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| Date post: | 13-Jul-2016 |
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Curso Completo de
GuitarraRock
Toca como una estrella del rock: domina los estilos de
Chuck Berry, Radiohead, Scotty Moore, Foo Fighters, Slayer, Led Zeppelin, AC/DC, Metallica, The Who, Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Eddie Van Halen, los Red Hot Chili Peppers, Johnny Marr, Kurt Cobain, Rage
Against The Machine y muchos más.
Un curso sin líos ni complicaciones para ayudarte
a perfeccionar los sonidos de los guitarristas más grandes de todos los tiempos, lleno de consejos profesionales, y que incluye un CD con grabaciones de audio relacionadas con ejercicios prácticos. En las páginas aparecen unos recuadros en color que te
explican cómo consiguen tus héroes de la guitarra su
sonido-marca. Trabaja estilos clásicos y de heavy, con
una dosis sana de blues y un toque de rock alternativo.
La guía definitiva para los principlantes de hoy que quieren obtener el sonido perfecto en el rock.
Curso Completo de Guitarra Rock
Titulo original: Yes You Can Play Great Rock Guitar Textos: Phil Capone y Paul Copperwaite Concebido, diseñado y producido por:Marshall Editions The Old Brewery 6 Blundell Street Londres N7 9BH (Reino Unido)
Todas las canciones originales han sido compuestas por Paul Copperwaite y Dan Lack.Interpretación adicional de guitarra: Dan Lack Grabación de audio: Jon Hall y George Stuart Director de arte: Ivo Marloh Diseño: The Urban Ant, Ltd.
Coordinación editorial en castellano: UBEdició Traducción: Marta Carretón Salvador Edición y redacción final: Martín Medrano Maquetación: Montserrat Gómez Lao
Del libro: © 2009 Marshall EditionsAll rights reserved - Todos los derechos reservadosDerechos exclusivos de edición en español2.a edición en castellano©2015, Parramón Paidotribo.Les Guixeres. c/de la Energía, 19-21 08915 Badalona (España).Tel.: +34 933 233 311 - Fax: +34 934 535 033
http://www.parramon.com
E-rnall: [email protected]
ISBN: 978-84-342-4047-6 Impreso en China
A Daisy, mi relativa menor, con cariño de Paul
Contenido006 Para empezar
020 Armonía y melodía
038 Cómo tocar riffs
052 Cómo tocar solos
072 Cómo tocar blues
090 Cómo tocar rock ‘n’ roll
108 Cómo tocar rock clásico
126 Cómo tocar heavy metal
154 Cómo tocar la guitarra
rítmica
170 Cómo tocar rock alternativo
188 Directorio de acordes
191 índice y agradecimientos
ParaempezarEste capítulo pretende darte los conocimientos necesarios para que gastes
tu presupuesto con criterio. Quizá te han regalado una guitarra y quieres
saber qué otro equipo necesitas para sacarle el máximo partido; o estás
a punto de hacer una compra crucial: tu primera guitarra eléctrica.
Disfruta de la experiencia de comprarla: es tu oportunidad para echar un
vistazo a la amplia gama de estilos, formas y colores que hay en el
mercado. Así que saboréalo, no hace falta precipitarse en una compra
impulsiva.
Ten en mente el estilo de música que quieres tocar. Puede parecer
obvio, pero tal vez en el momento no se le da la importancia que tiene.
No estamos hablando sólo de la apariencia; los elementos sobre los
que tendrás que elegir Incluyen el tipo de cuerpo, las pastillas, la
forma óptima y el radio del mástil (ver página 13), los efectos y
accesorios, y de qué tipo serán (ver página 18).
Igual que un buen par de zapatos, una clásica todoterreno como
una de estilo Stratocaster o Les Paul te valdrá para la mayoría de
las ocasiones y será la que mejor aguante el paso del tiempo. Por
lo menos al principio, ve a por los clásicos antes que a por la
última moda (en especial cuando se trata de guitarras de siete
y ocho cuerdas). Si la eliges por la calidad de la construcción
antes que por características caprichosas, tu primera guitarra puede durarte
toda la vida, aunque con el paso del tiempo te compres muchas otras.
B. C. Rich WarlockLa forma distintiva de la B. C. Rich Warlock la hace reconocible inmediatamente. A Kerry King, de Slayer, le encanta, hasta el punto de que ahora B.C. Rich fabrica una guitarra de diseño Kerry King. Otros guitarristas notables son Mick Thompson, de Slipknot, y Paul Stanley, de Kiss. Obviamente, ésta es una guitarra nueva: fíjate en las fundas de plástico de las pastillas.
Para empezar
Comousar este libroEl objetivo de este libro es darte la posibilidad de aprender a tocar la guitarra de manera sencilla, indolora y a
tu ritmo. Descubrirás los secretos del guitarrista de eléctrica, cómo escribir tus propios riffs arrolladores, cómo flotar por encima de la armonía en los solos e incluso cómo componer tus propios temas.
A medida que avances en los capítulos, verás que cada ejercicio
tiene un archivo de sonido asociado, que encontrarás en el CD
adjunto. Muchos ejercicios sólo acompañados de texto pueden
dejarte con la duda de si lo que estás tocando suena del todo
correcto, Incluso cuando sí que está sonando bien. Con este libro
puedes pasar al siguiente ejercicio con la seguridad de que el
último lo hiciste bien.Las normas son tus aliadas. Primero apréndelas y siempre
podrás romperlas después. Sólo son maneras rápidas de resumir
siglos de conocimiento humano y de experiencia en la música.
A muchos guitarristas principiantes les preocupa que aprender
inhiba de alguna manera su Inspiración y su sentir de la música.
Aunque es cierto que muchas veces los grandes bluesmen no
pueden decirte los nombres de las notas de las que sacan tanto
sentimiento, eso no quiere decir que por mucho que llenes tu
cabeza con teoría, no puedas cuando tú quieras decidir ignorarla y guiarte por el sentir. Aprender no mata la pasión: te permite expresarla mejor.
En definitiva, la última palabra la tiene tu oído. Si al final te
encuentras decidiendo entre lo que dice un libro como éste, que está bien, y lo que te suena bien a ti, elige la segunda opción: esto es rock ‘n’ roll.
AcordesLa disposición de los acordes
está señalada con puntos sobre el mástil. Los rojos indican notas fundamentales. Los números de
dentro son los dedos de tu mano izquierda (1 = índice, hasta
el 4, = meñique). Los números de abajo indican los trastes.
RecuadrosEl texto de los recuadros brinda información extra sobre estrellas del rock y grupos, así como comentarios al margen.
EscalasLas escalas están señaladas
con puntos sobre el mástil, mostrando la digitación cuando
es necesario.
NotasLas notas
fundamentales aparecen en rojo, las otras en
amarillo.
008
Para empezar
UN COMENTARIO SOBRE DIESTROS Y ZURDOSEn este libro hay excepciones a la
convención de usar los términos "mano
de rasgueo” o “mano de punteo” y “mano
de los trastes", ya que hay veces que no
estás llevando a cabo estas acciones
en concreto. Para evitar confusiones, en las lecciones nos referimos a las manos
como si habláramos para el guitarrista diestro.
Dick DaleDale, apodado el “rey de la guitarra surf", era un guitarrista zurdo al que al principio obligaron a tocar según el modelo diestro, un poco como a Jimi Hendrix. Sin embargo, Dale lo hizo sin cambiar el orden las cuerdas de la guitarra, lo que quiere decir que efectivamente tocaba al revés. Incluso cuando se compró una guitarra para zurdos, Dale siguió colocando las cuerdas al revés.
EL SISTEMA DE CIFRADO DE NASHVILLEEn cifrado y composición musical, los
números arábigos (1, 2, 3, etc.) Indican la
nota de la escala, y los números romanos (I, IV, V), los acordes construidos sobre
cada nota. En un acorde Indicado según
Guitar heroes de la HistoriaPara cada estilo de música destacamos los iconos del género con comentarios sobre su estilo e impacto musical.
EjerciciosPara ayudarte a tocar a vista, cada ejercicio está acompañado por su notación en tabulado (tab).
este sistema, el modo (mayor o menor)
deriva de su posición dentro de la escala,
de manera que, por ejemplo, un acorde II siempre será menor, y un acorde VII
disminuido.
(N. de la T.) En esta edición en español hemos optado por mantener el cifrado anglosajón mediante letras (A, B, C) en cuanto a la nomenclatura y cifrado de acordes. De modo que, A = La, B = Si, C = Do,D = Re, E = Mi, F = Fa y G= Sol. Sin embargo, cuando nos referimos a nombres de notas solas, como en el caso de las cuerdas de la guitarra, o a tonalidades, utilizamos la nomenclatura tradicional, en consonancia con el uso (por ejemplo, la nota La, la cuerda Mi o la tonalidad de Do mayor).
009
Para empezar
Cómo elegirtu guitarraAprender a tocar un instrumento ya es todo un reto; no hay ninguna necesidad de hacerlo aún más difícil teniendo que aprender en un instrumento de mala calidad. Así que deja que nuestras sugerencias te guíen hasta
hacer la compra perfecta: prometemos que no te arrepentirás.
Hoy en día, en el mercado hay una variedad increíble de guitarras
eléctricas. Y gracias a la buena calidad de la mayoría de los
fabricantes orientales, para pagarte una buena no tienes que
sacarte un riñón. También hay un montón de gangas de segunda
mano que hay que considerar. Sin embargo, ve con cuidado si vas
a comprar tu guitarra online, a menos que sea de un vendedor local
que te permita probarla antes de comprarla. Solemos pensar que
las guitarras acústicas son tan frágiles y delicadas como los folkies
que las tocan, pero las eléctricas tampoco son a prueba de bala.
Así que es crucial que te asegures de que un instrumento usado
se ha conservado en buenas condiciones y de que no está a la
venta por ser una patata. Lo más importante que debes recordar
010
Para empezar
es que necesitas un instrumento que sea cómodo de tocar y capaz
de crear una gama amplia de sonidos. Una buena guitarra te dará
ganas de tocarla; también crecerá contigo a medida que de manera inevitable se amplíen tus gustos musicales. Aquí te indicamos
algunos puntos que hay que tener en cuenta a la hora de elegir el tipo de guitarra. Pero primero, unas observaciones aplicables a
todas las guitarras:
Busca una con una afinación regular. La afinación es el grado
en que la guitarra está afinada con respecto a ella misma. Una
mala afinación puede significar que la guitarra necesita un buen
repaso, o que tiene algún problema irresoluble, seguramente en el mástil. En general, es mejor evitar las guitarras así, a menos que un
guitarrista experto en el que confíes te diga que se puede arreglar.
Si está mal afinada, aunque las cuerdas tocadas al aire puedan
sonar afinadas, los intervalos (es decir, todo lo que sea más de una
sola nota) que toques en trastes más altos sonarán desafinados,
e incluso las notas sueltas sonarán desafinadas con respecto a
otros músicos (haciendo que los que no están avisados de tus
problemas de afinación reafinen continuamente sus instrumentos).
Bromas sobre las sesiones de destrucción de guitarras al estilo Pete Townshend aparte, se dice que los instrumentos que están
bien afinados con respecto a sí mismos están "bien temperados".
En la página 16 ofrecemos una guía para comprobar la afinación,
pero es vital mencionar su importancia a la hora de la compra.
Haz trabajar a los buenos vendedores. A diferencia de una
minicadena o un frigorífico, una guitarra recién salida de la caja no siempre está lista para usarla. Incluso los fabricantes más
reputados trabajan con la idea de que cada comprador querrá adaptarse su propia guitarra. Aunque con el tiempo aprenderás
a investigar con tus guitarras, en este primer estadio deberás
prever algo de tiempo y dinero para que la tienda le dé a tu nuevo
instrumento un poco de gracia (¿o por qué no negociar la puesta a
punto como parte del trato con la tienda?).
Las tiendas de guitarras son tus aliadas: un buen vendedor
está acostumbrado a tratar con gente que empieza, así que no
creas que tendrás que aguantar una actitud competitiva o superior. Si lo prefieres, pide que él toque la guitarra, pero ten en cuenta que seguramente la pasarán por el mejor ampli de la tienda. Lo ideal es que te acompañe un amigo guitarrista.
Una buena afinación es la prueba de que tu guitarra tiene el
mástil recto. En instrumentos de segunda mano, comprueba el
estado de los trastes: que debajo de cada cuerda los trastes se
vean desgastados puede indicar que las cuerdas rozan el traste al vibrar, y cambiar los trastes puede ser caro.
Pruébala antes de comprarla. En Internet hay un montón de
ofertas que parecen muy buenas, pero cada guitarra es diferente, y
su apariencia o estilo no te da ningún indicio sobre cómo suena en
realidad. Además, estás dejando que te envíen por correo tu nueva
compra, cosa que no supone ningún problema para un sólido pedal
de efectos, pero puede ser peligroso para un instrumento nuevo.
Por otro lado, ahí fuera en el ciberespacio las cosas no siempre
son lo que parecen. Así que si no te queda otra que comprar online, hazlo en tiendas fiables, y ten en cuenta lo fácil que es para la
gente sin escrúpulos montar un trasto que se vea genial y venderlo
en sitios populares de subastas. A su manera, algunas de estas
guitarras son válidas, pero puedes llevarte una gran decepción si
resultan no ser lo que pensabas. Además, hacerlas pasar por una
original está considerado un delito.
011
Para empezar
Anatomíade la guitarraPuesto que este libro trata sobre la guitarra rock, pasaremos por alto el maravilloso mundo de la acústica, a pesar de que, como veremos, muchos recursos (por ejemplo, la afinación D-dropped, en la que se baja
la 6ª cuerda un tono) son muy útiles tanto para el metal más duro como para el folk más redomado.En esta fase, te enfrentarás a dos áreas de decisión: qué sonidos quieres tener en la punta de los dedos
y qué características físicas de la guitarra te vienen mejor para poder tocar rápido y estar cómodo.
Pastillas: probablemente, lo que más Influye en el sonido (aparte
de tu manera de tocar) es la pastilla que elijas. En general, las
pastillas consisten en unas barras de imán (con o sin polos para cada una de las cuerdas) enrolladas con alambre, y las cuerdas
de acero de la guitarra vibran dentro de su campo magnético. Las
guitarras clásicas que vienen tradicionalmente equipadas con
estas pastillas de bobina simple (single-coi!) incluyen las Fender
Stratocaster y Telecaster. Por otro lado están las pastillas de doble
bobina, que consisten en dos imanes colocados uno al lado del
otro. Las de este tipo se encuentran en guitarras clásicas de rock
como las Gibson Les Paul y las SG, entre muchas otras. Se las
conoce como humbuckers. Originalmente pensadas para reducir
al mínimo ese Injustificado pequeño murmullo (en realidad es más
como un zumbido) que producen las bobinas simples cuando retiras las manos de las cuerdas, se fueron comprando cada vez más por
su sonido que por esta característica ahora ya anecdótica. Hay
otros tipos de pastillas, como las P90 (junto con variaciones como
las electrónicas y las MIDI o pastillas piezo), pero la elección de
las pastillas eléctricas se explica mejor mediante los dos tipos que
hemos mencionado.
Bobina simple: con un sonido estrecho, en general afilado, hace que se escuche más el sonido de la púa o los dedos, y pasa con
un muy buen efecto por encima de la mezcla de un grupo. Limpio: como el estilo surf nasal de Dick Dale o el ritmo contagioso del funk
de Nile Rodgers. Overdrive: suena al gran estilo de solos de Jimi
Hendrix o a los encendidos licks de blues de Stevie Ray Vaughan.
Humbucker: suena más oscuro, más grueso, como con más
“humo", generalmente con más sustain (prolongación de la nota) y
un poco más de resonancia en el ataque. Pasa perfectamente, pero
dentro de una mezcla el sonido puede ensuciarse. Limpio: como
el sonido grueso de jazz de Pat Metheny o los inimitables licks de
blues de B. B. King. Overdrive: recuerda al “sonido de mujer” de Eric
Clapton en Cream o los riffs profundos de Tony lommi en Black Sabbath.
Cuerpos y mástiles: también las maderas que se usan
(normalmente aliso, fresno, tilo, arce o caoba) tienen una gran
influencia en el sonido; sin embargo, una elegante guitarra Les Paul
con pastillas malas sonará más débil cuando se amplifique que
una guitarra de contrachapado con unas pastillas geniales. Así que
cuando estés tocando con un grupo, mejorar las pastillas es una
manera excelente y barata de hacerte con más sonidos.Las Strats, Teles, Les Pauls y otras son guitarras de cuerpo
macizo, hechas de una, dos o tres piezas de madera unidas. Las
guitarras semisólidas, semiacústicas o de gama thinline (como
las 335 y 355 de Gibson, las Casino de Epiphone o las President
de Hofner) tienen el cuerpo hueco. Fueron diseñadas en la era del
jazz, y aunque se usan en el blues y tienen muy buen efecto para el
gusto de King o Clapton, cuando trabajan a volúmenes de escenario
moderno son propensas a la realimentación.
Las guitarras de cuerpo entero —a diferencia de las de dos piezas, que permiten cambiar de mástil a lo largo de la vida de
la guitarra, ya sea por preferencia o por deformación— tienen un
diseño en el que se unen los lados para formar el cuerpo. Dicen
que las de cuerpo entero tienen más sustain, pero es difícil que un
solo factor pueda asegurarlo.
El perfil del mástil puede tener forma de “D” (que tiene más
fondo que el “C”), mientras que el “V” no necesita explicación. Las
012
Clavijero
formas “C” son más fáciles de tocar que las "D”, que son más “de
club nocturno” (y dicen que tienen más sustain), mientras que las
“V” están en un Intermedio entre las dos.Cuanto más ancho, más plano es el mástil. El radio de mástil
más pequeño resulta más cómodo para tocar acordes y cejillas (disposiciones de acordes que usan el dedo índice sobre varias
cuerdas) por la manera en que se curvan y se encuentran con tus
dedos. En cambio, un mástil más plano se defiende mejor en líneas
de solo y bends. Los trastes más gruesos y altos, que son menos
propensos al zumbido que los más planos, son más adecuados
para el bending y duran más, pero a la hora de tocar requieren más fuerza en los dedos.
El término altura se refiere a la distancia entre los trastes
y las cuerdas. Es más difícil tocar con las cuerdas altas, pero te
da un sonido más acampanado. Sabiendo todo esto ya puedes
hacerte una ¡dea de lo que prefieres, pero en realidad nada es
comparable a que tú mismo pruebes los diferentes tipos de
Instrumentos.
Calibre de las cuerdas: es poco probable que encuentres algo
muy distinto a cuerdas “del nueve”, “del diez”, o “del once”, un sistema en el que un “diez” es 0,01 pulgadas y el número se
refiere al diámetro de la cuerda MI agudo (es decir, la que está más
cerca de tus pies). Por lo general, las del nueve son: 0,9; 0,11;
0,16; 0,24; 0,32 y 0,42; y las del diez 0,10; 0,13; 0,17; 0,26;
0,36 y 0,46.
Siempre las tres cuerdas inferiores (y a veces la cuarta) están
niqueladas. Las cuerdas más ligeras resultan más cómodas para tocar rápido, mientras que las cuerdas gruesas dan un mejor
sonido. (¿Ya te suena este tipo de dilema?)
Por ejemplo, Dick Dale, el maestro del surf, usa cuerdas
muy gruesas para amplificar el impacto de su sólida técnica de
mano derecha. Sin embargo, una distorsión suave y unos sonidos
saturados pueden hacer que este factor sea menos relevante,
permitiendo el uso de cuerdas más finas para ayudarte en el legato como en las técnicas del hammer-on, pull-off y tapping.
Perilla o control
Ceja o "traste cero"
Mástil
Trastes
Botón para la correa
Cuerdas
Puente
013
Cómo sostenerla guitarraEstés sentado o de pie, tus objetivos son la comodidad y la accesibilidad. El grado de relajación se trasladará
a tu manera de tocar. La calma interior te permitirá una mayor fluidez, te ayudará a evitar errores y a ir por las
notas con confianza, aunque estés tocando una pieza agresiva y con carácter. Controla la respiración y antes de tocar la pieza piensa en ella durante unos segundos. Te permitirá despejar la mente de otras cosas. Mantén las
manos calientes (cuando están fríos, los dedos no van a donde les mandas) e hidrátate para evitar calambres en
las manos y los antebrazos.
De pie
La guitarra tiene que equilibrarse bien en la correa del hombro
sin necesidad de tocarla con las manos. Es de lo más indeseable
tener que sostener el mástil, por poco que sea, para evitar que se resbale. Igual de malo es sujetar la guitarra con el antebrazo
derecho.
Cuanto más alta en tu torso sostengas la guitarra, más
fácil será de tocar, y también evitarás el cansancio de la muñeca
izquierda, resultado de tocar con un eje muy bajo. Si quieres hacer
de Johnny Ramone, asegúrate de Inclinar el mástil hacia arriba todo
lo que puedas.
Sentado
Convencionalmente, la guitarra se apoya en el muslo derecho.
Aunque no es imprescindible, puedes ayudarte con una banqueta
de guitarrista clásico o de una caja pequeña para apoyar el pie
derecho y evitar encorvarte hacia la guitarra. También en este caso,
el mástil debe quedar en un ángulo correcto sin necesidad de
sujeción. Para que sobresalga el cuerpo de la guitarra, precisarás
un poco de espacio a un lado, así que no podrás usar sillas con
brazos.
Zakk WyldeMás conocido como el guitarrista de Ozzy Osbourne y fundador del sello de heavy metal Black Label Society, Wylde suele tocar con el mástil alto.
Mano derecha
Toma la púa entre el pulgar y el índice (tu mano tiene que estar lo más relajada posible sin que se te caiga la púa). Las técnicas más eficientes se basan en aprovechar la economía de movimientos, que significa moverse lo menos posible con relación a las notas que estás tocando (así te da tiempo a tocar más). En las páginas 26 y 27 encontrarás una explicación más extensa sobre técnicas.
SlashEl rasgueo y punteo de Slash, el ex guitarra solista del grupo de rock duro Guns N’ Roses, define el sonido de muchas canciones del grupo.
Mano izquierda
La mano Izquierda tiene que estar en una posición con relación a la guitarra, de manera que la muñeca esté en línea con el mástil, no detrás de él. Así podrás colocar la punta de los dedos en cualquier traste, en lugar de apoyar la yema de los dedos. Lo que queremos es poder pisar una cuerda mientras las cuerdas contiguas siguen sonando. Más tarde veremos cómo apagar a propósito las cuerdas con los dedos de la mano Izquierda.
George HarrisonComo guitarra solista de los Beatles, Harrison tenía un estilo lírico que requería que cada nota sonara muy clara.
015
Para empezar
El afinado
La afinación estándar es la más versátil y la que más se usa en la guitarra. Hay otros tipos, como afinaciones
abiertas y rebajadas: más adelante veremos en detalle algunas de ellas. En esta lección aprenderás la mejor manera de afinar la guitarra según el estándar y dejarla lista para tocar.
Empieza por la cuerda Mi grave (la que más cerca está de tu
cabeza) y avanza hacia la MI agudo. Hoy en día estamos bastante
mimados entre tanto aparato electrónico para afinar, desde los
afinadores de mano hasta los sofisticados afinadores de pedal o
los Incluidos en módulos de efectos, pero educarás mucho mejor tu oído si usas un diapasón.
En la mayoría de los casos, especialmente si hay cantante, te interesará tocar en afinación de concierto (en la que tu cuerda La
está afinada a 440 hercios del espectro sonoro). Eso es diferente
de asegurarte de que tu guitarra está afinada respecto a ella misma,
lo que se conoce como afinación relativa. La afinación relativa es
El afinadoLas clavijas siempre giran en el sentido contrario de las agujas del reloj para subir la afinación (en el sentido de las agujas del reloj en el caso de las tres cuerdas superiores del clavijero de las Gibson, como la que ves en la página 13). Las guitarras de puente fijo tienen afinadores más precisos en el puente. Para afinar tu guitarra, toca la cuerda Mi grave (la que está más cerca de tu cabeza) mientras pisas en el quinto traste. Debería sonar igual que la cuerda La al aire (sin pisar). Luego toca la cuerda La pisando en el quinto traste. Debería sonar igual que la cuerda Re al aire, y así para todas las cuerdas, excepto la cuerda Sol, que se pisa en el cuarto traste y debe sonar igual que la cuerda Si al aire.
una buena manera de comprobar rápidamente que tu guitarra está
afinada sin la ayuda del afinador. Empieza por la cuerda más grave
(acuérdate de que es la que está más cerca de tu cabeza). Písala
en el quinto traste y compara la altura del sonido con la cuerda La
al aire que está justo encima: deberían sonar igual. Igual que antes,
usa las clavijas para ajustarlo. El diagrama de abajo ¡lustra cómo
comprobar cada una de tus cuerdas usando la afinación relativa.
Fíjate en que la tercera cuerda (Sol) se pisa en el cuarto traste, a diferencia de todas las otras.
La afinación
Mientras estés aprendiendo acordes con cuerdas al aire y dando
tus primeros pasos en el instrumento, las limitaciones de una
guitarra poco preparada no se notarán. Pero en cuanto empieces a tocar piezas, a usar disposiciones de acordes interesantes y a tocar
pasajes de música más arriba en el mástil y más cerca del cuerpo de la guitarra, entrará en juego el factor de la afinación. Si te ocurre,
no te desanimes: tu manera de tocar no tiene nada que ver con ello.
Comprobar la afinación de una guitarra implica escuchar
para asegurarse de que, para cada cuerda, el armónico del
traste número 12 (que queda a la mitad de cada cuerda) está
exactamente afinado con la cuerda al aire. Si te has preguntado por qué los patines están colocados en diferentes posiciones,
esto es así porque cada cuerda se estira de una manera diferente,
subiéndose ligeramente de afinación, y los patines están ajustados
para reducir al mínimo la diferencia entre cada cuerda y su
armónico.
016
Para empezar
Cómo leer el tabulado
Si ya has curioseado sobre lo que tienes que saber para tocar la guitarra, especialmente en Internet, lo más
probable es que ya te hayas encontrado con el tabulado estándar (tab). No puede incluir todas las ideas
musicales como la notación tradicional, pero es una gran herramienta didáctica, sobre todo si brinda la posibilidad de escuchar una pista de audio, y es totalmente visual.
Las seis líneas horizontales representan las cuerdas de la guitarra.
Los números se leen de Izquierda a derecha y representan
simplemente los trastes que hay que tocar en cada cuerda.
Algunas pistas de CD repiten la tablatura, y otras llevan una nota
extra para enseñarte cómo se repite o resuelve el riff o el lick.
Las cuerdasLa primera línea corresponde a la cuerda más aguda, que es la que está más cerca de tus pies.
Los trastesLos números que están sobre las líneas se refieren al traste que hay que tocar. Los números que están superpuestos se deben tocar al mismo tiempo.
Hammer-ons y pull-offsSe indican con un arco que une dos notas. La T mayúscula indica las notas que tienen que ser percutidas (del inglés, tap).
Púa hacia abajoNotas tocadas con rasgueo o punteo
hacia abajo.
Palm muteEl apagado de las cuerdas con la palma de la mano se indica con P M. seguido de una línea punteada.
Los compasesEstas líneas verticales marcan el final de
cada compás. La largura puede variar, pero la duración de cada compás no cambia.
VibratoUna línea ondulada por encima
de una nota indica vibrato. Debe continuar hasta que se acaba
la línea.
ArmónicosIndica las notas que se tocan
con armónicos.
Púa hacia arribaNotas tocadas con rasgueo o punteo
hacia arriba.
SlidesSe indican con una línea recta entre dos notas. Puntea la primera nota y
desliza el dedo sobre la cuerda hacia arriba (o hacia abajo) en el mástil hasta
llegar a la segunda nota.
ResonanciaDejar resonar una nota hasta que
se apague de forma natural se llama “let ring" y se indica con las palabras "Dejar resonar” y una
línea punteada.
ApagadoLas notas que se tocan pero se apagan se indican con una “x”.
AcordeLos acordes
relevantes se indican encima de
las notas.
No chordNC significa que no hay ningún acorde relevante.
017
BendsPisar una cuerda y luego estirarla hacia arriba hasta una altura de tono diferente se indica con una flecha y una fracción. Un 1 /4 indica estirarla hacia arriba un cuarto de tono, “full" indica estirarla hacia arriba un tono entero (dos trastes).
full 1/4
Para empezar
Efectos yaccesoriosDesde que Keith Richards usó la distorsión para crear aquel famoso riff del principio de “Satisfaction”, los
guitarristas han ido usando efectos y accesorios para cambiar o resaltar el sonido de la guitarra. Pueden ser muy
divertidos para experimentar, pero tampoco te sientas presionado para ir a comprar uno ahora mismo. Algunos
de los grandes bluesmen de Chicago preferían que no hubiera nada más que un cable entre su guitarra y su ampli. Aunque, si quieres copiar o hacer covers de otros, está bien saber cómo usan los efectos en su sonido.
A continuación aprenderás los efectos más usados y los sonidos que puedes crear con ellos.
Efectos
Distortion/Overdrive: desde un sonido ligeramente roto hasta
una distorsión saturada, éstos son los sonidos más impactantes del rock, y también ayudan a tocar legato.Compresor/Limitador: equilibra los agudos y los graves para
darte una señal uniforme y más control sobre el ataque y el
apagado de cada nota o intervalo, aumentando la impresión de
sustain.Eco, reverb, o delay: simulan la ambientación acústica de salas,
o retrasan la señal con un tiempo de repetición más o menos
largo.Pitch Shifters: los octavadores o armonizadores añaden notas
a tu señal, ya sea una octava o dos más abajo, u otros Intervalos
específicos de la tonalidad. Las palancas de las guitarras de
cuerpo macizo suelen ser de diseño Strat estándar, o si no,
adaptables (con una cejilla que se fija al clavijero), como por
ejemplo una Kahler o una Floyd Rose. Los espectaculares
efectos de whammy también pueden conseguirse con pedales,
al estilo de Tom Morello.Wah-wahs los auto-wahs y los wahs clásicos de pedal, como el
Cry Baby, permiten potenciar o cortar rápidamente una banda de
frecuencia determinada (ver página 181).
Modulación: tanto el efecto chorus como el flanger combinan una
señal ligeramente retardada con la original, creando así un efecto
característico de engrosamiento y brillo. El phasing combina una
señal en desfase con la original para crear un sonido como si tu
altavoz estuviera dando vueltas.
Trémolo: varía el volumen para dar un efecto de pulsación o
intermitencia.Supresor o puerta de ruido: los efectos pueden añadir ruido a
la señal, así que el supresor o puerta de ruido silencia el sonido
cuando no estás tocando.
Accesorios
Púas: las técnicas de dedos no son sólo para la acústica,
rockeros como Jeff Beck han hecho un gran uso de ellas.
