo jugaba cuando estaba en la escuela y no he continuado, pero creo que son importantes principalmente para los jóvenes, creo que ayudan con las habilidades motrices y también creo que hay mucha mercadotecnia que mantiene a la industria. ¿Cómo es trabajar con Zooey Deschanel?Ella escribe las canciones principalmente en piano y me las envía; graba en Garage Band y yo lo produzco, toco la guitarra y a veces hago voces.Si tuvieras que trabajar con alguien que no te conoce, ¿qué le dirías para introducirlo a tu música?Pues… le diría que soy un guitarrista, que escribo canciones y que las produzco junto con otras personas; también le daría una copia de uno de mis discos ¡y le desearía buena suerte! (risas)

The E.N.D. (energy Never Dies), representa para The Black eyes Peas la muerte de una era y el principio de otra, y es precisamente la vocalista del cuarteto quien nos cuenta sobre esos cambios.¿Qué hay de nuevo en The E.N.D.? Está muy inspirado en música electrónica. Hemos estado en contacto con la escena electrónica porque hemos hecho bastantes presentaciones como DJ’s, especialmente will.i.am. Nos gustó mucho el resultado de este disco porque se trata de pasarla bien y de tener muchos amigos.¿Entonces se están mudando hacia el lado electrónico? No sabemos si será un cambio permanente, pero ahora era lo que queríamos y simplemente lo hicimos. ¿Cómo eligieron el nombre del disco? The E.N.D. significa “The Energy Never Dies” y buscamos que tuviera un significado paralelo, porque también es el fin de una época. Creemos que será nuestro último disco en el que la gente irá a comprar algo físico, así que sería el fin de una era y el principio de otra… ¿Y cómo ves esos cambios? Nos estamos acercando cada vez más a nuestros fans a través de internet, por medio de concursos y de videos que grabamos y subimos a nuestra página, porque sabemos lo que significa para ellos.¿Como te sientes con todos los cambios hacia la música digitalizada? ¡Me gustan! Para mí es simplemente ir con los tiempos. Es mucho más sencillo llevar un iPod que una caja llena de discos. Para muchos, la calidad de los MP3 comparada con la de un vinilo es horrible…Eso es cierto. Todos tenemos nuestro lado a la antigüita, pero nos adaptamos. Hace unos días vi que había salido un vinilo de nuestro disco y me emocioné porque es increíble tener nuestra música en todos los formatos, aunque me pregunto ¿cuántas personas van a escuchar realmente eso? Estarán abriendo algunos shows de U2 en Estados Unidos y Canadá. ¿Les gusta ese grupo? Amo a U2, fui en dos diferentes giras a verlos y son increíbles en vivo. La producción es tan buena y montan un espectáculo tan padre que será todo un reto abrir sus conciertos. ¿Qué planean hacer? Estamos montando nuestro propio espectáculo y ya decidiremos qué hacer, puesto que no todos los fans de U2 son fans de Black Eyed Peas. Haremos nuestro mejor esfuerzo para que la gente se emocione.¿Con quién más les gustaría trabajar? Yo estaré trabajando con Slash en su próximo disco como solista y será una experiencia mucho más rockera, eso me gusta. Es mi lado rockero el que brotará en ese momento.

Seamos sinceros: lo que The Black Eyed Peas hace con su quinto disco es un reducto de bubblegum pop. Claro, su música no está dirigida en exclusiva hacia el mercado adolescente, pero su uso (y abuso) de coros para cantar, las estructuras armónicas básicas y los sonidos juguetones que embellecen y generan volumen —ojo, no el volumen que se refiere al nivel de potencia acústica, sino aquel que dota su sonido de tres dimensiones dentro del oído—, los meten varios centímetros dentro de dicha categoría sonora.Ahora, el combo de Los Ángeles, California, machaca su clásico sonido lúdico electrónico con bastantes referencias futuristas y efectos de sonido más propios de la era espacial que de la pista de baile. Taboo, Fergie, apl.de.ap y will.i.am convirtieron su sonido en una explosión de felicidad energética que deja al escucha en vilo al poner play. Como por arte de alquimia, sus canciones entretienen con un efectivo repelente contra la crítica (por la frescura de cada corte, obtenido con un arsenal de efectos, técnicas, cambios de tiempo y pirotecnia vocal) y, contrario a lo que muchas voces claman, BEP tiene oxígeno

de sobra para mantenerse con vida por otro lustro dentro del mercado musical. Pero los aciertos de The E.N.D. radican en el hecho de que es un álbum confeccionado para mutarlo y trabajarlo en otros niveles, digamos, como remezclas y en tornamesas de los clubes más variopintos del globo. Su plasticidad en el género dance y todos sus sabores (dancehall, dance punk, techno dance, electro dance, dance pop), hace que The E.N.D. sea un caramelo encantador que puede ser explotado a capricho, lo cual se constata con el hecho de que BEP han “soltado” varias canciones por iTunes antes del lanzamiento oficial del disco, sin que éstas sean sencillos (ni lo vayan a ser) en el sentido estricto de la palabra.BEP dejó todo rasgo social como destello pasado, ya que con The E.N.D. la única filosofía palpable es la del club nocturno, donde los agrestes problemas de la rutina diaria están prohibidos.

