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ARTE CONTEMPORÁNEOARTE CONTEMPORÁNEO1900 a 19501900 a 1950

Un trabajo realizado por Leidy Machuca y Julio Castillo

INDICE

ARTE CONTEMPORÁNEO

FAUVISMO

Henri Matisse (1869-1954)

André Derain (1880-1954).

Maurice de Vlaminck, (1876-1958).

Raoul Dufy, (1877-1953).

Georges Braque, (1882-1963).

EXPRESIONISMO

Edvard Munch, (1863-1944).

Ernst Ludwig Kirchner, (1880-1938),

Auguste Rodin, (1840-1917).

Cine expresionista

CUBISMO

Pablo Picasso, (1881-1973).


Robert Delaunay, (1885-1941).

Fernand Léger, (1881-1955).

Francis Picabia, (1879-1953).

Marcel Duchamp, (1887-1968).

Juan Gris, (1887-1927).

Jacques Lipchitz, (1891-1973).

Alexander Porfirievich Archipenko, (1887-1964).

FUTURISMO

Giacomo Balla, (1871-1958).

Umberto Boccioni, (1882-1916).

Gino Severini, (1883-1966).

CONSTRUCTIVISMO

Vladímir Tatlin, (1885-1953).

Naum Gabo, (1890-1977).

NEOPLASTICISMO O DE STIJL

Theo van Doesburg, (1883-1931).

Piet Mondrian, (1872-1944).

DADAÍSMO

Jean Arp, (1887-1966).

Man Ray, (1890-1976).


Max Ernst, (1891-1976).

SURREALISMO

André Breton, (1896-1966)

Salvador Dalí, (1904-1989).

René Magritte, (1898-1967).

Alberto Giacometti, (1901-1966).

Giorgio de Chirico, (1888-1978).

Joan Miró, (1893-1983).

Cine surrealista Luis Buñuel, (1900-1983).

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Wassily Kandinsky, (1866-1944).

Arshile Gorky, (1904-1948).

Hans Hofmann, (1880-1966).

Jackson Pollock, (1912-1956)

ART NOUVEAU

Gustav Klimt, (1862-1918).

Antoni Gaudí, (1852-1926).

Lluís Domènech Montaner, (1850-1923).

ART DÉCO

Jean Puiforcat, (1897-1945).

René Lalique, (1860-1945).

LA BAUHAUS

Ludwing Mies van der Rohe

Marcel Breuer

Johnson Philip

Walter Gropius, (1883-1969).

LE CORBUSIER

Frank Lloyd Wright, (1867-1959).


Las raíces del arte contemporáneo se pueden rastrear en la vanguardia pictórica francesa de finales del siglo XIX. En torno al 1860 los artistas comenzaron a preocuparse por la propia naturaleza material de la pintura. Édouard Manet utilizó manchas de colores planos, contorneadas mediante una pincelada suelta; los

impresionistas —especialmente Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir— se interesaron por representar los efectos de luz sobre los objetos, más que por reproducir las texturas auténticas de las cosas.

Avanzado el siglo, el postimpresionismo evolucionó hacia un nuevo estilo, decisivo para el entendimiento de la pintura en las primeras décadas del siglo XX: Georges Seurat cambió la soltura de la pincelada impresionista por la precisión científica de los puntos yuxtapuestos de colores complementarios, creando un estilo conocido como

puntillismo; Paul Gauguin exageró las formas y empleó el color de manera arbitraria, con un valor decorativo y simbólico, en una dirección calificada a menudo como primitivista; y las distorsiones expresionistas de línea y

color en la obra de Vincent van Gogh ejercieron una gran influencia en el noruego Edvard Munch y en los expresionistas alemanes. Los descubrimientos de Paul Cézanne también fueron decisivos, especialmente su

sistema de composición a base de planos de color, precursor de los experimentos analíticos de Pablo Picasso y Georges Braque a principios del siglo.

Arte contemporáneo

El Arte Contemporáneo es el término utilizado para designar genéricamente el arte y la arquitectura realizados durante el siglo XX, que comprende diversos movimientos, estilos y escuelas, unidas por su ruptura respecto al historicismo de finales del siglo XIX y su emancipación de los cánones clásicos,.

El cuestionamiento sobre los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX. Esta revolución estética trajo consigo una sucesión de estilos y movimientos. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el Pop Art.


FAUVISMO

Fauvismo, movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño de 1905. El término fauves nunca fue aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva ni el lirismo de sus imágenes.

Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos, introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones objetivas de la luz.

Sus representantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal exponente.

Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de una mujer puede representarse con una mancha verde si con ello se añade expresividad a la composición. “Yo no pinto mujeres, pinto cuadros”, dijo textualmente este artista.


Henri Matisse, (1869-1954).

Matisse, Henri (1869-1954), pintor francés líder del fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma.

Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado; sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio.


La habitación roja

La habitación roja (1908-1909) de Henri Matisse es un claro ejemplo de su expresivo estilo fauvista, resultado de una

relación emocional entre el pintor y la obra.

El entierro de Pierrot

El entierro de Pierrot es una serigrafía realizada a partir de un recortable de Henri Matisse de 1947, época en que, por problemas de salud, prefirió

realizar sus obras con papeles recortados, pintados con brillantes colores al gouache.


André Derain, (1880-1954). Pintor francés representante de varios movimientos artísticos de

vanguardia a comienzos del siglo XX. Nació en Chatou. En 1905, junto con Maurice de Vlaminck y Henri Matisse, formó parte de los fauvistas, llamados así por los colores atrevidos e irreales que utilizaban y que resultaban bastante chocantes para los críticos de aquella época. La mayor parte de las obras de ese periodo son paisajes campestres y urbanos, como Puente de Londres, y muestran las típicas características del fauvismo: colores puros (a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo), pinceladas irregulares, composición delirante y despreocupación por la perspectiva o la representación realista.

Después de 1908 comenzó a experimentar con otros estilos. La influencia de Paul Cézanne le llevó a una tendencia de colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. Su gran obra Los bañistas supone un intento de combinar las innovaciones de pintores anteriores, como Claude Monet y Cézanne, en una síntesis global. En 1910 produjo obras geométricas, de influencia cubista como El puente viejo de Cagnes. Sus últimas obras, posteriores a 1912, muestran la influencia de muchos estilos diversos, desde el arte francés clásico a la escultura africana, y una tendencia cada vez mayor hacia lo tradicional, caracterizada por un cambio en el colorido y una técnica extremadamente elaborada. De esta etapa de madurez destaca Mesa de cocina .


El Puente de Londres

El Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York), de André Derain, presenta la perspectiva

distorsionada, pincelada libre y fuerte colorido característicos de los pintores fauvistas.


André Derain, Montañas de Collioure, 1905.


Maurice de Vlaminck, (1876-1958).

Pintor fauvista francés, que nació en París. Después de 1900 compartió un estudio con su amigo André Derain durante un corto periodo de tiempo; ambos formaron parte del grupo que expuso en el Salón de Otoño de 1905 y que se conocería como los fauves ('bestias salvajes'). La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la pincelada de Vincent van Gogh, sobre cuya obra se había mostrado una retrospectiva en París en 1901. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906, Museo Nacional de Arte Moderno, París). Sin embargo, antes de que el fauvismo se agotara, en 1908 su obra —básicamente paisajes— se vuelve más suave en color y composición, como se refleja en las telas La casa del pintor en Valmondois y El camino de la aldea. Vlaminck también escribió varias novelas.


Maurice de Vlaminck, Tugboat on the Seine, Chatou, 1906,


Raoul Dufy, (1877-1953).