Sin embargo, te sugerimos que empieces con púa para que
puedas elegir: varían entre 0,5 y 2,0 mm, pero la mayoría de la gente usa una 0,75 o 1 mm. Las púas gruesas son mejores para
licks rápidos.Afinador: aunque tengas un oído excelente y seas un pro de la
afinación acústica, ahorra a tus amigos (y algún día al público)
esos sonidos tan familiares.Cables: vale la pena invertir en cables buenos como los Whirlwind,
Klotz o Planet Waves. Los cables baratos pueden reducir la señal,
y en consecuencia el sonido. Incluso los pedales de efectos más refinados sólo llegarán a la calidad que tenga el peor cable de tu
equipo.Metrónomo: es esencial para practicar frases, y te enseña a llevar
el tiempo: aceléralo en cada ejercicio a medida que vas siendo más
preciso. También sirven muchos aparatos de grabación, cajas de
ritmos o software.
018
Para empezar
La amplificación
En los tiempos del swing y las big bands, el pobre guitarrista no tenía más que un amplificador pequeño y con
poca potencia para intentar sobresalir por encima de todos aquellos vientos. A principios de los sesenta, cuando
grupos como los Beatles se esforzaban por hacerse oír ante miles de fans que gritaban, tuvo que nacer un nuevo
tipo de ampli: el potente 4x12.
Un ampli de guitarra suele constar de dos elementos: la
ecualización (ver los recuadros “Para establecer el sonido” que
mostraremos más adelante), que es una combinación de agudos,
medios y graves: y la ganancia (“gain”) y volumen. Tu volumen es
el control principal de toda la salida (output), mientras que el gain aumenta o disminuye el grado de saturación o distorsión del sonido
del output.Puede que ya conozcas el gran debate sobre si válvula o
transistores. Los amplis de válvula son lo mejor de lo mejor,
y tienen un montón de “groove", ya sea con un sonido brillante y
limpio como los Fender Twin o los Roland Jazz Chorus, o más
Amplificador MarshallConocidos por su gran sonido, fiabilidad y versatilidad, los amplis Marshall han sido los preferidos de muchos músicos durante décadas.
clásico y potente como los Marshall. Los amplis de transistor,
en cambio, son en comparación mucho más fiables, porque
los de válvulas necesitan un mantenimiento más frecuente.
Los amplis de válvulas clásicos hay que subirlos para
que alcancen un sonido sobrecargado. Hasta que estés completamente seguro de que quieres seguir con la guitarra
eléctrica, te vale con los transistores, pero necesitarás al
menos 50 vatios de potencia de transistor si quieres competir
incluso con un batería moderado, y al menos 15-20 vatios de
potencia de válvulas (a la misma potencia, las válvulas suenan
más fuerte). Un ampli tiene una sección de previo y una de
amplificación, y algunos valvestate asequibles tienen una combinación de los dos sistemas: una sección de válvulas
y una de transistores.No obstante, para practicar en tu habitación, ahora hay
algunos amplis de válvulas muy buenos y sencillos, que te dan
un buen sonido saturado a 5 vatios a un volumen de minicadena
doméstica.
El cambio de canales te permite alternar en la misma canción
entre dos o tres sonidos “sucios” o “limpios’’ (distorsionados o
no). (Es mejor preguntar si el interruptor de pie está incluido en el precio del ampli.) Fender fue pionero en incluir en los amplis de
guitarra el trémolo y la reverb spring, pero hoy en día también hay una gama cada vez más extensa de amplis y combos de modelado
digital que incluyen efectos (e incluso simulaciones de diferentes
amplis y cajas). No son efectos análogos reales, sino simulaciones
de ordenador que se activan cuando tocas. A pesar de ello, si no
tienes ya un banco de efectos o un “multi-FX", pueden ser una
buena manera de probar los efectos que pueden lograrse.
019
Ahora ya estás preparado para comenzar con la música.
El objetivo de este capítulo es que empieces a tocar
en el menor tiempo posible y, a la vez, darte suficiente
teoría como para que entiendas lo que vas haciendo,
pero tampoco tanta, como para no ralentizar tu práctica,
ya que adquirir práctica también es vital. Toda la música
tiene contenido armónico y melódico. La melodía se
refiere a la línea que estás tocando: la que podrías
silbar o tocar en un instrumento monofónico (de una
sola nota a la vez, como por ejemplo la flauta). Pero
es con la armonía cuando la música se vuelve más
interesante: se refiere a la relación entre las notas
y los intervalos entre ellas. Tanto si los intervalos
se tocan con disposiciones de acordes aplastantes
y espectaculares (haciendo sonar todas las notas
a la vez) o arpegiadas (tocando una nota después
de otra), las notas del acorde se basan en la
misma escala.
Fender JaguarLa guitarra que sacó Fender en 1962, la Jaguar, se convirtió rápidamente en un icono de la emergente escena musical surf, y se popularizó de nuevo en los noventa con algunos grupos de grunge y rock alternativo como Sonic Youth, Dinosaur Jr., Nirvana y My Bloody Valentine.
Armonía y melodía
Escalas mayoresy menores“Do, re, mi, fa, sol, la, si, do”: la escala mayor seguramente te suena más a “Sonrisas y lágrimas” que a
música rock. Pero hay un montón de solos geniales que usan las escalas mayores y menores, así que es tan
importante tener estas escalas en la punta de los dedos como tener la menor pentatónica o la menor de
blues.
Estas escalas son los bloques de construcción esenciales de la
estructura de las canciones, y la manera en que se crean las otras
escalas y los acordes se explica en referencia a ellas. Son escalas
“verdaderas”, ya que contienen las siete notas hasta que la tónica
se repite de manera natural, lo que significa que suena Igual, pero más agudo (en la octava nota más arriba), de ahí el nombre de
“octava".
La escala cromática consiste en las doce notas, separadas por
semitonos, que son físicamente posibles: es decir, todas las teclas
de un plano. Por sí sola es no diatónica; esto es, simplemente, que
no tiene centro de la tonalidad porque todos los Intervalos
(cualquier conjunto de dos o más notas) están separados por la
misma distancia (un semitono). Cualquier escala toma sus notas de
ésta, y la escala mayor las toma en los siguientes intervalos:
tono - tono - semitono - tono - tono - tono - semitono
La escala menor natural es diferente porque tiene su tercera nota
un semitono más grave que en la escala mayor: sólo este cambio
provoca la mayor diferencia de carácter entre piezas musicales.
Está estrechamente relacionada con la escala pentatónica menor y con la menor de blues (ver páginas 60 y 61).
ESCALA MAYOREste diagrama muestra un patrón móvil de escala
mayor con base en la cuerda Mi. El tab muestra una
escala de La mayor en un registro más grave.
022
Armonía melodía
ESCALA MAYOREste diagrama muestra un patrón móvil de
escala mayor con base en la cuerda La. El
tab muestra una escala de La mayor en un
registro más agudo.
ESCALA MENOR NATURAL COMENZANDO EN LA CUERDA MIEste diagrama muestra un patrón móvil de escala menor natural
con base en la cuerda Mi. El tab muestra una escala de Mi menor
en un registro más grave.
ESCALA MENOR NATURALEste diagrama muestra un patrón móvil de
escala menor natural con base en la cuerda La. El tab muestra una escala de La menor en
un registro más agudo.
023
Armonía y melodía
Disposiciones de acordescon cuerdas al aireAhora que ya has aprendido algunos patrones de escalas y calentado los dedos, es hora de pasar a algunas
disposiciones de acordes. No te desanimes si al principio algunas te resultan un poco incómodas. Practícalas con frecuencia y estarás rasgueando antes de que te des cuenta.
Vamos a ver técnicas de rasgueo y punteo en las páginas 26 y 27.
Pero por ahora asegúrate de que te suenan todas las cuerdas, si
hace falta, con un simple rasgueo hacia abajo. Como hemos dicho
en la página 14, concéntrate en no apagar las cuerdas de al lado
de la que estás pisando (a menos que se indique). Cambiar
rápidamente de disposición de acordes es una gran parte del arte
del guitarrista rítmico o de jazz, así que aunque no es necesario
tocar con metrónomo mientras las memorizas, puedes trabajar cambios rápidos. De hecho, hay veces que es bastante divertido
mejorar la técnica y no pensar en lo que estás tocando.
Puedes volver a estas tablas de acordes a medida que avanzas
con el libro. A diferencia del tab, los números de los cuadros de
acordes representan la mejor opción de dedo que puedes usar. Los
círculos rojos destacan la nota tónica (fundamental) del acorde.
Un cero en el lado izquierdo del cuadro de acordes señala que la cuerda se toca al aire (un cero en rojo indica la nota
fundamental). Una “x” representa que tienes que apagar con la
mano izquierda. Utiliza el ángulo del dedo para que la carne del lateral no ahogue el sonido de la cuerda. Suena más complicado de
lo que es, y al cabo de un tiempo te resultará natural.
024
Armonía y melodía
ACORDES HABITUALESNo te desanimes por el número de acordes que ves aquí. Pertenecen a las tonalidades más habituales para la música basada en la guitarra. Puedes volver a ellos a medida que avanzas con los ejercicios siguientes. Al final del libro, en las páginas 188-190, mostramos un directorio de acordes más avanzados. Tómate tu tiempo para ejercitar la mano izquierda para ejecutar las disposiciones de cada acorde.
"No estoy de broma cuando
algunas veces digo [que] intentar
aprender cómo tocar bien un
acorde de Re ha sido algo muy
importante para mí."Lou Reed sobre aprender acordes
025
Armonía y melodía
Patrones de rasgueoy punteoEn este capítulo aprenderás cómo crear un acompañamiento con tus nuevas disposiciones de acordes.Los patrones de rasgueo y punteo son las herramientas que usan los guitarristas para componer sus
acompañamientos. Bien hechos, crean música mágica e intemporal; la intro de Jimmy Page en “Stairway to
Heaven” es el ejemplo perfecto de un buen patrón de punteo.
PUNTEOColoca la mano sobre el cuerpo de la guitarra, si es necesario
apoya el tercer y cuarto dedo, o si no mantén la mano por
encima, de manera que tu plectro (púa) toque todas las cuerdas
en el mismo ángulo. Esto dará desde el principio uniformidad
a tu manera de tocar, algo que agradecerás más adelante, ya que la mala técnica requiere un mayor esfuerzo consciente
para arreglarla que para aprenderla. Evita dejar caer la muñeca
por debajo de las cuerdas. SI lo haces, te habituarás a arquear
la muñeca hacia arriba, algo que, por muy bueno que seas,
te ralentizará.
Fíjate bien en que, por un lado, tu muñeca está relajada y,
por el otro, en que tengas movimiento en el pulgar y el índice.
Ninguna parte de tu Instrumento natural de punteo, que va desde
el antebrazo hasta la punta de los dedos, debería estar rígida.
El tacto y la sensibilidad tienen que estar siempre presentes:
no se trata de atacar la guitarra, aunque parezca que es lo que
hace Kerry King, de Slayer.
Debes moverte hacia arriba y hacia abajo de las cuerdas
en un ángulo de 45 grados, de manera que pulses las cuerdas
más agudas ligeramente más hacia delante que las graves.
Automáticamente te darás cuenta de que puedes usar la parte
exterior de la palma Izquierda para apagar todas las cuerdas a la
vez, y también de que eres capaz de ejecutar diferentes grados de
apagado: abrupto, suave e Incluso el punteado suavemente
PunteoDeja flotar tu mano por encima de las cuerdas en lugar de fijarla a un punto de reposo sobre la guitarra.
026
Armonía y melodía
apagado que suena tan bien en las líneas arpegiadas del tipo
que tocan Steve Cropper o Andy Summers.
PUNTEO ALTERNADOComo estilo artificioso en manos de grupos como The Offspring,
puntear recto hacia abajo puede sonar atrevido y punky, pero en
otros contextos no te llevará muy lejos. El “punteo alternado” es
sencillamente mover el pulgar y el índice hacia arriba una vez que
has pulsado una cuerda, punteándola la segunda vez con el lado superior de la púa. Éste es un truco esencial que hay que dominar,
y que hace posible el toque fluido y fácil de la técnica del rock clásico, como los tresillos y las dobles cuerdas que aparecen
más adelante en el libro.
RASGUEOLa técnica de alternancia también es válida para el rasgueo, que es
tocar todas las cuerdas a la vez. Se aplica el mismo principio de
economía de movimiento: en el rasgueo hacia abajo, no hace falta
llevar la púa muy lejos de la cuerda Mi agudo antes de la vuelta hacia arriba.
Apagar una cuerda rasgueada colocando suavemente la parte exterior plana y blanda de la mano sobre las cuerdas en la
zona del puente produce un carácter amenazante que reconocerás
de las canciones metal y rock, en las que se escucha muchas
veces en la estrofa y provoca que aumente la tensión antes de
un estribillo o un crescendo.
A medida que vas rasgueando, verás que las técnicas de
apagado de la mano izquierda se vuelven más importantes
para silenciar las cuerdas que no son parte del acorde. Casi inconscientemente tienes que coordinarlas con la habilidad para
apagar todas las cuerdas con la mano derecha: eso te llevará
al control total de la guitarra, a cualquier nivel de gain y volumen.
027
RasgeoUn movimiento típico de rasgueo en el que la mayor parte del movimiento viene de la muñeca y la mano.
Armonía y melodía
Tempo yritmoLa práctica habitual con un metrónomo te permitirá mejorar el sentido del tiempo. Aquí presentamos dos
aspectos que hay que considerar para mantener el tiempo en la música: tener en mente esta distinción
favorecerá tus habilidades compositivas.
TEMPOSe refiere al ritmo de una pieza de música y se mide en pulsaciones
por minuto (bpm, del Inglés beats per minute). Aunque los DJ y los
productores de música dance hablan de bpm, y que las cajas de
ritmos y secuenciadores te permiten marcar los bpm que quieras en
cada momento, el concepto deriva de la música clásica. La escala
de los términos de la notación, desde largo (solemnemente lento) hasta presto (muy rápido), se extiende desde 40 hasta 208 bpm.
En las piezas clásicas, establecer el tempo es una decisión que
toma el director.
En la música rock tradicional, una de las habilidades
fundamentales de un batería es saber establecer los tempos
más eficaces para las canciones. La música que se toca demasiado
rápido para su estilo puede fallar estrepitosamente en la tarea
de transmitir los sentimientos que su contenido armónico
pretendía expresar. SI vas demasiado despacio, Incluso un conjunto de cambios Interesantes parecerá tan aburrido
y predecible como para que algunas personas del público
vayan dirigiéndose hacia la puerta. Esto se aplica tanto si
estás en la presentación de un álbum conceptual de rock
progresivo como si estás tocando en un grupo de thrash metal
nihilista.
RITMOEs tan importante desarrollar tu sentido del ritmo como estar
afinado. Un grupo “compacto” que falla algunas notas será más
soportable que otro que tenga uno o dos miembros con problemas
para seguir el tiempo. Está fuera del ámbito de este libro explicar
la música en términos de notación (aunque la música de las
canciones completas de los capítulos finales se presenta tanto
en notación como en tablatura, para los que ya leen), pero en
ella se basan muchos conceptos de la música rock.
Uno de ellos es la idea del compás, sencillamente.un “trozo”
manejable de música que contiene un número concreto de
pulsaciones, que es constante durante toda la pieza y que viene determinado por la indicación de compás. La indicación de compás
se expresa con fracciones en las que el segundo número (el de
abajo) representa el valor de cada pulsación expresado en tiempo, y
el primero (el de arriba) es el número de pulsaciones que hay en un
compás. Por lo tanto, una pieza en compás de dos por cuatro (2/4)
tendrá el doble de compases que una pieza de la misma duración
en compás de cuatro por cuatro (4/4). A medida que vayas
aprendiendo, llegarás a reconocer de inmediato la diferencia de sensación que hay entre ellos.
Aparte de estos dos compases, el tercero más habitual es el tres por cuatro (3/4), o tiempo de vals, raro en el rock pero
"Cuando te sientas y piensas en qué es en realidad la música
rock ‘n’ roll, tienes que cambiar la pregunta. Si se toca a un tempo movido, le llamas rock ‘n’ roll; si
se toca a un tempo normal, le llamas rhythm and blues."
Little Richard sobre los efectos del tempo
028
Armonía y melodía
EL USO DE LOOPERSEn los últimos años ha aparecido un efecto que puede establecer una diferencia en la manera en que se escriben las canciones. Las tecnologías del looping, derivadas del software de grabación, utilizadas por primera vez en la música electrónica, fueron adoptadas en los años noventa por Radiohead y bandas similares, han evolucionado en forma de pedal, diseñado para las actuaciones en directo. Los loopers te permiten samplear y repetir un riff o una frase y practicar, crear o tocar otras partes encima de él. Con grupos como los Yeah Yeah Yeahs o Russian Circles empleando loopings para aumentar su sonido directo, este efecto está destinado a jugar un papel importante en estructuras de canciones inspiradas que van más allá de la práctica convencional.Nick ZinnerNick Zinner, el guitarrista del trío de art-rock de Nueva York The Yeah Yeah Yeahs, usa loopers en sus sets de directo.
espectacular cuando aparece, como en “Manic Depression” de Jimi Hendrix.
Estos compases, basados en triple, doble o cuádruple tiempo, se conocen como compases simples para distinguirlos de los compases de tiempo compuesto, en los que el valor de cada pulsación es un múltiplo de dos, cuatro o tres (como el compás de seis por ocho, con seis pulsaciones en cada compás, en el que cada pulsación es una corchea).
A estas alturas te habrás dado cuenta de que las pulsaciones son diferentes de las notas. Cualquier grupo de notas o silencios (pulsaciones en las que ese Instrumento no toca ninguna nota) pueden tocarse dentro de un compás mientras su valor total sea coherente con el valor del número de pulsaciones dentro del compás.
El dinamismo de una pieza de música deriva precisamente del juego interno entre sus partes individuales, de si tocan o no en una determinada pulsación (o entre ellas). La sincopación (la desviación de la pulsación, habitual en muchas formas en el swing, el blues, el jazz y el rock) y las anacrusas (una slncopación especial en la que se empieza un tiempo antes del principio del compás: “y... uno...”, habitual en muchas líneas vocales) son solamente dos ejemplos del juego y la composición dinámica. De manera similar, dividir una pieza de música en los compases que la constituyen puede tener o
no relación con el lugar donde aparecen los ciclos de riffs o frases repetidas (ostinato), aunque muchas veces sí coincide. Cuando los músicos dicen crípticamente que lo que no tocan es tan importante como las notas que sí tocan, están pensando en esto.
VALORES RÍTMICOS
Notación clásica Notación americana N° por compás en 4/4
Redonda Nota entera 1
Blanca 1/2 nota 2
Negra 1/4 de nota 4
Corchea 1/8 de nota 8
Semicorchea 1/16 de nota 16
Las mismas fracciones se aplican a los silencios (una Indicación para no tocar), de manera que oirás que se refieren, por ejemplo, a un silencio de redonda.
En las páginas 100 y 101 veremos los tresillos (grupos de tres notas en los que cada nota se acentúa igual, con la misma duración).
029
Armonía y melodía
Disposiciones sencillasde acordes móvilesLas disposiciones móviles son el principio para la composición rápida, fácil y eficaz de canciones pop, en especial
para géneros punky y alternativos. Mayores o menores, alegres o tristes, proporcionan al guitarrista principiante
una manera ágil de variar sus disposiciones de acordes (voicings). Al principio pueden aprenderse y ejecutarse
de manera eficaz y visual sin saber toda la teoría que llevan detrás, lo que te ayudará a aprender la teoría desde
dentro mientras te diviertes y ya tocas de forma convincente. Lo que sigue está lejos de ser una lista exhaustiva
de disposiciones de acordes móviles. En los inicios, pisar una cejilla con el índice puede resultar desalentador.
Si te desanimas, recuerda que no eres el único al que le cuesta. La perseverancia y la práctica darán sus frutos.
Más adelante veremos disposiciones de acordes móviles que
contengan algunos de los Intervalos secundarlos más complejos
que usan los guitarristas de jazz y funk, así como digitaciones más
complicadas. También mostraremos disposiciones de acordes que
son móviles contra cuerdas al aire que actúan como bordones o
notas pedal: las favoritas del folk y el psicodélico. Pero para ello
necesitamos saber un poco más sobre las tonalidades.
En estos diagramas no se marca ningún traste, ya que, como su nombre indica, los acordes móviles pueden tocarse en cualquier
traste.
030
Armonía y melodía
031
Armonía y melodía
Tonalidades ymodulaciónAl principio, el misterioso lenguaje de las tonalidades parece matemática pura, pero se entiende mejor cuando
se sabe que está basado en el comportamiento natural del sonido. En nuestra cultura, el centro tonal de
una pieza de música puede describirse en términos de una escala mayor o menor, y está determinado por la
tríada de tónica: un grupo de tres notas, en este caso la primera, tercera y quinta, de esta escala. Al construir acordes sobre cada nota de esta escala, sólo algunos sonarán bien (ver página 22).
Por ejemplo, una canción tocada en Do mayor consistiría en alguno
o todos estos acordes: C, Dm, Em, F, G, Am, B°. El último,
construido sobre Si como séptima de Do, es un acorde disminuido,
que quiere decir que tiene una quinta rebajada y también una
tercera rebajada. Mientras vayas experimentando con los acordes
que estás aprendiendo de las páginas 24, 25, 30 y 31, notarás que
algunos suenan tensos y otros, resueltos y tranquilos. Acordes
como los construidos sobre la quinta de cada escala suenan
intrínsecamente como si tuvieran que resolver en la tónica. Esta
tensión le da a la música su sensación de movimiento. El sexto
acorde de una tonalidad construido en la escala mayor también es
importante, porque nos da el acorde de tónica del relativo menor:
en el cuadro que sigue verás que cada tonalidad mayor tiene un relativo menor que repite sus mismos acordes desde la sexta nota
en adelante. Eso significa que los patrones de escala pentatónica,
tanto de Do mayor como de La menor (ver páginas 60 y 64),
pueden sonar bien cuando se tocan con estos acordes. No sólo eso, sino que además los grandes guitarristas pueden hacer como
si no se dieran cuenta de qué acordes están sonando por debajo
de los solos que tocan. Si no hay ningún otro guitarrista, también
tendrán que tocar implícitamente la armonía usando las notas de
los acordes y manteniéndose dentro de la escala general.Por supuesto, el conocimiento de las tonalidades es esencial
para la composición, pero también cuando te preparas para tocar con instrumentos limitados a tocar en una sola tonalidad, como la
armónica (o el arpa, en el blues), o el instrumento con el que es
más probable que toques, que sonará mejor en unas tonalidades
que en otras: la voz humana.
Tocar la misma pieza en diferentes tonalidades se conoce
como “transposición”, y también la usarás para hacer las piezas
más eficaces y fáciles de tocar, adaptando la tonalidad para facilitarte los trucos de un estilo determinado, como, por ejemplo, si
te gusta o no usar cuerdas al aire como notas pedal sin volver a afinar la guitarra.
Jimi HendrixEra un adepto de llevar los cambios de tonalidad al máximo, sus míticos solos de guitarra y su manera magistral de tocar lo convirtieron en una leyenda del rock y en un icono de la guitarra.
Armonía y melodía
Las tonalidades y las armaduras pueden ser ligeramente
diferentes: una canción u otro tipo de composición tendrá una
armadura general pero puede contener más de una tonalidad.
Cuando esto ocurre se conoce como “modulación”. Las
canciones pop y rock, sobre todo, contienen modulaciones muy sencillas, un recurso habitual de la composición para aumentar la
expectación. Figuran en la estrofa final de muchos éxitos, y
Tabla de acordes de las tonalidades
pueden llegar a ser bastante cursis cuando se hacen de manera
obvia, pero cuando se despliegan bien resultan eficaces.
Por ejemplo, podrías tener una progresión típica de E, B, D y A
(en la tonalidad de Mi mayor). Una tercera estrofa o sección que
tenga F#, C#, E y B representaría un giro típico del pop-rock para modular toda la pieza un tono entero.
033
Armonía y melodía
Arpegiar acordescon púa“Arpegio" es una palabra rebuscada para un concepto sencillo: se refiere a tocar las notas de un acorde
siguiendo una secuencia en lugar de que suenen todas a la vez.
Arpegiar acordes en las partes rítmicas es una buena manera de
añadir contraste y dinámica a tu música. Son geniales para pasajes
anticipatorios que desembocan en esos estribillos de “puño en
alto”, con quintas vacías (power chords), o para estilos de música
que no lucen con la característica de “pregunta-respuesta” que
tienen los acordes seguidos de licks.
Así, aparecen muchísimo en estilos pospunk y pop, donde los
efectos de delay y modulación (como los usó Andy Summers en
“Message in a Bottle", de The Police) les ayudan a distanciarse más
de los sonidos del rock tradicional. Mientras tanto, mezclar acordes
arpegiados con acordes rasgueados es característico del punteo
del pop tranquilo, a menudo con un sonido de Telecaster o
Rickenbacker.
Aunque son muy comunes en los guitarristas que tocan
sin púa, los arpegios también son una gran herramienta para tu
mano derecha, porque pueden tocarse suave y uniformemente
hacia abajo, y también te permiten apagarlos (los arpegios
apagados con distorsión saturada son una de las características preferidas del metal). Pensar en los arpegios también puede
ayudarte mucho en los pasajes de guitarra solista. Pero, en términos generales de composición, los ejercicios que aparecen a
ARPEGIAR ACORDES COMPLEJOSIntenta no caer en la tentación de arpegiar los acordes en los que es difícil pisar la cejilla como sustituto de practicar cambios de tiempo con ellos.
EJERCICIO IUna progresión sencilla de F#5/G#5/A5 con un patrón de punteo arpegiado en un estilo fluido de los ochenta.
034
Andy SummersEn el éxito de The Police “Every Breath You
Take", el guitarrista Summers teje un decorado rico, arpegiando voicings de acordes
y creando un sonido inolvidable.
continuación te ciarán una visión de cómo los riffs también derivan de ellos.
Una vez que hayas arpegiado algunos acordes con cejilla de las páginas 30 y 31, verás que añadir notas de paso de las escalas fuera de los acordes arpegiados no está tan lejos. Podrás centrarte en conseguir un Intervalo Interesante que pueda ser la base de un riff completamente nuevo.
EJERCICIO IIUn arpegio espectacular que puntea notas de F#m, D y B.
035
Armonía y melodía
Punteo barrido(sweep-picking)En la página 27 hemos visto que el punteo alternado (y el rasgueo) aumenta el número de notas que tu mano
derecha puede tocar en un intervalo de tiempo. El barrido o sweep-picking se basa en esa técnica y es el secreto
de las rapidísimas salvas que disparan guitarristas como Kerry King, de Slayer.
Es una técnica avanzada que incluimos aquí porque suele usarse
en tándem con los arpegios. No te preocupes si te da la sensación
de que no la vas a dominar rápido: puedes volver a esta técnica
cuando estés preparado.
PISAR LAS CUERDASLa técnica de la mano izquierda tiene que estar equilibrada: ésta no es una técnica de blues o de guitarra rítmica que incluya apagado de las cuerdas ni otras contorsiones de los dedos que necesiten un cambio en la posición de la mano izquierda. Así que mantén una presión uniforme desde el pulgar detrás del mástil, ya que los siguientes ejercicios requieren una cierta precisión.
Mientras que el punteo alternado puede aplicarse a cualquier
combinación de notas, para el barrido es necesario tener en mente
un patrón de mano izquierda concreto, y aunque se describe como
una técnica de punteo, también implica una coordinación precisa
con la mano izquierda. Sin embargo, te permitirá moverte de cuerda
en cuerda muy rápidamente. Por eso por lo general se usa para
arpegios, ya que cuantas menos notas haya en cada cuerda individual mejor efecto produce.
En los siguientes ejercicios te darás cuenta de que el punteo
está organizado de manera que un número impar de golpes en
cada cuerda te lleva en la misma dirección en la que has empezado
la frase, y con un número par inviertes la dirección: empiézalos
hacia arriba. Cuando hagas sweep-picking puedes encontrarte con
que quieres acelerar al llegar a una parte de barrido en
contraposición a las partes de punteo alternado: asegúrate de
mantener el tempo uniforme en todo momento. La página 132 te enseñará cómo Incorporar el barrido con una técnica sencilla de
tapping de mano derecha.
036
EJERCICIO IUn arpegio de Amaj7 en un patrón para barrido.
Armonía y melodía
Joe SatrianiSatriani ha ampliado su carrera de solista tocando con músicos como Alice
Cooper, Mick Jagger, Deep Purple y Chickenfoot. “Satch” es un virtuoso guitarrista de rock y un maestro en las técnicas de velocidad como el punteo
alternado rápido y el barrido.
EJERCICIO IIUn arpegio de Dmaj7: otro entrenamiento para tu mano izquierda.
EJERCICIO IIIPatrón de punteo de Bmin7 que podría usarse en un solo.
037
Cómo tocar riffs
Gibson Les PaulMuchos grandes guitarristas, desde Jeff Beck hasta Slash y Billy Gibbons, tienen en su arsenal una Gibson Les Paul. Hoy en día, las Les Pauls auténticas de los años cincuenta son de las guitarras eléctricas más deseadas del mundo.
Los riffs han existido desde antes de lo
que te imaginas. Han sido un elemento de
la música clásica durante siglos. Los músicos
clásicos llaman a los riffs ostinato: una frase
repetida, normalmente de no más de un par de
compases. En la música rock, el riff es muchas veces la
parte más importante de la canción. ¿Te imaginas “Smoke
On The Water”, de Deep Purple, sin ese riff emblemático del
principio? Los riffs pueden tocarse tanto en registros
graves (la parte más baja del mástil de
la guitarra) como en registros agudos
(por encima del traste número 12).
Básicamente, cualquier figura corta
repetida es un riff.
Cómo tocar riffs
Riffsde una sola notaCuando estás aprendiendo a tocar, es importante, al menos de vez en cuando, producir con la guitarra algún
ruido agradable. Recompénsate con algunos de éstos, y te permitirán aguantar todas las horas de práctica de cambios rápidos de acordes o de cualquier otra técnica de las que al principio a todo el mundo le cuestan.
Los riffs de una sola nota te harán sonreír. Una vez que eres capaz
de pisar y puntear las notas suavemente y sin zumbidos, ya puedes
tocar riffs Intensos y emotivos que son estándares de las bandas
de garaje, y en este contexto sonarás tan bien como alguien que
lleva años tocando.Por supuesto que los riffs de una sola nota no son puramente
melódicos: tienen un contenido armónico cuando en el contexto de
un grupo se tocan con una línea de bajo. Prueba solo los
siguientes ejercicios, y luego con una grabación de una línea de
bajo (que para este propósito puedes tocar con tus seis
cuerdas), que consistirá en la nota base de cada acorde. Verás
que muchas veces los riffs clásicos usan notas de paso, por lo
general de la escala pentatónica o la menor de blues.
"¡Que no te dé miedo liarla! Una de las claves del aprendizaje
es equivocarse... Si no te estás equivocando, seguramente
no te estás divirtiendo mucho."Robben Ford sobre aprender a tocar la guitarra
EJERCICIO IEste riff de rock clásico sobre E5 puede construirse con la pentatónica. Intenta conseguir
un hammer-on y un bend de cuarto de tono precisos (ver página 55).
