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Fotografía digital (0578)

Date post: 14-Apr-2017
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Fotografía Digital
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Fotografía

Digital

FOTOGRAFIA DIGITAL 2

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FOTOGRAFIA DIGITAL 3

CARRERAS PROFESIONALES CIBERTEC

Índice

Presentación 5 Red de contenidos 7

Unidad de Aprendizaje 1

CONCEPTOS GENERALES DE FOTOGRAFÍA DIGITAL 9

1.1 Tema 1 : Introducción a la Fotografía 11 1.1.1 : La cámara fotográfica: partes, funciones y configuración

básica

11 1.1.2 : Enfoque 18 1.1.3 : Diafragmas, velocidades, ISO y exposición 20 1.1.4 : Sensores y formatos digitales 28 1.1.5 : Modos y espacios de color 35 1.1.6 : El histograma, el sistema de zonas, el rango dinámico y

profundidad de bits

38 1.1.7 : Práctica de campo: Exposición 60

1.2 Tema 2 : Lentes y Profundidad de Campo 61

1.2.1 : Los lentes 61 1.2.2 : Profundidad de campo 72

Unidad de Aprendizaje 2

ILUMINACIÓN 81 2.1 Tema 3 : Iluminación de estudio y elementos de revelado

digital

83 2.1.1 : Aprestamiento de luces 83 2.1.2 : Luces de estudio 85 2.1.3 : Propagación y regulación de luces por potencia y

distancia (Ley del cuadrado inverso)

105 2.1.4 : Clave alta y clave baja 108 2.1.5 : Diseño de diagramas de planta de iluminación 113 2.1.6 : Temperatura de color 115 2.1.7 : Práctica de estudio (Ratios) 117 2.1.8 : Revelado digital en Camera RAW (Adobe Bridge, Adobe

Photoshop y Adobe Photoshop Lightroom)

119 2.1.9 : Calibración de monitores 136

Unidad de Aprendizaje 3

FOTOGRAFÍA DE CONCEPTO, EDITORIAL Y PUBLICITARIA 139 3.1 Tema 4 : Fotografía de Concepto 141

3.1.1 : Ejemplos

3.2 Tema 5 : Fotografía de Portada 148 3.2.1 : Ejemplos

3.3 Tema 6 : Fotografía Publicitaria 157

3.3.1 : Ejemplos

Bibliografía 165

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Presentación

El Curso Fotografía Digital pertenece a la línea de Herramientas de Diseño y se dicta

en la carrera de Diseño Gráfico. Brinda al alumno conceptos básicos del lenguaje

fotográfico para dominar la imagen, y su capacidad expresiva y comunicacional.

El curso se desarrolla a través de sesiones teórico prácticas con alta participación,

propuesta y realización de tomas fotográficas. Está compuesto por unidades que

brindan los conocimientos necesarios para manejar una cámara fotográfica digital semi

profesional y la manipulación de la luz en diferentes condiciones.

El manual para el curso ha sido diseñado bajo la modalidad de unidades de aprendizaje,

las que se desarrollan durante semanas determinadas. En cada una de ellas, está el

logro que debe alcanzar el alumno al final de la unidad; asimismo, el tema tratado, el

cual será ampliamente desarrollado y los contenidos que debe desarrollar, es decir, los

subtemas. Por último, se encuentran las actividades que deberá desarrollar el alumno

en cada sesión que le permitirá reforzar lo aprendido en la clase.

El curso es eminentemente práctico: consiste en un taller de fotografía digital. En primer

lugar, se inicia con el reconocimiento de las características propias la cámara

fotográfica, su uso y su manejo. Continúa con la presentación de los criterios de

composición fotográfica que se debe tener. Por último, se concluye con toda la

formación necesaria para manejar la iluminación.

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Red de Contenidos

FOTOGRAFÍA

DIGITAL

Conceptos Generales de

Fotografía

Iluminación

Fotografía de Concepto, de

Portada y Publicitaria

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CONCEPTOS GENERALES DE

FOTOGRAFÍA DIGITAL

LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la unidad, el alumno opera correctamente una cámara fotográfica digital semi profesional identificando las partes más importantes y los accesorios.