Pintor, artista gráfico y diseñador textil francés. Nació en El Havre y estudió durante un corto periodo en la Escuela de Bellas Artes de París. En un principio Dufy estuvo sometido a la influencia de los impresionistas, pero en 1902 conoció a Henri Matisse y a otros pintores fauvistas, que trabajaban con colores llamativos e irreales y atrevidas formas, y adoptó este estilo al que añadió un trazo vigoroso y espontáneo. Poco a poco su obra se hizo más amable, alegre y luminosa, mostrando un predominio cada vez mayor de la línea, características que fueron más evidentes en sus acuarelas. Los temas favoritos de Dufy eran los barcos de vela, las carreras de caballos y otras actividades al aire libre en lugares de moda, como Carreras de caballos en Deauville, L'Opera. También pintó flores, instrumentos musicales y desnudos.

Cobró fama por su obra gráfica, en especial por las ilustraciones para El bestiario (1911) de Guillaume Apollinaire. También realizó xilografías y diseñó telas, tapices y cerámica.


Raul DuffySparkle Light DiningOil on Canvas, 2005

16" x 20"


Raul DuffyHostess and WaitressOil on Canvas, 2005

24" x 30"

Raul DuffyVic's for Ice CreamOil on Canvas, 2005

24" x 30"



Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo.Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre.Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista. Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos. Braque cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas en uso. Por ejemplo, en sus cuadros de escenas de pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una forma geométrica que se aproxima a un cubo (o, más exactamente, a un prisma rectangular) pero recurría al sombreado para reducir el volumen, con lo que lograba dar a los objetos una apariencia plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma centraba la atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística.

Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa. Continuó trabajando y produjo un considerable número de pinturas, obra gráfica y esculturas, imbuidas de una cualidad contemplativa, que gozan de un enorme reconocimiento. Murió el 31 de agosto de 1963 en París.


Naturaleza muerta con partitura de Eric SatieEn Naturaleza muerta con partitura de Eric Satie se aprecian las características del cubismo sintético de Georges Braque: formas

planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del collage.


EXPRESIONISMO

Es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

Los precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX y comienzos del XX, en especial el pintor holandés Vincent van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch, que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa.

El grupo expresionista más importante del siglo XX apareció en Alemania de la mano de los pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, quienes en 1905 fundaron un grupo en Dresde denominado Die Brücke (El puente). A ellos se unieron en 1906 Emil Nolde y Max Pechstein, y en 1910 Otto Müller. En 1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich denominado Der Blaue Reiter (El jinete azul), integrado por los pintores alemanes Franz Marc, August Macke y Heinrich Campendonk, el suizo Paul Klee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del expresionismo alemán estuvo marcada por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por representar las emociones subjetivas.


Edvard Munch, (1863-1944).

Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito. Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo, reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida.

Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo; un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte.


El grito

El grito (1893) es la más dramática de las obras de Edvard Munch y una de las más famosas del expresionismo. En ella el artista expresa la angustia espiritual y

el tormento emocional experimentados en determinadas etapas de su vida.


Ernst Ludwig Kirchner, (1880-1938).

Pintor alemán, uno de los máximos exponentes del expresionismo. Estuvo influenciado por los colores fuertes y las distorsiones compositivas del neo-impresionismo y por la expresividad de la talla en madera de África y Oceanía. Como miembro fundador del grupo expresionista Die Brücke (El puente) en Dresde, en 1905, Kirchner trató de derivar las formas naturales a simplificaciones radicales, e incluso a veces, brutales. En obras como Autorretrato con modelo, sus líneas marcadas y sus colores desentonados crean un sentido de emoción violenta. Su trabajo a finales de los años veinte se fue haciendo cada vez más abstracto, ya que intentó resolver a través de él ciertas cuestiones teóricas.. Kirchner se suicidó en 1938.


Calle de Berlín

Calle de Berlín (1913) pertenece a una serie de escenas callejeras realizadas por el pintor expresionista alemán Ernst Ludwig Kirchner entre 1912 y 1913.

Sus obras, de fuerte contenido emocional e intenso colorido, presentan un tratamiento plano del espacio.


Auguste Rodin, (1840-1917).

Escultor francés que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica expresada a través del modelado y la textura. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX.

Nació en París el 12 de noviembre de 1840. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía. Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura; el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota. Sin embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en Las puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó Las puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso, Ugolino, El pensador, Adán y Eva. En 1886 terminó Los burgueses de Calais; esta escultura es un monumental grupo en bronce en el que se representan personajes históricos con gran diferenciación psicológica.Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917.

AUGUSTO RODIN


Auguste René Rodin: El pensador (bronce, 1882)


Auguste RodinThe Kiss, 1886.


Balzac

Auguste Rodin realizó en bronce esta expresiva escultura del escritor francés Honoré de Balzac, que mide aproximadamente 2,95 metros. Aunque Rodin era capaz de crear esculturas de carácter naturalista, eligió de forma deliberada la representación de Balzac en un estilo distorsionado y ligeramente tosco para

transmitirnos el estado emocional del escritor.


CINE EXPRESIONISTA

La cinematografía expresionista se define a partir de dos líneas temáticas diferenciadas: lo fantástico y el drama social y psicológico

Ambas vertientes son representativas de la crisis social que se vivía en aquellos años, pues en ambos casos es expresa una inestabilidad y angustia existencial, se trasluce la crisis moral, cobra preponderancia el tema de la muerte, se muestran personajes que ejercen una violencia física y moral, etc.

En "El gabinete del Dr. Caligari" (1919) de Robert Weine, es la escenografía la que cobra una enorme trascendencia. Realizada con un sentido planimétrico, las calles y perspectivas no tienen profundidad real, lograda a veces a través de un telón de fondo que representa la prolongación de las callejuelas mediante líneas onduladas. Y sin respetar los ejes verticales, se transforman los interiores de exteriores en un marco inestable a punto de desintegrarse, con un movimiento si no real al menos psicológico dado por la gran cantidad de direcciones diagonales.

Las curvas, las líneas sesgadas, tienen en sí una significación netamente metafísica, porque la línea oblicua tiene sobre el espectador un efecto muy diferente al de la recta y las curvas inesperadas provocan una reacción psíquica de un orden totalmente distinto que las líneas de corte armónico. Lo que interesa aquí es crear la inquietud y el terror. En la visión de un calabozo, donde los rasgos negros de ángulos y artistas se apretujan hacia arriba, la abstracción extrema y la total deformación del decorado de "Caligari" logran su punto culminante.

Mediante ésta deformación seleccionada y creadora el artista dispone de medios que le permiten representar la complejidad psíquica con intensidad.


Fragmento de la película "El gabinete del Dr. Caligari" (1919 ), Robert Weine.


CUBISMO

El cubismo es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque y Pablo Picasso hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional, contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia de formas, características del impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la forma. Se inspiró fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía.

Los cubistas seguían la sentencia del postimpresionista francés Paul Cézanne, que afirmaba que “todas las formas de la naturaleza parten de la esfera, el cono y el cilindro” y está influido por el afán constructivo y geometrizante de George Seurat. La expresión más frecuente dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos básicos que revelan las formas geométricas subyacentes.

Además de Pablo Picasso y Georges Braque, otros pintores cubistas importantes fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Roger de La Fresnaye y Juan Gris. Entre los escultores cubistas más importantes, que aplicaron a la escultura los mismos principios artísticos que los pintores, se cuentan Pablo Picasso, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko. Y entre los incontables artistas influidos por las ideas y técnicas cubistas se encuentran Maurice de Vlaminck, Stuart Davis y Lyonel Feininger.


Pablo Picasso, (1881-1973).

Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más

prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber.

Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas: a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma, ganó una medalla de oro.

Picasso


Guernica

El Guernica del pintor español Pablo Picasso describe el bombardeo de la localidad vasca por parte de la Legión Cóndor alemana el 26 de abril de 1937.