una edición de lujo de The E.N.D. con un CD extra con seis nuevos remixes de varios hits (como “Pump It harder” y “Shut the phunk up”), cuatro nuevas canciones de regalo y un video exclusivo con una entrevista. La portada viene en color rojo, en lugar de verde.

en todo su esplendorFiesta

habla sobre el disco

Para discos como éste, que tiene prácticamente un tema para cada gusto y las puertas de distintos tipos de emisoras de radio abiertas, es difícil hacerse una idea global del estilo del grupo, aunque a estas alturas es quizá lo que menos le importa a The Black Eyed Peas. De entrada, el primer sencillo oficial, “Boom boom pow”, se trepó al número uno de las listas de popularidad inglesas. Su esencia deep house, con el ya conocido loop repetitivo no de música sino de sonido, así como una apuesta por el ritmo programado sin capas musicales y tan sólo dominado en su totalidad por la melodía vocal, es un buen comienzo para que el fuego caliente, pero no queme. Con “Imma be”, las cosas se tornan magma ardiente, pues entre guiños de Medio Oriente y un rap deconstruido y transformarlo en coro, BEP logra un excelente corte. “Rock that body” es más expansivo, pues basa su fuerza en el peso de plomo de un bajo y unos coros al más puro estilo “ardillita”, que es un perfecto pariente de “Out of my head”, donde un alma más disco y techno destella con enjundia. En “Electric city” se nota un bajón y la influencia de M.I.A. es evidente, con todo y que lo tribal en BEP no alcance notas de excelencia. The E.N.D. será uno de los favoritos del año, porque todo mundo es feliz con la fiesta, y más si el sonido es el protagonista de la velada.

The Black Eyed PeasThe E.N.D.Universal, 2009

Fergie

Existe

David Meléndez

Nayeli rivera

22

amante de los

María José se

dio a conocer en todo México y

Latinoamérica como una de las integrantes del grupo

de pop Kabah, donde destacó por su potencia y calidad vocal.

Pero la mujer ha crecido en todos los aspectos –como puede notarse al verla posar con ropas

diminutas en una sofisticada revista para caballeros– y tiene mucho qué

ofrecer, como lo demostró desde hace dos años, cuando lanzó su

primer disco homónimo.Hoy está de vuelta con Amante

de lo Ajeno, un disco en el que reinterpreta baladas que alcanzaron gran popularidad

durante la década de los ochenta. Un disco que ha tenido gran aceptación,

como nos cuenta ella misma.

Ivett López de la Mora Fotos: enrique Covarrubias

Te ha ido muy bien con tus discos y tu agenda está casi llena, ¿cómo te sientes al respecto?Muy contenta, no sólo porque al disco le está yendo muy bien, sino porque se puede comprobar en las listas de Amprofon y monitorLATINO, de donde me acaban de mandar un correo para decirme que estoy en número 5 a nivel nacional. Para mí es como ganar un premio, porque me preparé y lo hice muy bien, tal como en las Olimpiadas, y mi meta es seguir adelante. Quiero agradecerle a toda la gente que ha hecho esto posible y por ello voy a ofrecer un concierto buenísimo el 28 de agosto, en el Teatro Metropólitan.¿Cómo le harás para deslumbrar a tus fans?Aunque habrá coreografías y todo eso, los conciertos van a ser muy vocales, porque a mí me gusta cantar; realmente se trata de melodías con calidad vocal e interpretativa, en donde la gente pueda cantar también, vibrar y recordar viejos tiempos. Soy bastante buena onda (risas), creo que le caigo bien a las personas y me han recibido bien en todos los lados a donde voy, porque me gusta tener con la gente una convivencia linda y que todos salgan con un buen sabor de boca.¿Habrá sorpresas?, ¿Quizá algo de Kabah o algún invitado? No sé. De Kabah tal vez haremos