TEMARIO

La cámara fotográfica: partes, funciones y configuración básica

Enfoque

Diafragmas, velocidades, ISO y exposición

Sensores y formatos digitales

Modos y espacios de color

El histograma, el sistema de zonas, y el rango dinámico y la profundidad de bits

Los lentes

Profundidad de campo

ACTIVIDADES PROPUESTAS

El alumno realiza una práctica de aprestamiento en el uso de la cámara.

El alumno realiza ejercicios donde profundizará cómo exponer correctamente una fotografía y de largas exposiciones.

El alumno realiza ejercicios de retrato.

UNIDAD

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1.1 INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA

1.1.1 LA CÁMARA FOTOGRÁFICA: PARTES, FUNCIONES Y CONFIGURACIÓN BÁSICA:

1.1.1.1 Trayectoria de la luz y partes de una cámara réflex

Para que una fotografía pueda ser registrada, debe seguir un camino desde la fuente de luz hasta la película o sensor siguiendo el mismo principio de la cámara lúcida.

Después de que la luz es emanada, rebota sobre lo que se desea fotografiar y se dirige a la cámara. La luz atraviesa el objetivo o lente. Dentro de este, se encuentra el diafragma, que viene a ser el agujero de la cámara estenopéica, lugar donde la imagen se forma y se proyecta. Luego, la luz continúa hacia un espejo que rebota la imagen a través de un prisma que termina proyectando la imagen sobre un ocular o visor. Cuando uno toma la fotografía, este camino cambia su curso. Al oprimir el disparador, el espejo se levanta dejando que la imagen continúe su camino hacia el obturador, que se abre y hace que la película o sensor genere la imagen sobre estas superficies.

Origen: Cámara Oscura o Estenopeica La primera mención de los principios de la cámara oscura datan alrededor del año 400 antes de Cristo, de los manuscritos de un filósofo chino llamado Mozi. El principio consiste en un fenómeno de naturaleza óptica. Si a una habitación (o caja) totalmente oscura, pintada internamente en color negro, se le hiciera un agujero en uno de sus lados, al otro extremo aparecería una imagen invertida, de lo que se encuentra al frente de este agujero.

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Este principio era usado principalmente por los astrónomos durante cientos de años para poder ver los eclipses de forma indirecta.

Abu Ali Al-Hasan Ibn al-Haitham fue el primer científico al que se le atribuye la construcción de la primera cámara oscura entre los siglos X y XI D.C. Sin embargo, no sería hasta muchos siglos después que se crean los medios sensibles para aprovechar este conocimiento con fines de reproducción de la realidad.

Inicios

Vista desde la ventana de Le Gras Primera fotografía de 8 horas de exposición

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La historia de la fotografía se inicia a principios del siglo XIX cuando, en el año 1816, el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras (gráfico superior), obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839, Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo, Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.

Por esos tiempos, el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era particularmente útil para los retratos, que empezaron a divulgarse entre la clase media burguesa de la Revolución Industrial por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica.

1.1.1.2 Nomenclatura Básica

Objetivo: Lente o Distancia Focal

Obturador: Cortina que protege el sensor o película de la luz. El disparador hace que esta cortina se abra.

Diafragma: Agujero o círculo hueco que deja pasar luz a la cámara y que genera el efecto óptico para crear la imagen.

Tiempo de Obturación: Conocido, también, como tiempo de exposición o velocidad, es el tiempo que se usa para exponer la película o sensor a la luz. Usualmente, son fracciones de segundo.

Plano Focal: Zona donde se proyecta la imagen proveniente del objetivo. Una vez abierto el obturador, el plano focal se sitúa sobre la superficie de la película o sobre el sensor de la película.

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1.1.1.3 Partes de la cámara digital

Cuerpo de la Cámara

En el cuerpo de la cámara, se encuentran la mayoría de funciones y controles: el sensor, el sistema réflex digital o DSLR, el visor, la palanca de encendido, los controles de diafragma y velocidad, el disparador, entre otros.

Palanca de encendido: Al colocar esta palanca en la posición “ON”, la cámara comenzará a funcionar. Para apagar la cámara, se pondrá en la posición “OFF”.

Visor: A través del visor, uno puede ver el encuadre de lo que está fotografiando, además de algunas de las funciones más saltantes.