Tête de femme

El cuadro Tête de femme (1909-1910, óleo s/ tela, 60 × 50, col. part.) del pintor español Pablo Picasso representa la cabeza de una mujer y está realizado dentro del estilo cubista. Las formas se descomponen

en una sucesión de pequeños planos que muestran desde varios ángulos la figura humana. La paleta de colores se reduce a los tonos

marrones, verdes y grises.

Cabeza de mujer

En 1966 el español Pablo Ruiz Picasso levantó una enorme escultura de 20 metros de alto enfrente del Chicago Civic Center de la capital del estado de Illinois en Estados Unidos. Representa una

cabeza de mujer y está realizada en acero soldado.

.


LAS SEÑORITAS DE AVIGNON1907 Museo Moma, New York

FAMILIA DE ACRÓBATAS1905 Museo National Gallery of Art, Washington


GERTRUDE STEIN

1906 Metropolitan Museum of Art, New York

AUTORRETRATO

1907 Naroni Gallery, Praga


DANIEL HENRY KAHNWEILER1910 Art Institute of Chicago

GRAN DESNUDO1964 Kunsthaus, Zurich


CIENCIA Y CARIDAD1897 Museo Picasso, Barcelona

MUJER CON CIGARRILLO1901 Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania


HOMBRE SENTADO1971 Galerie Leires, París



Pintor francés, que junto con Pablo Picasso contribuyó al origen y desarrollo del cubismo.Braque nació el 13 de mayo de 1882 en Argenteuil-sur-Seine. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa y hacia 1905 empezó a pintar al modo de los fauvistas, utilizando colores puros y brillantes en composiciones de estructura muy libre.Sin embargo, ya en 1908, su atención se había desplazado a las obras de Paul Cézanne. El interés de éste por las formas extrañamente distorsionadas y sus perspectivas poco convencionales llevaron a Braque a pintar de un modo que más tarde se conocería como cubista.

Entre 1908 y 1913 llevó a cabo un exhaustivo estudio sobre los efectos de la luz y de la perspectiva y los medios con los que cuentan los pintores para representar estos efectos. Braque cuestionó la mayoría de las convenciones artísticas en uso. Por ejemplo, en sus cuadros de escenas de pueblos, reducía la estructura arquitectónica a una forma geométrica que se aproxima a un cubo (o, más exactamente, a un prisma rectangular) pero recurría al sombreado para reducir el volumen, con lo que lograba dar a los objetos una apariencia plana y tridimensional al mismo tiempo. De esa forma centraba la atención en la naturaleza de la percepción y de la representación artística.

Tras la guerra, Braque desarrolló un estilo más personal, que se caracteriza por los colores brillantes y la textura de las superficies y, después de su traslado a Normandía, por la reaparición de la figura humana. En esa época pintó muchas naturalezas muertas y escenas de playa. Continuó trabajando y produjo un considerable número de pinturas, obra gráfica y esculturas, imbuidas de una cualidad contemplativa, que gozan de un enorme reconocimiento. Murió el 31 de agosto de 1963 en París.


Naturaleza muerta con partitura de Eric SatieEn Naturaleza muerta con partitura de Eric Satie se aprecian las características del cubismo sintético de Georges Braque: formas

planas y fragmentadas, predominio de la composición y del color e incorporación del collage.


Robert Delaunay, (1885-1941).

Pintor francés, fue uno de los pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX. En 1912 abandonó el cubismo, con sus formas geométricas y colores monocromáticos, para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centró en las formas circulares y en los colores brillantes. Su serie Ventanas (1912) constituyó uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total y una importante referencia en el arte moderno. Su amor por el ritmo y el movimiento le llevó a realizar varias series de cuadros basados en eventos deportivos, como Sprinters (1924-1926), que culminaron en impresionantes obras abstractas centradas en el ritmo, como sus últimas series Ritmos y Ritmos eternos.


Joie de vivre - Robert Delaunay


Fernand Léger, (1881-1955).Pintor francés adscrito al cubismo y al constructivismo, que destaca también

por sus realizaciones de pósters o carteles comerciales y otros tipos de arte aplicado. Nació el 4 de febrero de 1881 en Argentan, Francia,. La mayoría de sus primeros cuadros tienen un carácter cubista, entre ellos Desnudos en el bosque. Junto con Georges Braque y Pablo Picasso, Léger representó un papel importante en la evolución y difusión del cubismo.

La siguiente etapa de Léger estuvo influida por sus experiencias en la I Guerra Mundial. Comenzó su llamado periodo "mecánico" en el que utilizó muchos símbolos procedentes del mundo industrial. La Ciudad es una de sus pinturas más notables. La obra de Léger ejerció una influencia importante en el constructivismo soviético.

En sus últimas obras llevó a cabo una separación entre el color y el dibujo de tal manera que sus figuras mantienen sus formas robóticas definidas por líneas negras. El color se reparte de forma audaz sobre las áreas del lienzo de modo que constituye una composición separada que unifica el cuadro. Una de sus últimas obras, El gran desfile.


Le peintre Fernand LEGER (1881-1955) et les travailleurs



Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879. Su arte no admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. El apuro pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.


Francis Picabia, Portrait de femme aux allumettes, No 1 (circa 1923-1925)

Francis Picabia, La Nuit Espagnole, 1922


Marcel Duchamp, (1887-1968).

Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX.

Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera, en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia, una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas.

Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art.


Desnudo bajando una escalera

Desnudo bajando una escalera (1912) de Marcel Duchamp es una síntesis del cubismo y el futurismo. La obra refleja cierta influencia de

las investigaciones sobre el movimiento realizadas por el fotógrafo Eadweard Muybridge.


Juan Gris, (1887-1927).

Pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París, considerado como uno de los maestros del cubismo.

Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque.

Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diáguilev, Les tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), al tiempo que continuaba pintando. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es Vasos y periódico. Parte de sus pinturas cubistas son naturalezas muertas, entre las que se incluyen Guitarra y botella, El tablero de ajedrez y Botella y frutero.


El desayuno

En las primeras década del siglo XX, el artista de origen español Juan Gris ejerció gran influencia en la evolución del cubismo sintético por la innovadora utilización del collage. Un ejemplo de ello es El desayuno, que forma parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno

de París (Francia).



Jacques Lipchitz, (1891-1973).

Escultor francés de origen lituano.En 1909, mientras estudiaba en la Escuela de Bellas Artes de París, entró a formar parte de un grupo de artistas entre los que estaban Pablo Picasso y Juan Gris, los iniciadores del cubismo, movimiento al que Lipchitz pronto se adscribiría. Una de sus primeras obras cubistas es Desnudo reclinado con guitarra. También recibió el influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas. Sus últimas obras se alejan del cubismo, buscando volúmenes más sólidos y texturas más sensuales. Uno de sus temas recurrentes fue el triunfo de la luz sobre la oscuridad como lo expresa de forma simbólica en Prometeo estrangulando al buitre.


Horsewoman with FanAcrobat on Horseback The Dance


Alexander Porfirievich Archipenko, (1887-1964).

Escultor nacido en Rusia y nacionalizado estadounidense. Nació en Kíev y estudió en la Academia de Arte de su ciudad natal y en la Escuela de Bellas Artes de París.

Archipenko fue un escultor al que le gustaba experimentar e innovar. Redujo la figura humana a formas abstractas y creó obras que se cuentan entre las primeras esculturas cubistas, como Medrano. Desarrolló un estilo que subraya la importancia de las formas cóncavas como límites exteriores de la escultura (el antivolumen) y los espacios vacíos . Utilizó nuevos materiales, como el vidrio o el hierro, que le permitieron conseguir nuevos efectos, y revivió la utilización del color en la escultura.