algo, porque la gente sabe que de ahí vengo, además de que le tengo un gran aprecio, pues fue mi familia, mi escuela; digamos que de ahí me gradué para hacer lo que soy ahora. De invitados, voy a ver si Edith Márquez sube, porque es con quien hago un dueto en el CD y a ver qué otras artistas se quieren unir a la causa, pero sí puede haber sorpresas, para que la gente se vaya contenta por lo que pagaron y que haya valido la pena.¿Cuál fue tu impresión al abrir un concierto de Rihana, y anteriormente uno de Gwen Stefani?Estuvo muy padre, pero al principio, obvio, tienes un poco de miedo porque la gente no va a verte, sino a su artista. Me siento muy bien porque la gente fue muy respetuosa y cantaron mis canciones; de hecho, fue

la primera vez que interpreté “No soy una señora” y con esta experiencia descubrí que el público me quiere bien y me tiene cariño; imagínate que no vayan a verte y que salgas aplaudida, creo que eso fue maravilloso. En cambio, cuando le abrí a Gwen Stefani no tenía ese miedito porque, digamos, estaba empezando de cero y estaba sonando el primer sencillo del primer disco, así que no tenía nada qué perder. ¿De quién fue la idea de grabar un álbum de covers?Cuando estuve en “El Show de los Sueños”, nos dimos cuenta de que hay otra manera de cantar clásicos de otras épocas y otros géneros, y de que además me salían bien con mi matiz, así que decidí, junto con mi gente, que haríamos este experimento. Aunque no fue un proceso en donde

decidiéramos que cantaría covers, que para mí es algo como cortar y pegar, sino de que hiciera versiones nuevas y con un toque fresco, para que la gente que vivió esa década sintiera una nostalgia maravillosa a través de esas canciones.¿Cómo eligieron los tracks?Tuvimos un delineamiento y descartamos las que estuvieran “choteadas”, porque ha habido algunas que ya han sido grabadas miles de veces. Después elegimos a algunas mujeres icono de la época o aquellas cuyo trabajo hubiera sido muy representativo del momento.¿El título del disco tiene que ver con que retomes ciertas melodías de otras artistas para hacerlas tuyas?Exactamente (risas). Digamos que estoy tomando prestados once temas de artistas que los hicieron éxito, para que ahora sean míos.¿Tuviste contacto con alguna de las artistas que en su momento cantaron estas canciones? Antes de grabarlas no, pero apenas me enteré de que Lucía Mendez escuchó su canción y que le

gustó mucho, lo cual me pareció lindo. Me gustaría acercarme a las demás, pero no he tenido tiempo; he estado muy chambeadora y no me gustaría que recibieran el disco en un sobre de parte de la oficina, se me hace muy impersonal.¿Qué vas a hacer para que no te comparen con estas artistas?Uy, nada. Las comparaciones siempre van a existir, pero estamos para que la gente decida si les gusta más la versión A o la B.¿Quién hizo la portada del CD y qué

significa tu look?

El arte y las fotos las hizo Enrique Covarrubias, que me parece un fotógrafo excelente. La idea del cable vino por aquello de que en los años ochenta se usaba el micrófono alámbrico. Y mi imagen con piel negra es porque en los arreglos musicales hay unos toques rockerillos, pues en esos años les gustaba mucho a los productores guitarrear (risas). ¿Hay planes de que se reúna Kabah?Por lo pronto no, no hay planes de juntarnos, más que en mi casa un sábado a comer (risas).

• Sus 3 canciones favoritas en español: “Perdón” de Volován, “La sombra de este amor” de Ana Victoria y “Jueves” de La Oreja de Van Gogh.• Sus 3 canciones favoritas en in-glés: “Pocker face” de Lady GaGa, “You spin my head right round” de Flo Rida y “Beautiful” de Christina Aguilera.• Libro que lee ahora: Estoy leyendo mi libreto a todo lo que da (risas), pero el último fue la saga de Crepúsculo.

María JoséAmante de lo AjenoOcesa Sei Track, 2009Lo retro está de moda y por ello a los artistas les gusta retomar ciertas melodías que marcaron a otras generaciones. Tal es el caso de María José, quien ahora nos hace recordar algunas de las baladas más reconocibles de los ochenta. es así como hoy la radio se vuelve a empapar con temas como “Acaríciame” (María Conchita Alonso), “Adelante corazón” (Daniela romo), “Herida de muerte” (Manoella Torres), “Mi amor amor” (Lucía Méndez) y “este hombre no se toca” (rocío Banquells), ahora revestidas con toques de pop-rock y algo de guitarras distorsionadas, ideal para disfrutarse en el tráfico o al calor de las copas, pero eso sí, siempre con atuendos de piel negra.