Anillo de Programa (Dial de los Modos de exposición): Con el anillo de programa, el fotómetro o sensor de luz de la cámara se ajusta a la condición que uno prefiera. Las más conocidas son las siguientes:

A-Dep: Profundidad de Campo

M: Manual

Av: Prioridad Apertura

Tv: Prioridad Tiempo de Exposición

P: Programa

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Para el presente curso manejaremos el anillo de programa en Manual

NOTA: La nomenclatura presentada corresponde a las cámaras de la marca CANON. Otras marcas pueden variar la nomenclatura, pero el concepto de los modos se mantiene.

Disparador: Cuando uno oprime el disparador, hace que el sensor de la cámara se impresione de la imagen que se ve a través del visor.

Anillo de Velocidad: Cuando uno gira este anillo en sentido horario, el tiempo de exposición u obturación disminuye; no obstante, si se gira en sentido antihorario, aumenta.

Anillo de Diafragma: Si uno quiere cambiar de diafragma o de apertura, tiene que hacer lo siguiente: mientras se oprime el botón de sobre y sub exposición, giramos el anillo de velocidad. Al hacer esto, convertimos momentáneamente el anillo de velocidad en anillo de diafragma. Si giramos este anillo en sentido horario, disminuimos la cantidad de luz que entra a la cámara reduciendo el tamaño del diafragma. Si lo giramos en el sentido opuesto, agrandamos este tamaño y, por lo tanto, entra más luz.

Botón de Factor de Sensibilidad (ISO): Al oprimir este botón, en la pantalla de LCD, aparecerán cinco opciones de sensibilidad o ISO: 100, 200, 400, 800, 1600. Si se escoge un número mayor, la sensibilidad a la luz aumenta; no obstante, si se escoge un número menor, disminuye. Para seleccionar el ISO, usamos el botón SET y se navega con las flechas que se encuentran alrededor de SET

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Si hablamos de una sensibilidad alta, como por ejemplo: ISO 1600, y se quiere que la foto esté correctamente expuesta, se necesita menor cantidad de luz. Si, por el contrario, usáramos ISO 100, entonces se necesita mayor cantidad de luz.

Al aumentar el factor de sensibilidad, lo que se hace, también, es agregar ruido a la imagen. Así que, si el factor de sensibilidad es mayor, el ruido también lo será.

Objetivo: Lente, su medida corresponderá a su distancia focal (distancia que hay desde el eje óptico del lente al sensor).

Botón de foco manual y automático: Con este botón, activamos o desactivamos el foco automático.

MF: Foco Manual

AF: Foco Automático

Para el presente curso manejaremos la cámara en MF

Anillo de Enfoque: Al girar este anillo, se enfocará la imagen que se ve a través del visor. La imagen estará enfocada, en tanto se vea nítida, en vez de borrosa. Botón de Autofoco: Al oprimir este botón, se presentarán tres opciones en la pantalla LCD:

ONE SHOT: para motivos estáticos AI FOCUS: cambia de modo AF de forma automática AI SERVO: para motivos en movimiento

Para el presente curso, manejaremos la cámara en MF, por lo que estas funciones no se tocarán. “AI” significa inteligencia artificial.

Anillo Zoom: Hay lentes que cuentan con una sola distancia focal, que se llaman fijos. Hay otros que cuentan con más de una. A estos lentes se les llama lentes zoom. Cuando se gira el anillo zoom, uno cambia de distancia focal. En el visor, veremos que la imagen se agranda o empequeñece. Más Adelante se ahondará con este tema.

Botón de Balance en Blanco: Con este botón, se establece con qué temperatura de color se está trabajando.

Botón de Menú: Con este botón, se ingresa al menú de la cámara para modificar funciones avanzadas.

Botón de Visionado: Con este botón, se ingresa al modo de visionado. Se ven las imágenes grabadas en la tarjeta SD (Secure Digital). Si se oprime el botón display (Disp) viendo una imagen, se verán ciertos aspectos de la misma cuando fue tomada. Si el mismo botón se vuelve a oprimir, se verán aspectos avanzados, además de un histograma de la imagen. También, se pueden ver las miniaturas de las imágenes tomadas.

Si la foto no nos sirviera, se oprime el botón de descarte de imágenes (tiene un ícono de tacho de basura), luego se usan los botones de navegación de la derecha para eliminarla.

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Nota: Las tarjetas SD, donde se almacenan las imágenes, vienen en diversas capacidades: 256 MB, 512 MB, 1GB, 2GB, 4GB, 8GB, etc. Asimismo, encontramos la diferencia de level. El número de level representa la velocidad mínima de descarga en Megabytes por segundo. Una tarjeta level 2 asegura 2MB/s; y una level 10, 10MB/s, aunque esta velocidad puede ser mayor dependiendo del fabricante.