Mujer peinándose

El escultor estadounidense de origen ruso Alexander Archipenko desempeñó un importante papel en la evolución del cubismo. En Mujer peinándose (1915, Tate Gallery de Londres, Gran Bretaña), redujo el

cuerpo humano a formas geométricas y abrió huecos en la figura para realzar el contraste entre lo sólido y el vacío.


FUTURISMO

Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar

la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto técnico de la pintura futurista.

El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano.

Ejemplos destacados son el Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin y el Tren suburbano, ambos de Gino Severini. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo ruso.


Giacomo Balla, (1871-1958).

Pintor italiano, uno de los principales artistas del movimiento futurista italiano.Comenzó su carrera como pintor realista, pero en 1910 se encuadró dentro del estilo futurista al firmar el Manifiesto técnico de los pintores futuristas. En obras como Dinamismo de un perro con correa (Correa de perro en movimiento), Balla intenta representar a un tiempo el movimiento y la velocidad, algo que los futuristas consideraban como la esencia de la civilización moderna. En la década de 1930 retornó a la pintura figurativa.


Abstract SpeedThe Car Has Passed

1913

Speed of a Motorcycle1913


Umberto Boccioni, (1882-1916).

Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse en Dinamismo de un ciclista, expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.


Umberto Boccioni, Unique Forms of Continuity in Space 1913 (Bronze)


Umberto Boccioni (1882-1916), Volumi orizzontali.


Botella en el espacio.

Formas únicas de continuidad en el espacio.


Gino Severini, (1883-1966).

Pintor italiano. Nació en Cortona el 7 de abril de 1883. Considerado como uno de los fundadores del futurismo. Sus pinturas, influenciadas por la fragmentación de la técnica cubista, representan la acción o el movimiento como una turbulenta composición de líneas y formas quebradas, como en su famoso estudio de una bailarina, Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin, Expansión de la luz (1912) y Mujer en la ventana (1914), estos dos últimos en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Al trabajar fundamentalmente en París, Severini contribuyó a extender el futurismo fuera de Italia.


Gino Severini. La Danza, 1909-1916


Tren suburbanoLa composición dinámica y las pinceladas expresivas caracterizan la

pintura futurista, como muestra este Tren suburbano de Gino Severini. Las formas geométricas y la ausencia de perspectiva clásica reflejan la

influencia cubista.


CONSTRUCTIVISMO

Movimiento artístico ruso de principios del siglo XX que ejerció una importante influencia en el arte europeo y que fue fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico. Las primeras obras representativas de este movimiento son las construcciones en relieve de Tatlin fechadas entre 1913 y 1917. En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexándr Rodchenko, El Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner publicaron en Moscú el Manifiesto realista, donde se exponen los principios teóricos del nuevo estilo.

Aunque el movimiento se dividió en diferentes facciones en la década de 1920, en general el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el funcionalismo y la abstracción.

El constructivismo ejerció una gran influencia sobre la escultura, arquitectura y, especialmente, el diseño industrial del siglo XX y su defensa de los materiales modernos y de las líneas puras sirvió para reforzar la naciente estética del funcionalismo.


Vladímir Tatlin, (1885-1953).

Pintor y escultor ruso. Aunque comenzó cultivando un estilo figurativo, sus trabajos posteriores son abstractos. Vivió en París en 1913, época en la que Tatlin se inspiró en las construcciones tridimensionales de madera, papel, y otros materiales de Picasso. Este tipo de trabajos, realizados entre 1913 y 1917, abrieron el camino a la aparición del constructivismo. El interés de Tatlin en una escultura de espacio y movimiento, aplicando una tecnología propia de la ingeniería y la arquitectura, culminó

en su maqueta para un enorme Monumento a la Tercera Internacional.


Vladimir Tatlin.Relief1914

Metal and leather on wood. 25" x 21".


Naum Gabo, (1890-1977).

Escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX.

Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la construcción de esculturas a partir de materiales industriales en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en bronce. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas fundamentales de lo que se conocería como constructivismo. Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación, en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas nítidas que, a su vez, están delicadamente entretejidas con unos planos de intersección en hilos de nailon. Una de sus obras más notables es un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la fuente del hospital de Santo Tomás en Londres.


Maqueta para Columna

La pieza constructivista de Naum Gabo es una maqueta (Tate Gallery, Londres) para una escultura de mayor tamaño, Columna, que finalizó

en 1923, compuesta de formas geométricas y abstractas.


Construction in Space with Crystalline


Linear Construction No. 2 1970-71

Linear Construction No. 4 1962


NEOPLASTICISMO O DE STIJL

De Stijl (en holandés, 'el estilo'), revista fundada por los pintores Theo van Doesburg y Piet Mondrian en el año 1917. El nombre también se aplica a los artistas y arquitectos asociados con este movimiento, así como al estilo que ellos crearon. La revista, que promocionó el neo-plasticismo y, más tarde, el dadaísmo fue una de las revistas de arte más influyentes de su tiempo. Como movimiento, De Stijl, se centró en la abstracción que crearía una solución más universal para los espectadores basada en la búsqueda de la armonía y del orden. Las pinturas del grupo De Stijl fueron también composiciones abstractas con áreas de colores puros (azul, rojo y amarillo) combinadas con líneas rectas en negro, verde y blanco. Los principios del grupo De Stijl, influyeron también en las artes decorativas y en la arquitectura, para la que el movimiento creó superficies planas y líneas austeras, relacionadas con el cubismo. Estos principios se pueden ver en la Casa Schröder (1924) en Utrecht de Gerrit Thomas Rietveld, y la Workers´ Housing Estate en Hook, Holanda, de (1924-1927) Jacobus Johannes Pieter Oud.


Theo van Doesburg, (1883-1931).

Pintor holandés, fue uno de los principales defensores del neoplasticismo, movimiento creado por Piet Mondrian en los Países Bajos. Fue uno de los fundadores (en 1917) de la revista De Stijl, portavoz de los ideales neoplasticistas que abogaban por una simplificación radical basada en el uso de líneas y ángulos rectos, formas planas y colores puros, en un primer momento el blanco y el negro.


Theo van Doesburg (1883-1931), Compositie III


Piet Mondrian, (1872-1944).

Pintor holandés que llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia.Sus primeras obras, hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes; fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza.

En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos.

Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.


Composición en rojo, azul y amarillo

Composición en rojo, amarillo y azul (1930) de Piet Mondrian se basa en la idea de este artista de que la pintura debía construirse con espacios planos y líneas rectas, limitándose a los colores primarios, más negro, blanco y gris. Sobre esta base creó el neoplasticismo,

estilo abstracto geométrico.

Piet Mondrian


DADAÍSMO

El término dada (palabra francesa que significa caballito de juguete) fue elegido por el editor,

ensayista y poeta rumano Tristan Tzara, al abrir al azar un diccionario en una de las reuniones que el grupo celebraba en el cabaret Voltaire de Zurich. El movimiento Dada fue fundado en 1916 por Tzara, el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza), al mismo tiempo que se producía en Nueva York una revolución contra el arte convencional liderada por Man Ray, Marcel Duchamp y Francis Picabia. En París inspiraría más tarde el surrealismo.

Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.

Como movimiento, el Dada decayó en la década de 1920.


Jean Arp, (1887-1966).

Escultor, pintor y poeta francés, nació el 16 de septiembre de 1887 en Estrasburgo. En 1912 participó en el grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter (El jinete azul). La obra de Arp durante esos años (1915-1916) estuvo dedicada a los tapices de motivos angulares y totalmente abstractos, así como a los dibujos. En 1916 fue uno de los fundadores del revolucionario movimiento dadá en Zurich. En 1917 transformó su estilo artístico hacia una abstracción de formas curvilíneas que caracteriza su obra posterior, la más conocida actualmente. En la década de 1930 Arp comenzó a realizar esculturas exentas, tallando y modelando en los más diversos materiales. Ejemplo de sus formas suaves y biomórficas es Concreción humana. Trabajó al mismo tiempo en gouache, collages, grabados y litografías.