Jimmy PageJimmy Page, uno de los guitarristas más influyentes del rock ‘n’ roll,
fue miembro fundador de Led Zeppelin, y anteriormente miembro de The Yardbirds. Fue uno de los primeros guitarristas que ayudó a
popularizar el uso del apoyo electrónico y la distorsión con la fuzzbox Roger Mayer. Como productor, compositor y guitarrista de Led Zeppelin,
Page se convirtió en una de las fuerzas impulsoras del sonido rock de aquella época. Con su sello personal, definido por una Gibson Les
Paul y un ampli Marshall, y su uso de la distorsión borrosa de la guitarra (como se escucha en “Whole Lotta Love"), Page hizo de Led
Zeppelin un prototipo para los grupos de rock futuros.
EJERCICIO IIUn riff sencillo en Re mayor. La pista de CD te indicará el tiempo.
EJERCICIO IIIUn riff caprichoso en Do mayor que puede tocarse sobre los acordes Am, G, D o C (ver página 175).
041
Cómo tocar riffs
Riffs con doblescuerdasA grandes rasgos, una doble cuerda es simplemente dos notas tocadas a la vez, o muy juntas. En los solos
de la página 99 veremos algunos de sus usos. Las frases a doble cuerda son ideales para los riffs, porque
pueden usarse para sugerir los acordes, manteniendo así el centro tonal establecido en los riffs que constan
de una nota.
Tocar dobles cuerdas también es ideal para las veces en que la
guitarra no es el instrumento principal (por ejemplo, mientras el
cantante se desmelena en medio de una estrofa), pero aun así
quieres contribuir con algo más imaginativo que repetir los acordes
que suenan por debajo.Armónicamente, las dobles cuerdas pueden usarse para dar
énfasis a los intervalos concretos de una progresión de acordes.
Usando la información de las páginas 32 y 33, verás que el carácter
de los acordes construidos sobre los intervalos de las escalas
mayores o menores de cualquier tonalidad está influenciado por los
intervalos que los forman.Por convención, en tab y composición musical, los números
arábigos (1,2,3, etc.) indican la nota de la escala; los números
romanos (I, IV, V, etc.) indican los acordes que se construyen sobre
cada nota. Tocar cualquier acorde de cualquier tonalidad mayor o
menor significa tocar su tonalidad, en la que, por ejemplo, el
segundo acorde siempre es menor, etc. SI tienes alguna duda sobre
esto mira el cuadro de la página 33.
En los siguientes ejercicios verás cómo el intervalo de cada
doble cuerda ayuda a establecer el carácter de cada riff; más dulce
o más decidido, por ejemplo, dependiendo de si se usan la tercera
(que establece el modo mayor o menor) o la quinta (que por algo se
llama dominante).
042
EJERCICIO IUn riff a doble cuerda en Si. Se necesita un dedo meñique fuerte para el slide del segundo compás.
Cómo tocar riffs
Dobles cuerdasEl efecto básico de tocar dobles cuerdas es hacer armonía con tus solos. Esta técnica la usaron muchos guitarras solistas en grupos de los cincuenta y sesenta. Chuck Berry, la leyenda del rock ‘n’ roll. fue un maestro de las dobles cuerdas: las usaba casi en cada canción, incluidos los clásicos del rock n’ roll “Johnny Be Goode” y “Roll Over Beethoven”.
Chuck BerryNo hay ninguna duda de que “Maybellene”, de Chuck Berry, que combina la música country y el blues con letras dirigidas a adolescentes y unos buenos solos de guitarra eléctrica, fue uno de los primeros grandes ejemplos de la forma rock ‘n’ roll.
EJERCICIO IIUn riff de sonido clásico construido con quintas vacías y con cambio de menor a mayor. Requiere un apagado cuidadoso.
043
Cómo tocar riffs
Riffsde quintas vaciasLos acordes con cejilla producen un color sorprendente en el sonido (demasiado en algunos casos, sobre todo
cuando la música pretende tomar un tono tan valiente y decisivo como mucha de la música rock). Si buscas una
declaración de intenciones convincente y estridente, los riffs de quintas vacías son lo tuyo.
Lo especial de las quintas vacías no son las notas que contienen,
sino las que no están. Al no tener tercera, no son ni mayores ni
menores, sino que contienen sólo la tónica y la dominante, que
juntas forman una declaración de intenciones del rock ‘n’ roll.
Las siguientes maneras de tocar quintas vacías te dan
disposiciones de acordes móviles que son la base de muchos
riffs. Como no hay tensiones armónicas que resolver, en una pieza dominada por las quintas vacías puedes cambiar
rápidamente de tono. Las digitaciones en las que participan
el primer dedo o el primero y el tercero, son formas diadas
(de dos notas) fáciles que permiten una movilidad máxima
a lo largo del mástil.Por ello, los riffs de quintas vacías han sido los favoritos
de grupos con una sola guitarra, como Led Zeppelin y Black
Sabbath. Aportan una base sólida para los pasajes a solo que se
intercalan, e incluso aparecen en los propios solos.
QUINTAS VACÍASLas quintas vacías son más flexibles que los acordes de cejilla cuando se usan con una cuerda al aire como nota pedal, como se indica en el segundo ejercicio, abajo. Responden bien al overdrive y la distorsión, mientras que muchas veces un acorde con tercera puede resultar sucio y disonante, debido a los armónicos de más que generan los efectos.
044
EJERCICIO IUn riff estridente de quintas vacías que usa el inesperado F5 en el tercer compás (construido sobre la sexta menor de la tonalidad) para generar interés.
Cómo tocar riffs
El poder de las quintas vacíasLas proporciones simples entre los armónicos de las notas de una quinta vacía le dan el sonido poderoso y rotundo que se popularizó con los primeros grupos de heavy metal, como Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple. Sin embargo, la canción de 1964 “You Really Got Me”, de The Kinks, construida alrededor de las quintas vacías, se convirtió en un éxito, demostrando con claridad que los cambios rápidos de acordes serían típicos en los riffs de rock duro.
Tony lommiDicen que el heavy metal no existiría sin Tony lommi. Con el grupo rompedor de heavy metal Black Sabbath, sus atrevidos riffs de guitarra y sus increíbles solos han definido el género.
EJERCICIO IIEste riff usa novenas para conseguir un giro contemporáneo en los riffs de quintas vacías. A pesar de estas notas de color, los acordes sin tercera siguen siendo ambiguos dentro de la tonalidad.
045
Cómo tocar riffs
Riffs de acordescon cejillaReconocerás de inmediato los riffs de acordes con cejilla como una característica de las baladas del rock, o
como la inspiración más decisiva de las melodías del punk clásico y el pospunk. No obstante, se requiere
práctica para llegar a dominar las secuencias y los acordes con cejilla. No es fácil deslizar sin zumbidos el primer dedo con la cejilla hacia arriba y hacia abajo del mástil. Tocarás más limpio y a tiempo si sigues los siguientes
pasos con una serie de acordes con cejilla: pisa las notas en staccato, apagándolas levantando a la vez todos
los dedos de los trastes, desliza la mano izquierda sobre las cuerdas mientras las apagas, y finalmente pisa de
nuevo a tiempo con el rasgueo de tu mano derecha en el primer tiempo en el que aparezca el siguiente acorde.
Los siguientes riffs se construyen a partir de los acordes
que aparecen en las páginas 24 y 25. Si comparas los intervalos de estos acordes con las notas de las escalas mayores y menores que aparecen en las páginas 22 y 23,
empezando en cualquier fundamental, verás que además de
la tónica, también contienen la tercera mayor o menor, junto
con la dominante. En el siguiente ejercicio, el uso del segundo
y el tercer acorde de la escala añade un elemento reflexivo,
mientras que el quinto cumple su función de dominante, que
es guiar al oído hacia el retorno al acorde de tónica. Como
utilizan todas las cuerdas, los acordes con cejilla crean un amplio
046
De manera similar, te darás cuenta de que un buen nivel de
coordinación rítmica entre la mano derecha y la mano izquierda
beneficia tu manera de tocar. Muchos instrumentistas mantienen un movimiento rítmico “fantasma” para marcar el tiempo: mantienen
la acción de su mano derecha sin que la púa toque las cuerdas.
Esta técnica no sólo te mantendrá a tiempo, sino que te permitirá
hacer una serie de golpes rítmicos apagados hacia arriba y hacia
abajo, sin pisar ¡as cuerdas, que pueden ayudar a sincopar un
pasaje de música acentuando determinados tiempos del compás.
(En este libro las marcamos en el tab con líneas de cruces
verticales en las seis cuerdas.)
EJERCICIO IEl acorde de Re mayor (D) construido sobre la tercera menor de la escala (Si) le da a este riff movido su sabor punky.
El apagado con la mano derecha mantendrá los acordes en staccato.
Cómo tocar riffs
Steve JonesSteve Jones, el guitarrista de los Sex Pistols, que también
tocó con Thin Lizzy, Joan Jett, Bob Dylan, Iggy Pop y Megadeth, ha sido alabado por su manera de tocar precisa
e impecable. El único álbum de estudio que los Pistols lanzaron oficialmente se considera una de las grandes
grabaciones del rock de todos los tiempos, y los riffs memorables de la guitarra de Jones colorearon muchos
himnos del punk clásico, como “Anarchy in the U.K.”, “God Save the Queen" y “Pretty Vacant".
espectro sonoro de notas, desde los graves hasta los agudos, que abarca tres octavas.
En las tonalidades de Mi y La, cómodas para la guitarra (también puedes usar un capo o una afinación alternativa), la punta del dedo índice debería cubrir la nota tónica de la cuerda más grave, y puede usarse una cuerda al aire como nota pedal alrededor de la cual giran los acordes con cejilla.
EJERCICIO IIUn riff new wave movido sobre dos ciclos (ver página 175). La progresión I-V-VI-IV reafirma la quinta al final de la segunda mitad.
047
Cómo tocar riffs
Inversionesde acordesComo ya hemos visto en la página 30, las diferentes posiciones en las que puede tocarse el mismo acorde
se llaman “voicings”. Algunos voicings se conocen como “inversiones”. Ocurren cuando las notas de la escala
de la que deriva el acorde se tocan en un orden diferente del habitual, que sería de más grave a más agudo
(o de más agudo a más grave si es un rasgueo hacia arriba), dándole al acorde un bajo diferente de la tónica.
Las inversiones se aplican convencionalmente a los acordes tríadas
(la primera, tercera y quinta notas de la escala). Las tríadas
mayores y menores abarcan una quinta justa: es la tercera, la nota
del medio, la que define el modo. Si subes la tónica una octava, te resulta la primera inversión, con la tercera en el bajo. Si subes la
tercera una octava te queda la quinta en el bajo: es la segunda
inversión. Si vuelves a repetirlo, vuelves a la tríada en la posición
inicial, una octava más arriba.
Si bien algunos guitarristas, como Alan Holdsworth, son
conocidos por su admirable extensión de dedos, la mano humana
típica tiene una extensión limitada a lo largo del mástil. Invertir los
riffs de la misma manera que las tríadas puede ser una manera de
incluir notas del acorde y añadir la sensación armónica que dan,
mientras que una extensión de dedos o una forma de acorde
PISTA 15
imposible lo harían inviable. Las inversiones también introducen un
sensación de movimiento diferente (porque tienen una línea de bajo
diferente, al no ser la tónica la base) de la que provocarían las notas
tocadas con el voicing convencional, en orden de altura.
TU OBJETIVOAunque el mástil no sea lineal como un teclado, a largo plazo tu objetivo debería ser familiarizarte con las posiciones de todas las notas a lo largo de él, y a lo largo de todas las cuerdas en la afinación estándar (o la que más se usa). Los ejercicios de arpegiado son una muy buena manera de trabajarlo.
EJERCICIO ILos acordes invertidos (C6/9 y G9) que se muestran abajo añaden un punto expansivo y una línea de bajo descendente.
048
Cómo tocar riffs
Malcolm YoungMalcolm Young es el cofundador y guitarrista rítmico del grupo
australiano de rock duro AC/DC. Él y su hermano Angus fundaron AC/DC en 1973. Influenciados por el rock ‘n’ roll de
los años cincuenta y por los guitarristas de rock de los sesenta y setenta que venían del blues, se le considera un exponente
de la guitarra rítmica en el rock. Su manera de tocar económica, su ritmo y sus composiciones basadas en riffs han sido
influencias muy importantes en los fenómenos posterioresdel rock.
Los acordes con cejilla con la fundamental en la cuerda La, junto con los voicings de acordes, como las Inversiones que a menudo requieren apagar una cuerda del medio, necesitan práctica. Levantar los dedos de los trastes manteniéndolos en contacto con las cuerdas te permite moverte suavemente entre cuerdas.
EJERCICIO IILa primera Inversión del acorde de Do mayor en el siguiente riff da una transición fácil desde el bb
5 anterior.
049
Cómo tocar riffs
Riffs rápidosy radicalesTocar la guitarra metal superrápido puede ser el sello de grupos de hoy como Dragonforce y Trivium, pero tiene
más historia todavía. Desde la explosión del punk, los músicos han trabajado para fusionar esa energía y velocidad
con la musicalidad del metal. Desde entonces, los sistemas de trémolo superprecisos y los sonidos de distorsión saturados con mucho gain han hecho que algunas técnicas de solos sean más fáciles de tocar de manera fluida. Las técnicas actuales de legato neoclásico y tempos superrápidos muchas veces suenan como si Randy Rhoads
y Rat Scabes (batería de los legendarios punks The Damned) estuvieran tocando en el mismo grupo.
Hay trucos y trampas que hacen que tocar riffs superrápido sea
más fácil de lo que parece. Fíjate en el calibre de tus cuerdas:
en cuanto al sonido, es mejor cuanto más grueso, pero las 0,9 son más fáciles de pisar. Las partes rítmicas y los riffs pueden
implicar que tengas que puntear intervalos de dos notas o
tres como mucho: si no, está justificado que los simplifiques.Es Importante para todo, pero en especial para este estilo,
que empieces a practicar lento y que subas gradualmente el
metrónomo hasta el tempo deseado. Cuanto más rápido
toques, más grande es la tentación de saltarte las digitaciones
que te resulten más difíciles, como si los atajos no fueran a escucharse el día que toques en público. Si no consigues
establecer la armonía que quieres, se notará en la calidad
de tu actuación, tanto si dura sólo unos segundos como
si dura más.
TOCAR RÁPIDOCuando se trata de tocar rápido, menos es más, porque se requiere una técnica precisa de mano derecha para mantener el tiempo en los patrones frenéticos de semicorcheas de los baterías que usan doble bombo, por ejemplo.
050
Cómo tocar riffs
Fast Eddie ClarkeFue el guitarrista
destacado de Motórhead entre 1976 y 1982, y
ayudó a escribir docenas de clásicos del grupo. Se
ha dicho que Ace of
Spades es "uno de los mejores álbumes de
metal jamás publicados por un grupo”, tanto que ha llegado a ser todo un
clásico del rock duro.Este álbum, y en
particular el tema que le da titulo (todo un himno
de Motorhead) se cuenta entre los más
determinantes en el desarrollo del thrash
metal.
Añade saturación a los siguientes ejercicios y fíjate en cómo
pueden combinarse las líneas de una sola nota con quintas vacías.
Así es más fácil moverse rápidamente al acorde siguiente que con una serie de cambios de acordes, y aun así estás sugiriendo la
armonía implícita. Toma nota de cómo tocar rápido te lleva a usar líneas cromáticas (de semitono) y notas de paso (notas con un
valor de tiempo muy corto) de fuera de la tonalidad.
EJERCICIO IIMuchas canciones contrastan un estribillo sólido de quintas vacías con una estrofa que consiste en acordes mayores o menores
o ambos, y viceversa, como en el siguiente ejercicio. Toca la segunda mitad en ritmo de shuffle (ver página 76).
051
Cómo tocar solosEn la época del swing de los años treinta y cuarenta, el
guitarrista sólo tenía que tocar el ritmo: eran los vientos los
que hacían los solos y asumían todo el protagonismo. Sin
embargo, con el uso cada vez más extendido de la pastilla
magnética, los guitarristas pudieron amplificar sus guitarras
semiacústicas y al fin competir con los vientos por los
solos. Charlie Christian fue uno de los primeros guitarristas
que usó esta nueva tecnología; lo liberó de las ataduras de
ser un instrumentista meramente rítmico y le permitió tocar
líneas de solo que se podían oír por encima de una big band al
completo.
En resumidas cuentas, un solo es un pasaje de guitarra
solista, en general de contenido melódico, pero (con dobles cuerdas
y otros intervalos) a veces también armónico. A efectos del siguiente
capítulo, supondremos que tienes pensado tocar solos con un grupo, o
en una grabación de un grupo.
Fender StratocasterOriginalmente, las tres pastillas de bobina simple de la Strat seleccionaban el output con un interruptor triple. Pronto los guitarristas descubrieron que colocar el interruptor entre la primera y la segunda posición seleccionaba la pastilla del puente y la del centro, y que si lo ponían entre la segunda y la tercera seleccionaban la del centro y la del mástil. El sonido de las pastillas del centro y el puente fue popularizado por David Gilmour, Mark Knopfler, Bob Dylan y Eric Clapton.
Cómo tocar solos
Hammer-on ypull-off
Junto con los bendings y el vibrato, los hammer-ons y pull-offs son parte de la trinidad de las técnicas esenciales
de guitarra solista que todo instrumentista debe saber. Son métodos para generar una nota con una sola cuerda
sin usar la mano derecha, y requieren un primer y tercer dedo fuertes. Cuando se tocan pasajes rápidos, es difícil pisar limpiamente cada nota, e incluso los buenos instrumentistas admitirán que hay que ser muy, muy bueno
para ejecutar pasajes rápidos y limpios punteando cada una de las notas. El hammer-on y el pull-off te permitirán
completar las líneas sin puntear cada nota y te darán un toque fluido y legato (suave).
Los hammer-ons y pull-offs son Imágenes simétricas de la misma
técnica. En ambos casos, se usa el primer dedo de la mano
izquierda como punto de anclaje.
Hammer-on: pulsa una nota en el primer traste de cualquier cuerda
(Sol, Si o Mi serán más fáciles). Sin puntearla de nuevo, pisa la
nota superior bajando firmemente otro dedo (por ejemplo, el
tercero). La nota superior debería mantenerse debido al Impacto de
tu dedo justo detrás del traste.
Pull-off: es prácticamente el movimiento contrario, sólo que en
lugar de quitar el tercer dedo, debes puntear la cuerda ligeramente
hacia abajo a la vez que apartas el dedo del traste superior, de
manera que suene la nota que estaba pisando tu índice.Los hammer-ons y pull-offs se ejecutan Individualmente en
frases melódicas, mientras que repetir estas acciones se llama
"trino”, un truco muy usado por los guitarristas para generar una
sensación de expectación. Puedes hacer hammer-ons con el
segundo, tercer o cuarto dedo, es decir que puedes aplicar esta
técnica a Intervalos amplios (más amplios todavía si los combinas
con las técnicas de tapping que veremos en la página 132).
Los hammer-ons y pull-offs pueden conseguirse en cualquier parte
del mástil, pero si al principio practicas en la parte alta, las notas
quedarán más definidas. Intenta poner el máximo peso posible en
tu tercer dedo mientras mantienes la precisión. SI añades vibrato
(ver página 58) a una nota con hammer-on, se mantendrá mucho
más.
054
Cómo tocar solos
"El hecho de que te sepas mil millones de escalas no significa que
tengas que usarlas todas en un solo."Kirk Hammett (Metallica)
En cualquier caso y a cualquier velocidad, practica mantener el hammer-ons y pull-offs en frases individuales de líneas de solo,
tempo uniforme entre notas punteadas, hammer-ons y pull-offs, ya
sea tocando tresillos (ver página 101), corcheas y semicorcheas, o
String Bendsy slidesEstirar (bend en inglés) las cuerdas forma parte del alma de la guitarra de blues. A medida que en la música
swing y el blues acústico (del Delta) la guitarra dejaba de ser el instrumento rítmico que repetía patrones, los
instrumentistas empezaron a emular las líneas principales de los instrumentos de viento. Las trompetas, cornetas, clarinetes y saxofones son instrumentos conocidos por sus suaves efectos de glissando, en los que
una nota se desliza hasta la siguiente. Fíjate en los compases iniciales de “Rhapsody in Blue”, de Gershwin,
o en los solos de saxo tenor del be-bop de John Coltrane. Éstos son los sonidos que influenciaron a los primeros guitarristas solistas del blues eléctrico.
Si quieres dominar estas herramientas tan expresivas y hacer un buen uso de ellas, debes aprender dos aspectos: la técnica y la
valoración. No deberías usar de manera indiscriminada los string
bends. Si un solo no suena bien, suponiendo que se esté tocando
fluido, es posible que sea porque el bend está oscureciendo la
armonía en lugar de resaltarla, y esté introduciendo una nota
estridente o indeseable.
Con Independencia de si tocas con un sonido limpio o sucio,
practica el sliding tan uniformemente como puedas a cualquier
velocidad, aunque es probable que en un solo los slides propiamente dichos (aunque no necesariamente las notas que
ayudan a mantener) no duren más de un par de pulsaciones.
La mayoría son rápidos e impactantes, ya sean ascendentes
o descendentes. Los slides lucen todo su potencial cuando,
Igual que en los hammer-ons, los usas para hacer sonar la
segunda nota sin puntear, sosteniéndola con la presión del
dedo cuando se para sobre el traste, y cuando además aplicas vibrato.
055
Cómo tocar solos
primero y tercero para deslizarse entre las notas de una misma cuerda.
SLIDE IIEn un solo de blues, un slide ascendente es toda una declaración
de intenciones (usado a menudo por instrumentistas como B. B.
King): puntea con suavidad la primera nota, resaltando la segunda
con la presión del dedo al pararse. Si usas el primer dedo para un
slide, tienes libertad para abrirte desde la primera nota con los
otros tres, con hammer-ons, pull-offs o punteado en diferentes intervalos.
STRING BENDSPor otra parte, el bending es un recurso que dio a los teclistas
suficiente envidia como para que se inventaran la rueda de pitch.
Desde la técnica sutil de los bends de cuarto de tono hasta los
intervalos más amplios para conseguir sonidos estrambóticos, los
bends te llevarán a tocar a otro nivel. Los bends habituales, a
parte del bend suave de cuarto de tono, incluyen el de medio tono, el de tono entero y el de tono y medio. Por ejemplo, en la
tonalidad de La mayor, puedes hacer un bend desde Fa#, la sexta, medio tono hacia arriba hasta la b7, o un tono y medio hasta la
octava. Por otro lado, puede hacerse un bend de Mi (la quinta de
La, se encuentra un tono más abajo que Fa#) de un tono y medio hacia arriba hasta la b7. (Ver String bend I.)
Los bends de tercera menor son una característica del blues-rock, y aparecen en el String bend II.
056
SLIDE ILos slides y bends producen un sonido de glissando similar, pero
son técnicas muy diferentes. Por lo general se usan los dedos
Cómo tocar solos
El instrumentista consciente de la armonía sólo hará bends en las notas que refuercen y resalten el sentido de la música: esta
habilidad se adquiere con la práctica. También verás que desarrollas
el sentido de hacer bends descendentes en las notas pisadas,
desde su Intervalo estirado hasta su posición normal, comenzando
con un sonido apagado.
Exceptuando las cuerdas MI agudo y grave, las demás pueden
estirarse hacia arriba o hacia abajo. Tu primer dedo tiene que tener suficiente fuerza para los bends más pequeños como los de cuarto
de tono o medio tono. Para los bends más anchos, usa el tercer dedo para que si es necesario puedas reforzarlo con los otros dos:
el objetivo es evitar que la cuerda se te escape de debajo de la
punta del dedo, produciendo un sonido que ningún guitarrista (ni
público) querría escuchar. La ventaja de usar el tercer dedo es que
una vez que has soltado el bend a la posición normal te permite
ejecutar un pull-off cromático o de tono entero.
STRING BEND ILicks de pentatónica menor sobre un vamp de acorde de tónica. Concéntrate en conseguir bends
precisos que no queden ni altos ni bajos de afinación.
STRING BEND IIEn cada compás del siguiente riff hay siete pulsaciones. Cuenta
cada compás de 7/4 como un compás de 4/4 seguido de uno de
3/4. Recuerda a uno de los elegantes riffs de Pink Floyd.
Ocasionalmente, el bend se usa sobre la tercera menor.
057
Cómo tocar solos
VibratoIgual que los string bends y los slides, el vibrato es una técnica que requiere dedos firmes. El objetivo es añadir
color, interés y profundidad a las líneas de solo. Cuando estés familiarizado con las técnicas de vibrato, te
sorprenderás de lo plano que puede resultar tu sonido sin él, y llegarás a usarlo sin pensarlo, en especial en las
notas finales de los solos o de las frases.
El vibrato es una oscilación en la nota. Esta técnica hace vibrar la nota de manera perceptible para enriquecer el sonido. Con la práctica
y el consiguiente desarrollo de la fuerza de tus dedos, llegarás a
controlar por completo su frecuencia y profundidad. La nota pisada se
mueve hacia arriba y hacia abajo, al contrario que en la guitarra
acústica con cuerdas de nailon, que se mueve de lado a lado.
El vibrato suave se consigue con un movimiento circular de los
dedos, rotando la muñeca en círculos pequeños, de manera que la
punta del dedo se mueva hacia arriba y hacia abajo con un poco
más de impulso que si únicamente estuvieras usando la fuerza de
los dedos, y de forma más fluida que si tuvieras los dedos anclados
y sólo movieras la muñeca.
Por otro lado, el vibrato rápido de B. B. King deriva del
movimiento de la mano entera, mientras que Eric Clapton fue
pionero del vibrato “freehand”, en el que solamente está en
contacto con la guitarra la punta del dedo de la mano izquierda.
EJERCICIO IUna línea sencilla en la escala de MI menor con mucho espacio
para que alargues el vibrato.
PARA EVITAR RESBALARMantente dentro de los límites de tu extensión de dedos (que aumentará con la práctica) para evitar que la cuerda se te resbale de debajo de los dedos. Las cuerdas de calibre fino son más fáciles de estirar, pero pueden sacrificar un poco de sonido comparadas con las de calibre más grueso.
"Puedo hacer perfectamente el vibrato de mano de toda la vida,
pero me gusta atacar las cuerdas."Ritchie Blackmore (Deep Purple)
058
Cómo tocar solos
Eric ClaptonClapton fue guitarrista principal de Yardbirds y Cream, por mencionar sólo dos, su uso del vibrato abarca desde un estiramiento tenso hasta un nivel apenas audible. Muchas veces coloca un vibrato en la llegada de un bend de tono entero, lo cual es una manera genial (aunque difícil de dominar) de añadir tensión al sonido.
EJERCICIO IIAñade un vibrato uniforme a cada nota de estos arpegios. Puedes usar vibrato en dos notas, en tres e incluso en acordes más llenos.
LA PALANCAEs el nombre correcto del brazo de trémolo, trem o sistema de trémolo, sobrenombres que derivan de un uso equivocado del término por parte de Leo Fender, pero que se usan tanto que son equivalentes. El efecto que produce es el vibrato, un cambio en la afinación. Si hablamos con corrección, el trémolo es un cambio en el volumen. Las palancas permiten que la afinación vaya tanto hacia abajo como hacia arriba.
Dejando a un lado los trems vintage como el Bigsby, es más probable que te encuentres variaciones del sistema de vibrato Stratocaster estándar o del Floyd Rose (o Kahler). El primero es genial para las oscilaciones más pequeñas, pero tendrá problemas de afinación en los estilos “dive-bombing” (bestias) del metal (distensión extrema de las cuerdas), que los dos últimos sistemas son capaces de conseguir sin desafinarse.
059
Cómo tocar solos
Las escalas pentatónicamenor y menor de bluesLa escala pentatónica menor es una de las escalas más importantes en la música rock. Puesto que es una
escala menor, encaja perfectamente sobre acordes menores. Sin embargo, muchos instrumentistas fuerzan la
escala también sobre acordes mayores y de dominante. La escala menor de blues añade una nota adicional a la
pentatónica menor: la b5. Este intervalo es el que le da la sonoridad oscura y amenazante, tan importante en los
riffs de heavy metal (como los de Black Sabbath o Megadeth). y la nota adicional hace que los patrones rápidos
de tres notas por cuerda resulten más fáciles.
Aquí vemos dos patrones para ambas escalas: el abierto y
el móvil. Los patrones abiertos sólo pueden tocarse en una
posición; un patrón móvil, como su nombre indica, puede
tocarse en cualquier parte del mástil. Aquí mostramos cinco
posiciones de cada escala.
ESCALA PENTATÓNICA MENOREl primer ejemplo es la escala pentatónica menor de Mi en
posición abierta. Empieza en la nota más grave de la guitarra (la sexta cuerda al aire) y sube dos octavas hasta el tercer
traste de la primera cuerda. En las figuras, a la izquierda,
las “o" rojas indican las cuerdas al aire que hay que tocar.
Todos tenemos ídolos. Toca
como cualquiera que te guste,
pero intenta seguir siendo tú
mismo.B.B. King
El segundo ejemplo es la pentatónica menor de La, donde la nota
más grave es la del quinto traste de la sexta cuerda. Hay cinco
posiciones de escalas (ver página 62).
060
ESCALA MENOR DE BLUESLa escala menor de blues es en esencia la pentatónica menor con
una nota añadida. El patrón abierto de dos octavas añade una nota
extra en las cuerdas quinta y tercera. Asegúrate de que usas el
patrón de digitación indicado.
Cómo tocar solos
Aquí, el patrón de escala menor de blues de La se muestra
empezando por la nota del quinto traste de la sexta cuerda. Igual
que la escala pentatónica menor de La, aquí también hay cinco
posiciones de escalas.
B.B. King toca una variación de la escala de blues. King tiene una técnica de vibrato especial: la única parte de su mano izquierda que está en contacto con la guitarra es el dedo que hace el vibrato.
061
Cómo tocar solos
Licks y patrones con lapentatónica menorIgual que para los otros tipos de escala, hay cinco patrones de la escala pentatónica menor. Aquí los tienes, con
las posiciones de la tónica indicadas (la nota fundamental). Prueba los patrones desde la fundamental que
quieras (o desde cualquier nota de la escala, siempre y cuando seas consciente de dónde está la fundamental),
y comprueba cuán rápido eres capaz de nombrar las notas que estás tocando, teniendo en cuenta que la
fórmula de la escala es: 1-β3-4-5-β7-Octava.
En las páginas 66 y 67 veremos cómo pueden aplicarse
teóricamente estos patrones de escala a cualquier progresión de
acordes en cualquier tonalidad. La idea, por supuesto, no es
solamente tocar estas escalas sin pensar, sólo porque suenan bien
(aunque tampoco está mal que lo hagas). Las escalas son sólo la manera que tenemos de diferenciar lo que está dentro de la
tonalidad de lo que no. Los licks con gracia se encuentran en
fragmentos de acordes y están muy relacionados con la progresión
de acordes que se encuentra debajo, con la repetición, los unísonos,
los bends, el fraseo y el carácter: son los temas que trataremos en
este capítulo.
En la página siguiente hay dos ejercicios que representan unas
cuantas maneras de añadir interés incluso a licks simples de
pentatónica menor, con los cambios de acordes indicados. Aquí se
incluyen los cambios rítmicos (de valor), la adición de notas de la
escala de blues y de líneas cromáticas, todos ellos efectos
conseguidos mediante punteo simple y bends mínimos.
062
Cómo tocar solos
EJERCICIO ILick sencillo de pentatónica menor usado como relleno en un vamp de A5.