Pantalla LCD: Es donde se pueden revisar la configuración de los diferentes parámetros de la toma, como el modo de exposición, la barra del fotómetro, la velocidad, el diafragma, la sensibilidad ISO, el modo de medición del fotómetro, el modo de toma (1 disparo ó ráfaga), la cantidad de tomas que puede almacenar la tarjeta de memoria, el nivel de carga de la batería, etc. Además, podemos visualizar las tomas realizadas y revisar sus datos exif.

Si sigue este link, podrá descargar el manual de cualquier cámara que se usase en este curso: http://www.canonistas.com/foros/general-camaras/88445-manuales-de-camaras-canon-digitales-espanol-e-ingles.html

1.1.1.4. Configuración Básica Hay ciertos aspectos fundamentales al momento de configurar la cámara. Veremos los más importantes: Tipo de Archivo: RAW (para el fabricante, la extensión es CR2) Estilo de Foto: Neutro Espacio de Color: Adobe RGB Esto se puede modificar accediendo al menú de la cámara al oprimir el botón que dice Menú. Para acceder al video: http://sdrv.ms/1aj4AQW

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1.1.2 ENFOQUE

1.1.2.1 Enfocando Cuando enfocamos una imagen, lo tenemos que hacer de manera manual o automática. Manualmente, debemos ver a través del visor de la cámara y girar el anillo de enfoque hasta que la imagen se vea nítida, definida. La otra manera de hacerlo es usar los puntos AF en el visor y oprimir ligeramente el disparador (esto mientras, en el lente, esté seleccionada la opción AF). Si se oprime con suavidad el disparador (en funciones avanzadas), podemos asignar a otro botón la función de enfoque automático.

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Es recomendable no intentar hacer foco en el modo lifeview de la cámara.

La ventaja de elegir la zona a enfocar permite definir cuál será el principal foco de atención.1

1 Imágenes realizadas por Diego Contreras Morales

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1.1.3 DIAFRAGMAS, VELOCIDADES, ISO Y EXPOSICIÓN

Para obtener una foto correctamente expuesta, se deben tener en cuenta principalmente tres factores:

a) La sensibilidad a la luz del sensor de la cámara b) La cantidad de luz que cae sobre el sensor c) La cantidad de tiempo que se expone el sensor a esta cantidad de luz

1.1.3.1 Diafragma El diafragma es la apertura interna que tiene el lente y sin el cual la imagen nunca se formaría. Cuando verificamos el nivel de exposición a través de la cámara, se nos indica a través del número f. Si usamos un diafragma abierto, significa que el sensor está recibiendo una mayor cantidad de luz. Si por el contrario usamos un diafragma más cerrado, entrará menos luz.

Número f: Es una relación matemática, en la que intervienen tres factores: apertura, distancia focal y el número “f”. Nosotros podemos ver a través de la cámara los números “f” y nos servimos de ellos para controlar la cantidad de luz que entra al sensor.

Fórmula del número “f”

Distancia Focal

Número “f” = Apertura de Diafragma

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Ejemplo: Si se tiene en cuenta que usamos una distancia focal o lente 50mm, se obtienen los siguientes valores:

Números "f"

Diafragma en mm

Superficie total de la apertura en

mm2

Cantidad de luz transmitida por unidad

de tiempo 5.6 = x

1 50 1963 32 x

1.4 35.7 1002 16 x

2 25 491 8 x

2.8 17.9 250 4 x

4 12.5 123 2 x

5.6 8.9 63 x

8 6.3 31 1/2 x

11 4.5 16 1/4 x

16 3.1 8 1/8 x

22 2.3 4 1/16 x

A través de este cuadro, se concluye lo siguiente:

a) A mayor número f, menor cantidad de luz. b) Un número f correlativo deja pasar el doble o la mitad de luz que el diafragma

anterior. Ejemplo: f: 5.6 deja pasar la mitad de luz que f: 4, pero el doble del f: 8.

c) Si f = 1, entonces la apertura de diafragma será igual a la distancia focal.

