El día es azulel silencio es verdela vida es amarilla…

Del 2 de diciembre de 2017 al 18 de febrero de 2018 December 2, 2017 to February 18, 2018

Sullivan 43, Col San Rafael, Del Cuauhtémoc, Ciudad de México, CP 06470 www.eleco.unam.mx • Fb: Museo Experimental El Eco • In: museoexperimentaleleco • Tw: museo_el_eco

The exhibition’s title comes from a text by Yves Klein written in 1952. This declaration belongs to a collection of poems written in March that year, where Klein tries to define his position in the field of art by exploring the phenomenon of the visible in his work. This phrase—here incomplete—is in a sense the affirmation of the chromatic problem in art as an event and as a territory of action, which would later become a central issue in his work.

The letters exchanged between Mathias Goeritz and Klein in 1960 evince the encounter between these two figures. In light of the moment’s artistic and historic context, they could be interpreted as the complicity and interest of two artists that through different paths and positions reached similar formal solutions at the same time.

In this sense, the project presented in Museo Experimental El Eco seeks to place the emotional architecture program developed here by Goeritz—through which he dealt with the rationalist/functionalist architecture of the international style from a Mexican context and which is also the metaphysical background of his work—in “conversation” with Klein’s immaterial project and his ideas on the monochrome.

This exhibition explores the notion of a field of action in artistic production beyond the historic moment, and situates the chromatic problem as poetic substance for the generation of statements by other artists. As part of this, the ikb (International Klein Blue) is manifested in the space designed by Mathias Goeritz as a curatorial gesture that arranges an environment for the works convened.

The extremes touch: Goeritz and Klein met in Europe, quite probably in late 1959 or early 1960; shortly afterwards, Goeritz would write a first letter inviting him to contribute to the magazine Revista Arquitectura published in Mexico at the time, where Goeritz was the editor of the arts section for several years. His invitation was the beginning of a conversation between two figures that embodied their historic moment in a particularly sensitive and visionary way—Klein, in France, in a context marked by the postwar and banking on changing the paradigms of art; and Goeritz in Mexico, a fertile ground for him in the late 1940’s, having just emigrated from Europe via Morocco and the south of Spain. Their collaboration never crystallized, because of Klein’s sudden death from a heart attack in 1962, when he was 34 years old.

Goeritz wrote a text for that same magazine after Klein’s death titled “A Defense,” which says:

Although my work is similar to his, in essence it tries to say the opposite. It’s just that the extremes touch. The fundamental difference is that Klein gave great “artistic” value to his works (in other words, to himself) and I commission mine on the phone (as Malevich had prophesied), considering them to be decorative objects that must be subordinated to a whole, in order to achieve a spiritual atmosphere.

They both produced pieces at that same time, made from wooden stretchers covered in gold leaf: monochromes of sorts where materiality is a source of light, and where reflections on those very works create mirages and environments that transform. There are subtle differences between them, the works of Goeritz with uniform surfaces sometimes respond to the measurements of the walls they were destined for, whereas Klein’s have a few protuberances or loose leaves of gold that provide them with a certain appearance of “disorder.” Goeritz called them Messages within the logic of art as plastic prayer (as he called it), where art as a means of individual expression has stopped making sense. About Goeritz’s Messages, Ida Rodríguez Prampolini wrote in 1961 in a text titled The Monochromatic Painting, that “what’s important is the unity of the concept, and individual expression disappears.” Klein named his works Monogold, in direct reference to the monochrome and his ideas around zones of pure sensibility.

This artistic alchemy was the same one that led Klein to producing Monogold, and was also expressed in the way in which Klein Blue operated from the designation of objects and surfaces as his work of art. There’s an anecdote about how this yearning began in 1947 with the fantasy a young artist had of signing the sky, designating and expanding his territory of action.