“DESLIZAR” EL DEDO ÍNDICECuando toques o escribas licks, habrá veces que querrás tocar notas en el mismo traste en cuerdas contiguas: de Do en la cuerda Si a Sol en la cuerda Re, por ejemplo. Podrías pensar que sólo se trata de poner una cejilla con el primer dedo. SI lo intentas, las notas sonarán a la vez, y es probable que el resultado sea una actividad armónica caótica y sucia que no querías.
Para conseguir un efecto de glissando suave con una sola nota, pon la cejilla con la yema del primer dedo y deslízala, apagando las cuerdas que no quieres que suenen mientras pisas las que sí quieres. Requiere un poco de práctica pero lo encontrarás muy útil, sobre todo para el barrido (ver páginas 36 y 37).
EJERCICIO IILick sencillo de pentatónica menor usado contra un acorde de E7#9.
063
Cómo tocar solos
Las escalas pentatónicamayor y mayor de bluesDe la escala pentatónica mayor derivan las escalas pentatónica menor y menor de blues que aparecen en las
páginas 60 y 61. Dicho de manera sencilla, es la escala de cinco notas de cualquier escala mayor, de la misma
forma que la escala mayor que aparece en la página 22 es la heptatónica o escala de siete notas. En la tonalidad de Do mayor, por ejemplo, la pentatónica mayor consiste en las notas Do, Re, Mi, Sol y La.
La pentatónica menor puede tocarse contra los acordes de puede tocarse contra acordes mayores. Una manera de desarrollartonalidades menores, o también puede forzarse contra acordes tu comprensión de los solos de guitarra basados en el carácter esmayores y de dominante, mientras que la pentatónica mayor sólo alternar frases en las escalas pentatónicas menor y mayor.
"Tocar escalas es como cuando un boxeador salta a la cuerda o pega al
saco. No es la actividad en sí misma, sino una preparación para ella."Barney Kessel, guitarrista estadounidense de jazz
El primer ejemplo es la escala pentatónica mayor abierta sobre Sol. Sube dos octavas hasta el tercer traste de la primera cuerda. Los números de los puntos rojos y amarillos Indican qué dedos tocan las notas pisadas.
El segundo ejemplo es la escala pentatónica mayor de Do, en la que la nota más grave está en el octavo traste de ¡a sexta cuerda.
064
Cómo tocar solos
Duane EddyDuane Eddy, uno de los primeros guitar heroes,
introdujo el twang (un sonido de guitarra reverberante y con muchos graves) en el rock
‘n’ roll. Su manera de tocar única implicaba puntear melodías de una sola nota en las cuerdas graves.
La escala mayor de blues, mostrada aquí sobre Sol, es en esencia la pentatónica mayor con una tercera menor añadida
(β3). El patrón de dos octavas añade una nota extra en la quinta
y tercera cuerdas.
Aquí, el patrón de escala mayor de blues sobre Do se muestra empezando en el octavo traste de la sexta cuerda. Hay cinco
posiciones para cada escala mayor, pentatónica mayor y mayor de blues, igual que para sus relativos menores.
065
Cómo tocar solos
Licks y patrones con lapentatónica mayorIgual que para la menor, hay cinco patrones de escala de la pentatónica mayor. Las mostramos aquí debajo
indicando la posición de la tónica (nota fundamental). Igual que para las posiciones de la pentatónica menor, practica los patrones desde la fundamental que elijas (o desde cualquier nota de la escala, siempre y cuando
seas consciente de dónde está la fundamental), y comprueba cuán rápido eres capaz de nombrar las notas que estás tocando. La fórmula de la escala es: 1-2-3-5-6-0ctava.
En las páginas 68 y 69 abordamos la aplicación de estas escalas a
progresiones de acordes. Aquí se aplican los mismos comentarios
que hemos hecho sobre los relativos menores (ver páginas 60 y 61)
sobre el uso de las escalas en tus improvisaciones. Mientras que la
pentatónica menor puede tocarse sobre acordes de tónica menores, acordes de dominante (V) y acordes mayores, la pentatónica mayor,
además de poder tocarse sobre acordes mayores, también puede
tocarse sobre acordes de séptima de dominante, ya que en la
escala no hay séptima. Como no hay cuarta ni séptima, esta escala
es el comodín de los solos en tonalidades mayores.
Ten en cuenta la relación entre las escalas mayores y sus
relativos menores (ver páginas 32 y 33). Los patrones de
pentatónica mayor de la forma 1 son los mismos que los
de pentatónica menor de la forma 2, aunque las fundamentales
(y los intervalos construidos sobre ellas) sean diferentes.
066
Patrón de escala 2
Cómo tocar solos
Stevie Ray VaughanStevie Ray Vaughan, extraordinario
guitarrista, provocó prácticamente él solo el revival del blues en los años ochenta.
Inspirándose tanto del blues como del rock ‘n’ roll, y añadiéndole un poco de jazz, Vaughan desarrolló un estilo de tocar encendido y singularmente ecléctico.
PISTA 26/4
EJERCICIO ILick de pentatónica mayor en Si.
PISTA 27/1
EJERCICIO IILick de pentatónica mayor en Re.
067
Cómo tocar solos
El secreto de los licksy solos pulidosHemos dicho que las escalas son maneras de organizar el conocimiento y también herramientas para tocar. Dar con las notas y encontrar los intervalos que hagan vibrar a la gente es el santo grial de todo guitarrista, tanto si les va el punteo rápido del country twang como si son más de líneas solistas fluidas y brillantes. Así pues, ¿cómo se hace un solo o se logra una melodía tan buena como las que en su momento te dieron ganas de
empezar con la guitarra?
Podemos tocar las escalas hacia arriba y hacia abajo todo lo
que queramos, pero mientras no sepamos cómo aplicar esas
escalas a progresiones de acordes, no tendremos adonde ir.
Por suerte, hay un método para empezar con ello, tan directo
que casi es trampa.Un repaso: hemos visto que las escalas mayores están
relacionadas con sus relativos menores. Así, la escala mayor es relativa a la escala menor, la pentatónica mayor es relativa
a la pentatónica menor y la escala mayor de blues
(pentatónica con la tercera menor añadida) es la relativa
mayor de la escala menor de blues. Eso no quiere decir que
sólo puedas usar cada tipo de escala con su relativo, ni
mucho menos. Pero es útil saber cómo se relacionan en la
teoría. De aquí en adelante, siguiendo la denominación
convencional, diremos “pentatónica” para referirnos a la pentatónica mayor, y especificaremos “pentatónica menor”
cuando sea necesario.
Éstas son las cinco posiciones de la escala pentatónica:
068
Cómo tocar solos
Es una progresión de 16 compases bastante típica. Mira en la
tabla de acordes y verás que está en Re mayor.(No te preocupes si la progresión es más complicada.
Escuchando qué suena bien y qué no, irás desarrollando la habilidad
de oír y determinar el centro tonal, basándote en los acordes más
importantes. Las progresiones pueden contener también acordes
que no pertenecen a la tonalidad, que no deben confundirte. El
centro de la tonalidad puede deducirse de la mayoría de los acordes.)
El patrón 1 funcionará bien en Re mayor (10° traste, MI grave);
el patrón 2 funcionará en Mi (12° traste); el patrón 3 en Fa# (2o
traste); el patrón 4 en La (5o traste) y el patrón 5 en Si (7o traste):
son las notas de la pentatónica sobre Re.
Elige un patrón de escala (el que más te guste, o el que
quieras usar: al fin y al cabo esto es un arte y tiene que haber
lugar para la elección). Mirando la tabla, sigue la columna hacia arriba desde el patrón que hayas escogido hasta que se encuentre
con la tonalidad de tu canción o tu secuencia de acordes. Toca el patrón de manera que empiece en la tónica del acorde en el que
se encuentra con la tonalidad.
De manera que, para nuestra progresión de arriba,
supongamos que te gusta cómo suena el patrón 5. Comenzarías
el patrón en la nota Si.
Tabla de acordes y tonalidades
069
Se aplican las mismas fundamentales a la pentatónica menor y
a las escalas de blues. Supongamos que queremos hacer un solo
sobre esto:
Cómo tocar solos
Sobre lamodalidadCuando hayas experimentado unas cuantas veces con el método de las páginas anteriores, te darás cuenta
de que te abre la puerta a prácticamente todos los grandes licks de rock y blues de escalas mayores y
menores que vayas a necesitar.
Estas escalas también son responsables de la mayoría de los
sonidos que se escuchan en el rock clásico e incluso en el metal
(ver páginas 116 y 117 para otras escalas igual de buenas).
Te podrías pasar la vida explorándolas y no agotarías sus
posibilidades, lo cual es válido para casi todas las maneras de abordar la música. Mira que dice Slash, por ejemplo: “No uso un
montón de afinaciones raras porque todavía estoy intentando llegar
a tocar la guitarra tal como es”.Un modo puede crearse a partir de su patrón de escala o de su
acorde de tónica. El pensamiento modal abre un camino más para
abordar el mástil. Puedes analizar una progresión que ya exista en
términos modales para generar ideas nuevas con las que tocar
sobre ella, o también usar este nuevo punto de vista para sugerir
partes nuevas para la canción que estés escribiendo. La humilde
escala mayor (ver páginas 22 y 23) es la base de los modos que
suelen escucharse en el rock. Los estribillos mixolidios
seguramente sonarán potentes y memorables si vienen, por
ejemplo, después de una progresión de estrofa jónica.Dependiendo de qué nota de la escala se subraye como
tónica, la escala mayor puede evocar siete estados de ánimo
musicales diferentes. Un modo no es un tipo nuevo de escala
construido sobre esa nota, sino una continuación de los intervalos
de la escala mayor, comenzando desde esa nota y acabando una
octava más arriba. Los modos se corresponden con los intervalos
de una progresión de acordes (una en la que no cambie la
tonalidad). Por ejemplo, Sib, la séptima de dominante de Fa, (I), aparece en el modo mixolidio y también suele añadirse al acorde
de Do (V) como séptima de dominante: dos maneras diferentes de
pensar que producen el mismo resultado armónico. Escuchando
las tríadas (las tres primeras notas: ver páginas 22 y 23) de cada
modo, puede saberse si el acorde correspondiente será mayor o
menor, y viceversa.
Los patrones modales no son ninguna guía infalible para
mantenerse en el buen camino de la armonía, así que tendrás que
seguir escuchando por si has modulado a alguna otra tonalidad nueva. Sin embargo, sí que son una muy buena manera de pensar
en los solos y las progresiones de acordes (y de lidiar con el
mástil, tanto si compones como si buscas añadir a una progresión
líneas imaginativas nuevas).
Joe SatrianiSin lugar a dudas, Satch es uno de los guitarristas técnicamente más consumados y respetados de los últimos tiempos. No es sorprendente que haya enseñado los secretos de la guitarra a muchos de los mejores guitarristas de rock contemporáneos.
Cómo tocar solos
Patrones de escalamodal y sus caracteres
Indicaremos los diferentes sonidos de los modos de las canciones
que aparecen al final de los capítulos siguientes.
Intervalo desde la fundamental: Unísono Acorde asociado: Mayor
Lidio: De jazz
Intervalo desde la fundamental: 4a (Subdominante) Acorde asociado: Mayor
Intervalo desde la fundamental: 5a (Dominante) Acorde asociado: Mayor
Eolico: Relativo menor
Intervalo desde la fundamental: 2a Acorde asociado: Menor
Intervalo desde la fundamental: 6a Acorde asociado: Menor
Frigio: Flamenco
Intervalo desde la fundamental: 7a Acorde asociado: Disminuido
071
Jónico: Mayor habitual
Dórico: De jazz
Intervalo desde la fundamental: 3a Acorde asociado: Menor
Locrio: Tenso, no resuelto
Mixolidio: Rock
Pero, en nuestro contexto, ¿qué es el blues, musicalmente
hablando? Al principio, eran canciones de trabajo, cantos para
motivarse, con carácter de pregunta-respuesta.
Mucha de la música con carácter de blues aún conserva
esta estructura, pero es la guitarra solista la que responde la
pregunta o la frase del cantante con un lick hiriente y
expresivo en los dos o cuatro compases siguientes. Las
“blue notes” son normalmente terceras (la tercera menor),
quintas y séptimas rebajadas.
No sólo aparecen en el blues: también están en la
música tradicional irlandesa e inglesa. En el siguiente
capítulo analizaremos cómo construir secciones
completas de música en estilo de blues, aplicando las
escalas pentatónica menor y menor de blues que
hemos aprendido en el capítulo anterior. Verás que el
uso de estas escalas sobre piezas en tonalidad mayor
produce el efecto armónico característico del blues.
Muchas leyendas del blues tuvieron vidas cortas y rodeadas de mitos y
misterios. Se decía que Robert Johnson, el pionero del Delta blues original,
había vendido su alma al diablo a cambio de su increíble talento musical. Y
luego está el propio contenido de las canciones, que muchas veces contaban
tristes historias de amantes traicioneros y hombres despóticos.
Cómo tocar blues
Gibson 335La Gibson ES-335 es la primera guitarra eléctrica semiacústica thinline de tapa
arqueada del mundo. Es la preferida de Dave Grohl, de Foo Fighters, y Tom DeLonge, de
Blink-182, y no es ni hueca ni maciza: tiene un bloque de madera maciza que le atraviesa el cuerpo.
Cómo tocar blues
Progresiones de bluesde doce compasesGracias a su simplicidad, la progresión de acordes de blues de doce compases ha aguantado el paso del tiempo y el ir y venir de las modas. Es un concepto perdurable que ha sobrevivido a la incorporación en sucesivos géneros, de manera que su nombre engaña, porque no sólo aparece en el blues, sino también en jazz, funk, rock y en algunos estilos de rock duro. Muchos éxitos del pop mundialmente famosos como “Johnny B. Goode”, “Blue Suede Shoes”," Rock around the Clock” y “Shake, Rattle and Roll" son ejemplos claros.
Los doce compases consisten en los acordes de I (tónica), IV
(subdominante) y V (dominante) de cualquier tonalidad, tocados en
un patrón de repetición de “turnaround”, es decir, conduciendo al
oído de vuelta hacia el acorde de tónica.
Cada línea consiste en dieciséis negras. En su forma más básica, los doce compases se ordenan de la siguiente manera,
divididos en grupos de cuatro para hacer la estructura más fácil de
recordar:
I- I- I- IIV - IV - I - I
V - IV -I -I
En general, cuando se sustituye una cosa por otra, quiere decir
que se cambia, pero en música, la "sustitución de acordes” se
refiere no sólo a cambiar unos acordes por otros sino también a
posibles alteraciones armónicas de los propios acordes. La
progresión de doce compases se presta a ambos tipos de sustitución.
Los acordes alterados que escucharás habitualmente en una
progresión de doce compases con carácter de blues o rock son las
séptimas y novenas, explicadas en las páginas 68 y 69.
Escuchar blues cambió mi
vida.'Van Morrison
EJERCICIO IEl esqueleto de una progresión de blues de doce compases en Mi mayor.
074
Cómo tocar blues
Pueden hacerse muchas sustituciones de acordes dentro de la progresión de doce compases. Y ten en cuenta que también hay blues de ocho, dieciséis y treinta y dos compases.
Para estos tres ejercicios, puedes experimentar rasgueando los voicings de acordes indicados con golpes firmes y ritmicos hacia arriba y hacia abajo, o sólo con rasgueos hacia abajo, con o sin apagado. Haz síncopas o acentúa las pulsaciones del compás que te suenen más naturales mediante el apagado, o las
anacrusas (las pulsaciones en las que cuentas “y"). Esto último lo conseguirás levantando los dedos de la mano izquierda de los trastes sin perder el contacto con las cuerdas. Si ves que no lo logras, es algo que debes practicar.
Investiga apagando el sonido en el segundo y el cuarto tiempos, y después en el primero y el tercero. La primera opción debería sonar más a rock que la segunda.
EJERCICIO IIUna progresión de doce compases en La. Fíjate en la sensación de anticipación que se produce cuando acentúas los tiempos segundo y cuarto.
EJERCICIO IIITerminar el ciclo de doce compases en la dominante (V) se conoce como "turnaround”, y conduce de manera natural a la tónica.
075
Cómo tocar blues
Progresiones de bluesde acordes con cejillaA estas alturas te parecerá que las progresiones de l-IV-V-l tienen visualmente una forma cuadrada en la afinación habitual. Pueden aplicarse a cualquier zona del mástil. Claro que esta manera de pensar puede llegar a limitarte: es importante tener en mente qué intervalos estás usando, con independencia de en qué parte del mástil estés tocando.
Aunque la mayoría de las piezas de blues-rock que te encontrarás
estarán en las tonalidades de Do, La, Sol, Mi o Re, cómodas para la
guitarra, esta técnica te será especialmente útil para tonalidades
habituales en el jazz, como Sib, que les vienen bien a los teclados y
a los metales: por eso también se usan en funk y soul. A medida que desarrollas tu manera de pensar los intervalos, es probable
que empieces a generar tus propias disposiciones móviles.
Mientras tanto, en los Ejercicios I y II encontrarás ejemplos típicos
con sustituciones de acordes alternativos.
Si no eres un fan del blues de doce compases, quizá sea
porque sólo has escuchado ejemplos que no te han llamado la
atención. Hay muchas piezas cautivadoras creadas sobre una
sencilla estructura de doce compases, pero no de manera tan obvia,
sino evitando frases hechas como los licks con shuffle (ver páginas
76 y 77) y las séptimas de dominante. (De dominante porque se
usan para conducir el oído hacia la tónica, al contrario que la
séptima mayor, que da una sensación más estática, más tierna: ver
páginas 178 y 179.)
Para ilustrar esto último, en el Ejercicio III tienes una progresión
de doce compases de inspiración jazzística. También te muestra lo
bien que se prestan las progresiones móviles de blues a los
acordes alterados con intervalos menos habituales que las quintas,
sextas y séptimas menores, como por ejemplo las novenas.
Los blues en tonalidades menores pueden ser especialmente
potentes y energéticos: muchas conocidas canciones de blues
contienen la progresión l-IV-V-l en tonalidad menor.
PISTA 36
EJERCICIO IProgresión de doce compases en La: el sonido acogedor y cálido de las séptimas.
078
EJERCICIO IIEl sonido jazzistico de las novenas en Sol. Fíjate en el acorde Db, un acorde de paso con un valor rítmico tan corto como para no sonar extraño.
PISTA 38
EJERCICIO III
Billy GibbonsLa manera excepcional de tocar y los riffs con músculo del guitarrista del Power trio ZZ Top, Billy Gibbons, hacen que sea sin lugar a dudas uno de los mejores guitarristas de blues-rock de los últimos tiempos.
Las novenas y treceavas alteradas recuerdan a las progresiones de doce compases del soul y el estilo stax.
079
Cómo tocar blues
Licks de blues fácilesy con cuerdas al aireEstos ejercicios contienen licks de blues en Mi y usan la pentatónica menor. Son los típicos licks que encajan en una progresión de doce compases habitual, y te darán una ¡dea de lo fácil que es crear frases sencillas para tocar con los I, IV y V de cualquier tonalidad.
Esta manera de pensar te ayudará a localizar puntos de partida
para frases de solos en cualquier traste: ¿por qué no buscar todas
las posiciones en las que puedes tocar estas frases, incluso las
que están por encima del 12° traste? (Recuerda que el traste
número doce es la octava de cada cuerda: te animará a salir de la
comodidad de los trastes más bajos).
Si sabes qué intervalo representa tu nota de partida dentro de la tonalidad en la que estás (Si sería la quinta de Mi, por ejemplo),
puedes deducir la nota que representaría ese mismo intervalo para
cualquier otra tonalidad (si lo necesitas, puedes ir tocando y
contando sobre una escala mayor o menor desde la tónica a lo
largo del mástil). Armado con estos conceptos, ya puedes Ir
trazando un mapa mental de las posiciones de mástil en las que
puedes tocar en cualquier tonalidad frases como las que
mostramos debajo. Para las frases que más te gusten, podrás
memorizar en qué traste empezarías si tocaras en cualquiera de
las tonalidades cómodas para la guitarra.El resto del capítulo trata sobre cómo empezar a crear licks
basándote en marcas de la casa de la historia del blues.
PISTA 39/1
EJERCICIO IBends al unísono, en los que la nota inferior se estira un tono entero hacia arriba, de manera que suena al unísono con la nota superior de
la cuerda contigua. Son una característica que define los solos de blues-rock.
080
Jeff BeckDe Jeff Beck, músico innovador, visionario y con buen gusto, se
ha dicho que es "uno de los guitarristas solistas más influyentes del rock”. Es uno de los tres guitarristas que ha tocado con los
Yardbirds (además de Eric Clapton y Jimmy Page). Gran parte de la música que ha grabado ha sido instrumental, centrándose en
un sonido innovador y en ampliar géneros, desde el blues-rock hasta el heavy metal, pasando por el jazz fusión y una mezcla de guitarra rock y electrónica. Fue el número 14 en el ranquin de los
100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revistaRolling Stone.
No me importan las
reglas. De hecho, si no
rompo las reglas por lo
menos diez veces en cada
canción es que no estoy
haciendo bien mi
trabajo.Jeff Beck
PISTA 39/2
EJERCICIO IILos slides de blues contra cuerdas al aire son fáciles en Mi y La. Éste usa notas de la escala pentatónica menor de Mi.
081
Cómo tocar blues
Escribe tus propios licksde bluesEl arte de hacer grandes licks y solos de blues depende tanto de escuchar al grupo o la pista que uses para la improvisación, como de pensar en qué puede ser más eficaz, así como de que uses digitaciones rápidas. Está claro que tocar lick rápidos en un solo te da una sensación genial, pero es algo que deberás dominar cuando tengas una visión general de cómo suenan las melodías que tocas contra la parte armónica.
No olvides que las escalas son sólo una manera de organizar la
Información: no pienses que tienes que tocar las notas en orden.
Piensa en cómo romperlas, crea intervalos inesperados y
experimenta con el fraseo: tocar antes, sobre o después del
tiempo puede dar énfasis a diferentes notas y así cambiar radicalmente el carácter de frases que en un principio eran
similares.Los siguientes ejercicios contienen frases sencillas en La.
Ambos consisten en sólo cinco notas (y sus octavas). Cuando se
tocan contra los acordes o fundamentales propuestos, aportan un
carácter claro de blues que te sonará de muchos temas clásicos.
ACORDES AMPLIADOSLos acordes ampliados pueden parecer complicados, tanto si te
los encuentras en una progresión como si intentas sacar un lick para tocar sobre ellos. Te ayudará saber que muchas veces se encuentran justo una octava por encima de intervalos que te son
más conocidos, y que funcionan de manera similar, por ejemplo:2ª------------------9a
4a------------------ 11a
6a------------------ 13 a
EJERCICIO IIntenta escuchar cómo se mueven los acordes por debajo del solo. Aquí el acorde es de tónica.
082
Cómo tocar blues
" Cuando tengas un lick, piensa
dónde puedes usarlo, y sepáralo
en notas aisladas, que una nota
te lleve a la siguiente, fíjate en la
lógica de la música y aprende el
valor de una nota.Mike Bloomfield
Esto se debe a que son mayores sobre el acorde de I,
y menores sobre los acordes de IV y V, y así crean tensión y
dirección.
Esto se consigue porque un bending de medio tono en el octavo traste de la cuerda Mi agudo te llevará de Do. que es la
tercera menor de La, a Do#, que es su tercera mayor. Forman una estructura sencilla, cuadrada (que consiste en Sol, la séptima
menor; La, la tónica; Do, Do# y Re, la quinta), pero aun así,
teóricamente hablando, están combinando dos tipos de escalas:
las pentatónicas mayor y menor. Mike BloomfieldBloomfield, muy respetado por su toque fluido, que conoció y tocó con muchas leyendas del blues de Chicago incluso antes de alcanzar la fama, se convirtió en una de las primeras estrellas de la música popular de los años sesenta que se ganó su lugar sólo por su maestría para tocar. Fue uno de los primeros grandes guitarristas de blues blanco de América; sus expresivas líneas de solo y su gran técnica también adornaron los primeros experimentos eléctricos de Bob Dylan.
EJERCICIO II
Aquí tenemos una progresión de subdominante y dominante que resuelve en la tónica. Son los acordes los que crean tensión y resolución detrás del solo.
083
Cómo tocar blues
Toca tu primersoloEl siguiente solo se basa en los principios explicados en las páginas 82 y 83. Tocándolo verás qué fácil resulta construir un solo de blues funcional partiendo únicamente de algunas notas de las escalas pentatónicas mayor y menor.
Con este ejercicio estarás tocando solos en un abrir y cerrar de ojos. La diferencia entre un solo expresivo y tocar las escalas que corresponden a una secuencia de acordes según los patrones de las páginas 62 y 66 es la facultad del Instrumentista para escuchar la secuencia de acordes con la que tocan y anticipar hacia dónde va la progresión mientras están tocando. Si te queda claro el concepto de que puede crearse un solo con las notas comunes de las escalas pentatónicas mayor y menor y las escalas de blues,
ya tendrás más cerca tu objetivo de descubrir los misteriosos trucos musicales que se saben la mayoría de los instrumentistas de verdad. Después puedes incorporar otras notas, bends y slides según con qué acorde en concreto suenen más eficaces.
El siguiente solo en La usa solamente la tónica, la tercera menor (con bends de medio tono a la tercera mayor), la quinta y la séptima menor (y, para darle un poco de variedad, sus octavas).
Cómo tocar blues
085
Cómo tocar blues
Tu primeracanción de bluesUna base sólida de blues de doce compases te ayudará a comprender mejor la guitarra, aunque te interese más construir pop melódico a partir de secuencias de acordes originales. Aunque sólo sean progresiones de l-IV-V en uno u otro orden, afianzarán tu sentido armónico sobre cuáles son los acordes más fuertes de cualquier escala.
Los trucos y licks inspirados en el blues definen el sonido de la
guitarra eléctrica. Como guitarrista, los puedes transportar
prácticamente a cualquier otro estilo de música. La siguiente
PISTA 42
canción se inspira en el blues eléctrico al estilo de Chicago, y en el
carácter de instrumentistas como John Lee Hooker. Según va
progresando, escucharás lo fácil que es meterle licks de la escala
pentatónica menor (en la posición 1). Van articulando el riff básico
a la vez que dan tiempo a tus dedos para volver a él.
ESTROFA
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Cómo tocar blues
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Cómo tocar blues
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Cómo tocar blues
089
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Suele decirse que fue Alan Freed, el legendario DJ de Ohio, quien acuñó el
término “rock ‘n’ roll.". Tanto si es verdad como si no, lo que sí es cierto es que
fue el padre del rock ‘n’ roll. Su programa de radio llevó el embriagador sonido de
la música negra rhythm and blues al hambriento público adolescente de todo
Estados Unidos. Sin él, pioneros del rock ‘n’ roll como Little Richard o Chuck
Berry seguramente no habrían disfrutado de carreras tan exitosas como
las que tuvieron.
En los primeros éxitos del rock ‘n’ roll, el piano y el saxofón
llevaban la voz principal, pero hacia mediados de los cincuenta
fueron desplazados por la guitarra eléctrica. También
durante este proceso, Leo Fender inventó el bajo
eléctrico, y acabó desterrándose el sonido
característico del contrabajo tocado sin arco al mundo
del jazz y el rockabilly, que empezaban a ser
revisitados. El rock ‘n’ roll es básicamente un ritmo
de boogie-woogie con contratiempos fuertes,
normalmente más marcados por la caja. La música
que en un principio se había creado para diversión
propia comenzó a empaquetarse para satisfacer las
necesidades del nuevo mercado de adolescentes, y
la explosión del rock ‘n’ roll dio lugar a líneas
principales, técnicas y trucos específicos que desde
entonces aún no se han superado.
Gretsch White FalconConocida por su gran tamaño y su apariencia singular (de color blanco brillante con acabados dorados), la Gretsch White Falcon, con su imagen espectacular, ha sido siempre una de las guitarras más buscadas.
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Progresionesde acordes de rock ‘n’ rol!La mayoría de los éxitos de rock ‘n’ roll que hoy continúan siéndolo se basan en el blues de doce compases
(ver páginas 74 y 75). No obstante, muchos de los guitarristas que los tocaban se habían formado en conjuntos
de swing, jazz o country, de manera que también incorporaban aspectos armónicos de estos estilos.
Uno de estos aspectos es el acorde aumentado: en rock ‘n’ roll, suele substituir a la dominante, ya que tiene el mismo efecto de conducir la armonía hacia la tónica. El tema de los acordes aumentados puede sonar a idea compleja, pero no te alejarás mucho del camino si los piensas como parientes de los acordes aumentados. Hemos visto que la tercera nota de una tríada determina si la tonalidad es mayor o menor. Las quintas son diferentes de las terceras (existen las quintas justas, pero no las terceras que no sean ni mayores ni menores), y una tríada
mayor con la quinta alterada medio tono hacia arriba se llama “aumentada", mientras que una tríada menor con la quinta rebajada medio tono se llama "disminuida". Los acordes aumentados se Indican con “#5”, como por ejemplo “E#5”, y los disminuidos llevan por convención el símbolo como por ejemplo “B°” (porque escribir “b5” crearía confusión sobre si el bemol se refiere a la nota o al tipo de acorde, como en “Bb5”). El Ejercicio I es un voicing tradicional de un acorde aumentado.
The BeatlesToda la importancia que pueda dársele al impacto que causaron los Beatles es poca. Incluso el critico de ballet del Sunday Times de Londres dijo que eran “los compositores más grandes desde Beethoven". Con sus armonías frescas, su musicalidad tan sólida y su enérgico instinto para el pop, la música de los Beatles encendió la energía de la juventud de todo el mundo. Mirando sólo las ventas y el airplay que tuvieron en su momento, los Beatles fueron con mucho el grupo más grande de la historia del pop, pero su legado musical tuvo un impacto todavía presente hoy en día.
092
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Fíjate en su papel de acorde introductorio y de sustituto de la dominante en la progresión de doce compases.
Por otro lado, las baladas o las canciones románticas de
Buddy Holly de la era del rock ‘n’ roll narrativo suelen usar una progresión de l-IV-V para la estrofa o el estribillo, alternados.
PISTA 43
EJERCICIO IUna progresión sencilla en estilo de balada de rock ‘n’ roll en Re que se dirige desde los acordes de la estrofa hasta un potencial estribillo.
EJERCICIO IIUna tonalidad habitual en el rock ‘n’ roll, en Slb, usada por Chuck Berry entre otros. El acorde de V es aumentado.
093
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Licks fácilesde rock ‘n’ rollEl rock ‘n’ roll bebe de elementos de la música country y del blues, y eso se refleja en sus líneas principales
esbeltas y sus solos eficaces. Muchas veces incluyen arpegios, formando una melodía a partir de las notas de
los acordes, y slides contra cuerdas al aire al estilo del country. Estos elementos evocan el sonido de la guitarra
lap Steel o hawaiana, pero a menudo se usan para tocar notas de adorno disonantes (las que son tan cortas que
no tienen valor rítmico), separadas medio tono de una cuerda al aire en vibración, como la del comienzo del
ejercicio siguiente, que usa la escala de blues de Mi (con notas de adorno) sobre un acorde de Mi (I).