Coquille baillante

Coquille baillante (1964-1965), es una escultura biomórfica del dadaísta francés Jean Arp. Realizada en mármol blanco, esta escultura es un claro ejemplo

de las formas que él denominaba concreciones.


Máscara de pájaro, 1918.

Flor-martillo, 1916.


Man Ray, (1890-1976).

Pintor y fotógrafo estadounidense. Junto a su amigo, el pintor francés Marcel Duchamp, participó en la creación del grupo dadá de Nueva York, en 1917. Bajo la influencia de Duchamp, comenzó a trabajar con materiales y técnicas nuevas, como por ejemplo, pintar con aerógrafo sobre cristal y otras superficies. Sus ready-mades, como Regalo, una plancha con tachuelas salientes desde su base, están realizados a partir de objetos cotidianos fabricados en serie. Promovió el arte cinético (obras de arte con piezas móviles). Se implicó en el surrealismo e hizo algunas películas abstractas, como L'etoile de mer (1928).


Man Ray, Gift 1921

Man Ray, Electricity - Lee Miller 1931 (Rayograph)


El marqués de Sade

En las décadas de 1920 y 1930 Man Ray realizó retratos de hombres célebres de la sociedad e historia francesas entre los que se incluye

éste del marqués de Sade, escritor cuyo estilo vanguardista y de carácter erótico admiraba Man Ray.


Man Ray, Le violon d'Ingres (Kiki) 1924, Gelatin silver photograph



Artista vanguardista francés, nacido en París el 22 de enero de 1879. Su arte no admite clasificación ya que trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. El apuro pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.


Francis PICABIA, (France, 1879-1953)


1916-18, La machine tourne vite, National Gallery of Art, Washington D.C


Max Ernst, (1891-1976).

Artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Se caracterizó por la utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales.

Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento dadá; atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión. En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.


L'eléphant célèbes

Max Ernst incorporaba el absurdo en sus obras atribuyendo características humanas a las máquinas, como se puede apreciar en

L'eléphant célèbes (1921, Tate Gallery, Londres). En 1920 montó junto al artista alemán Baargeld una controvertida exposición dadaísta en la cervecería Winter de Colonia, a la que al público se le hacía entrar a través de una serie de urinarios. A pesar de que ofrecían gratis sus

obras, no consiguieron que los asistentes se interesaran por ninguna de ellas.


SURREALISMO

Movimiento artístico y literario fundado por el poeta y crítico francés André Bretón.Publicó el Manifiesto surrealista en París en el año 1924 y se convirtió, acto seguido, en el líder del grupo. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dada, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria.


André Breton, (1896-1966)

Poeta y crítico francés, líder del movimiento surrealista. El estudio de las obras de Sigmund Freud y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales) influyeron en su formulación de la teoría surrealista. En 1921 publica su primera obra surrealista, Los campos magnéticos, en la que explora las posibilidades de la hipnosis. En 1922 rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo y estableció la estética del surrealismo en el primer Manifiesto surrealista de 1924, que conocería dos redacciones posteriores en 1930 y 1942. Su obra más creativa es la novela Nadja (1928), en parte autobiográfica.


Salvador Dalí, (1904-1989).

Pintor y escultor español, uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista en su país.Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método 'paranoico-crítico', inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria. Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, poseen un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión y La última cena.La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.


Crucifixion (Hypercubic Body)


AUTORETRATO (1941)


El niño geopolítico observando el nacimiento de un nuevo hombre


La persistencia de la memoria

Al igual que en muchas obras de Salvador Dalí, la idea de alucinación en La persistencia de la memoria (1931) está dada tanto por la incongruencia onírica de estos objetos situados en un paisaje

misterioso como por la meticulosidad técnica. Dalí describía su obra como "fotografías de sueños pintadas a mano". La extraña forma que

aparece en primer plano está tomada de El jardín de las delicias (c.1505-1510) de El Bosco.


René Magritte, (1898-1967).

Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos, expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.


El hijo del hombre

En El hijo del hombre Magritte yuxtapone imágenes características de su obra: la manzana, la pared y el personaje anónimo con bombín. No consideraba que su pintura fuera simbólica aunque en ella rozaba el

mundo inexplicable de los sueños.


René Magritte, La Découverte 1927


René Magritte, The False Mirror 1928


Cuadro de René Magritte con el título El Beso


Alberto Giacometti, (1901-1966).

Pintor y escultor suizo nacido en Stampa. Su obra surrealista más sobresaliente quizá sea El palacio a las 4 de la madrugada: se trata de un esqueleto arquitectónico que sostiene figuras y objetos suspendidos, y expresa la subjetividad y fragilidad de los sentidos temporal y espacial en el ser humano. A partir de estos trabajos desarrolló un estilo muy personal de figuras frágiles pero de una enorme expresividad. Impregnadas de melancolía, sus pinturas y esculturas reflejan un sentido débil de la existencia, como si sus personajes sufrieran una constante amenaza de destrucción por parte del espacio que los rodea. Sus retratos tienen un fuerte aire icónico, como en el cuadro La madre del artista, en el que la figura sentada parece estar a punto de desaparecer en medio de la maraña de líneas y trazos que recorren la sala con unos muebles levemente inquietantes, o el Retrato de mujer, donde el artista representa a su ama de llaves.


Hombre cruzando la calle

Las estilizadas figuras de bronce del artista suizo Alberto Giacometti transmiten una cierta sensación de soledad. Esta escultura titulada Hombre cruzando la calle (1949) se encuentra en la Kunsthaus de Zurich (Suiza).


Giorgio de Chirico, (1888-1978).

Chirico, Giorgio de (1888-1978), pintor italiano de origen griego, que creó la escuela de pintura metafísica. Nació en Volo, Grecia, y era hijo de un ingeniero italiano. Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una gran influencia de las obras alegóricas del pintor suizo del siglo XIX Arnold Böcklin. En Turín, Florencia y París, donde se instaló en 1911, pintó paisajes urbanos desérticos, como Plaza de Roma (1913) y Misterio y melancolía de una calle (1914). Estas primeras obras metafísicas evocan un mundo onírico misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y sombras y de una perspectiva exagerada. Mientras hacía el servicio militar en Ferrara en 1915, de Chirico conoció al pintor futurista Carlo Carrà; juntos fundaron la revista Pittura Metafisica en 1920. Entre 1915 y 1925 de Chirico pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica que luego adoptarían los surrealistas (Las musas inquietantes, 1917). Entre 1924 y 1930 proporcionó un gran impulso al movimiento surrealista e influyó en artistas del movimiento de la talla de Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de 1930 regresó a Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió en un retratista de éxito.


La incertidumbre del poeta

La incertidumbre del poeta (1913) de Giorgio de Chirico tiene un fuerte carácter onírico. Aunque su obra es fundamentalmente metafísica suele

asociársele con el surrealismo.

Las musas inquietantes


Hector and Andromache


Joan Miró, (1893-1983).

Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX.

Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Gali. Su obra anterior a 1920 muestra una amplia gama de influencias, entre las que se cuentan los brillantes colores de los fauvistas, las formas fragmentadas del cubismo y la bidimensionalidad de los frescos románicos catalanes. Miró parte de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas visiones oníricas, como El campesino catalán de la guitarra, El carnaval del arlequín o Interior holandés, a menudo comportan una visión humorística o fantástica de la realidad a través de imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. La composición de estas obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos o plumas..