Veamos exposiciones secuenciales en las que se varía solo la apertura del F2

F:2 F:2.8

F:4

2 Imágenes realizadas por Diego Contreras Morales

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F:5.6 F:8

A mayor número f, menor paso de luz

1.1.3.2 Tiempo de exposición Así como la cámara indica la cantidad de luz que cae sobre el sensor, a través del número “f” se indica la cantidad de tiempo de exposición. Las cámaras indican velocidades de fracciones de segundo, así como segundos completos o tiempos indeterminados como la opción “B”, que significa bulbo, y quiere decir que el obturador permanecerá abierto desde que uno oprime el disparador hasta que uno lo suelte.

Una velocidad rápida o exposición de corta duración permitirá congelar al sujeto. Si fuera una velocidad lenta o exposición de larga duración, apreciaremos que los objetos se encuentran movidos.

La velocidad normal de disparo varía entre 1/60 y 1/125, velocidades más rápidas o cortas congelan a los sujetos.

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A la imagen anterior, se le ha dado una larga exposición (8 segundos aproximadamente), por esto los carros que cruzan la autopista se ven movidos y son los faros encendidos lo que, principalmente, se ve.

Fotografía de alta velocidad o corta exposición. Gracias a esto, se pudo congelar la cereza al momento de impactar sobre la superficie. t: 1/5000

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1.1.3.3 Factor de Sensibilidad (ISO)

El sensor de la cámara digital puede trabajar a diferentes niveles de sensibilidad, estos vienen determinados por el estándar ISO. A mayor número ISO, se tiene mayor sensibilidad del sensor. Esto quiere decir que si nuestro sensor estuviera usando una sensibilidad de ISO de 1600, necesitaría menos cantidad de luz o tiempo de exposición que si estuviera usándose una sensibilidad de un ISO 100. Sin embargo, si la sensibilidad del sensor es mayor, mayor será el ruido que se verá en la imagen que se tome y se irá perdiendo definición.

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1.1.3.4 Criterio de compensación

La apertura de diafragma y el tiempo de exposición son dos índices que van ligados. Si obtengo una lectura correcta con un número “f” y un tiempo “t” determinados, por cada paso que varíe alguna de estas dos variables, deberé cambiar la otra en sentido contrario. Si obtengo una exposición correcta con un “f” y un “t” determinados, y cambio la variable “f” duplicando la cantidad de luz, entonces deberé dividir a la mitad la variable “t” para compensar la exposición.

Tabla de compensación hipotética:

Como se observa a través de esta tabla, si se tiene una lectura correcta en la relación f = 8 y t = 1/125, también es correcta f = 5.6 y t = 1/250, es decir, si se deja pasar el doble de luz, se da la mitad del tiempo y viceversa.

1.1.3.5 Exposición Cuando usemos cualquier cámara, ésta tendrá un fotómetro incorporado a ella, llamado fotómetro de luz reflejada. Este fotómetro mide la escena que se esté visualizando, según la sensibilidad escogida se configurarán en función a ésta el número “f” y el tiempo de exposición. Para obtener una exposición correcta, depende de varios factores. El criterio básico para tener una lectura correcta es ajustar la escala de exposición, una recta numérica horizontal que va de -2 hasta +2 EV (Exposure Value), que uno puede visualizar de dos formas.

La primera, a través del visor, oprimiendo levemente el disparador para que la cámara de una lectura inicial.

La segunda es haciendo el mismo proceso, pero mirando la pantalla de LCD debajo de la velocidad (en el diagrama inferior, al lado de la letra P).

f 2.8 4 5.6 8 11 16

t 1/1000 1/500 1/250 1/125 1/60 1/30

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Después de haber visualizado alguna de estas rectas y haber oprimido levemente el disparador, aparecerá un rectángulo negro debajo de alguna parte de esta recta. Entonces, lo que se tiene que hacer es mover la velocidad o el diafragma hasta que este rectángulo se encuentre debajo de cero. 1.1.3.6. Puntos de sobre exposición y sub exposición Cuando se habla de puntos de sobre o sub exposición, estamos hablando de olvidar el criterio de compensación, y variar el “f” o el “t” en un paso o punto, una vez que logramos ubicar el rectángulo negro debajo del “0”. Concretamente, sería duplicar o dividir a la mitad la exposición en cantidad de luz o en tiempo de exposición.