Este lick funciona muy bien como frase en sí, o como final de
solo o de canción, también tocado sobre el acorde de tónica.
Además incluye notas pisadas contra cuerdas al aire, que suenan
genial cuando se tocan con sonidos limpios y con resonancia.
Encaja tanto en el estilo de balada lenta “doo-wop” que formó
parte de la escena del rock ‘n’ roll como en temas más movidos
con líneas de bajo arpegiadas, y muestra su Influencia blusera
con el uso de la escala de blues (ver página 64). Los pull-offs del
segundo y tercer compases requieren fuerza en los dedos. Tira
hacia abajo y hacia un lado ligeramente.
El segundo lick también se presenta aquí en Mi para tocar
sobre el acorde de tónica. El hecho de que se resuelva en la
tónica lo convierte en un lick todoterreno para Mi mayor.
Rock ‘n’ roll: música para el
cuerpo de cuello para abajo.Keith Richards (The Rolling Stones)
PISTA 45/1
EJERCICIO IUn lick con pull-offs en el que aparecen la tercera menor y la sexta mayor contra el acorde de tónica.
094
Cómo tocar rock ‘n’ roll
El primer guitar hero del rockCochran fue un virtuoso guitarrista que tocaba con tal autoridad que el periodista musical Bruce Eder dijo que era "la primera figura del rock con una energía desbordante, el precursor de Pete Townshend, Jimmy Page, Duane Allman y, al menos en cuanto a su destreza, de Jimi Hendrix”.
PISTA 45/2
EJERCICIO IIUn lick con el arpegio de Mi mayor en el que aparecen cuerdas al aire e intervalos cromáticos (de semitono).
Eddie CochranSólo tenía veintiún años cuando murió, y aun así pudo dejar su contribución a la música como pionero del rock ‘n’ roll. Con clásicos como “C’mon Everybody”, “Something Else” y “Summertime Blues”, Cochran captó la esencia de la rabia y las ansias de la juventud. En sus actuaciones en directo, Cochran era el paradigma de la imagen y el sonido del rockero rebelde.
095
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Licks sencillos y móvilesde rock ‘n’ rollRecuerda que los guitarristas de rock ‘n’ roll como Franny Beecher, uno de los Cornets de Bill Haley, no tenían
sonidos distorsionados a su disposición. Aun así, gracias a la calidad de los primeros amplis de válvulas, tuvieron
acceso a sonidos limpios y acampanados que todavía no se han superado.
clásicos del rock 'n' roll comienzan a menudo con una frase de
guitarra sola que establece el centro tonal, ya sea con la tónica
o usando la dominante en dirección a la tónica. Este ejemplo
burlón está en Sib y muestra claramente cómo los slides
cromáticos (de semitono) de las notas de adorno aportan
dinamismo a las notas del acorde de tónica.
El siguiente ejercicio también usa un patrón de “octavas
directas" que es la manera típica de puntear las dobles
cuerdas en rock ‘n’ roll, pero armónicamente es más complejo
ya que alterna los acordes de I y IV, y muestra cómo pueden
usarse estas figuras sobre una progresión sencilla.
EJERCICIO I
Un lick de dobles cuerdas basado en arpegios en Mi mayor (con una tercera menor en el último compás)
en el que la manera de puntear cambia. Funciona bien sobre acordes mayores o de séptima de dominante.
096
Las dobles cuerdas, como las del primer ejercicio de abajo, son un
elemento muy común en el rock ‘n’ roll (ver páginas 98 y 99).
Ilustrada una vez más en MI mayor, esta frase móvil es Ideal para
la transposición. Usa el modo mixolidio (ver página 71) pero
incluye la tercera menor para obtener un efecto blusero, en
especial cuando se toca al unísono con la sexta mayor del primer
compás.Las frases con dobles cuerdas se prestan muchas veces al
punteo arpegiado, como la frase del segundo ejercicio. Los éxitos
PISTA 46/1
Bill HaleyBill Haley, aclamado como "el padre del rock ‘n’ roll” y "la primera estrella del rock ‘n’ roll”, acercó la música rock ‘n’ roll a las masas. En 1954, el himno del
rock 'n' roll de Haley, “Rock Around the Clock”, entró en las listas de éxitos, permaneció en el primer puesto durante ocho semanas y vendió veinticinco millones de copias en todo el mundo. Como declaró a la revista Rolling Stone
en 1967: "Juntamos el country and western con el rhythm and blues, y resultó el rock”. Haley también decía que le había dado al rock ‘n’ roll su nombre: su
"Rock-A-Beatin' Boogie” tenía un estribillo que decía "Rock, rock, rock everybody, Roll, roll, roll everybody”. Y efectivamente, todo el mundo empezó
a rockear.
El rock ‘n’ roll es bueno para el alma, para el bienestar,
para la psique, para tu todo. Me encanta. No me puedo ni imaginar
estar sin rock ‘n’ roll.PISTA 46/2 Hank Ballard, cantante de rhythm and blues y uno de los primeros artistas
de proto-rock ‘n' roll de los años cincuenta.
EJERCICIO II
Presentado aquí sobre los acordes de IV y I, este lick puede tocarse también sobre la tónica. El Fa# y
el Do del tercer compás forman una quinta disminuida, pero derivan de los acordes de La y Re.
097
Cómo tocar rock ‘n' roll
Licks de dobles cuerdas ytécnicas de punteo de rock ‘n’ rollAdemás de los licks de las páginas anteriores, muchos licks clásicos de rock ‘n’ roll tienen un sabor country
aunque sigan influenciados por el blues. En muchos de estos licks, las notas de las dobles cuerdas no están
situadas en cuerdas contiguas, de manera que para conservar el giro country será necesario puntear con otros
dedos aparte del pulgar y el índice.
Estos ejercicios no requieren más de un dedo “extra”. De acuerdo
con el contexto del libro, están diseñados para ser tocados con púa y con la yema del tercer dedo. Se inspiran en la era rockabilly
de mediados y finales de los cincuenta, cuando la guitarra eléctrica
ya se había establecido como Instrumento principal junto a la voz. El desarrollo de las técnicas solistas de hoy, apropiadas para licks
de country y slides, estaba en sus Inicios.
TÉCNICAS DE PUNTEOLa técnica más usada de punteo sin púa suele denominarse “clawhammer”, y fue popularizada por instrumentistas como Merle Travis. En esta técnica se alterna el lateral del pulgar con los otros dedos. Si puedes dominar la coordinación que se requiere, podrás armonizar líneas de bajo y melodías de estilo folk.
EJERCICIO I
Lick de inspiración country en Sol. Presta atención a evitar pulsar la cuerda Si hasta el Re del compás final.
No se te puede caer nada y nada te incordia.Jeff Beck (The Yardbirds) sobre las delicias de tocar sin púa
098
Cómo tocar rock ‘n’ roll
En el Ejercicio I mostramos un lick cromático que suena muy
bien sobre una progresión de l-IV-V-l. Propuesto aquí en Sol, tiene
una forma móvil que encaja en cualquier tonalidad.
También en Sol, en el Ejercicio II aparece un lick de Influencia española que se armoniza con una progresión l-ll-l, punteando
notas de las tríadas de esos acordes junto con las sextas,
que aquí se puntean pero sonarían igual de bien como slides.
Por otro lado, el Ejercicio III está escrito pensando en una progresión l-IV-V-l. Está en Sib, lo que le da un carácter burlón, al estilo de Chuck Berry.
EJERCICIO II
Este lick muestra lo fácil que es construir riffs de dobles cuerdas y licks a partir de las notas del acorde.
PISTA 47/3
EJERCICIO III
Este lick y el anterior sonarán genial si añades vibrato en todas las notas: conseguirás un toque de auténtico “shake, rattle and roll”.
099
PISTA 47/2
Cómo tocar rock 'n' roll
Riffs y licksal estilo de Chuck BerryEl showman de Missouri desarrolló un estilo de guitarra que ayudó a distinguir el rock ‘n’ roll del rhythm and
blues. Sus licks tenían un sello personal que Influyó en gran medida en guitarristas del período de auge del blues
como Keith Richards (ver páginas 160 y 161). Empedernido músico de giras, Berry solía viajar solo, tocando con
grupos que formaba con los mejores músicos de las ciudades que visitaba: esto nos da una idea de lo universal
que ya era su música.
Las letras de Berry solían exaltar la libertad y los viajes que
permitía el automóvil; su música refleja esa sensación de
movimiento, muchas veces a través de las “octavas directas” (simples pulsaciones de corchea) contra partes rítmicas basadas
en el swing. En el primer ejercicio, la resonancia de las dobles
cuerdas sólo refuerza la tercera mayor y la menor, desviando el interés de su ritmo de tresillos, otro sello de Berry. Aquí lo
mostramos en Sib, armonizadas contra un acorde de séptima de
dominante de tónica.
Este ejercicio es un ejemplo de riff con ritmo cuadrado de
corcheas. Alterna las quintas y las sextas de cada acorde y se
parece a un lick de shuffle, pero cuando lo toques te darás cuenta de la diferencia en el ritmo. Está en Sib, pero no tiene
terceras, así que no es ni mayor ni menor.También aparecen sextas en el siguiente ejercicio.
Aquí están armonizadas, una vez más, en dobles cuerdas al
estilo de Berry, contra la quinta en su ritmo característico de
shuffle.
Si se le intentara cambiar el nombre al rock and roll,
se llamaría Chuck Berry.
EJERCICIO I
Este lick deriva de las dos notas superiores del acorde de séptima de dominante de tónica,
y funciona Igual de bien sobre la tónica que sobre un acorde mayor.
100
PISTA 48 John Lennon
Chuck BerryCon ingeniosas letras llenas de coches y chicas, Chuck Berry sentó las bases
no sólo del sonido rock 'n' roll, sino de la visión del mundo al estilo rock ‘n’ roll. Aunque nadie puede proclamarse inventor del rock ‘n’ roll, Berry es la
persona que más se acerca a ello, ya que fue quien juntó todos sus ingredientes esenciales. Su oportuna idea de injertar los licks de guitarra
country and western en el rhythm and blues en su primer single, “Maybellene”, junto con su solo de guitarra tan breve pero arrollador y sus licks de dobles
cuerdas característicos crearon el sonido del futuro.
RITMOS DE TRESILLOSAnte todo, Chuck Berry podía verse a sí mismo como un hombre del espectáculo, pero también fue un guitarrista que ejerció una enorme influencia, visible al máximo en ios Beatles y los Rolling Stones. Berry fue pionero en introducir ritmos de tresillos en la guitarra, en los que hay tres notas por cada pulsación del compás. A menudo usados con dobles cuerdas, como las notas 1 y 4 de la escala, se tocan mejor con un patrón de rasgueo abajo-arriba-abajo.
PISTA 49
EJERICIOII
Estos voicings de quintas vacías no tienen tercera. Se muestran aquí formando los compases de “turnaround” de un blues de doce
compases.
101
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Licks al estilode Scotty MooreScotty Moore fue el guitarrista de los éxitos más inmortales de Elvis Presley, como “That's Alright (Mama)”,
“Hound Dog” y “Jailhouse Rock”. Su sobrio punteo de influencia country era el envoltorio perfecto para la voz de
barítono de “El Rey”. De carácter reservado en el escenario, Moore fue, en efecto, el primer guitarra solista
profesional fuera de una banda de swing: B. B. King y Chuck Berry ya habían sacado discos de éxito cuando
Elvis se hizo famoso en 1954, pero aunque ahora los recordemos por su estilo guitarrístico eran artistas
polifacéticos.
En 1968, Moore se reunió de nuevo con Presley en su concierto
especial de regreso, cuyas imágenes muestran la gran eficacia de
su punteo solista libre de adornos superfluos.El Ejercicio I contiene un lick con cuerdas al aire en La, y hace
hincapié en la sexta y la novena. Este lick se toca también sobre el
acorde de tónica, esta vez en Mi, de manera que también hace
énfasis sobre la sexta (Do#).
Muchas veces los licks de Moore alternan compases en los
que repite la melodía vocal y rolls de banjo (repeticiones de un slide
cromático contra una cuerda al aire, como el del Ejercicio II).
Este lick de dos compases, presentado aquí en Sol y tocado
sobre un acorde mayor o uno de séptima de dominante sobre la tónica, es una buena manera de acabar un solo o una canción.
A mediados de los setenta, los rockeros punk buscaban, como
reacción a los excesos de los temas de rock progresivo, redescubrir
licks como éstos. Con overdrive, este lick podría encontrarse tan a
gusto en la parte trasera de un pub de Londres como en Tennessee.
Scotty Moore tocaba con facilidad música jazz y country. Sus
riffs están construidos a partir de estos estilos y engañan por su
aparente sencillez.
EJERCICIO IEste riff de dos compases requiere destreza en la mano derecha, ya que implica saltarse
cuerdas. Se añade una sexta mayor, una novena y una séptima mayor al acorde de tónica.
102
PISTA 50
Cómo tocar rock 'n' roll
Scotty MooreCon su bagaje de jazz y country, Scotty Moore usó esas influencias para poner el contrapunto a la voz de Presley con solos melódicos pero potentes: un sonido que llevó a
desatar la revolución del rockabilly y dio vida a los primeros sonidos del rock ‘n’ roll. Colin Escott, compositor
y periodista, escribió sobre Moore: “La primera generación de chavales que creció queriendo tocar rock and roll se curtieron con los solos de Scotty Moore”. Lo confirmó el guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, cuando
dijo: “Todo el mundo quería ser como Elvis; yo quería ser Scotty".
" Si te gusta, si sientes la música rock ‘n’ roll, no puedes evitar moverte con ella. Es lo que me pasa a mí. No puedo
evitarlo."Elvis Presley
PISTA 51
EJERCICIO II
Este lick te añade la sexta al acorde mayor de tónica y pasa de la tercera menor a la tercera mayor (Sol/Sol#).
103
Cómo tocar rock ‘n’ roll
Tu primera canciónde rock ‘n’ rollEn los años cincuenta, la escena del rock n' roll estaba llena de adolescentes con talento como Buddy Holly o
Eddie Cochran. Los artistas editaban sus propios singles en vinilo con la esperanza de sonar en las radios locales
de Estados Unidos y generar suficiente interés como para triunfar a escala nacional.
Sin embargo, los artistas que tenían contratos con grandes
discográficas solían encontrarse con grupos de estudio cuyos
guitarristas venían del jazz y el country. Esos instrumentistas
aportaron sus licks y añadieron así color y diversidad a Jas
progresiones sencillas derivadas del blues y el jump blues.
La siguiente canción tiene tres partes, y su centro tonal es Re menor. En la estrofa, la voz principal sobre la escala de Re
menor es una versión apagada de la que aparece en el refrain,
mientras que el estribillo entra con un carácter más abierto y
espacioso. Usa una cadencia muy habitual y apreciada: el tipo de
progresión con dirección descendente que inspiró a los primeros
Beatles.
Buddy HollyA pesar de que su período de éxito duró apenas 18 meses antes de su muerte en un accidente de avión, Buddy Holly pasó a ser el pionero y la cara visible del rock ‘n' roll. El crítico Bruce Elder describió a Holly como “la fuerza creativa solista más influyente del rock ‘n’ roll temprano”. Sus temas, que incluyen clásicos intemporales como “Oh Boy”, “Peggy Sue", “That'll Be the Day” y “Not Fade Away", inspiraron e influenciaron a muchos grandes artistas posteriores, como los Beatles, los Rolling Stones, Don McLean y Bob Dylan, y su influencia en la música moderna ha sido tan profunda como extendida.
104
Cómo tocar rock ‘n’ roll
REFRAIN
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Cómo tocar rock ‘n’ roll
ESTROFA
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Cómo tocar rock ‘n’ roll
ESTRIBILLO
107
Cómo tocar rock clásicoHoy en día, con sus emisoras de radio de carretera y sus conciertos en estadios
deportivos, Estados Unidos es el país del rock clásico. Sin embargo, en los años
sesenta fueron los guitarristas británicos, aburridos de las imitaciones de la
música skiffle (música basada en el jazz, el blues y el folk con influencias country,
normalmente tocada con instrumentos caseros o improvisados), los que
empezaron a copiar las partes de guitarra de los LP de blues importados de
Estados Unidos de artistas como Howlin' Wolf. El blues de Chicago (la versión
eléctrica del blues rural acústico del Delta del Mississippi) fue el modelo
para los experimentos sonoros de los pioneros del boom del blues británico.
Dos grupos londinenses en particular, los Yardbirds y los Bluesbreakers
de John Mayall. fueron las plataformas de lanzamiento para los talentos
de Eric Clapton. Jeff Beck y Jimmy Page. Estos grupos del boom del blues
fueron mutando a través de la psicodelia hasta llegar a ser gigantes del
rock como Cream y, por supuesto, Led Zeppelin. Mientras tanto, otro grupo
del boom del blues londinense había aceptado la propuesta de su
compañía discográfica para escribir su nombre con “g", y los Rollin’ Stones
ya no miraron atrás.
Otros grupos influenciados por el blues, como Free y The Pretty Things,
contribuyeron a la floreciente escena musical de los sesenta y setenta, en la ’
que grupos como Deep Purple elevaron el rock a un nivel y un público
diferentes. El siguiente capítulo subraya las técnicas que los llevaron al éxito y
enseña los fundamentos del rock que conserva la calidez y el contenido melódico
del blues, a la vez que sienta las colosales bases del heavy metal.
Gibson SG
La Gibson SG tiene un cuerpo más fino que la Gibson Les Paul, lo que la hace mucho más ligera. Es la preferida de muchos guitarristas, como Tony lommi, de Black Sabbath, Derek Trucks, de The Allman Brothers Band, y Eric Clapton.
Cómo tocar rock clásico
Progresiones de acordesútiles para el rock clásicoHemos hablado de que las raíces del rock clásico están en el blues. Así pues, es útil comenzar a pensar en las
posibilidades del blues-rock y descubrir qué más puede hacerse con la progresión de blues de doce compases
(ver páginas 74 y 75).
Las tablas de acordes en números romanos de esta página pueden usarse con las disposiciones de acordes de las páginas 24, 25, 30
y 31, junto con los voicings de acordes de quintas que hemos visto
en los capítulos anteriores, adaptándolos a cualquier tonalidad.
Vale la pena conocer algunas variaciones habituales de la
progresión de doce compases básica. Las siguientes progresiones
derivan del trabajo de los músicos pioneros del blues del Delta, así
que seguro que te suenan. Improvisa sobre ellas en dos o tres
tonalidades habituales (MI, La y SI, o Sol, Do y Re) para que puedas escuchar las diferencias de tensión y resolución que hay entre ellas.
En las páginas siguientes veremos que estas variaciones pueden
constituir los bloques básicos para crear temas de rock clásico más variados, que se inspiran en estas progresiones aunque usen
quintas vacías o líneas melódicas (o, en especial, si tenemos en
cuenta que los shuffle riffs clásicos como los de Chuck Berry, que
hemos visto en las páginas 100 y 101, también son acordes de
quinta).
Ritchie BlackmoreBlackmore es un guitarrista inglés, miembro fundador de los grupos de rock duro Deep Purple y Rainbow. En el tema más exitoso de Deep Purple, “Smoke on the Water”, aparece uno de los riffs de guitarra más conocidos de Blackmore, que toca sin púa, punteando las cuerdas en cuartas con dos dedos. Este riff es ya un tema imprescindible para los principiantes de la guitarra rock. Blackmore fue el número 55 en el ranquin de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.
Una variación que usa la subdominante en el segundo compás:
Con el acorde de dominante en el décimo compás:
Cómo tocar rock clásico
En realidad toco muy ligero.Ritchie Blackmore (Deep Purple)
El Ejercicio II añade otra nota de color muy escuchada
introduciendo acordes de novena además de las séptimas de las
que hablábamos. De manera similar, también son acordes de
novena de dominante, una segunda por encima de la octava. Fíjate
en que suenan diferente que las novenas aumentadas (el famoso “acorde Hendrix” que veremos en las páginas 158 y 159), que
están una tercera menor por encima de la octava y suenan más
melodiosas y jazzísticas. Aun así, también son una nota de paso
habitual en temas de rock clásico.
Las progresiones de doce compases aun se usan mucho en el rock clásico. Esta progresión sencilla en La intercala acordes mayores con
sus séptimas de dominante. Los rasgueos hacia arriba en las pulsaciones en las que cuentas “y 3” te ayudarán a mantener el ritmo.
111
El Ejercicio I te enseñará un nuevo giro de la progresión de doce
compases, armonizado con séptimas diferentes de las séptimas
mayores (ver páginas 156 y 157) porque son séptimas de dominante (un tono entero, en lugar de un semitono, por debajo de
la octava).
PISTA 53/1
PISTA 53/2
EJERCICIO II
Acordes de novena en substitución similar a la de las séptimas del ejercicio anterior. Este sonido suele aparecer también en líneas solistas de rock clásico, tocado contra acordes de quintas vacías.
Cómo tocar rock clásico
Progresiones de acordesdel rock clásicoLas siguientes progresiones de acordes son representativas de las secuencias que suelen aparecer en el rock
clásico (y también desde el punk en adelante). Están diseñadas para darte una idea de la facilidad con que
pueden construirse progresiones desde los acordes diatónicos que provienen de las escalas mayores (ver páginas 22 y 23).
EJERCICIO ILas progresiones sencillas de l-V-l se usan mucho en el rock clásico. Ésta está adornada con un sus4 en La.
J. J. CaleJ. J. Cale es un cantautor norteamericano que fue pionero en los shuffles distendidos de country-blues que marcaron el camino de Mark Knopfler y Eric Clapton. Fue precursor del “sonido Tulsa", una mezcla distendida de rock ‘n’ roll, country, folk, blues y jazz, y entre sus canciones se encuentra el estándar de rock “After Midnight". Todos sus temas contienen un trabajo guitarrístico asombroso, delicado y complejo, pero los mejores incluyen también un gancho melódico irresistible.
112
Cómo tocar rock clásico
construyen sobre la escala mayor te permitirá empezar enseguida a escribir canciones y progresiones más allá de la de doce compases.
EJERCICIO II
Este ejercicio explora otros acordes en La, empezando por la sexta. Así, podría alternarse con el ejercicio anterior como una estrofa o un estribillo.
PISTA 54/3
EJERCICIO III
Una progresión en estilo de balada de rock clásico en Do. La línea ascendente sobre el acorde mayor del final se resolvería en un estribillo o estrofa basada en la tónica.
113
Aunque los estilos que te gusten no Impliquen acordes rasgueados
sino riffs y fragmentos de acordes, aquí aún especificamos los
acordes. Conocer el modo (mayor o menor) de los acordes que se
PISTA 54/2
Cómo tocar rock clásico
Riffs fácilesde blues-rockEl atractivo del blues-rock está en los riffs y licks tan imaginativos que utiliza: en realidad, las progresiones que
quedan por debajo de ellos suelen ser muy sencillas, si es que no son directamente de doce compases. Los
siguientes riffs muestran algunas de las cosas interesantes que pueden hacerse por encima de una progresión
de acordes que de otra manera sería bastante corriente.
Paul KossoffPaul Kossoff, expresivo y respetado guitarrista blusero de rock, fue más conocido como miembro del grupo británico de los setenta Free. Su gran éxito “All Right Now" llegó a ser un estándar de rock clásico. Reconocido por sus voces principales fluidas, lentas y melódicas y por sus riffs bluseros, “Koss” ocupó la 51a posición en el ranking de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.
114
EJERCICIO IA pesar de las pretensiones de la tercera menor (Do) en este riff, el
conjunto se mantiene potente y armónicamente ambiguo gracias a
los voicings con acordes de quinta.
PISTA 55/1
Cómo tocar rock clásico
Estos riffs sugieren la tensión y resolución de los acordes que llevan debajo o bien explotan la ambigüedad armónica que
PISTA 55/2
EJERCICIO IIUn solo en estilo de rock clásico basado en la escala de blues. Es armónicamente ambiguo si se toca en power-trio (sin acompañamiento).
PISTA 55/3
EJERCICIO IIIQuintas vacías con tonalidades ambiguas contrastadas con acordes mayores. El acorde de Re se Invierte de manera que queda la quinta en el bajo (ver páginas 48 y 49).
115
proviene de suprimir la tercera nota de la escala (en el caso del segundo riff).
Cómo tocar rock clásico
Solos“fuera de lo común”
Durante la época del rock clásico, los solos de guitarra empezaron a tomar ideas de ámbitos distintos de las
técnicas inspiradas en el blues que hemos tratado en el capítulo 4. A principios de los setenta, los guitarristas
de rock ya habían empezado a utilizar una gama más amplia de intervalos que los que se usaban en el blues. En
1971, el guitarrista pionero John McLaughlin formó la influyente Mahavishnu Orchestra, y así nació la fusión
jazz-rock. Cuando conozcas las técnicas que usaban los guitarristas de fusión, tus recursos se ampliarán y
podrás incorporar sonidos “fuera de lo común” a tus solos. Puedes empezar a mezclar armonías más complejas y
densas sólo con unas cuantas técnicas que no son más difíciles de entender que las escalas mayores y menores.
La escala disminuida consiste en: fundamental-2-b3-4-b5-b6-6-7.
Debido a que alterna intervalos de tono y semitono, tiene cuatro centros tonales: la primera nota, la tercera, la quinta y la séptima.
De esta manera, sólo necesitas tres escalas disminuidas para
cubrir las doce tonalidades que existen:
...y así sucesivamente a lo largo de toda la escala cromática. La
disminuida es cómoda de tocar gracias a su patrón de tonos y
semitonos alternados.
Otra escala simétrica (que divide la octava en partes iguales)
es la aumentada, o escala de tonos enteros.
EJERCICIO IEscala disminuida usada sobre una progresión de menor a mayor: se alternan Em y B7 en la primera
mitad, moviéndose hacia D y su dominante A7.
116
Cómo tocar rock clásico
Puesto que se compone exclusivamente de tonos enteros (uno
de cada dos semitonos), para cubrir las doce tonalidades sólo son
necesarias dos escalas de tonos enteros, separadas un semitono entre ellas. Es una escala dominante que puede usarse sobre
séptimas de dominante. Las escalas disminuidas y aumentadas amenazan las tonalidades mayores y menores que son Inherentes a
nuestra manera de pensar en la música. Por ello, suenan
excéntricas y ajenas al contexto de la música derivada del blues,
que daba un gran énfasis en el papel de la tercera. Como trastocan la tonalidad, seguramente no te quedarás mucho tiempo en ellas,
pero son una “señal de alarma" armónica perfecta cuando se usan para unir dos tipos diferentes de escalas.
EJERCICIO IIEscala de tonos enteros usada contra una progresión de Bm a E9 con un toque funk. El voicing de novena
evita la quinta, que sonaría disonante contra la quinta aumentada de la escala.
117
Cómo tocar rock clásico
Solo en estilode rock clásicoEl solo que proponemos incluye varios de los elementos característicos que hacen que las piezas de rock clásico
sean tan agradecidas de tocar. Se puntea sobre la progresión de acordes de la melodía de rock clásico de las
siguientes páginas, y pretende ser un buen punto de partida para que incorpores algunos licks y frases
esenciales de los solos de rock melódico. Haz solos con este riff de doce compases en Sol, y empezarás a activar tu intuición a la hora de incorporar estos licks y frases probados y comprobados.
Nuestro solo usa la escala menor de blues (la pentatónica menor
con la quinta rebajada añadida, ver página 61), contra una parte
rítmica que consta de quintas vacías: no hay terceras ni notas de
color que inhiban tu elección de las notas de la escala. Puedes usar los patrones de escalas de la página 62 combinándolos con el
cifrado.
PISTA 58
El poder del rock clásico“Stairway to Heaven”, de Led Zeppelin, el single que más veces ha sonado en la radio, “Bohemian Rhapsody”, de Queen, “Dream On”, de Aerosmith, “Brown Sugar”, de los Rolling Stones, “Born to be Wild”, de Steppenwolf, y “Hotel California”, de Eagles, son clásicos épicos del rock. La amplitud del rock clásico es enorme, tiene un tema para cada gusto, pero su impacto fue aún mayor, ya que movió la música popular de la calidez del blues al poder absoluto y visceral del heavy metal. Desde las baladas hasta los temas que se prestaban a la destrucción de guitarras, el poder del rock clásico dentro de la música es un legado tremendamente popular y aún vigente.
David GilmourGilmour es el guitarrista de Pink Floyd, su manera de tocar y componer tuvieron un papel decisivo en el éxito mundial del grupo en los setenta. Sus inconfundibles líneas vocales y de guitarra en The Dark Side of the Moon ayudaron a que se convirtiera en el tercer álbum más vendido de todos los tiempos.
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Como tocar rock clásico
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Cómo tocar rock clásico
120
Cómo tocar rock clásico
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Cómo tocar rock clásico
Tu primera canciónde rock clásicoNuestro tema de rock clásico tiene tres partes, cada una de las cuales usa técnicas de los grupos de hard rock
de principios de los setenta. Tiene un ritmo que encajaría en un tema de Led Zeppelin o Free. Escucha cómo su
dinamismo proviene de la caja en el contratiempo anterior al cuarto tiempo del compás.
La estrofa principal en Sol contiene voicings estridentes de acordes
de quinta, mientras que la siguiente parte de la estrofa se basa en
un riff melódico menos expansivo. Este último es un pasaje que
podría funcionar como break después del segundo estribillo. La
tercera parte modula a Re (la dominante de Sol), aportando así un
riff de estribillo potente.Improvisando con esta pieza aprenderás lo fácil que es tocar
patrones de riff tan corrientes como éste. Las técnicas que aparecen son hammer-ons, slides (de una sola nota y de acordes
de quinta), bends de cuarto de tono y vibrato de una sola nota. Una
vez que hayas añadido estos riffs rítmicos a tu arsenal guitarrístico,
ya tendrás una base armónica sólida sobre la que probar tus
propias ideas de solos.
PISTA 59
Grandes riffs de rockAlgunos de los riffs más memorables, reconocibles, cautivadores e imitados vienen de la base del rock clásico. Temas como “Back in Black”, de AC/DC, “Heartbreaker”, de Led Zeppelin, "Iron Man”, de Black Sabbath, y “Purple Haze”, de Hendrix, tienen riffs que por su atractivo y su reconocimiento mundial han eclipsado a las propias canciones. Otros, como “The Boys Are Back In Town”, de Thin Lizzy, y “Smoke On The Water”, de Deep Purple, han marcado el camino a cientos de aspirantes a compositores para crear sonidos emblemáticos que hagan a la gente tener a los clásicos siempre presentes.
SlashEn 1988, Guns N’ Roses obtuvieron su primer número 1 con “Sweet Child o’ Mine”, una canción que depende del riff magistral de rock clásico y del solo de guitarra de Slash. Su energía a la hora de tocar y sus riffs memorables ayudaron a que Appetite for Destruction fuera el álbum de debut más vendido de todos los tiempos.
Cómo tocar rock clásico
PARTE 1
123
Cómo tocar rock clásico
PARTE 2
2
124
Cómo tocar rock clásico
ESTRIBILLO
125
Cómatocarheavymetal
Se dice que la expresión proviene de “Born to Be Wild”, del grupo
Steppenwolf, que describe el sonido de las motos grandes como “trueno heavy-
metal” (en inglés, “trueno de metal pesado”). La música metal siempre ha
encontrado fans en las fundiciones y fábricas de zonas industriales, desde el
corazón de Estados Unidos hasta Birmingham en el Reino Unido y las ciudades
del valle del Ruhr de Alemania.