In The day is blue, The silence is green, Life is yellow..., Andrea Martínez’s photographs start from an inquiry on light and landscape, making direct references to territory through coordinates that become abstract in the presence of the changing skies they document. Gonzalo Lebrija contributes a contemporary use of gold through three large panels that add flight as one more reading to this equation, from “folds” that move towards three-dimensionality and use paper planes as their reference. The collection of nearly three hundred pieces by Claudia Fernández explores the possibilities of painting as emplacement in a specific space in time, making reference to the vastness of an inner and outer universe. Melanie Smith’s recorded voice functions as a female presence from the museum’s bar, introducing questions of political and literary representation in this conversation. The bronze sculptures by Yolanda Paulsen contribute an “animality” to the problem of abstraction, bringing up readings on space and forms of relationships within architecture. Emanuel Tovar’s piece produces a relic from an action that could even be read as an act of vandalism, bringing back to this space the yellow of El Eco’s tower, which temporarily changed its color. Lastly, this poster shows the image of the painting Sonnenlicht (Sunlight) made in 1963 by the artist Rotraut Uecker, who was Yves Klein’s wife and who also explored at the time questions related to representation and color. Although not physically here, its presence strongly contributes to this history.

The day is blue The silence is greenLife is yellow …

Lista de obra / List of works

Claudia Fernández Interior, 1998. Óleo sobre tela y sobre madera (políptico)

Gonzalo Lebrija Unfolded Gold (Estrella de la Noche / Diamondback / Gamma Sagitae), 2017. Hoja de oro sobre madera

Andrea Martínez 60˚08’00’’ N 23˚33’00’’ E, 2015. Impresión digital

Yolanda Paulsen Contrapunto, 2017. Bronce

Melanie Smith Blue, 2017. Texto y audio

Emanuel Tovar Crónicas de vuelo III, 2017Pintura desprendida de la escultura El Pájaro de fuego de Mathias Goeritz (políptico)

ikb en la Torre amarilla de El Eco

Documentos / Documents

Cartas escritas por Mathias Goeritz a Yves Klein, 1960. ReproduccionesYves Klein Archives, París

“Una defensa”Texto de Mathias Goeritz en Revista Arquitectura, México, 1962, núm. 80, pág. 79Reproducción digital

Imagen del cartel / Image on the poster

Rotraut, Sonnenlicht (luz del sol), 1963reproducción digital de pintura en acrílico Rotraut, Sonnenlicht, 1963Acrílico sobre tela55 x 46 cm© Rotraut ADAGP, París / SOMAAP, México, 2017

Agradecimientos / AcknowledgementsRotraut Klein Moquay y Daniel Moquay Yves Klein Archives, Paris

El título de la exposición proviene de un texto de Yves Klein de 1952. Esta declaración es parte de un conjunto de poemas escritos en marzo de ese año, en los cuales Klein intenta definir su posición en el campo del arte a partir de explorar el fenómeno de lo visible en su obra. Esta frase —aquí incompleta— es en cierto sentido la afirmación del problema cromático en el arte como acontecimiento y territorio de acción, algo que más adelante se convertiría en una cuestión central de su obra.

El intercambio epistolar sostenido entre Mathias Goeritz y Klein en 1960 da cuenta del encuentro de estos dos personajes, y a la luz del contexto artístico e histórico del momento, puede interpretarse como una complicidad e interés de dos artistas que desde vías y posiciones distintas llegaron a soluciones formales similares al mismo tiempo.

En ese sentido, el proyecto presentado en el Museo Experimental el Eco busca poner en “conversación” el programa de arquitectura emocional desarrollado por Goeritz en este lugar, con el cual hizo frente a la arquitectura racionalista/funcionalista del estilo internacional desde el contexto mexicano, así como el trasfondo metafísico de su obra, con el proyecto inmaterial de Klein y sus ideas sobre el monocromo.

Esta exhibición explora la noción de un campo de acción en la producción artística más allá del momento histórico y sitúa el problema cromático como sustancia poética para la generación de enunciados de otros artistas. Como parte de esto, el ikb (International Klein Blue) se manifiesta en el espacio diseñado por Mathias Goeritz como un gesto curatorial y museográfico que dispone un ambiente para las obras convocadas.