Hay oportunidades en que no podemos valernos de el punto “0” para considerar que una fotografía saldrá correctamente expuesta. El fotómetro de la cámara usa valores de medición que consideran que lo que se está encuadrando es un promedio entre el blanco más claro y el negro más oscuro, ambos sin detalle. A este promedio se le llama gris 18%. Sin embargo, si nos regimos bajo este criterio, es decir, si ponemos elementos blancos con un fondo blanco a ser fotografiados, entonces saldrán de color gris o sub-expuestos, si es que colocamos el rectángulo de la recta en el punto “0”. Para que la fotografía salga correctamente, tendremos que sobre exponer uno o dos puntos. Esto quiere decir colocar el rectángulo negro debajo de +2 o +1. Si por el contrario fueran negros en vez de blancos, se tendría que sub exponer uno o dos puntos, por lo que se debe ajustar la exposición en -1 o -2.

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3 También, podríamos hacerlo con los f. Al exponer diferentes aperturas, la imagen se sub expone o sobre expone. Debemos recordar que un f de número pequeño, como 2.8, conlleva a un diafragma más abierto y por ende ingresará más luz al sensor haciendo más clara la imagen. Caso contrario, si el número f fuera mayor, como un 16, hará que ingrese menos luz y de mantener el tiempo de obturación e ISO iguales hará que la imagen salga más oscura. Hay veces en que no podemos ceñirnos, tampoco, bajo este criterio cuando no sabemos si los elementos rebotarán la luz como si fueran blancos o negros. En ese momento, debemos usar una técnica que se llama bracketing. En el bracketing, debemos tomar las fotos en el “punto cero” y esa misma foto debe volverse a tomar con un punto de sub exposición y un punto de sobre exposición. En otras palabras, para cada foto, se debe sacar dos fotos adicionales. Va a depender del contraste o la iluminación para que sea medio punto o dos puntos completos.

RECUERDE QUE SI VARÍA EL ISO, VARIARÁ LA EXPOSICIÓN

3 Imágenes realizadas por Diego Contreras Morales

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Quizás la herramienta más importante para exponer correctamente una imagen sea el histograma de la cámara. Revisarlo, durante una sesión de fotografía, es importante (este tema se profundizará en la sección de histograma). Para profundizar, puede seguir el siguiente enlace y practicar la exposición variando diferentes valores: http://camerasim.com/camera-simulator/

1.1.4. SENSORES Y FORMATOS DIGITALES 1.1.4.1. Tipos de sensores para cámaras fotográficas digitales.

CCD “Un CCD (siglas en inglés de charge-coupled device: ‘dispositivo de cargas [eléctricas] interconectadas’) es un circuito integrado que contiene un número determinado de condensadores enlazados o acoplados. Bajo el control de un circuito interno, cada condensador puede transferir su carga eléctrica a uno o a varios de los condensadores que estén a su lado en el circuito impreso. La alternativa digital a los CCD son los dispositivos CMOS (complementary metal oxide semiconductor) utilizados en algunas cámaras digitales y en numerosas Webcam. En la actualidad, los CCD son mucho más populares en aplicaciones profesionales y en cámaras digitales.”4

Sensor CCD. Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Ccd

Filtro Bayer. Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Filtro_Bayer

4 http://es.wikipedia.org/wiki/CCD_(sensor)

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El sensor CCD es un sensor que se usa en fotografía y que fue altamente difundido en el campo del video profesional con las cámaras de 3 CCD. El funcionamiento del sensor se basa en la captura de la luz a un nivel básico, bajo los ejes de luminosidad y oscuridad. Esto hace que la imagen capturada sea en blanco y negro. Para que el sensor CCD pueda capturar una imagen a color, usa un filtro bayer. Este filtro consiste en un tablero de cuadrados de color rojo, verde y azul (RGB), donde al pasar la luz a través de este filtro, el color en la imagen surge.

CMOS “Un Active Pixel Sensor (APS) es un sensor que detecta la luz basado en tecnología CMOS y, por ello, es más conocido como Sensor CMOS. Gracias a la tecnología CMOS, es posible integrar más funciones en un chip sensor, como por ejemplo control de luminosidad, corrector de contraste, o un conversor analógico-digital.”5

5 http://es.wikipedia.org/wiki/Sensor_CMOS

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Sensor CMOS. Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Sensor_CMOS