El nacimiento del mundo

Joan Miró, una de las figuras fundamentales del surrealismo, desarrolló un estilo que suele denominarse abstracción biomórfica. Como se aprecia en El nacimiento del mundo (1925, colección particular, París) las formas creadas parecen flotar sobre el lienzo y los dos únicos puntos de color sobre fondo

neutro focalizan la atención del espectador.

Fundación Miró, Barcelona

La Fundación Miró, ubicada en la montaña de Montjuïc (Barcelona), es sede de una fundación cultural y centro de estudios de arte contemporáneo.

Así mismo, contiene una importante colección de arte moderno que contiene obras de su promotor, el pintor español Joan Miró, y de otros

artistas del siglo XX. El edificio, proyectado por el arquitecto catalán Josep Lluís Sert, constituye un destacado ejemplo de la arquitectura

contemporánea española.


CINE SURREALISTA

Luis Buñuel, (1900-1983)

Director de cine español, nacido en Calanda (Teruel) el 22 de febrero de 1900. En 1925 se trasladó a París, y durante esa misma época colaboró como crítico en publicaciones de Madrid y París, dando a conocer sus concepciones cinematográficas, que más adelante eludiría comentar. Adscrito al surrealismo, llamó a Dalí para escribir un guión que realizaría en abril de 1929, Un perro andaluz. Tuvo un gran éxito entre la intelectualidad parisina, siendo elogiado por Eisenstein, y dando pie a que un aristócrata le pagara La edad de oro (1930), considerada otra obra maestra del cine de vanguardia, que con su anticlericalismo provocaría un gran escándalo. Por entonces realizó el desgarrado documental Las Hurdes, tierra sin pan (1932), prohibido por el gobierno. Pese al éxito de su producción en Francia (que abarca casi toda su obra desde 1963), las raíces de su humor absurdo y brutal, del minucioso, casi morboso, análisis de la moral y la represión burguesas, de su obsesión por la religión, el erotismo, la muerte y las miserias humanas, hay que buscarlas en el mejor realismo español: Quevedo, la novela picaresca, Goya, Valle-Inclán, entre otros, que en él se combinará con una siempre mantenida óptica surrealista. Ambas influencias, mediadas por sus sorprendentes dotes de observador de los seres humanos, desde una perspectiva casi entomológica, a veces despiadada, pero siempre inteligente, dan a su cine el aire personal que impregna incluso sus realizaciones menores, personalidad a la que contribuyeron sin duda de forma decisiva sus experiencias de infancia y juventud en España y de madurez en México. murió el 30 de julio de 1983 en México.


Fragmento de “Un perro andaluz “, Luis Buñuel y Salvador Dalí


Escena de Ese oscuro objeto del deseo

El director español Luis Buñuel realizó en 1977 Ese oscuro objeto del deseo, su última película. Protagonizada por Fernando Rey, Carole Bouquet (ambos en la imágen) y Ángela Molina, narra la historia de un viejo solterón que se

enamora de una jovencita. Este tema también aparece en otras películas de su filmografía, como en las famosísimas Tristana (1969) y Viridiana (1961).


EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar.

Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky, y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa.El movimiento del expresionismo abstracto tuvo su centro en Nueva York formando la llamada Escuela de Nueva York. Aunque los estilos que abarca son tan diversos como los de los propios pintores integrantes, se desarrollaron dos tendencias principales, la de la Action Painting (pintura de acción) y la de los planos cromáticos. El interés de los representantes de la primera tendencia se centraba en la textura y consistencia de la pintura y en la gestualidad del artista en el momento de su aplicación sobre el lienzo, mientras que los pintores que realizaban obras con planos cromáticos ponían el acento en la unificación de color y forma. Jackson Pollock representa la quintaesencia de la Action Painting. Su único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas entrelazadas que parecen prolongarse en arabescos sin fin.


Wassily Kandinsky, (1866-1944).

Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto.Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau: la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial.


Improvisación 28 (segunda versión)

Improvisación 28 (segunda versión), pintada por Wassily Kandinsy en 1912, refleja el empeño de este artista ruso por expresar mediante

trazos y colores intensos el contenido espiritual de su obra y, en este caso concreto, la conexión entre las artes plásticas y la música.

COMPOSICIÓN VIII1923 Museo Guggenheim, New York


GABRIELA MÜNTER1905 Museo Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich

IGLESIA EN MURNAU1910 Museo Städtische Galerie in Lenbachhaus, Munich


AMARILLO-ROJO-AZUL1925 Museo Centre Georges, Pompidou, París

COMPOSICIÓN VII1913 Galería Estatal, Tretjakov, Moscú


COMPOSICÓN IX1936 Centre Georges,Pompidou, París

EN AZUL1925 Museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,

Dusseldorf


TRANSVERSE LINE1923 Museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,

Dusseldorf

SILLONES DE PLAYA EN HOLANDA1904 Museo Städtische Galerie im Lenbachhaus,

Munich


Arshile Gorky, (1904-1948).

Pintor estadounidense cuya obra combina la abstracción geométrica con un surrealismo casi figurativo. Su obra inicial refleja la influencia de Pablo Picasso. Después de 1939, se siente más identificado con los surrealistas europeos y la obra abstracta de Wassily Kandinsky y Joan Miró. Él introdujo esos estilos en Estados Unidos por lo que ejerció una gran influencia en la pintura estadounidense posterior y contribuyó de un modo especial al desarrollo del expresionismo abstracto de sus contemporáneos Mark Rothko y Willem De Kooning. Las obras de Gorky, como Agonía y Los esponsales II, que expresan sus fantasías subconscientes, se caracterizan por la utilización de líneas caligráficas y tonos brillantes armonizados con el color dominante de fondo.


"Painting," by Arshile Gorky, 1936-7, oil on canvas,38 by 48 inches, Whitney Museum of American Art


Hans Hofmann, (1880-1966).

Pintor y profesor alemán, conocido como el decano del expresionismo abstracto. Nació en Weissenberg, Baviera, el 21 de marzo de 1880. Recibió influencias del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán. En 1915 abrió una escuela de arte moderno en Múnich. Después de 1940 su estilo, en el que se mezclan los planos cubistas con la brillantez de la paleta fauvista, como puede observarse en Fantasía en azul, comenzó a evolucionar hacia una pintura gestual. Durante esos años muchos pintores expresionistas abstractos acudieron a sus clases absorbiendo sus enseñanzas sobre el arte no representativo. Murió el 17 de febrero de 1966 en Nueva York.


Vuelo

Vuelo de Hans Hofman se enmarca dentro del expresionismo abstracto. La pincelada y manejo del espacio denotan la influencia del cubismo y fauvismo.


Jackson Pollock, (1912-1956).

Pintor estadounidense, el miembro más destacado del expresionismo abstracto. Nació en Cody, Wyoming. Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en La loba.

A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar. Mediante este método Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas como se observa en los ejemplos Full fathom five y Lucifer. También pertenece a esta época Marrón y plata I. A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness. Murió el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de automóvil.


Composición en gris

Jackson Pollock, uno de los artistas más importantes del expresionismo abstracto, realizó Composición en gris (1946) derramando pintura sobre un lienzo extendido en el suelo y esparciéndola después con palos o espátulas

hasta conseguir una imagen abstracta contundente.

Black and White

La obra Black and White (1948) del pintor expresionista abstracto Jackson Pollock está realizada mediante la técnica del Action Painting, que consistía

en salpicar o dejar caer pintura sobre el lienzo creando composiciones al azar.


ART NOUVEAU

Hacia 1910 este estilocon la I Guerra Mundial fue reemplazado por la impecable elegancia del Art Déco. El Art Nouveau tuvo un papel fundamental en el desarrollo de la historia del arte, sobre todo en el campo de la arquitectura. Con su rechazo del estilo convencional y su nueva interpretación de la relación entre arte e industria, los seguidores de este estilo prepararon el camino para el arte y la arquitectura contemporáneas.