Desde finales de los setenta, grupos británicos como Iron Maiden y Def
Leppard revisitaron los sonidos de grupos de rock clásico como Deep Purple e
intentaron hacerlos más pesados. Mientras tanto, en California, grupos como
Motley Crué introdujeron el glamur y la sordidez. Después, grupos como Anthrax y
Slayer retomaron el delirio punk (como lo había hecho Motorhead en el Reino
Unido) e incorporaron riffs acelerados y ritmos vertiginosos. Le siguieron los solos
destructivos y el speed metal de los grupos similares a Dragonforce.
El siguiente capítulo desvela las técnicas que hacen al metal lo que es en la
actualidad, y lanza una bola demoledora a pasajes del rock duro clásico, dejando
al descubierto sus cimientos para que veas todos sus trucos.
Jackson Randy RhoadsLa guitarra eléctrica Jackson Randy Rhoads fue encargada inicialmente por el guitarrista de Ozzy Osbourne, Randy Rhoads, que, antes de su prematura muerte en un accidente de avión, quería una guitarra que imitara la aleta de un tiburón. Rhoads era estudiante de guitarra clásica, de manera que solía combinar influencias clásicas con su estilo heavy metal. Kirk Hammett, de Metallica, Phil Campbell, de Motorhead, y Adrian Smith, de Iron Maiden, son algunos de los instrumentistas que usan esta guitarra.
Cómo tocar heavy metal
ArmónicossuavesDe ninguna manera son exclusivos del metal, pero los armónicos han pasado a ser una parte esencial del arsenal del guitarrista de este estilo, y es donde suelen escucharse más. Eddie Van Halen (ver páginas 140-141) es el principal exponente de esta técnica, y los integra en melodías y riffs, en lugar de incluirlos a posteriori para
rellenar el resto de un compás.
En un principio, los armónicos fueron un recurso exclusivo de
instrumentistas de sonido limpio como George Harrison (cuyo solo
en “Nowhere Man”, de los Beatles, fue una auténtica proeza), pero
en realidad son más fáciles de ejecutar con sonidos que tienen
mucho gain, en los que la distorsión saturada incluso resalta las diferencias de volumen entre los armónicos y las notas pisadas, en
especial con compresión.
El sonido con el que identificamos la altura de una nota sólo es
la parte que más se escucha del sonido. Al mismo tiempo que se
produce esta “fundamental”, las cuerdas también están vibrando en
ciclos más cortos que dan lugar a una serie de sonidos más agudos
llamados “armónicos". Lo que produce la mezcla de sonidos propia
de la guitarra es la fusión de la fundamental y los armónicos. Por muy fabricados en serie que estén, no hay dos instrumentos que
suenen exactamente Igual.
El traste número 12 se encuentra justo a la mitad de la parte
que vibra de las cuerdas de la guitarra, y produce un armónico una
octava por encima de la fundamental. Si divides cada longitud de
cuerda en tres, sobre el 7° o el 19° traste, se produce un armónico
tres veces más agudo que la fundamental (una octava más una
quinta por encima), y así sucesivamente, hasta que llegan a ser tan
agudos que el oído humano no los percibe.
Haz sonar un armónico colocando la punta de tu índice
directamente sobre el traste, no justo detrás como haces cuando
pisas las cuerdas de manera convencional. No bajes la cuerda
hasta el traste, sólo tócala con suavidad. Levanta el dedo de la
cuerda tan rápido como puedas justo después de puntear la cuerda.
Los armónicos requieren empeño y práctica en la mano izquierda,
pero una vez que hayas entendido la técnica te resultarán algo
natural.
ARMÓNICOS DE NOTAS PISADAS
Lo divertido empieza cuando ya tocas con seguridad armónicos de
cuerdas al aire y pasas a los armónicos a partir de cuerdas
pisadas. Esto requiere una técnica de mano derecha similar al
tapping a dos manos (ver páginas 132 y 133), pero con la diferencia
fundamental de que se hace sonar el armónico con la mano
derecha en un traste superior, en lugar de pisarlo.
Supongamos que quieres puntear un acorde de Sol abierto
como primer armónico, para que suene una octava por encima de la nota pisada (Ejercicio I). Sostén la púa entre los dedos pulgar
y corazón y, con la mano rígida, estira el índice para pisar el
armónico con la yema. Igual que cuando tocas armónicos de
cuerdas al aire con la mano izquierda, puntea la nota mientras
mantienes el índice contra la cuerda y luego retíralo enseguida.
Pisando nuestro acorde de Sol con la mano izquierda de
manera normal, haz sonar un armónico con la mano derecha como
indicamos más arriba, en el 15° traste de la cuerda Mi grave, 14°
128
Cómo tocar heavy metal
traste de la cuerda La, 12° traste de las cuerdas Re, Sol y Si al aire,
y el 15° traste de la cuerda Mi agudo. ¡Ya está! Este acorde te
demostrará que puedes tocar cualquier acorde de esta manera si la
nota pisada más arriba del mástil (que no es lo mismo que decir
la nota más aguda) se encuentra en el 9o traste o más abajo en un mástil de 21 trastes, en el 10° para mástiles de 22 trastes, o en el
PISTA 60/1
12° para mástiles de 24 trastes. Simplemente pulsa el armónico
directamente sobre el traste una octava más arriba. Fíjate en los
armónicos de cuerdas al aire y de cuerdas pisadas en los ejercicios
de este capítulo.
EJERCICIO I
Armónicos pisados punteando un arpegio de Sol al aire.
EJERCICIO II
Arpegios de Re, La y Sol mayor punteados con armónicos pisados. La compresión o distorsión añadirán sustain y te ayudarán a dominar esta técnica un tanto complicada.
129
PISTA 60/2
Cómo tocar heavy metal
Riffs fáciles de quintasvacías con afinación drop-DA estas alturas ya está claro que muchas de las “reglas” del rock, por complejas que parezcan, están ahí para
facilitar las cosas. La afinación drop-D es una de ellas. Significa simplemente que la cuerda Mi grave se afina un
tono más abajo, en un Re, de manera que la afinación quedaría así: Re-La-Re-Sol-Si-Mi.
Las tres cuerdas más graves están ahora afinadas para un acorde
D5, la quinta vacía que consiste en fundamental, quinta y octava.
Tocadas con el índice como acorde móvil, estas tres cuerdas son
una potente herramienta del heavy metal, ya que aportan un
sonido muchas veces distorsionado a la vez que permiten cambios
muy rápidos.La afinación drop-D comenzó como una técnica de punteo sin
púa, que permitía conservar el bajo mientras se tocaba en la tan
utilizada tonalidad de Re. Pero los slides usando las tres cuerdas
más graves son sorprendentemente suaves y precisos
comparados con el apagado que suele preferirse cuando se
cambia de acorde. Y por supuesto siguen sirviéndote todas las
disposiciones móviles de acordes basadas en la cuerda La que ya
conoces, mientras que muchos voicings de cuerdas al aire sólo
requieren pequeñas adaptaciones.
DROP D
La afinación drop-D te permite hacer slides en riffs enteros. Diviértete creando riffs de quintas vacías basados en notas de cualquier escala que elijas. Gracias a la simplicidad de la armonía de las quintas, puedes hacer slides de semitono, o hammer-ons de tono entero, con el valor rítmico de notas de paso. Los licks de cuerdas al aire se incorporan con facilidad, como en el Ejercicio II.
EJERCICIO IUn riff neoclásico basado en arpegios menores de Fa. Fijate en el slide de todo el acorde de quintas
vacías en el compás final.
130
PISTA 61/1
Cómo tocar heavy metal
Kerry KingLa manera de tocar del guitarrista Kerry King, de Slayer, suele centrarse en
la velocidad y el caos más que en la melodía. Sin embargo, su estilo inquebrantable le ha dado un sonido muy característico. Además de su firme
trabajo rítmico, tiene también un estilo de solos único que algunos han llamado “toma el mástil de la guitarra y cuélgate de la barra de trémolo
como si te fuera la vida en ello". A pesar de ello, hay que decir que King ha creado prácticamente por sí mismo un estilo de solos completamente nuevo, y ha influenciado incontables grupos de thrash y death-metal.
"No tiene sentido tener una afinación sólo para una canción.
Así que tenemos unas dos afinadas con siete cuerdas,
tenemos cuatro bajadas a Si, y el resto del disco está afinado en Re
sostenido."Kerry King (Slayer) sobre las afinaciones rebajadas en el álbum Speak In Tongues
EJERCICIO II
Este sencillo riff de quintas vacías en MI (pasando a Sol, la tercera menor) se facilita aún más gracias a la afinación drop-D, que te permite hacer cejillas con el índice y el meñique.
131
PISTA 61/2
Cómo tocar heavy metal
Licks fáciles de tappinga dos manosEn los tiempos que corren, nada te identifica más como guitarrista que dominar las técnicas de tapping. La
primera pieza popular de tapping de la historia reciente fue “Eruption”, de Eddie Van Halen, muestra de los
conocimientos técnicos del estilo. Siempre oirás hablar más del tapping a dos manos, pero vamos a explicar primero el tapping a una mano. El tapping puede aplicarse a cualquier nota. Normalmente implica hacer sonar la
segunda nota de una frase percutiendo el primer o segundo dedo de la mano derecha justo detrás de un traste
que se encuentre más arriba en el mástil en esa misma cuerda, por lo general en el doce.
El tapping a dos manos combina esto con hammer-ons y pull-offs
con la mano Izquierda. Mientras que el tapping a una mano da lugar
a diadas, el tapping a dos manos produce frases de tríadas o más.
Si coordinas los dedos de ambas manos de manera precisa,
puedes ejecutar trinos en tríadas, arpegios y otros intervalos.
Gracias a la anchura de los Intervalos que usa el tapping, pueden conseguirse sonidos alucinantes, como de otro mundo, que encajan
en temas épicos sinfónicos o en uno conceptual de ciencia ficción.
imagínate que con tu mano derecha estás percutiendo una
tecla de plano. Intenta desarrollar suficiente control como para
pisar la nota nueva con la firmeza necesaria para que puedas
soltarla rápido después de que haya sonado claramente.
También puedes aguantarla más tiempo, incluso añadiendo
vibrato con un movimiento firme pero suave hacia arriba y hacia abajo del dedo que pisa la cuerda. Éste es un estilo legato,
así que te interesará que los sonidos sean suaves y se unan
entre sí.
Algunos guitarristas prefieren percutir con la yema del primer
dedo, y otros con la del segundo. Depende de cómo te venga
mejor para retirar la púa rápidamente.
EJERCICIO IEste arpegio mayor en Si contiene una cuarta en hammer-on. Practica retirar el cuarto dedo de la mano izquierda del séptimo
traste justo después de haber percutido el duodécimo con la mano derecha.
132
Cómo tocar heavy metal
BucketheadBuckethead, músico, compositor y virtuoso estadounidense de la guitarra, es
famoso por la característica indumentaria que lleva sobre el escenario y por su alucinante velocidad al tocar. Aunque sustituyó por un tiempo a Slash en Guns N’
Roses, Buckethead ha sacado 29 álbumes en solitario, ha tocado en otros 50, y ha sido artista invitado en más de 40 álbumes diferentes de varios artistas. Su música abarca áreas tan diversas como el metal progresivo, el thrash metal, el
funk, la electrónica, el jazz, el bluegrass y la vanguardia, y fue votado número 8 en la lista de los 20 guitarristas más rompedores de todos los tiempos de la
revista GuitarOne.
Algunos guitarristas percuten con el borde de la púa, pero la mayoría esconden la púa hacia el Interior de la palma con el índice y el pulgar o bien estiran el índice y percuten con él, cosa que resulta menos natural al principio, pero en una serie de notas punteadas permite una Incorporación más rápida de la técnica.
El tapping requiere una muy desarrollada coordinación de las manos. Sin embargo, por si acaso te desanimas, ten en cuenta que tu técnica despegará una vez que empieces a aplicar distorsiones saturadas.
PISTA 62/2
EJERCICIO II
Un lick Inquietante en Re menor que se mueve entre la quinta y la quinta aumentada.
133
Cómo tocar heavy metal
Riffs y licks al estilode Led ZeppelinResurgido de las cenizas de The Yardbirds, Led Zeppelin desarrolló su potente carrera en el rock a lo largo de los
setenta. Sus patrones monolíticos de bajo y batería inspiraron el hip-hop: la introducción de batería sampleada
de “When the Levée Breaks”, de Led Zep IV, aportó la base para muchos éxitos del rap de los noventa, lo que hizo que su legado siguiera vivo y se reincorporara al desarrollo de la cultura pop.
“Zep” es conocido por su impactante pirotecnia, sus riffs y sus
vistosos solos. Aunque al guitarrista Jimmy Page se le conozca por
su manejo en el escenario de sus Les Paul o Gibson SG twin neck,
también era un músico de estudio muy aplicado, y creaba texturas
con acústicas, Telecasters y eléctricas de doce cuerdas.
El Ejercicio I suena a riff de finales de los sesenta o principios de los setenta. Propuesto aquí en La, verás que la tercera mayor no
aparece, a la manera de los riffs de quintas vacías de verdad. El
segundo compás lleva un ritmo estricto de semicorcheas que suena
genial encima de una base tranquila al estilo Bonham.
Este ejercicio contiene un riff sencillo y agresivo que deja espacio
para algún espectacular relleno de batería al estilo de John Bonham.
Como Led Zeppelin era un grupo con sólo una guitarra, el
establecimiento tanto de la armonía como de la melodía recaía sobre
Jimmy Page, y también tenía que sugerir acordes en sus riffs cuando
no se expresaban explícitamente. Aquí se alterna un riff sobre la pentatónica mayor de Sol con un acorde de quintas vacías de A5.
Page tocaba muchos licks llamativos y virtuosos que usaban
sextas. La sexta aparece en la escala pentatónica mayor e introduce la tonalidad mayor en un riff de quintas vacías (mostrado
aquí en la tonalidad de Mi, habitual en el rock). El Ejercicio II es
representativo de uno de los licks de sextas de Page, y muestra la
influencia del country y el rock ‘n’ roll en su manera de tocar, con
string bends de tono entero muy precisos.
PISTA 63
EJERCICIO IUn A5 seguido de un riff sobre la pentatónica mayor de Sol. G es el acorde bVII de la escala base de La,
que no se ha armonizado aquí pero está implícito en las notas del riff.
134
Cómo tocar heavy metal
Jimmy PageCon su denso sonido de blues-rock conducido por la guitarra, Led
Zeppelin suele ser considerado como uno de los progenitores de la música heavy metal y el rock duro. El guitarrista Jimmy Page,
descrito como “sin lugar a dudas uno de los guitarristas y compositores más influyentes, importantes y versátiles
de la historia del rock”, fue clasificado en el número 9 del ranking de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la
revista Rolling Stone.
PISAR US CUERDASLa manera de pisar las cuerdas de Jimmy Page, con notas cortas percutidas y apagado con la mano izquierda, propició que se le ocurrieran riffs sencillos y emblemáticos, como el de "Whole Lotta Love”. Muchos de sus riffs más famosos contienen sólo cuatro o incluso tres notas. Su sonido ha resistido el paso del tiempo; "Come With Me", de Puff Daddy, en el que aparece el riff de Page de “Kashmir”, demuestra que la canción efectivamente sigue siendo la misma.
EJERCICIO IIRiff de sextas mayores sobre la pentatónica mayor de Mi. La línea principal
impone su tonalidad sobre las quintas armónicamente ambiguas.
135
Riffs y licks al estilode Black SabbathBlack Sabbath dio su paso decisivo a principios de los setenta. Al ser pionero de los conciertos en estadios, llegó
a niveles de amplificación hasta entonces desconocidos y encontró la fama tanto en su Reino Unido natal como
en Estados Unidos. Sus temas clásicos, como “Paranoid” y “Iron Man”, remarcan riffs densos más que virtuosos, pero la accesibilidad de sus riffs ha sido precisamente una de las razones de su tan duradera popularidad.
Siendo jóvenes alienados de clase trabajadora, no tenían
aires de grandeza, y su música presenta una falta de pretensiones
única fuera de los grupos punk. De la misma manera que
aprender las progresiones de los Ramones te permitirá tocar
enseguida temas enteros, los riffs al estilo de Black Sabbath
son una manera relativamente rápida de notar cambios
significativos en los dedos.Para compensar una lesión en la mano, Tony lommi, el
guitarrista, fue el primero en proponer las afinaciones rebajadas
en la guitarra, que influyeron en los grupos de metal de hoy
(y también el desarrollo de guitarras de siete cuerdas), con riffs
agitados y cíclicos, lommi usaba la afinación drop-D (ver páginas
130 y 131), pero su afinación preferida se conoce como “rebajar una tercera menor", y significa afinar cada cuerda un tono y
medio por debajo de la afinación estándar. La ventaja es que
te permite tocar disposiciones de acordes conocidas, de manera
que, por ejemplo, un acorde de La mayor se obtiene con la forma
de Do convencional, y así sucesivamente para todos los demás acordes, como en la tabla de transposición de la página 33.
No obstante, estos ejercicios se proponen en afinación
estándar. El Ejercicio I usa el famoso tritono: la quinta disminuida,
prohibida en la música sacra durante la Edad Media. Todo un
presagio, este intervalo es el que se repite al principio de
“Purple Haze”, de Jimi Hendrix. Este riff móvil de cuatro compases
se toca aquí en Do#, comenzando en la cuerda Mi grave: lommi
solía usar voicings de acordes tocados en las cuerdas graves
hacia la mitad del mástil, por sus cualidades sonoras en los medios.
Paul LearyLa música de Paul Leary, el guitarrista de Butthole Surfers, se basa en el punk hardcore con un sonido que incorpora elementos de la accesibilidad de Sabbath.
Cómo tocar heavy metal
Gran influenciaBlack Sabbath ha influenciado el nu-metal, el grunge y, anteriormente, el hardcore americano, como se aprecia en “Sweat Loaf”, de Butthole Surfers, un homenaje descarado a
“Sweet Leaf”, de Sabbath.
Cómo tocar heavy metal
Este ejercicio también presenta el tritono Do#-Sol como un
acorde de quinta de paso de camino a la dominante.
El Ejercicio II muestra una técnica habitual en lommi: muchos
riffs de Black Sabbath son quintas vacías sencillas con sólo dos
notas. En el primer compás aparecen hammer-ons para aumentar la
velocidad.
EJERCICIO I
Riff de quintas vacías de tritono (b5) en Do. Este intervalo proviene
de la escala base de donde se construyen los acordes.
PISTA 66
EJERCICIO IIRiff de quintas vacías en La precedido de una línea sencilla en hammer-on que usa la cuarta y la sexta.
137
En lo que se refiere al sonido, Black Sabbath podría haber inspirado la escena de la película Spinal Tap en la que el guitarra solista Nigel Tufnel asegura que todos los controles de sus amplificadores “van hasta el once”. En la práctica, fija tu gain en el punto en que las notas aguantadas estén justo a punto de acoplarse, antes de ajustar el volumen máster al nivel que requiera la mezcla del grupo.
Cómo tocar heavy metal
Riffs y licks al estilode AC/DCDurante más de treinta años, Angus Young, miembro fundador y guitarra solista de estos rockeros australianos, ha hecho giras por todo el mundo. Clasificada como “metal”, su música es en realidad una especie de saturado
blues de bar, con un montón de solos basados en la escala pentatónica y en la de blues, pero con voicings a seis
cuerdas que hacen que los acordes de quinta sean lo suficientemente expansivos como para llenar estadios.
EJERCICIO ISi pisas el D5 con cuerdas al aire con los dedos primero y tercero, en la parte principal de este riff
podrás colocar el segundo dedo pisando el Do en la cuerda La.
138
Angus Young opta por sonidos saturados e incisivos más que por la distorsión saturada que se esperaría. Así consigue suficiente cantidad de sonido limpio para que cada nota se oiga por separado. Para ser un instrumentista de Gibson, su sonido es relativamente brillante y pasa por encima de la mezcla.
Con su contoneo de punta a punta del escenario, en una versión
animada del “caminar de pato” de Chuck Berry, Angus Young
asumió una parte importante del liderazgo del grupo, en especial
después de la muerte de Bon Scott, el vocalista original.
Musicalmente, sin embargo, el sonido AC/DC es una mezcla muy
cuidada de las frases principales, eficaces y concisas de Angus y el
ritmo sólido de su hermano Malcolm. Los hermanos Young muchas veces tocan dos voicings diferentes del mismo acorde, un factor
muy importante en el sonido “macizo” característico de clásicos
como “Touch too Much” o "You Shook Me All Night Long".
Cómo tocar heavy metal
"Nunca nos hemos considerado un grupo de heavy metal; siempre nos
hemos visto como un grupo de rock. La gran diferencia es que siempre
hemos pensado que tenemos mucha más intuición para el rock,
siempre hemos buscado canciones, no riffs o sonidos heavy de verdad.
Pero de vez en cuando sí que nos sale como si fuera un mazazo."Angus Young (AC/DC)
El Ejercicio I contiene un riff de ocho compases. Fíjate en que
el Do del bajo añade interés a los cuatro primeros compases
mediante la escala de blues, ya que es la séptima menor del
acorde D5 y la tercera menor de A5. En los cuatro siguientes
compases, la nota de paso cromática Fa# entre el G5 y la cejilla
de Fa mayor es la tercera mayor de Re y la sexta mayor de La, de
manera que se establece la tonalidad y se unen las dos partes de
este riff cíclico.
En el Ejercicio II, la responsabilidad de establecer la tonalidad
recae en la guitarra rítmica (si la hay), mientras el solista toca un
riff de quintas vacías. El La del primer compás lleva un Do# en el
bajo: es una primera inversión (ver páginas 48 y 49). La repetición
de una nota del bajo (normalmente la tónica) contra acordes que
van cambiando es un recurso habitual en la música rock y
contribuye a su sonido expansivo.
AC/DC hace un muy buen uso del espacio dentro del compás para aumentar la expectación. Sus riffs deberían tocarse a
volumen alto, pero suelen tener mucho contenido melódico: un
apagado preciso con la mano izquierda evitará que resuenen
cuerdas que no quieres.
EJERCICIO IIRiff de quintas vacías en Re/Do en el que aparece una primera inversión del La al estilo de AC/DC en el primer compás.
139
Cómo tocar heavy metal
Riffs y licksal estilo de Van HalenCuando en 1978 Van Halen lanzó su álbum debut del mismo nombre, significó nada menos que una reinvención
del metal. Subrayando las preocupaciones de la juventud y el hedonismo del rock n’ roll más que el virtuosismo y el cansancio, devolvieron al rock duro la vistosidad, la exuberancia y un poco del sol de Los Angeles.
El guitarrista Eddie van Halen es hijo de un reputado líder de grupo
holandés, y no hay duda de que lleva la facilidad para la música en
los genes. Su repertorio de técnicas incluye el tapping a dos manos
(ver páginas a 132 y 133), los armónicos (ver páginas 128 y 129),
las bombas de trémolo radicales (ver página 59) y el punteo en
trémolo (punteo rápido como de metralleta que ayuda a mantener
una nota cuando la armonía lo requiere), además de un punteo barrido rápido y elegante.
Tampoco es el más torpe con la guitarra rítmica, ya que crea
riffs Imaginativos que pueden exagerarse o minimizarse (pueden ser
tocados con un mayor o menor número de notas y con punteo
fuerte o suave), según lo pida la parte vocal.
El Ejercicio I propone un riff así, en La, que usa una nota pedal
de La al estilo del metal clásico (ver páginas 42 y 43). La
resonancia de la cuerda Sol al aire del segundo compás puede
Eddie van Halen prefiere las guitarras de forma Strat con puente fijo y suele tocar con una “humbucker" en el puente. Usa el phasing combinado con una señal bypass y prefiere una EQ (ecualización) que deje los medios huecos.
sostenerse o apagarse, y todo el ejercicio puede apagarse más o
menos con la mano derecha, dependiendo de si tu vocalista está cantando a plena potencia o no.
EJERCICIO ILos bends de cuarto de tono contra la tónica colocan claramente a este riff en el territorio del rock clásico. La continuación del pedal
de bajo de la contra el Dadd4 (la subdominante) crea una ambigüedad armónica espaciosa.
140
Eddie Van HalenEn 1978, el lanzamiento del álbum
debut de Van Halen, Van Halen,
reescribió las reglas del rock duro. El guitarrista Eddie van Halen había
desarrollado una técnica rápida como un rayo, que incorporaba una
combinación de tapping a dos manos, hammer-ons, pull-offs y efectos.
Original, imaginativo y radical. Van Halen acabó convirtiéndose en el
grupo de rock ‘n‘ roll estadounidense más popular de finales de los setenta
y principios de los ochenta, dejando bien alto el listón para el rock duro y el
heavy metal que vendrían después.
En el Ejercicio II aparecen acordes mayores en segunda
inversión. Con la quinta en el bajo, los que tienen cejilla se pisan
simplemente con la fundamental en la cuerda La, ya que se pueden
formar con una cejilla simple sobre las cuerdas Re, Sol y Si. Igual
que el riff al estilo de AC/DC de la página 139, es un buen ejemplo
EJERCICIO II
Estas segundas inversiones dan un fuerte carácter mixolidio contra un bajo de Mi mantenido.
141
PISTA 70
de la manera en que los Instrumentistas de metal usan las quintas
vacías para conducir una melodía. Este riff tiene el carácter
desaliñado de barrio que se escucha en temas como "Running with the Devil".
Cómo tocar heavy metal
A continuación de la nota pedal de Mi del primer compás viene un
acorde de quintas vacías construido sobre el tritono (Sib) de la
escala base (Mi), lo que contribuye a la anticipación. El resto del
segundo compás se compone de quintas vacías de dos notas,
sencillas pero eficaces, que facilitan los cambios rápidos
característicos del estilo thrash.El Ejercicio II es un ejemplo de riff con cuerdas al aire.
Tiene carácter de balada y por lo tanto debería tocarse limpio
(es decir, sin distorsión), quizá con un toque de chorus, para
que el sonido rico y modulante ayude a mantener la resonancia
de las cuerdas Mi y Si al aire. Se compone de fragmentos de
acordes de Mi mayor y acaba en la dominante para sugerir
de nuevo el principio. Fíjate en cómo el Bsus4 refuerza esta sensación, ya que la cuarta de la dominante es la nota base
del acorde de tónica.
142
Riffs y licksal estilo de MetallicaDurante la primera mitad de los ochenta, Metallica contribuyó a definir el género emergente del thrash metal, soldando los riffs de Black Sabbath con el tempo del punk. Después, como respuesta al éxito de ventas, pasaron
a llevar su música en una dirección más comercial con Master of Puppets, de 1986, que contenía tempos más
lentos y mostraba el lado más baladístico del grupo.
Metallica fue de los primeros en usar pastillas específicas para
guitarristas de metal, con sonidos más oscuros y más armónicos
que los diseños clásicos antiguos. Los armónicos (ver página 128)
son una característica muy importante de los solos de Kirk Hammett, que normalmente incluyen arpegios en barrido de las
escalas pentatónica, de blues, de tonos enteros y cromática (ver
páginas 60 y 64). El grupo fue pionero en el sonido moderno de metal que se caracteriza por ahuecar o cortar las frecuencias
medías, buscando un sonido dulce en un gain saturado, con
muchos agudos para favorecer los armónicos.
El Ejercicio I propone un riff de dos compases en Mi que
encajaría en una estrofa de un tema de Metallica. Pruébalo sólo
con rasgueos hacia abajo para obtener un carácter agitado.
PISTA 71
EJERCICIO ILa secuencia de quintas vacías basada en la escala de blues del segundo compás armoniza una progresión de Bb5-B5-G5-F#5.
Kirk HammettEn los primeros temas de Metallica figuraban tempos rápidos,
instrumentales y una musicalidad agresiva que los colocó entre los cuatro primero grupos de thrash metal, junto a Slayer, Megadeth y
Anthrax. La influencia del guitarrista Kirk Hammett los llevó a crear un sonido más melódico y controlado. Aprendiendo y mejorando
continuamente, Hammett recibió clases de Joe Satriani para ampliar su estilo. De Satch aprendió las técnicas y los entresijos del jazz, el blues y los estilos clásicos, y a lo largo de los noventa la manera de
tocar de Hammett pasó de su metal inicial a un estilo hendrixescomás terrenal.
PISTA 72
EJERCICIO II
Las cuerdas Mi y Si al aire se prestan a un punteo alternado en el que las dos primeras notas de cada compás se puntean hacia arriba y las dos siguientes hacia abajo.
143
Kirk Hammett hace un uso extensivo del pedal de wah-wah, a veces dejándolo en posición como herramienta de moldeado del sonido. Ha dicho: “El wah-wah es una extensión de mi personalidad... Me tendrán que cortar la pierna si quieren que deje de usar el pedal de wah-wah”.
Cómo tocar heavy metal
realidad es un entrenamiento para la mano derecha. Tócalo con y sin palm mute. Empieza lentamente y ve acelerando el tempo según vas asimilando la técnica.
EJERCICIO IAquí se usa un patrón de punteo de semicorcheas para una progresión D5-G5-C5 seguida de una primera inversión de Sol en el cuarto compás.
144
Baja el gain un poco más de lo que en un principio te esperarías. Es importante dar definición a cada nota aunque mantengas un sonido denso y saturado.
Riffs y licksal estilo de SlayerThrash metal, black metal, death metal... La discusión sobre el nombre correcto del género aún no se ha
acabado. Pero, lo llames como lo llames, con la práctica las técnicas del estilo speed-metal son más fáciles de
aprender de lo que parece. Gracias a grupos como Megadeth, Pantera y Lamb of God, junto con pioneros del género como Venom y Bathory, el black metal se ha manifestado durante más de treinta años mediante riffs agitados, armonías oscuras y metáforas apocalípticas.
El álbum de Slayer de 1986, Reign in Blood (junto con su casi homónimo tema “Raining Blood”) es todo un referente de las técnicas del speed-metal. Los guitarristas Kerry King y Jeff Hanneman intercambian licks feroces, a menudo en afinación rebajada una tercera menor (ver páginas 134 y 135), y líneas solistas dobles capaces de invocar fuerzas oscuras. SI quieres hacer música que parezca sacada de una mazmorra en lugar de un estudio, ármate con las siguientes técnicas de tortura auditiva.
El Ejercicio I, en Re, muestra el ritmo de speed-metal conocido como "el galope”. Lo reconocerás en cuanto lo oigas. Tócalo de manera precisa con una técnica de punteo firme. Aunque es esencial pisar las cuerdas de manera exacta y coordinada, en
Cómo tocar heavy metal
Kerry KingKing, de Slayer, apocalíptico en estilo y en contenido, demuestra una habilidad decisiva a la hora de tocar.
No escasean los malos ejemplos de esto: en la teoría no se explica, así que sólo la técnica y la experiencia separan lo bueno de lo malo. Los temas de Slayer suelen estar compuestos de una serie de secciones con ritmos y compases diferentes. En la misma canción pueden aparecer pasajes punky movidos en 2/4 y secciones en compás compuesto (ver páginas 26 y 27), que requieren distintas velocidades de punteo. Te será útil dejar la mano Izquierda rígida (sólo de manera excepcional) para pisar las cuerdas de manera precisa con el primer y tercer dedos tal como lo exigen las quintas vacías al estilo de Slayer.