Los extremos se tocan: Goeritz y Klein se conocieron en Europa muy probablemente a finales de 1959 o principios de 1960; poco después, Goeritz le escribe una primera carta invitándolo a colaborar en la Revista Arquitectura México que se publicaba en aquella época, y de la cual este último fue editor de la sección de arte durante varios años. La invitación que Goeritz le hizo fue el inicio de una conversación entre dos personajes que encarnaron su momento histórico de forma especialmente sensible y visionaria. Klein en Francia, en un contexto marcado por la posguerra y apostando por cambiar los paradigmas del arte, y Goeritz en un México que fue tierra fértil a finales de la década de 1940 para él que estaba recién emigrado de Europa, vía Marruecos y el sur de España. Aquella colaboración nunca se concretó debido a la repentina muerte de Klein a causa de un infarto en 1962, a los 34 años de edad.

Goeritz escribe un texto para esta misma revista después de su fallecimiento que titula “Una defensa”, y en el que se lee:

Aunque mi obra se parece a la suya, en su esencia intenta decir lo contrario. Es que los extremos se tocan. La diferencia fundamental es que Klein daba un gran valor “artístico” a sus obras (es decir: a sí mismo) y yo encargo las mías por teléfono (como Malevich lo había profetizado), considerándolas objetos decorativos que deben subordinarse bajo un conjunto para lograr así una atmósfera espiritual.

Ambos produjeron en esa misma época piezas hechas de bastidores de madera cubiertos de hoja de oro: una suerte de monocromos donde la materialidad es una fuente de luz y los reflejos sobre las obras mismas crean espejismos y ambientes que se transforman. Entre ellas hay sutiles diferencias, las de Goeritz, de superficies uniformes, responden en ocasiones a las medidas de los muros para las que se destinarían, mientras que las de Klein tienen algunas protuberancias u hojas de oro sueltas que les dan una apariencia de cierto “desorden”. Goeritz las llamó Mensajes dentro de la lógica del arte, como una oración plástica para la cual el arte como medio de expresión individual ha dejado de tener sentido. Klein nombró sus obras Monogold, en referencia directa al monocromo y a sus ideas en torno a las zonas de sensibilidad pura. Sobre los Mensajes, Ida Rodríguez Prampolini menciona en su texto La pintura monocromática, publicado en 1961 en el periódico Novedades, que “la unidad del concepto es lo importante y la expresión individual desaparece”. Esta alquimia artística fue la misma que llevó a Klein a producir los Monogold, y que también se manifestó en la manera en la que el Azul Klein operaba desde la designación de objetos y superficies como su obra de arte. Existe una anécdota de cómo este deseo inicia en 1947 con la fantasía de un joven artista por firmar el cielo, por designar y expandir al mismo tiempo su territorio de acción.

En El día es azul, el silencio es verde, la vida es amarilla… las fotografías de Andrea Martínez parten de una indagación sobre la luz y el paisaje, haciendo referencia directa al territorio mediante coordenadas que se tornan abstractas ante los cielos cambiantes que registra. Gonzalo Lebrija aporta el dorado en tres grandes paneles que suman una lectura más a esta ecuación: la del vuelo, a partir de “dobleces” que transitan hacia lo tridimensional y cuya referencia son aviones de papel. El conjunto de casi trescientas piezas de Claudia Fernández explora las posibilidades de la pintura como emplazamiento en un espacio determinado del tiempo que refiere la vastedad de un universo interior y exterior. La voz de Melanie Smith funciona como una presencia femenina desde el bar del museo, introduciendo cuestiones de representación de orden político y literario en esta conversación. Las esculturas de bronce de Yolanda Paulsen contribuyen con una “animalidad” al problema de la abstracción que trae a colación lecturas sobre el espacio y las formas de relación dentro de la arquitectura. La pieza de Emanuel Tovar produce una reliquia a partir de una acción que podría leerse incluso como un acto vandálico, regresando al espacio el color amarillo de la torre de El Eco que temporalmente cambió su color. Por último, este cartel pone en circulación una imagen de la pintura Sonnenlicht (luz de sol) realizada en 1963 por la artista Rotraut Uecker, quien fue pareja de Yves Klein y quien también exploró contundentemente en aquella época cuestiones relacionadas con la representación y el color. Aunque no se encuentra físicamente aquí, contribuye mediante la imagen de manera importante a esta historia.

Paola Santoscoy