En Bélgica, el primer ejemplo se dio en la obra de los arquitectos Victor Horta y Henri van de Velde que realizaron diseños para casas unifamiliares urbanas con elegantes escalinatas, balcones y verjas curvilíneas de hierro fundido. En Francia, donde este estilo quedó más patente es en las obras del arquitecto Hector Guimard (sobre todo en las entradas del metro de París, 1898-1901), en las del vidriero Emile Gallé, en los diseños de muebles de Louis Majorelle y en los carteles de Alphonse Mucha. También se puso de moda en la decoración de interiores y un ejemplo sobresaliente de ello es el restaurante Maxim’s de París. En Munich y en Viena se plasmó en las artes aplicadas y en la ilustración de revistas, alcanzando su cota más alta en la pintura de Gustav Klimt y en el mobiliario y los diseños arquitectónicos de Josef Hoffmann. En Estados Unidos el máximo exponente fue Louis Comfort Tiffany, cuyos jarrones de brillante cristal favrile y pantallas para lámparas de cristales emplomados eran de una iridiscencia fantástica. En España, quizá el más original de los exponentes fue Antoni Gaudí; sus personalísimas obras el parque Güell y la casa Milá, situadas ambas en Barcelona, carecen de líneas rectas y producen la impresión de organismos naturales surgidos de la tierra. Dentro de la arquitectura también fue una figura de la máxima relevancia Lluís Domènech I Montaner con su palau de la Música Catalana.


Gustav Klimt, (1862-1918).

Pintor austriaco, fundador de la Secesión vienesa, movimiento del Art Nouveau. Sus primeros trabajos consisten principalmente en grandes pinturas murales para teatros realizadas en un marcado estilo naturalista. Después de 1898, la obra artística de Klimt se inclinó hacia una mayor innovación e imaginación y asumió un aspecto más decorativo y simbólico.


En El beso (1907-1908, Osterreichische Galerie, Viena) Gustav Klimt refleja un

breve momento de pasión entre dos personas. El erotismo y la desesperación son

características estilísticas de la secesión vienesa, movimiento artístico que buscó

expresar las preocupaciones y las emociones del hombre de su época.


Antoni Gaudí, (1852-1926).

Arquitecto catalán, máximo representante del modernismo y uno de los principales pioneros de las vanguardias artísticas del siglo XX.

Gaudí nació el 25 de junio de 1852. Su primer encargo como arquitecto fue la casa Vicens (1883-1888), un edificio neogótico en el que ya se aprecia su fuerte personalidad.

En 1883 se hizo cargo de la continuación en Barcelona del templo expiatorio de la Sagrada Familia, una catedral neogótica que modificó totalmente el joven Gaudí. Así, en 1891 concluyó las trazas generales de la iglesia, compuesta por cinco naves y tres fachadas monumentales, en 1893 decidió concentrar sus esfuerzos en la construcción de la fachada del Nacimiento, que no pudo ver completamente concluida, y en 1908 publicó la primera imagen definitiva del templo, una especie de bosque ascendente de elevadas torres. A comienzos del siglo XX levantó otras tres obras no menos sorprendentes en la capital catalana: el Parque Güell (1900-1914) ; la casa Batlló (1904-1906), edificio del pleno modernismo destacado por sus balconadas curvilíneas y por su expresiva cubierta en forma de dragón, recubierta por piezas cerámicas que simulan escamas; y la casa Milá (1906-1912), conocida por los barceloneses como La Pedrera —cantera en castellano— por su carácter monolítico, que supone un hito de la historia de la arquitectura no sólo por su capacidad expresiva, caracteristica del movimiento moderno.


Templo de la Sagrada Familia en BarcelonaTemplo de la Sagrada Familia en Barcelona


Lluís Domènech Montaner, (1850-1923).

Arquitecto español, uno de los máximos representantes del modernismo catalán. Nació en Barcelona. Su primera obra de interés es el restaurante de la Exposición Universal de 1888, un edificio de marcada inspiración medievalista, destacado ejemplo de la arquitectura ecléctica. Este edificio constituyó el núcleo base de la renovación de las artes y oficios del modernismo (nombre con el que se denominó al Art Nouveau en España). La casa de la Editorial Thomas (Barcelona, 1899), con suntuosa decoración en la que desempeñan un papel importante las superficies murales cubiertas de azulejos, es ya clara muestra de ese estilo. El Palau de la Música Catalana (1906-1909), premiado por el ayuntamiento de Barcelona en 1908, destaca por la organización espacial de su gran sala y por el exterior, donde se funde lo escultórico con lo propiamente estructural, en un lenguaje marcadamente barroco.


Palau de la Música CatalanaEn la fotografía se observa el luminoso

interior del Palau de la Música Catalana, construido entre 1906 y 1909 por el arquitecto catalán Lluís Domènech i

Montaner en Barcelona. Este edificio ha sido restaurado entre 1983 y 1989 por el arquitecto y diseñador Óscar Tusquets.


ART DÉCO

Innovador estilo de diseño que fue muy popular en las décadas de 1920 y 1930. Se utilizó principalmente en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores (decoración). Sus formas estilizadas transmitían elegancia y sofisticación. Aunque el estilo cobró forma en la década de 1920, el término Art Déco no se aplicó hasta 1925 cuando se celebró la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, importante muestra de diseño que se realizó en París.

El Art Déco surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del Art Nouveau, característico del cambio de siglo, y a la vez como una estética nueva para celebrar el auge de la maquinización que iba ganando terreno. Su principal característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y formas elegantes y simétricas. También se asocian a este estilo los colores primarios brillantes, la utilización de cromados, esmaltes y piedras muy pulidas, y los diseños de inspiración egipcia y griega. Aunque los objetos Art Déco más refinados no se producían de forma masiva, su inherente simplicidad hacía que fueran fácilmente adaptables a un tipo de producción en serie de objetos menos refinados como la bisutería, las vajillas y demás utensilios de uso doméstico corriente.

Dos de los primeros exponentes del Art Déco fueron el modisto Paul Poiret y René Lalique, joyero y vidriero que realizó diseños delicados de líneas sueltas y ondulantes. También ejercieron una gran influencia las escenografías orientales y los exóticos colores que el mecenas y organizador de espectáculos Sergei Diáguilev utilizó en los Ballets Rusos que fundó en 1909; la tumba del faraón Tut Anj Amón (que se abrió en 1922), que puso de moda los motivos egipcios, y el cubismo, con su elegante estética geométrica. Entre los principales diseñadores de las décadas de 1920 y 1930 se cuentan Émile Jacques Ruhlmann en mobiliario, Jean Dunand en laqueado, Jean Puiforcat en los trabajos en plata y el ya mencionado René Lalique en joyería.


Jean Puiforcat, (1897-1945).

Artista francés, uno de los máximos exponentes del estilo Art Nouveau en las artes decorativas de su país.

Nació en París, hijo de un platero, en cuyo taller aprendió el oficio. Más tarde estudió en la Escuela Central de Artes y Oficios de Londres, y colaboró con el escultor Louis Lejeune antes de abrir su propio taller de orfebrería. Desde 1922 realizó numerosas piezas en plata de formas geométricas, basadas en los estudios matemáticos sobre las proporciones armónicas. Con el tiempo, su obra evolucionó hacia el racionalismo austero.


René Lalique, (1860-1945).

Joyero y vidriero modernista francés cuyos productos fueron algunos de los trabajos característicos del Art Nouveau y del Art Déco. Estudió dibujo y orfebrería en París y se hizo diseñador de joyas para firmas como Boucheron, Vever y Cartier, así como para clientes propios como Sarah Bernhardt. Su taller ya era muy famoso por los años 1890. Su participación en las exposiciones internacionales de finales del siglo XIX y principios del XX, especialmente la Exposición universal de París de 1900, aseguraron su éxito internacional como innovador.