Comparación de usar un sensor CMOS con un sensor CCD

Ventajas

Consumo eléctrico muy inferior Económico (necesita pocos componentes externos) Lectura simultánea de mayor número de pixeles El conversor digital puede estar integrado en el mismo chip Escaso Blooming ("Smear") o inexistente Mayor flexibilidad en la lectura (Previsualización más rápida, vídeo) Los pixeles pueden ser expuestos y leídos simultáneamente Otras topologías posibles (el sensor SuperCCD de Fujifilm emplea una

construcción en forma de panel (octogonal) para los píxeles) Distintos tipos de píxeles (según tamaño y sensibilidad) combinables Muy alta frecuencia de imagen en comparación a un CCD del mismo tamaño

Desventajas

Menor superficie receptora de la luz por píxel Menor uniformidad de los píxeles (mayor ruido de patrón fijo-FPN)

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1.1.4.2. Terminología digital y conceptos básicos

Píxel

El Píxel es la unidad mínima de imagen que se puede obtener.

Megapíxel

Un megapíxel es un millón de píxeles. Cuando se dice que una cámara tiene 10 megapíxeles, quiere decir que su sensor está compuesto por 10 millones de pequeños receptáculos fotosensibles. Por ejemplo, la cámara Canon EOS Digital Rebel XTI tiene 10.1 megapíxeles, su sensor está compuesto por una malla de sensores de 3888 píxeles de ancho por 2592 píxeles de alto. Si uno multiplica estas dos cifras, se obtienen: 10´077,696 píxeles, redondeando 10.1 megapíxeles.

Tamaño de sensor

El tamaño de sensor se debe tener en cuenta para impresiones, ya que aunque pueda tener millones de megapíxeles en su superficie, estos pueden ser muy pequeños, por lo que la imagen ampliada carecería de la definición óptima.

En la actualidad, existen principalmente dos tipos de sensores, los “full frame” de 35 mm (36 x 24mm de área) y los “APS-C” (24 x 16mm), estos últimos son más pequeños que un fotograma de 35 mm. En ambos casos, se usan los mismos lentes; sin embargo, la captura del ángulo total de la toma difiere de lo que vendría a ser un “full frame”.

En ópticas y desarrollo de lentes, siguen los mismos parámetros, por lo que esto genera un problema, ya que al ser el sensor APS-C es más pequeño que el full frame (un 62.5%) y su captura de imagen es menor, por lo que no incluiría toda la cobertura en ángulo que tiene por naturaleza el lente en sí.

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Existe un factor de conversión, 1.6x, que se aplica directamente al lente. Un lente 28mm con un sensor APS-C sería el equivalente a un lente 44.8mm, en un full frame. Sin embargo, las distorsiones ópticas se mantienen. Esto se debe a la construcción del lente.

NOTA: El factor de conversión descrito es aplicable a las cámaras Canon que se usan en clases. Otras marcas y modelos tienen factores de conversión distintos, dado que el tamaño de sus sensores es distinto.

Cuadro comparativo de tamaños y proporciones de diferentes sensores

RAW, TIFF, JPG, PNG Y GIF

RAW (en inglés significa crudo)

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“Es un formato de archivo digital de imágenes que contiene la totalidad de los datos de la imagen tal y como ha sido captada por el sensor digital de la cámara fotográfica. El formato RAW, generalmente, lleva aplicada compresión sin pérdidas.

Debido a que contiene la totalidad de los datos de la imagen captada por la cámara y una mayor profundidad de color (por lo general 36 a 48 bits/píxel), sus ficheros tienen un tamaño de archivo muy grande, a pesar de que, generalmente, usan compresión.”6

Existen diferentes extensiones particulares de acuerdo a la marca:

CANON: CR2, NIKON: NEF Negativo digital genérico: DNG.

Este tipo de extensión permite modificar de manera más eficiente una imagen, por lo que se fotografiará en RAW durante todo el ciclo, ya que es lo recomendable en un trabajo fotográfico y de diseño a nivel mundial.

Se le llama RAW o Crudo, en castellano, a un archivo sin las alteraciones que puede tener un jpg. No se le ha aplicado filtros de corrección de luz, color, contraste ni enfoque.

TIFF (Tagged Image File Format)

TIFF es un formato de fichero para imágenes.

“La denominación en inglés "Tagged Image File Format" es un formato de archivo de imágenes con etiquetas. Esto se debe a que los ficheros TIFF contienen, además de los datos de la imagen propiamente dicha, "etiquetas" en las que se archiva información sobre las características de la imagen, que sirve para su tratamiento posterior”.7

Contra lo que muchos piensan, el formato TIFF sí permite compresión. Existe un sistema de compresión TIFF sin pérdida de calidad, conocido como LZW (Lempel-Ziv-Welch).