King y Hanneman tocan riffs con los Intervalos trágicos de Tony lommi y la destreza de Eddie Van Halen. En el Ejercicio II aparece un riff en MI menor que podría ser de Slayer a juzgar por su uso retorcido de Intervalos como la quinta rebajada (Sib). Una vez que lo domines, tócalo con una grabación o con un loop del riff, en los mismos trastes, una cuerda más arriba para cada nota. Así conseguirás una armonía de cuartas justas: un sonido Inequívocamente metal.
PISTA 74
EJERCICIO II
Este riff requiere una técnica de punteo precisa. La resonancia de la cuerda MI grave contribuye a su carácter amenazante.
145
Cómo tocar heavy metal
Riffs y licksal estilo clásico de SlashEl éxito aplastante del álbum revelación de Guns N’ Roses, Appetite for Destruction, fue una llamada de atención
dentro del mundo del metal, que tuvo que fijarse en el grupo cuando se lanzó en 1987. Marginados por la crítica
y tildados de rock ‘n’ rolleros cutres frente la pulcritud del glam-metal repeinado del Los Angeles de aquella
época, GNR demostró que para el público más amplio, los solos acelerados y la regrabación sofisticada y
multipista no podían igualar a los riffs del rock clásico, a canciones cantadas desde el corazón y licks sencillos
pero eficaces.
EL “SONIDO DE MUJER”Con pocos efectos entre la guitarra y el ampli (aparte del wah), el sonido de Slash es una versión actualizada del clásico “sonido de mujer” de la Les Paul de Eric Clapton, que se consigue ajustando el volumen de la pastilla del mástil al máximo, la del puente entre el cinco y el seis, y los dos controles de sonido bajos, con el selector en posición de desfase (media). Sin embargo, las opiniones están divididas y algunos guitarristas sostienen que sólo es necesaria la pastilla del mástil.
EJERCICIO IAñade una distorsión suave y saturada a la figura compleja y legato de este ejercicio para convertirlo inmediatamente en Slash.
146
Para una nueva generación de jóvenes de los suburbios de todo el
mundo, Slash reinterpretó la clásica manera de tocar basada en el carácter, y llegó a ser uno de los músicos más reconocibles del
mundo gracias al sello personal de su sombrero de copa, el pelo
largo y las gafas de sol.
Mientras que Guns N' Roses se había fundado en medio de
un laberinto de perfeccionismo en la grabación, Slash siguió
aportando su marca de rock basado en el blues con Velvet
Revolver y trabajando como acompañante y compositor para los
artistas que más grababan de todo el mundo, como Michael
Jackson.
Slash es uno de los maestros del sonido de la guitarra: el suyo no es un zumbido peludo y descontrolado, sino una distorsión suave, saturada y cremosa que ayuda a tocar legato.
En el Ejercicio I tienes una aproximación a un riff al estilo de
Slash para que te lo hagas tuyo. Este lick tan evocador usa un ciclo
de ocho compases en Fa y alterna cada cuatro los dos acordes que van puntuando los arpegios.
El Ejercicio II se basa en otro elemento favorito de Slash: la
escala menor de blues tocada contra una parte rítmica de riffs
rápidos, en este caso una progresión l-V-IV-l en Fa#, con una línea
de bajo cromática que Incluye tanto la séptima menor como la
mayor. La parte solista contiene bends de unísono clásicos a la
octava de Fa# y hammer-ons, junto con la tercera menor contra la
dominante para obtener un auténtico sabor de blues.
PISTA 76
EJERCICIO II
Licks y bends sobre la escala menor de blues de Fa# adornados
con un wah al estilo de Slash.
SlashPulido y ultrarrápido, Slash tiene preferencia por el vibrato y los hammer-ons y pull-offs para tomar velocidad. No usa su mano derecha para la velocidad sino para añadir un carácter percutido a sus solos. Su estilo se basa en la escala de blues y en la armónica menor y toca con un carácter fuerte y melódico.
147
Cómo tocar heavy metal
Tu primera canciónheavy metal con soloMuchos de los grandes temas que surgieron de la segunda oleada del metal a finales de los ochenta, como
“Since You’ve Been Gone”, de Rainbow, suenan hoy como clásicos del rock duro. Esto se debe a que otros
grupos de metal de la época (como Motorhead, Iron Maiden y Judas Priest) se encargaron de establecer hacia dónde iría el sonido del género. Las afinaciones rebajadas, los solos en barrido y las letras basadas en mitos o
batallas históricas pasaron a ser la norma.
El siguiente tema tiene una estrofa formidable. Para empezar, la afinación de la guitarra se rebaja un tono entero. Después, la
progresión de la estrofa se mueve desde una tónica en quintas vacías hasta una tercera menor en quintas vacías, y de la tónica
vuelve otra vez a la quinta rebajada (tritono). Ah, y por último, está
en compás de 5/4, así que tendrás que contar cinco pulsaciones
en cada compás.
Con la cuerda más grave rebajada otro tono más (de manera
que sería de hecho una afinación “drop-C”), podrías tocar este riff
usando sólo las dos cuerdas más graves (ver páginas 130 y 131). Nuestros acordes siguen una progresión amenazadora y para nada
disparatada de D-F-D-G#, y la parte cifrada alterna el toque apagado y el abierto, también con palm muting como el que acompañaría al
gruñido subterráneo de un vocalista de metal.
El estribillo oscila entre las quintas vacías construidas sobre la
dominante y la quinta aumentada (ver página 117), junto con la
subdominante. El solo, que incluye líneas cromáticas punteadas con
trémolo, unido al patrón de doble bombo de semicorcheas, es un
homenaje a los héroes del black metal de hoy.
Dave MurrayIron Maiden fue uno de los grupos de heavy metal ingleses de finales de los setenta que exhibía riffs sencillos de guitarra, chillidos vocales y acordes demoledores. Su trabajo inspiró otros subgéneros del heavy metal como el power metal y el speed metal. El estilo de su guitarrista Murray se basa principalmente en el legato de sus solos, y se le conoce por la fuerza innata de sus dedos, que aprovecha para usar hammer-ons y pull-offs con frecuencia.
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Cómo tocar heavy metal
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ESTROFA
Cómo tocar heavy metal
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Cómo tocar heavy metal
ESTRIBILLO
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Cómo tocar heavy metal
SOLO
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Cómo tocar heavy metal
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Cómo tocar la guitarra rítmica
No te engañes: las líneas de solo no son lo único Interesante de una pieza de música. Esos
fragmentos de melodía no tendrían el Impacto que tienen sin la armonía que se establece detrás
de ellos. La guitarra rítmica es la columna vertebral del rock. Sin ella, no hay ni riffs, ni ritmo, ni
canción. No Importa cuán buenos sean tus solos: nadie va a tocar contigo si no eres capaz de
establecer un buen ritmo. No supongas que tu parte rítmica tiene que limitarse a rasguear o
arpegiar voicings de acordes convencionales. Desarrolla tu comprensión de los
intervalos y usa al máximo esa libertad musical para escapar de las
disposiciones estándar.
Puede que la tuya sea la única guitarra del grupo, y que ya estés
pensando en las técnicas y frases más eficaces para rellenar el
espacio armónico que dejan el bajo y la batería. Pero si hay dos
o más guitarras en la formación, tendrás que pensar en que
las dos pueden estar haciendo algo armónicamente
interesante en todo momento, sin estorbarse entre
ellas: Ir rasgueando acordes con cejilla sería perder
esa oportunidad. Cuando se tocan partes rítmicas,
la guitarra actúa como parte de la sección rítmica.
Así que debes pensar en cómo "encajar" con el
batería y el bajista. Al igual que a un batería, te
Interesará desarrollar una precisa coordinación
de manos para seguir el ritmo de manera exacta.
Fender TelecasterLa Telecaster es conocida por producir tanto sonidos brillantes y afilados como dulces, cálidos y bluseros, dependiendo de qué pastilla selecciones: la del puente para los primeros y la del mástil para los segundos. Esta característica la convierte en una guitarra tremendamente versátil, válida para la mayoría de los estilos de música, desde el blues hasta el rock pasando por el jazz.
Cómo tocar la guitarra rítmica
Cómo usar acordesampliados para crear colorAdemás de las disposiciones de acordes con cejilla que hemos visto en las páginas 24, 25, 30 y 31, hay todo un
mundo de acordes ampliados, con notas añadidas superponiendo una o más terceras sobre el acorde básico de
séptima de cuatro notas, que se usan tanto para integrar una melodía dentro de una progresión de acordes como
para aportar una estructura armónica compleja e interesante.
Una guitarra rítmica solida requiere no sólo un buen rasgueo sino
también un dominio de los acordes que contienen esas "notas de
color". ¡Los guitarristas de jazz y swing suelen tener que cambiar de
acorde a cada pulsación! La influencia del jazz en el blues ha
resultado en una fusión de estilos en la que pueden meterse con
calzador progresiones de acordes muy complejos en estructuras
sencillas de doce compases.
Pero los acordes ampliados no son exclusivos del jazz fusión.
Grandes guitarristas rítmicos de funk, como Curtis Mayfield, los
usan a menudo en afinaciones alternativas. Los acordes ampliados
aparecen sobre todo en el pop melódico de los noventa y en grupos
indie y de rock alternativo de los 2000. El sonido de las séptimas y
novenas mayores nos resulta hoy tan familiar como el de los
acordes mayores y menores.
La séptima mayor es un buen ejemplo. Los siguientes ejercicios
usan las disposiciones de acordes de las páginas 188 y 189, y su
objetivo es que te familiarices con ciertos sonidos y sus posibles
modos de empleo. Sólo podemos Incluir aquí los más habituales de
todo el abanico de voicings de acordes alterados, pero con los
conocimientos de escalas que has adquirido en las páginas 22, 23,
110 y 111, podrás Identificarlos todos cuando los escuches,
basándote en los intervalos de la escala que se han añadido ai
acorde.
Las séptimas mayores, comparadas con la séptima de
dominante (ver páginas 30 y 31), tienen un sonido cálido y estático.
Debería apreciarse en la segunda mitad del Ejercicio I. El Ejercicio II
contiene la séptima natural de Do menor y la sexta menor de Do, que
aparecen alteradas para incluir la cadencia melódica.
EJERCICIO IEl acorde de novena menor de dominante de Re resuelve claramente en un acorde de séptima sobre la tónica (Sol).
Cómo tocar la guitarra rítmica
Curtis MayfieldCurtis Mayfield, innovador, expresivo y también ignorado con
demasiada frecuencia, fue pionero del funk de los setenta y ayudó a introducir la visión urbana en la música soul aportando ritmos que llegaron a ser el sello personal del soul de Chicago.
Superfly, su banda sonora de 1972, fue todo un hito gracias a sus melodías inspiradoras y sus fantásticos arreglos de
funk-pop.
Las dominantes secundarias, a su vez, pueden añadirse a una
progresión sin que cambie la tonalidad, así que son una buena
opción para crear interés detrás de la escala mayor de blues. Son
acordes de séptima de dominante no diatónicos: para cualquier
acorde, exceptuando los disminuidos, puede tocarse un acorde de
séptima basado en el de quinta. Se le llama séptima natural o de
dominante, para diferenciarlo de la séptima mayor, y se compone de
una séptima menor y una tercera mayor. Incluir estos acordes es
una sustitución más que una ampliación.Las combinaciones posibles de acordes ampliados son
Infinitas. Pero no debemos pasar por alto las cuartas suspendidas,
o “sus4” (“suspendida” porque falta la tercera del acorde y eso da
más fuerza a su sonido: el movimiento de esa cuarta a la tercera
del acorde crea una tensión-resolución inmediata), que
reconocemos por ejemplo en los primeros compases de “Pinball
Wizard”, de The Who.
EJERCICIO IIEl acorde de séptima menor sobre Do que abre la progresión es una segunda inversión: tiene la quinta rebajada en el bajo.
157
Cómo tocar la guitarra rítmica
Acordes al estilode Jimi HendrixJimi Hendrix prendía fuego a su guitarra, se la ponía detrás de la cabeza y tocaba, e incluso punteaba las cuerdas
con los dientes. Este showman consumado también creó sonidos nuevos y emocionantes que revolucionaron la
música rock. Su carrera fue meteorica y efímera, pero su trabajo es un legado que aún inspira e influencia a los
guitarristas de hoy.
No conoció el éxito de la noche a la mañana, sino que estuvo
muchos años de “acompañante” y guitarrista en números de blues
como The Isley Brothers antes de que Chas Chandler lo llevara al
Reino Unido. Allí pulió los voicings de acordes que usaría en sus
propias composiciones. Tocaba en espectáculos de soul cuyo
objetivo era que el público acabase llevando el ritmo con los pies y
las manos, en teatros como el Apollo de Harlem, y allí el estilo de Hendrix incorporó la influencia de la fuerza Impulsora de la caja y del
estilo cortante de las secciones de metales del soul. Su legado se
encuentra a caballo entre el blues y el soul que le Influenciaron y el
rock y el metal en los que él influyó.
Usaba la guitarra para emular al máximo las partes de la big
band, y también para sacar el máximo partido a las líneas
melódicas y a los Intervalos. Como músico de gira anónimo, el joven
Hendrix consiguió convertir su guitarra en toda una orquesta: de ahí
que la música de Hendrix se caracterice por un gran sonido cuando sorprendentemente suele contener pocas notas.
Sonido limpio: el sonido limpio de Hendrix se beneficiaba de unos medios huecos (cortados), por lo general con la posición media o del mástil de una Stratocaster.
158
Sonido distorsionado: potencia las frecuencias medias para obtener el sonido distorsionado de Hendrix, dejando que el gain del previo lleve el protagonismo.
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LAS QUINTAS DE JIMIHendrix usaba un voicing de quinta sencillo y separado, que es más
suave que la quinta vacía tradicional de V (ver página 44) pero que cubre un registro tonal amplio. Está muy bien para usarlo a lo largo
de todo del mástil, siempre que apagues las cuerdas por encima
del índice y tercer dedo. El carácter amplio y espacioso de
"Love or Confusion” deriva de este acorde, presentado aquí
en Sol:
Jimi HendrixFue un maestro en sacar de su instrumento todo tipo de sonidos hasta entonces
desconocidos, muchas veces mediante experimentos primerizos de amplificación que producían un feedback alucinante y rugidos de distorsión. Jimi Hendrix amplió
más que nadie el vocabulario de la guitarra eléctrica rock. Su virtuosismo usaba toda una gama de adornos musicales que incluían el wah-wah, el zumbido de
realimentación, los riffs distorsionados y escalas superrápidas y fluidas ascendentes y descendentes. A menudo designado por otros músicos como el
mejor guitarrista de eléctrica de la historia del rock, y uno de los músicos más importantes de su época, Rolling Stone clasificó a Hendrix a la cabeza de su
ranking de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.
A veces te dan ganas de dejar
la guitarra, odias la guitarra. Pero si te quedas con ella, acabas
obteniendo tu recompensa.Jimi Hendrix
SÉPTIMA DE DOMINANTE CON NOVENA AUMENTADALa séptima de dominante con novena aumentada está tan asociada
a él que muchos músicos lo llaman simplemente el “acorde
Hendrix”. Se escucha en “Purple Haze” y está implícito a lo largo de
“Foxy Lady”. Tiene elementos del mayor y el menor y consiste en:
1,3,5, 7 menor y #9 (en Sol: Sol, SI, Re, Fa y La sostenido:
en MI: Mi, Sol#, Re y Sol). Su voicing tradicional viene reforzado por las dos cuerdas al aire que aportan la tónica. Aquí en Mi:
PISTA 79/3
TERCERA MAYOR EN REHendrix usaba un voicing que puede sustituir a cualquier acorde
mayor, como el primer, cuarto y quinto acordes de la tonalidad. Es
suave pero con un color interesante, y Hendrix lo usa en canciones
que parece que nos explican algo, como “Castles Made of Sand".
También tiene la ventaja de que puedes hacer hammer-ons del
tercero ai segundo, dos trastes por debajo en la cuerda La, como
hace Hendrix en “The Wind Cries Mary”.
159
Cómo tocar la guitarra rítmica
El sonido rítmicode los Rolling StonesEs increíble pensar que los Rolling Stones acaban de celebrar medio siglo ininterrumpido de rock n’ roll. Empezaron como grupo de rhythm and blues a principios de los sesenta y fueron de los primeros en popularizar la
música afro-americana en Europa, y más tarde en reexportarla a su país de origen. Después del éxito en 1965 de “(I Can't Get No) Satisfaction", con su sencillo pero emblemático riff, los Stones siguieron explorando el territorio
melódico a través de una serie de álbumes de rock clásico que utilizaban afinaciones folk para permitir y generar progresiones de acordes alterados y notas de color que no se pueden realizar con la afinación convencional.
En un principio, Keith Richards no era un gran fan de “Satisfaction”,
al menos en la forma en que se presentó. Hay rumores de que
mientras trabajaba sobre la canción, sintió que se parecía
demasiado a “Dancing in the Street”, de Martha and the Vandellas. Escribió una parte de sección de vientos de estilo stax y le añadió
la distorsión para representar mejor la fluidez de los instrumentos
de metal. Más tarde perdería la votación en la reunión de dirección,
en la que se decidió que se lanzaría como single la versión sin
distorsión.El Ejercicio I superpone una tríada una cuarta por encima de la
tónica. Así se generan las segundas inversiones (con la quinta en el
bajo) de Do y Fa.
EJERCICIO ILa afinación open-G te permite crear riffs pegadizos con una disposición móvil.
LA AFINACIÓN OPEN-GDespués de la afinación drop-D, la open-G es quizá la más habitual en el rock, y se consigue con facilidad. Simplemente afina la guitarra en un acorde de Sol mayor (ver páginas 24-25):
Cuerdas1-Re 2-Si 3-Re 4-Sol 5-SI 6-Sol
Te darás cuenta de que en las cuerdas 2, 3 y 4 no hay ningún cambio respecto a la afinación estándar. De esta manera se hace mucho más fácil añadir notas de color como la cuarta y la segunda mayor, como en el Ejercicio II, porque puedes colocar un acorde mayor con cejilla con el índice. En esta afinación, Keith Richards quita su cuerda Re inferior (la sexta).
160
El Ejercicio II, por el contrario, incluye licks de shuffle (ver página 76) con cuartas y sextas simultáneas. Uniendo la influencia de Chuck Berry que tiene Richards (ver páginas 100 y 101) y las posibilidades del open-G, estos intervalos se usaron de manera muy eficaz a lo largo de los álbumes clásicos de los Stones de finales de los sesenta y principios de los setenta.
Los Beatles y los StonesDurante su prolífica carrera de grabaciones, estos dos titanes de la música fueron muy comparados entre sí por la prensa, encantada con la disyuntiva “chico de al lado” contra “chico malo” a la que se prestaban los dos grupos. Musicalmente hablando, es interesante lo diferentes que eran entre sí. George Harrison sigue siendo un guitarra solista infravalorado: sus arreglos incisivos, limpios y precisos aportaban cohesión a los diferentes estilos de composición de Lennon y McCartney. Mientras los Stones bebían del blues y desarrollaban progresiones de este estilo para sus canciones, los Beatles fueron un excelente grupo de rock ‘n’ roll que posteriormente pasó a desarrollar el pop y a tomarse libertades armónicas muy imaginativas. Reescribieron las reglas de la composición del pop melódico (en contraposición al rock), dejando un legado que se escucha a diario en la música de los grupos de chicos y chicas guapos de hoy en día.
Keith RichardsLos riffs bluseros y macizos de la guitarra de Keith Richards que dominaron éxitos de los Stones como "(I Can’t Get No) Satisfaction”, “Jumpin' Jack Flash” y “Honky-Tonk Woman” le han permitido ser considerado uno de los mejores guitarristas rítmicos del rock ‘n’ roll, y posiblemente el mejor de entre los que se basan en el blues. Igual que su ídolo, Chuck Berry, Richards ha creado algunos de los riffs más memorables del rock. Prefiere las afinaciones con cuerdas al aire sacadas del Delta blues, y muchas veces rasguea sólo cinco cuerdas para una digitación más clara, lo que acentúa su sonido distintivo.
161
EJERCICIO IIUn riff de dos compases basado en acordes, por lo general usado como acompañamiento de estrofa.
Cómo tocar la guitarra rítmica
Riffs al estilo deRed Hot Chili PeppersFormado en 1983 en Los Angeles, Red Hot Chili Peppers ha demostrado ser capaz de mezclar ritmos supercool
del funk tan auténticos como cualquiera de los setenta con composiciones melódicas y cargadas de significado
con un toque blusero y reflexivo. Ha aguantado varios cambios de formación y cada vez emerge con un directo
emocionante, sin pretensiones pero capaz de mantener la atención de un público de festival sólo con una
formación de guitarra única (aumentada con un segundo guitarrista en su gira “Stadium Arcadium”).
Quizá más que cualquier otro grupo contemporáneo, se ha
centrado en perseguir (y capturar) la química elusiva de la
Improvisación que hace que un grupo de músicos sea más que
la suma de sus partes. El guitarrista John Frusciante tiene un
gusto exquisito, combinando Hendrix, Parllament Funkadelic,The Ohio Players, el rap y el punk de los ochenta y art rockers
como Tom Verlaine, de Television. Frusciante escribe licks, riffs
y secuencias de acordes que han conseguido conservar la lealtad
de sus fans de funk rock a la vez que ampliaban su atractivo con
baladas más convencionales.
Tocar en estilo funk-rock o rap-rock implica seguir un cierto
ritmo: no es raro encontrarse con estrofas de un solo acorde, por
ejemplo, de manera que el interés recae en el riff. El Ejercicio I es
audaz, con toques de funk, y está escrito para mantener un ritmo
en el que una línea de bajo sincopado lleve la melodía.
Es un entrenamiento para la mano derecha. Concéntrate en
mantener un ritmo de metrónomo. En el momento en que tu mano
deje de moverse, habrás perdido el ritmo. Para dominarlo, practica el rasgueo “fantasma”: mantén el rasgueo aunque la púa no esté
en contacto con las cuerdas (como se escucha en los compases
dos y cuatro). Verás que este estilo se presta a cambios a tiempo
de acordes alterados, como las séptimas y las novenas que suelen
usarse en el funk rítmico.
La manera de tocar de Frusciante, en especial en el álbum
Californication, puede ser melódica y abrasiva incluso dentro de la misma canción, con secuencias de acordes al estilo clásico de
EJERCICIO IRiff de funk-rock basado en Mi. El Em9 de los compases dos y cuatro le añade color.
162
Cómo tocar la guitarra rítmica
En general, Frusciante toca lo suficientemente limpio como para que se escuche cada nota, huyendo de la distorsión saturada que usaban los guitarristas de RHCP Hilel Slovak y Dave Navarro. Un uso sutil de la compresión, el chorus y el overdrive le ayudan a alternar entre sonidos funk y rock.
Hendrix, concisas y sin estar retocadas al máximo, en línea con la
influencia punk del grupo. En el Ejercicio II, en La, aparece un lick
típico sobre la pentatónica menor que puede repetirse como lick
rítmico, usarse solo como relleno de estrofa, o también como pie
para un estribillo de acordes armonizados.
EJERCICIO II
John FruscianteLa música de Frusciante, ex guitarrista del grupo de funk rock Red Hot Chili Peppers, parece estar siempre evolucionando. Influenciado por guitarristas de diversos géneros, Frusciante hace hincapié en la melodía y ha desarrollado lo que él llama un sonido “mugriento” usando mucha distorsión en sus solos.
Riff funky de una sola nota en La. Requiere combinar de manera muy precisa el apagado con ambas manos.
163
Cómo tocar la guitarra rítmica
Riffs y ritmosal estilo de Foo FightersDespués del inesperado y lamentado final de Nirvana en 1994 (ver páginas 178 y 179), la carrera del batería
Dave Grohl dio un giro esperanzador con el nuevo grupo Foo Fighters. Su posterior éxito, ganando múltiples
premios Grammy, ha demostrado ser tan sorprendente para Grohl como para todo el mundo, ya que vino de
manera tan inesperada como los avistamientos de “foo fighter” (el código militar para designar a los OVNI).
Los conciertos de Foo Fighters llenan estadios. Su popularidad
se atribuye no sólo al carácter práctico de Grohl, sino a su manejo
del riff. Tiene un sentido del ritmo propio de un batería, con más
cambios de compás que el típico grupo de la época pospunk.
Los cambios de tempo, que habían sido un vestigio del rock
progresivo, se vuelven precisos y fáciles de digerir en manos
de Foo Fighters.Grohl, como compositor principal del grupo, tampoco le teme
a variar el número de compases de una sección e incluir números
impares, una práctica muy Inusual en el rock, y mucho más que
encajen tan limpiamente. El estribillo de “Times Like These”,
por ejemplo, se repite en ciclos de tres compases.
El Ejercicio I lleva el tipo de riff de quintas vacías que en
sus manos sonaría como un bloque, gracias a su ambigüedad armónica. El grupo prioriza ganchos melódicos como los del
Ejercicio II, que es sólo una de las maneras que tienen de unir
el rock y el pop (quizá el factor más importante en su amplia
base de fans).
Dave Grohl y Chris Shiflett, su compañero guitarrista de Foo Fighters, usan sonidos más limpios de lo que podrías pensar en un principio, con tonos clásicos y con overdrive (al estilo “Británico” o de “tweed”).
EJERCICIO IUn riff armónicamente ambiguo en Re. Para ayudarte a mantener el ritmo, tócalo con punteo
alternativo y contando “1-2-3-1-2-3-4” dentro del compás.
164
Cómo tocar la guitarra rítmica
Me encanta Black Sabbath. Hicieron una contribución espectacular a la música de hoy. as los grupos que tuvieron éxito en los
noventa en deuda con ellos.Dave Grohl (Foo Fighters)
Dave GrohlCuando Grohl fundó los Foo Fighters, después de que Nirvana se disolviera tras la muerte de Kurt Cobain, con frecuencia se comparaba su música con la de Nirvana. Igual que las de los Pixies y Nirvana, las canciones de Foo Fighters alternan estrofas tranquilas y estribillos fuertes, una técnica que Grohl achaca a que a los miembros de Nirvana les gustaban grupos como los Beatles y ABBA tanto como Flipper y Black Flag. Sus eclécticos gustos musicales y sus riffs tremendamente rítmicos hacen a las composiciones de Grohl únicas y refrescantes. La inercia del impulso de su visión musical le llevó a afirmar en 2005: “Me encanta estar en un grupo de rock, pero no sé si voy a querer estar en un grupo de rock alternativo de los noventa toda la vida".
EJERCICIO II
Riff cromático en Mi que combina partes solistas y rítmicas al estilo de Foo Fighters.
165
Tu primeracanción rítmicaNuestra canción rítmica sigue una progresión de l-V-IV en Sol. Al igual que todos los temas que aparecen al final
de estos capítulos, propone tres partes a modo de presentación de los elementos constitutivos de la gran
mayoría de las canciones de rock clásico y pop, que se componen de una fórmula más que probada de “estrofa- estribillo-estrofa-estribillo-break-estrofa-estribillo”.
Las variaciones habituales pueden ser empezar con un estribillo, o
con un pasaje Introductorio aparte, o acabar con un estribillo doble.
Los breaks, que bien ejecutados aparecen antes de que el oyente
se haya cansado de oír la progresión principal, pueden ser el refrain
principal simplificado o adornado, o introducir una secuencia de
acordes nueva (basada a menudo en el relativo menor del centro
tonal de la canción: ver página 33).Si tocas el acorde chillón de G5 del principio del refrain con un
rasgueo hacia abajo, te será más fácil llegar a tiempo a la cadencia,
junto con la nota pedal de Re al aire. Por otro lado, la progresión de
la estrofa te muestra cómo añadir interés a una progresión sencilla
(armonizada aquí con acordes, octavas y quintas, diatónicos con
cejilla): esta segunda parte podría ser un solo encubierto, o la línea
de bajo. Lo importante es que dura cuatro ciclos de la progresión de
la estrofa (ver página 174) y la conduce a un sitio diferente, lo que
le añade interés.
La parte del estribillo (que también podría funcionar como
break) empieza con la V y tiene un voicing “add4” de la dominante,
Re, que agradece un punteo alternado de semicorcheas. (No es un “sus4” porque la tercera todavía aparece, por lo tanto no es un
acorde suspendido.)
Graham CoxonConsiderado uno de los guitarristas más inventivos y eclécticos del Reino Unido, a Graham Coxon todavía se le conoce más como guitarrista del grupo británico de rock alternativo Blur. Arregló algunos de los temas más exquisitos del grupo, ayudando así a popularizar el britpop. Blur, influenciado por grupos de pop ingleses como The Kinks, los Beatles y XTC, lanzó álbumes tan clásicos del britpop como Modern Life Is Rubbish
(1993), Parklife (1994) y The
Great Escape (1995).
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Cómo tocar la guitarra rítmica
Cómo tocar ¡a guitarra rítmica
REFRAIN
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Cómo tocar la guitarra rítmica
ESTROFA
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Cómo tocar la guitarra rítmica
ESTRIBILLO
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Cómo tocar rock alternativoTelevision, The Smiths, los Pixies, Pavement... A primera vista no parece que los
grupos de rock alternativo tengan mucho que ver entre sí. Eso se debe a que este
género vendría a ser como un patio de recreo para grandes ideas. Muchas ideas
que han llegado a la cultura de masas vienen de lugares pequeños, a menudo
de ciudades llenas de estudiantes, donde los bolos son escasos, los cachés
bajos y los músicos han disfrutado de libertad para experimentar. Kurt Cobain,
por ejemplo (ver página 178), fue el primero en admitir que las estrofas
calmadas y muchas veces apagadas de las canciones de los Pixies, que
daban lugar a estribillos demoledores, fueron una de las principales
influencias en temas de Nirvana como "Smells like Teen Spirit". The Velvet
Underground, quizá el mejor grupo de rock alternativo de todos los tiempos,
escribió zumbidos de guitarra para complementar las notas mantenidas de la
viola de John Cale. Seas o no un fan de los grupos, es posible que pienses
que el rock alternativo no tiene mucho que aportar al futuro guitarrista virtuoso
de rock. Sin embargo, a veces un poco de inventiva desquiciada puede
acercarte mucho al objetivo de complacer al público. El siguiente capítulo
selecciona algunas de sus mejores técnicas.
Fender JaguarEl sonido general de la Jaguar es más agresivo pero más estrecho que el de la otra guitarra de cuerpo
contorneado de Fender, la Jazzmaster. El diseño de la palanca y del puente y las pastillas producen un sonido percutido, y puede obtenerse un tono afilado y frío seleccionando sólo la pastilla del puente con el interruptor de
"strangle" (aparentemente llamado así porque corta por encima de todos los demás sonidos del grupo).
Cómo tocar rock alternativo
Acordes con cejillay riffs al estilo punkA mediados de los setenta, los riffs breves y concisos de los grandes grupos de blues rock dejaron paso a
repetitivos solos de diez minutos. Los fans más jóvenes decidieron volver a los inicios del rock 'n' roll, con
canciones referidas a la vida y los problemas de la juventud, como las de Chuck Berry o Eddie Cochran.