Para Lalique, la originalidad del diseño y la calidad de la artesanía eran más importantes que el valor intrínseco de los propios materiales utilizados; su investigación sobre marfil, asta esmaltada y cristal, primero para joyas de estilo renacimiento y más tarde en complicadas monturas de Art Nouveau, estimuló a otros joyeros contemporáneos.


Pieza de LaliqueRené Lalique, uno de los principales

exponentes del Art Nouveau y Art Déco, diseñó esta pieza alrededor de 1920 en la

que se aprecia un elegante relieve de hojas geométricas sobre la superficie. El aspecto

escarchado es característico de su obra.


LA BAUHAUS

Escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuarios teatrales. Fue fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y oficios. La Bauhaus basada en los principios del escritor William Morris y en el movimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre la bellas artes y la artesanía utilitaria. También defendía principios vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Es por esto que aparte de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía, diseño industrial y comercial. El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración. En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hormigón y cristal en Dessau. Artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassily Kandinsky, entre otros.Las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style



Ludwing Mies van der Rohe

Mies van der Rohe proyectó en 1958 el Seagram Building, un rascacielos con estructura reticulada de acero cuyo ritmo se reproduce en la fachada mediante perfiles de bronce y un muro-cortina de vidrio. Este edificio se convirtió en un símbolo del llamado International Style, en el que se engloba la mayor parte de la obra americana de este arquitecto alemán que huyó en 1937 a Estados Unidos.


Seagram Building en Nueva York


Marcel Breuer

Marcel Breuer inventó desde su taller de acero en la Bauhaus las sillas de tubo metálico curvado, un nuevo tipo de mueble adecuado para la producción industrial y que aprovecha de forma admirable la elasticidad del material.


Silla de Marcel Breuer


Johnson Philip

El arquitecto estadounidense Philip Johnson contribuyó al auge de la arquitectura posmodernista en su país, especialmente gracias a la construcción del edificio para la AT&T (1984).


•Rascacielos AT&T en Nueva York


Walter Gropius, (1883-1969).

Arquitecto y profesor alemán, fundador de la Bauhaus, la escuela de arte que capitalizó la investigación sobre arquitectura y artes aplicadas durante la primera mitad del siglo XX. Sus principales hipótesis, que formaban parte de los principios ideológicos de esta escuela, fueron la economía expresiva y la adecuación a los medios productivos para todas las formas de diseño, una especie de maridaje entre el arte y la ingeniería. Estos conceptos también se plasman en sus edificios, que ejercieron una enorme influencia en la arquitectura moderna. Después de la I Guerra Mundial dirigió dos escuelas de arte en Weimar, hasta que las transformó, en 1919, en la nueva Staatliches Bauhaus, donde introdujo una pedagogía que aunaba el estudio del arte con el de la tecnología. Los estudiantes aprendían a través de distintos talleres las habilidades básicas de los principales oficios, y así se familiarizaban con los materiales y los procesos industriales. Este método hizo posible un gran acercamiento a la realidad de la producción en serie y revolucionó el mundo del diseño industrial moderno. Cuando la escuela se trasladó a Dessau, Gropius proyectó los edificios que la acogerían, caracterizados por una exquisita simplicidad formal y por el empleo de grandes superficies de vidrio plano. Gropius abandonó su cargo como director de la Bauhaus en 1928. Gropius murió el 5 de julio de 1969 en Boston.


Museo de la Bauhaus en Berlín

El concepto arquitectónico de Walter Gropius no sólo se aprecia en sus grandes edificios públicos, como el Museo de la Bauhaus en Berlín que

muestra la fotografía, sino también en las obras de menor escala. Fue uno de los maestros pioneros en el empleo de los nuevos materiales industriales, especialmente el acero laminado, el hormigón armado y el vidrio plano en

grandes dimensiones.


LE CORBUSIER

Le Corbusier (1887-1965), sobrenombre profesional de Charles Edouard Jeanneret, pintor, arquitecto y teórico franco-suizo, al que se considera la figura más importante de la arquitectura moderna. Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza), y en esta misma ciudad estudió artes y oficios. Trabajó dos años en el estudio parisino de Auguste Perret, y más tarde viajó a Alemania para colaborar esporádicamente con Peter Behrens y trabar relación con Joseph Hoffmann y el Deutscher Werkbund. En 1922 se asoció en París con su primo, el ingeniero Pierre Jeanneret, y adoptó para la arquitectura el seudónimo Le Corbusier (el cuervo, adaptado del apellido Lecorbésier de su bisabuela), que ya había empleado con anterioridad en sus escritos.


ASAMBLEA1961 Chandigarh, India

PALACIO DE JUSTICIA1956 Chandigarh, India


SECRETARIADO1958 Chandigarh, India

CARPENTER CENTER VISUAL ARTS1963 Cambridge, EEUU


VILLA DE MONZIE1927 Garches, Francia

VILLA SAVOYE1931 Poissy, Francia


NOTRE DAME DE HAUT1954 Le Romchamp, Francia

PABELLÓN DEL ESPRIT NOUVEAU1925 Bolonia, Italia


CASA DE SUIZA1932 París, Francia

MONASTERIO LA TOURRETTE1960 Eveaux-sur-i`arbresle, Francia


Frank Lloyd Wright, (1867-1959).

Arquitecto estadounidense, uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX. Nació el 8 de junio de 1867 en Richland Center (Wisconsin). Estudió ingeniería civil en la Universidad de Wisconsin y en 1887 viajó a Chicago para trabajar como dibujante en el estudio de Adler&Sullivan. Uno de los socios de esta compañía, Louis Henri Sullivan, ejerció una importante influencia en la obra de Wright, que siempre le consideró su maestro. En 1893 abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago.

Frank Lloyd Wright proyectó la casa de la Cascada (1937) en Bear Run (EEUU) para la familia Kauffmann, siguiendo sus principios sobre la arquitectura orgánica. Está situada sobre una cascada natural, y en su construcción se combinan perfectamente la piedra, el hormigón y el hierro pintado.

Durante su primera etapa, Frank Lloyd Wright proyectó un gran número de viviendas unifamiliares en las cercanías de Chicago, conocidas con el nombre genérico de prairie houses (casas de la pradera). Una de ellas es la casa Hills/ De Caro, situada en Oak Park, un suburbio residencial de Chicago.

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Casa de la Cascada

Frank Lloyd Wright proyectó la casa de la Cascada (1937) en Bear Run (EEUU) para la familia Kauffmann, siguiendo sus principios sobre la arquitectura orgánica. Está situada sobre una cascada natural, y en su

construcción se combinan perfectamente la piedra, el hormigón y el hierro pintado.

Casa Hills/ De Caro en Chicago

Durante su primera etapa, Frank Lloyd Wright proyectó un gran número de viviendas unifamiliares en las cercanías de Chicago, conocidas con el

nombre genérico de prairie houses (casas de la pradera). Una de ellas es la casa Hills/ De Caro, situada en Oak Park, un suburbio residencial de

Chicago.


Museo Guggenheim en Nueva York

Uno de los edificios más emblemáticos de la última etapa de Frank Lloyd Wright es el museo Salomon R. Guggenheim de Nueva York. En él, las obras de arte están expuestas a lo largo de una espiral ascendente iluminada por un gran lucernario cenital. En 1992 se añadió un nuevo edificio (a la izquierda).


ARTE CONTEMPORÁNEO1900 a 1950

Julio Castillo T.Leidy Machuca P.

5º Pedagogía en Castellano

Universidad Playa Ancha, Sede San Felipe.

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