EJERCICIO IRiff punk sencillo de tres acordes que requiere precisión de apagado con la mano izquierda.
Mick JonesComo guitarra solista y vocalista de Clash, uno de los grupos más emocionantes y explosivos de la historia del rock 'n' roll, Mick Jones, con su sonido acelerado de punk-rock, jugó un papel decisivo en el nacimiento y la vida del punk.
172
Cómo tocar rock alternativo
Los punks devolvieron el protagonismo de la mezcla a los acordes:
los riffs y los licks suelen formarse a partir de las mismas
progresiones que en el rock clásico o el blues rock. Muchas veces
PISTA 88
se Interpretan a tempos vertiginosos, y su Interés recae en la energía y el brío con que los toques.
EJERCICIO IILos grupos punk usaban un sentido de la armonía singular: se apoyaban en los acordes para crear la melodía, pero usando muchos. Esta progresión añade acordes en Do al tercer ejercicio de rock clásico de la página 113 y acaba en una parte que podría ser un estribillo.
EJERCICIO IIINormalmente, las líneas principales del punk son concisas, peculiares y angulosas, como este riff de
dobles cuerdas en Si que usa notas de los acordes que hay debajo.
173
Cómo tocar rock alternativo
Técnicaspospunk
The Edge popularizó el delay rítmico cuando añadió sonidos
Inquietantes y atmosféricos a la grandilocuencia de U2. Antes que
él lo probaron Keith Levine, de PL, y John McGeogh, de Magazine.
Los tiempos de delay más útiles se encuentran entre 200 y 800
milisegundos. Esto es válido para el Ejercicio I, dependiendo del
tempo al que lo toques, ya que usa el delay para añadir ritmo a los
arpegios menores.
Ciclos: los grupos de punk y pospunk más artísticos, como Wire,
solían añadir interés armónico a los cambios de acorde, que de otra manera serían repetitivos, doblando la duración del riff o de la línea
de bajo que se toca con ellos, y añadiendo una nueva melodía "de
respuesta”, que por lo general duraba el doble de compases que el
riff rítmico, aunque podía llegar a ser cuatro veces más largo, o
incluso durar toda una estrofa (ver página 166).
PISTA 90/1
EJERCICIO IToca este ejercicio con un delay alrededor de 350 milisegundos. Tocando el arpegio de D5 contra el La y el Sol
convierte al La en Aadd4 y al Sol en Gadd9.
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Los punks suplían con imaginación lo que les faltaba de musicalidad. Aquí tienes tres de los legados de
esta época new wave.
Muchos guitarristas tienen en el delay a su compañero Inseparable
después de la distorsión o el overdrive. Lo usan tanto para los
sonidos de solos atmosféricos de rock, como los de David Gilmour,
como para el eco de slapback del rockabilly. Los años del pospunk
vieron cómo el delay empezaba a proponerse como un efecto rítmico,
al mismo tiempo que los músicos exploraban los límites del punk.
Delay: el primer requisito para usar bien el delay dentro de un grupo es tener buena relación con tu batería. Tiene que ser capaz
de (tragarse una parte de su ego y) tocar a contratiempo de tu
señal de delay, en lugar de establecer él el tempo como está
acostumbrado a hacer, y tiene que poder oírte: los monitores
siempre son un problema para los baterías, así es mejor consultarle
antes de colocar tu ampli. Para tiempos de delay más cortos como
los analógicos, esto no es tan importante.
Cómo tocar rock alternativo
The EdgeCon su estilo discreto y percutido y su sonido distintivo de carillón, que consigue
con el abundante uso de efectos de delay y reverb, The Edge ha sido crucial en
la definición del sonido de U2. "Me gusta el buen sonido con resonancia en la
guitarra, y en la mayoría de mis acordes busco dos cuerdas y hago que suene
la misma nota, así que es casi como un sonido con 12 cuerdas", dijo.
PISTA 90/2
EJERCICIO IILos rasgueos hacia arriba en el segundo y cuarto tiempo, junto con los voicings de acordes con cejilla, dan un sabor reggae a estos arpegios de diadas de tercera y quinta adaptados del Ejercicio III de la página 41.
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Cómo tocar rock alternativo
El sonido deJohnny MarrEntre principios y mediados de los años ochenta, Johnny Marr, como guitarrista y cocompositor de The Smiths, marcó un camino de gran originalidad con la guitarra. Con sus quintas vacías y sus solos rápidos basados en la
pentatónica, su música contrastaba con el rock, el metal y el posfunk de la época, en el sentido de que para
generar interés tenía arreglos melódicos y sin solos que usaban notas de color (ver páginas 156 y 157) y
estructuras de canciones impredecibles.
Marr prefería las Rickenbacker y las Telecaster: sus sonidos
brillantes y metálicos eran una base perfecta para líneas de bajo
inesperadamente funky y melódicas, y usaba los acordes de novena
y de séptima mayor habituales en el soul y el jazz. Normalmente se
arpegian, en lugar de rasguearlos, en estilo de funk (ver páginas
164 y 165), así que no sorprende que Marr reivindique la influencia de Neil Young y también del folk inglés.
Aunque escriba progresiones más melódicas que bluseras, es
más un guitarrista de carácter, y tampoco se le da mal la guitarra
bottleneck: "Lo que les digo a todos los compositores potenciales
es que Do-Fa y Sol-Re son geniales. Puede ponerse una melodía por
encima. Olvidaos de tocar escalas superrápidas o acordes Invertidos: es más una cuestión de carácter". La influencia de Marr
en la posterior escena de Mánchester (desde Jon Squire, de The
Stone Roses, hasta Noel Gallagher, de Oasis) fue inmensa, y el
álbum The Queen fe Dead, de The Smiths, siempre trepa hasta
las primeras posiciones en las típicas encuestas que se repiten periódicamente sobre "el mejor álbum”.
Marr usó el trémolo y el delay con efectos sorprendentes en
temas como "How Soon Is Now”, que toma prestado el ritmo de
shuffle clásico de Bo Diddley. Suele afinar la guitarra en afinación
estándar, pero un tono más arriba. En el Ejercicio I suenan a la
vez cuerdas pisadas y cuerdas al aire. Según los mejores
guitarristas de grupos con una sola guitarra, los riffs de Marr
muchas veces sugieren, como aquí, la progresión de acordes de debajo.
EJERCICIO IRiff de arpegios menores con resonancia que sugiere Dm/C/G. Puede que necesites un poco de práctica para conseguir que las notas
resuenen a la vez.
176
PISTA 91
Cómo tocar rock alternativo
Johnny MarrEl estilo metálico funk de Marr acabó siendo sinónimo del
sonido de The Smiths, que la Encyclopedia Britannica
describe como "distinto del rhythm and blues, e impecable fusión del rock de los sesenta y el pospunk".
EL RITMO "BO DIDDLEY"Bo Diddley fue un arrollador músico de directo, contemporáneo y compañero de discográfica de Chuck Berry, que popularizó el descarado ritmo de shuffle que solía contarse con la frase "shave and a haircut, six bits", Buddy Holly lo tomó prestado para "Not Fade Away", también lo hicieron, entre incontables otros, los Rolling Stones. En la música popular abundan los ritmos inspirados en Diddley, como en "Jean Genie", de David Bowie, que usa el ritmo de "Cops and Robbers", de Diddley. De acuerdo con su pulsación hipnótica, las canciones de Diddley suelen evitar la progresión de doce compases y quedarse en un solo acorde durante toda una estrofa.
El Ejercicio II incluye dos trucos típicos de Marr: armonizar
novenas y séptimas mayores y, una vez más, usar cuerdas al
aire contra voicings parciales de acordes para aumentar la
resonancia.
EJERCICIO IIRasguea este ejercicio de manera que la cuerda Mi agudo quede resonando. El acorde final de B7sus4 puede pisarse con una
cejilla convencional, con el índice levantado de las cuerdas MI agudo y Si.
177
Johnny Marr opta por un sonido limpio, acampanado y normalmente con chorus.
Cómo tocar rock alternativo
Grunge al estilode Kurt CobainEn 1992, la subcultura grunge originada en Seattle fue lanzada a primera fila de la música internacional con el éxito comercial de Nervermind, el álbum revelación de Nirvana. Sus canciones estaban llenas de rabia, hablaban
de esperanzas y vidas sacudidas por la adversidad y que no coincidían con el ideal americano, de manera que
enseguida los jóvenes de todo el mundo se identificaron con ellas.
En muchas canciones de Nirvana hierve una expresividad
calmada en la estrofa antes de explotar en un estribillo como
de rabieta adolescente. En este sentido, Cobain estuvo
influenciado por grupos indie de los ochenta, como Sonic Youth
o The Pixies.La realización de este efecto recae sobre todo en el batería,
pero también se consigue mediante el contraste entre riffs punteados arpegiados (muchas veces con palm mute) y pasajes
de acordes rasgueados. Esto es válido en especial para la gama
oscura y profunda de afinaciones que usaba Cobain, tomadas
de Tony lommi, de Black Sabbath: un tono entero (Re grave,
Sol, Do, Fa, La, Re agudo), drop-D (ver páginas 132 y 133) y drop-C#
(Do#, Sol#, Do#, Fa#, La#, Re#). Esta última la creó él mismo, mezclando los voicings del drop-D con la costumbre de Hendrix de
afinar medio tono por debajo para aumentar el impacto, y la usó
PISTA 93
desde el principio de su trayectoria discográfica hasta su prematuro
final en 1994.
En el Ejercicio I aparece una intro o riff de estrofa arpegiado al
estilo de Nirvana, en MI menor, que mezcla una quinta vacía en diada,
con la quinta en el bajo (una característica del grunge), con arpegios.
Se presenta en una afinación rebajada un tono entero (ver página
148).El Ejercicio II es un riff basado en acordes en Fa. Experimenta
con los grados de apagado con la palma de la mano derecha sobre el
puente. Las cruces del tab representan acordes muteados, una
técnica que usaba Hendrix para doblar los golpes de caja. Son golpes
percutidos y con dirección, aunque no añadan nada a la armonía
(cosa que a veces puede ser útil). Mientras mantienes la técnica de
la mano derecha, tócalos levantando los dedos de la mano Izquierda
de los trastes sin que pierdan el contacto con las cuerdas.
EJERCICIO IEste riff sencillo de Mi a Re sonará a plena potencia si rebajas la afinación un tono entero.
178
Kurt CobainKurt Cobain, profundamente influenciado por el punk y defensor incondicional del rock alternativo, tuvo un impacto enorme sobre
el rock alternativo y se le recuerda como uno de los músicos más emblemáticos del género.
Kurt Cobain huía del tono de medios huecos del metal moderno. Creó su sonido pensando en los efectos (modulación para dar profundidad, compresión y ecualización) y tocando con lo que tenía al alcance.
EJERCICIO IIUn riff armónicamente ambiguo que se basa en voicings de quintas
vacías (sin tercera) y en la introducción de un acorde no diatónico
de bVI (db5).
Buscaba algo más pesado pero que al mismo tiempo
fuera melódico. Algo diferente al heavy metal,
una actitud diferente.Kurt Cobain (Nirvana)
179
PISTA 94
Cómo tocar rock alternativo
Riffs al estilo deRage Against the MachineDurante su esplendor, en los noventa, el rap-rock fusionó los estilos guitarrísticos del metal y los ritmos de hardcore
punk estadounidense con influencias del hip-hop, como Africa Bambaataa y Public Enemy. En aquel momento, Rage
Against the Machine sólo era un grupo dentro de un panorama que incluía, entre otros, a Suicidal Tendencies. Hoy
son preeminentes y han demostrado su compromiso musical y político y su capacidad de perdurar.
RATM consigue parte de su dinamismo con complejos cambios de
compás, sin embargo no podrían sonar menos a rock progresivo.
Tom Morello crea partes de guitarra que rebosan carácter, con
descargas de riffs rock-rap que incitan a la revolución.
Morello usa sonidos de guitarra con muchos efectos, que
incluyen abundante flanging y el uso del pedal de pitch-shifter, que combina con sus controles de tono para simular los sonidos de la
técnica de scratching de un DJ de hip-hop. A pesar de ello, sus licks
están basados en el blues, al igual que su uso de la afinación
drop-D para los potentes acordes de quintas vacías (ver páginas
130 y 131). En canciones como "Testify" y "Killing in the Name",
rítmicamente se escucha una técnica sólida y funky de mano
derecha. Los Ejercicios I y II Incluyen riffs de una sola nota y de
dobles cuerdas para ser tocados con distorsión y un apagado
preciso con ambas manos, para conseguir un carácter staccato
EJERCICIO IUn riff afinado en drop-D que alterna líneas de una sola nota en
palm mute con quintas vacías.
(notas cortas y separadas), más que legato. Para ello, Tom Morello
usa incluso un interruptor que "mata" la señal de su guitarra.
La música no es ningún rollo
de asignatura de la universidad.
En sus días buenos, Rage
Against the Machine es capaz no
sólo de hacer que te muevas
como un huracán, sino de
alimentar tu motor con la
indignación y las convicciones
activistas del grupo.Tom Morello (Rage Against the Machine)
180
Cómo tocar rock alternativo
LOS SONIDOS WAH-WAH
Antes de que Tom Morello usara el pedal de vibrato, estaba el wah-wah, introducido por Hendrix como el efecto más expresivo que existía. Es un sonido clásico que suele usarse en exceso, pero puedes llegar a usarlo con moderación de estas cuatro maneras:
Efecto wah de selector de pastilla: baja el tono de la pastilla del mástil y sube la del puente, cambia el interruptor de selección al tiempo de la música para obtener un wah sin pedal.
Lamento en estilo de blues: como Hendrix, Hammett o Robin Trower. Es un barrido clásico, amplio, en estilo "Cry-Baby" que requiere un manejo más lento del pedal a lo largo de líneas de solo mantenidas, de abierto a cerrado, o viceversa. Este efecto parece que hable, igual que la sordina de los instrumentistas de metal.
Ritmo de funk: como Curtis Mayfield, Stone Roses o Red Hot Chili Peppers. Se parece al "touch-wah" (en el que
el barrido lo controla tu manera de tocar): el pedal se maneja a tiempo con tu parte rítmica, y se repite un barrido preciso a tiempo con la progresión de acordes o con el riff.
Control de tono: como Slash o Michael Schenker. Se deja el pedal fijo en medio de su recorrido mientras tocas, de manera que se consigue un tono corno de "graznido".
Con algunos wahs puedes tocar el rango de tonos general con antelación para evitar que quede demasiado muteado en posición cerrada.
Quizá te interese invertir en un wah con un interruptor de "bypass verdadero", ya que los wahs pueden colorear el tono de tu señal mientras no los usas, muteando algunas frecuencias agudas que si no tendrían un sonido brillante de bobina simple.
PISTA 96
EJERCICIO IIUn riff sencillo de quintas vacías en La, con líneas melódicas de pentatónica, que debe su eficacia a la
velocidad y la precisión.
181
Cómo tocar rock alternativo
Trucos y texturasal estilo de RadioheadEn 1992, Radiohead lanzó su primer single, "Creep": una ración imaginativa de inseguridad personal que debía
sus estrofas tranquilas y sus estribillos ruidosos al grunge, y algo de su progresión de acordes al grupo británico
de los sesenta The Hollies. Sin embargo, sus álbumes The Bends, de 1994, y OK Computer, de 1995, son los que lucen más la destreza y los sonidos que han demostrado tener mucho tirón desde entonces, y los que le llevaron
al éxito comercial mundial más allá de lo que consiguieron sus predecesores britpop más pegadizos.
Con su imagen de músicos aplicados que contradice el Impacto
visceral de sus arreglos, los guitarristas Jonny Greenwood y Ed
O'Brien se centran en las texturas y el sonido en sí tanto como en
la complejidad de la composición: no sorprende que más tarde se
Interesaran por la música electrónica. Su extenso (pero nunca
gratuito) despliegue de efectos es una lección en sí misma sobre cómo usarlos sin que ellos acaben usándote a ti. El trémolo y el
delay, por ejemplo, se fijan a "tap tempo", es decir, a tiempo con
la música, y los efectos de modulación como el flanging se usan
para dar color a los pasajes largo (lentos) en vez de dejar que
oscurezcan los pasajes de armonías complejas.
El Ejercicio I explora una técnica textural como ésta. Tocar octavas en la parte del solo no es nada nuevo (y era uno de los
recursos favoritos de Hendrix), pero unirlas con un punteo rápido
con trémolo produce un sonido único y con Impulso. Las cuerdas
al aire se apagan para evitar que resuenen notas fuera de la
tonalidad, en especial la cuerda que está entre las dos cuerdas
pisadas, en este caso el Re. A tempos más lentos, las octavas
unidas al "violining" (ver recuadro) pueden resultar muy
expansivas.
En el Ejercicio II tenemos un riff armonizado en Mi mayor.
Así, la melodía se ha incorporado mediante las notas de color
(cuartas y onceavas: ver páginas 156 y 157), que forman una
cadencia de por sí. El La está en primera inversión, con el Do#
en el bajo: desde aquí puedes tocar fácilmente el sus4 en hammer-on.
PISTA 97
EJERCICIO IApaga la cuerda Re con el lateral de la punta del índice para que esta octava ascendente tan espectacular te salga limpia.
182
Cómo tocar rock alternativo
Jonny GreenwoodEs conocida la lesión que sufrió (tuvo que llevar un aparato en el brazo) por
su propio estilo "abusivo" de tocar. El extraordinario abanico de texturas musicales de Jonny Greenwood ayudó a definir el sonido distintivo de
Radiohead (en particular su uso de la distorsión y las explosiones de guitarra muteada en "Creep") y amplió sus horizontes hacia terrenos claramente
ajenos al rock.
EL VIOLININGEl "violining" (un efecto de guitarra que usa Radiohead, entre otros) es más fácil de ejecutar en una guitarra tipo Strat, aunque puede lograrse en la mayoría. Baja el volumen de la guitarra, pisa una nota y prepárate para volver a subir el volumen deslizando la parte exterior del cuarto dedo contra el botón.Roy Buchanan llegó a ser un maestro de esta técnica.
EJERCICIO IIIntenta conseguir "armónicos pellizcados" pulsando la cuerda Si en el 17° traste (cambia al 18° en el compás 6), rozando la cuerda con el lateral del pulgar.
183
Cómo tocar rock alternativo
Tema originalde rock alternativoLas siguientes pistas consisten en un riff solista y una progresión de acordes para una estrofa con el carácter de un
single de la época "britpop" de los noventa: los voicings de acordes diatónicos con cejilla refuerzan la tonalidad; los
licks solistas (y los bends de cuartos de tono), evocativos y limpios, podrían ser sacados de un grupo de beat de los
sesenta, mientras que la parte rítmica toma características de grupos melódicos de new wave como The Only Ones. Sigue una progresión E-B-D-A-E-B-A-B (acabando en la dominante para volver a empezar el ciclo), donde el D aporta
color armónico gracias a la cuarta que se añade encima del acorde y a la tercera del bajo (ver página 159).
El estribillo es más extenso, marcado por un E7#9, y con
movimiento, al estilo del rock alternativo estadounidense de los
noventa, con cuartas suspendidas de A7 y B7, y tiene una línea
solista arpegiada repetitiva e hipnótica. Los pasajes de duración
desigual, al estilo de Foo Fighters, resuelven naturalmente en la dominante (B), para volver a la estrofa.
Por otro lado, el solo usa las escalas pentatónica menor y
compases, sobre una progresión l-blll-IV-V, representan el deseo
del rockero alternativo de seleccionar las mejores técnicas del
rock clásico y expresarlas de manera concisa, aunque a la vez sigue explorando los límites del género y aporta algunas
sorpresas, que si suenan bien no pueden ser incorrectas.
menor de blues sobre un break que se dirige a la tercera menor:
C#min (que ya ha aparecido al final del estribillo) / A / Ab.
Aspectos como el estribillo Irregular y su lick final de cuatro
The Only OnesPeter Perrett es el cantante solista de los recientemente refundados The Only Ones.Este grupo británico de rock 'n' roll empezó su carrera a finales de los setenta y se asociaba con el punk rock, aunque más tarde amplió su estilo a géneros que se situaban entre el punk, el power pop y el rock duro, con influencias notables de la psicodelia. Su mayor éxito, "Another Girl, Another Planet", fue un gran hit en el Reino Unido, y su influencia sobre la escena del indie rock y del rock alternativo se ha hecho notar desde entonces en grupos como The Replacements, Blur, Nirvana y, en los últimos años, The Libertines.
Cómo tocar rock alternativo
ESTROFA
185
Cómo tocar rock alternativo
ESTRIBILLO
186
Cómo tocar rock alternativo
BREAK
187
Directorio de acordes
Directoriode acordesEstos cuadros de acordes incluyen algunos tipos de acordes equivalentes para tonalidades diferentes a las de las
páginas 24 y 25, junto con ejemplos de las disposiciones móviles de las páginas 30 y 31 específicos para cada tonalidad. También mostramos disposiciones de acordes que aparecen en ejercicios específicos a lo largo del libro. Verás que algunas, aunque se presenten en una tonalidad determinada, también son disposiciones móviles útiles.
188
Directorio de acordes
189
Directorio de acordes
190
Indice
índiceº (ver acorde, disminuido)
AC/DC, 138-139riffs y licks al estilo de, 138-139
accesorios,18 (ver también guitarra) afinador, 18 cables, 18 metrónomo, 18 púas, 18
acorde, 8,17,42,158-159 ampliado, 82 arpegiado, 34 aumentado, 92 cejilla, 30-31,46 con cuerdas al aire, 24-25 de Hendrix, 111 de quintas vacías, 44,114,
130-131,137,139,141 diatónico, 112 directorio, 188-190 disminuido, 32,92 extensiones, 156-157
primera, 48,139,182 segunda, 48,141
inversiones, 48,114 mayor, 32,33,141 menor, 32,33 móvil, 30-31progresiones, 68,110-111
de blues de acordes con cejilla,78-79de acordes con cuerdas al
aire, 76-77de doce compases, 74-75,
110de rock ‘n’ roll, 92-93 de rock clásico, 112-113
sustitución, 74 tónica, 46,70voicings (posiciones), 30,48
afinación, 11,16con cuerdas al aire, 16 drop C, 148drop-D, 130,136,178,180 estándar, 16 open-G, 160 rebajada, 16rebajar una tercera menor, 136 relativa, 16
amplificación, 19 cambio de canal,19 ecualización, 19
anacrusa, 29apagado, 17,27, 75,139 armonía y melodía, 20-37 armónico, 128,142
ambigüedad, 115 "armónicos pellizcados", 183 cuerdas al aire, 128 estructura, 55 nota pisada, 128 séptimas armonizadas, 111
“armónicos pellizcados” (ver armónicos)
arpegio, 34,36,94
B. C. Rich Warlock, 7 Beatles, los, 92,128,161 Beck, Jeff, 81 Beecher, Franny, 96 bends (ver cuerdas bends)Berry, Chuck, 43, 93,100-101,161,
172black metal, 144 Black Sabbath, 136,165
riffs y licks al estilo de, 136-137 Blackmore, Ritchie, 110 blues, 72-89,158
de doce compases, 78, 92 escala menor de blues (ver escalas) licks, 80-83 notas, 72riffs de rock, 114-115 solos basados en escalas, 138
bobina simple (single-coiI), 12 britpop, 166,184
centro tonal, 32 ciclos, 174 Clapton, Eric, 59 Clash, The, 172 Cobain, Kurt, 179 Cochran, Eddie, 95,104 compás, 28-29, 33
compuesto, 145 simple, 29
compresión, 128 contratiempos, 75 cuartas suspendidas, 157 cuerdas,
al aire, 24 bajo, 130 bends, 17, 55-56
de cuarto de tono, 122 de unísono, 147
calibres, 13, 50
dejar resonar, 17 delay, 174 deslizamiento,
del dedo índice, 63 diada, 44, 50 diatónico (ver acorde) disminuido (ver acorde),
quinta, 136 escala (ver escala)
distorsión, saturada con gain alto, 50 “dive-bombing”, 59,140 dobles cuerdas, 96, 98 dominante, 46
secundaria, 157 séptimas, 78,156 séptima # novenas, 159
"doo-wop”, 94
Edge, The, 175 efectos,
compresor/ limitador, 18 distorsión/ overdrive, 18 eco/ reverb/ delay, 18 loopers, 29
modulación, 18 pitch shifters ,18 supresor/ puerta de ruido, 18 trémolo, 18 wah-wah, 18
selector de pastilla, 181 escalas, 8
aumentadas, 116 cromáticas, 22 de tono entero, 116-117 disminuidas, 116-117 mayor de blues, 64 mayores, 22,112 menor, 22
de blues, 60, 66,118,147 natural, 22
nota, 42patrón con cuerdas al aire, 60 patrón modal, 70
móvil, 60patrones, 60, 69, 70-71,118 pentatónica mayor, 64, 66, 68-69 pentatónica menor, 60,62, 66, 68 simétricas, 116 verdaderas, 22
estilo de funk rítmico, 181
Fender,Jaguar, 21,170 Stratocaster, 52 Telecaster, 158
flanging, 180 Foo Fighters, 164
ritmos y riffs al estilo de, 164-165 fraseo, 82Frusciante, John, 163 fundamental, 128 funk rock, 162
gain, 19Gibbons, Billy, 79 Gibson, 335, 73
Les Paul, 39 SG,109
Gilmour, David, 118 glissando, 55 Greenwood, Jonny, 183 Gretsch White Falcon, 91 Grohl, Dave, 165 grunge, 178 guitarra,
accesorios, 18 afinación, 11 altura, 13ampli, 19 (ver también
amplificación)Marshall, 19 modelado digital, 19 transistor, 19 válvula, 19
anatomía, 12 cuerpo entero, 12 efectos, 18 elegir, 10 lap Steel, 94
puesta a punto, 11 ritmo, 139,154 sem ¡acústica, 12 semisólida, 12 sujetar, 14 thinline, 12
Guns N’ Roses, 122,146
Haley, Bill, 96-97 hammer-ons, 17, 54,122 Hammett, Kirk, 143 Harrison, George, 15,128 heavy metal, 126-53
canción, 148Hendrix, Jimi, 136,158-159,182
acordes al estilo de, 158-159 Holly, Buddy, 93,104 humbucker, 12
inversión (ver inversiones de acordes) lommi, Tony, 45,178 Iron Maiden, 126,148
Jackson Randy Rhoads, 126 jazz-rock fusión, 116 Jones, Mick, 172 Jones, Steve, 47
King, B. B., 61 King, Kerry, 131,145 Kossoff, Paul, 114 Kurt Cobain, 178
estilo grunge, 178-179
Lamb of God, 144Led Zeppelin, 118,134-135
riffs y licks al estilo de, 134-135 legato, 13, 54,147 licks, 62, 66, 68,138-139,146-147
al estilo de Chuck Berry, 100-101 al estilo de Scotty Moore, 102-103 con dobles cuerdas, 98-99 con la menor pentatónica, 163 con shuffle, 76-77 cromáticos, 99 de blues (ver blues) de rock ‘n’ roll, 94-97
líneas,cromáticas (de semitono), 51
mano, pisar, 15 rasguear, 15 zurdos/diestros, 9
Marr, Johnny, 176-177 mástil, 13Mayfield, Curtis, 157 melodía, 20-37 Metallica, 142-143
riffs y licks al estilo de, 142-143 modos, 70-71
patrones de escala, 71 modulación, 18,32
chorus, 18 flanger, 18 phasing, 18
191
Indice y agradecimientos
Moore, Scotty, 102-103 Morello, Tom, 180 Motley Crué, 126 Motórhead, 126.148 Murray, Dave, 148
no diatónico, 22,157,179 nota,
bordón, 30de adorno disonante, 94 “de color, 111,176,182 pedal, 30. 44. 47.140 tónica (fundamental), 24,32 tresillos, 29 unísono. 48
notas de adorno disonantes (ver notas) números,
arábigos, 42 romanos, 42
octavas directas, 96,100 Only Ones, The, 184 ostinato, 29, 39
Page, Jimmy, 41,135 palm mute. 17 pastillas, 12 pisar, 30 pitch shifters,
armonizadores. 18 octavadores, 18 palancas (ver vibrato) pedal, 180
primera inversión (ver inversiones)pull-offs, 17, 52punteo,
alternado, 27 arpegiado de acordes, 34 barrido (sweep), 36-37
hacia abajo, 17 pastilla, 12 patrones, 26técnica de punteo con los dedos,
130técnica, 36, 98-99
quinta justa, 48
Radiohead, 182trucos y texturas al estilo de,
182-83Rage Against the Machine, 180
riffs al estilo de, 180-182 rasgueo,
"fantasma”, 162 hacia abajo, 17 patrones, 26
Red Hot Chili Peppers, 162-163 riffs al estilo de, 162-63
reggae, 175relativo menor (ver tonalidades) resolución, 110,115 Richards, Keith, 161 riffs, 38-51,138-145,162-165
con cuerdas al aire, 142 de acordes con cejilla, 46 de dobles cuerdas, 42 de estilo punk, 172-173 de una sola nota, 40 fáciles de blues-rock, 114-115 rápidos y radicales, 50
ritmo, 28,164-65 canción, 166-67 de "Bo Diddley”, 177 guitarra, 154-169 sonido, 160-161 tresillo, 101
rock 'n' roll, 90-107
rock alternativo. 170-187 clásico, 108-125
Rolling Stones, 160-161 sonido rítmico al estilo de,
160-161
Satriani, Joe, 70 saturación, 128 séptimas mayores, 156 silencios, 29 sincopación, 29, 46, 75 sistema de cifrado de Nashville, 9 ska ,175Slash, 122,146-147
licks al estilo de, 146-147 Slayer, 126,144-145
riffs y licks al estilo de, 144-145 slides, 17, 55,122
de notas de adorno cromáticas (semitonal), 96
solo, 52-71, 66,84-85,116-117 “sonido de mujer”, 146 stax, 160sweep-picking (punteo barrido), 36-37
tab,leer, 17
tapping a dos manos, 128,132-133, 140
técnicas pospunk, 174 tempo, 28
“tap tempo”, 182 tensión, 110,115 tonalidad, 42.113 tonalidades, 32
mayores, 33 menores, 33 modulación, 33 relativo menor, 33,166
tabla de acordes, 33 transposición, 32
tónica, 22, 62, 94 acorde (ver acorde) nota, 24 tríada, 32
tono (sonido), control, 181 distorsionado, 158 limpio, 158
transposición, 32,96 trémolo, 50
brazo, 59 punteo, 140
tresillos (ver nota),ritmos de tresillos, 101
tríada, 48, 70 trino, 54 “tritono”, 137 turnaround, 74-75
Van Halen, Eddie, 128,132,141 riffs y licks al estilo de, 140-141
Vaughan, Stevie Ray, 67 vibrato, 17, 58-59
de una sola nota, 122 (ver vibrato) freehand, 58 palanca, 18, 59
“violining” ,183 voicings (posiciones), 30. 48
acorde de quinta, 122 quintas vacías, 179
wah-wah, 143 sonidos. 181
AgradecimientosMarshall Editions quiere agradecer a las siguientes entidades su permiso para reproducir sus imágenes.
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