Toda imagen scaneada debería guardarse en esta extensión, a la resolución requerida, al espacio de color apropiado y al mayor bitaje para permitir su posterior retoque. En caso se usara en 8 bits, sería recomendable usar un jpeg.

JPEG

“Además de ser un método de compresión, es a menudo considerado como un formato de archivo. JPEG/Exif es el formato de imagen más común utilizado por las cámaras fotográficas digitales y otros dispositivos de captura de imagen junto con JPEG/JFIF, que también es otro formato para el almacenamiento y la transmisión de imágenes fotográficas en la World Wide Web. JPEG/JFIF es el formato más utilizado para almacenar y transmitir archivos de fotos en Internet. Estas variaciones de formatos a menudo no se distinguen y se llaman JPEG”.

"JPEG" significa "Joint Photographic Experts Group" (Grupo de Expertos en un Conjunto de Fotografías), nombre de la comisión que creó la norma, la cual fue integrada desde sus inicios por la fusión de varias agrupaciones en un intento de

6 http://es.wikipedia.org/wiki/RAW_(formato)

7 http://es.wikipedia.org/wiki/TIFF

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compartir y desarrollar su experiencia en la digitalización de imágenes. La ISO, tres años antes (abril de 1983), había iniciado sus investigaciones en el área.

Es un algoritmo de compresión con pérdida. Esto significa que al descomprimir la imagen no obtenemos exactamente la misma imagen que teníamos antes de la compresión.

Una de las características que hace muy flexible el JPEG es el poder ajustar el grado de compresión. Si especificamos una compresión muy alta, se perderá una cantidad significativa de calidad, pero obtendremos archivos de pequeño tamaño. Con una tasa de compresión baja, obtenemos una calidad muy parecida a la del original y un archivo mayor.

Esta pérdida de calidad se acumula. Esto significa que, si comprime una imagen y la descomprime, obtendrá una calidad de imagen, pero si vuelve a comprimirla y descomprimirla, otra vez obtendrá una pérdida mayor. Cada vez que comprima y descomprima la imagen, ésta perderá algo de calidad. La compresión con pérdida no es conveniente en imágenes o gráficos que tengan textos o líneas y sobre todo para archivos que contengan grandes áreas de colores sólidos.

“El algoritmo de compresión JPEG se basa en dos defectos visuales del ojo humano, uno es el hecho de que es mucho más sensible al cambio en la luminancia que en la crominancia, es decir, notamos más claramente los cambios de brillo que de color. El otro es que notamos con más facilidad pequeños cambios de brillo en zonas homogéneas que en zonas donde la variación es grande, por ejemplo en los bordes de los cuerpos de los objetos”.8

Esto es recomendable para exportaciones finales, porque dado su bajo peso, son muy comunes para fotografía amateur e imágenes para internet. Este formato trabaja a 8 bits por canal contando con los tres canales básicos RGB. Un total de 16´777,216 intervalos tonales que representan a este archivo.

PNG (Portable Networks Graphic)

Archivos que tienen compresión sin pérdidas y permiten aplicaciones de transparencia, ideales para web, pero no soportan animación. Ideal que se use el sRGB como espacio de color. Comparable con el jpg para trabajar en red, pero con archivos vectoriales, no es ideal para trabajar con fotografías.

GIF (Graphic Interchange Format)

Archivos ideales para trabajar animaciones, lo lamentable es que solo puede soportar 256 colores de una paleta total de los 16´777,216 intervalos tonales posibles.

8 http://es.wikipedia.org/wiki/JPEG

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1.1.5 MODOS Y ESPACIOS DE COLOR

El color, en fotografía digital, surge gracias a la descomposición de la luz en diferentes frecuencias, donde cada una toma un valor tonal, lo cual produce un color.

En este punto, vale la pena recordar que existen dos grandes modos de hacer esto RGB y CMYK.

El RGB es un modo aditivo, mientras más crecen los valores en los tres canales, más claro es el color o brillo del mismo. El CMYK es un modo sustractivo, es decir, mientras mayor sea el valor de alguno de estos canales, más oscuro será el mismo.

El primero fue pensado para la luz, bajo el concepto de que la luz es la suma de todos los colores; el segundo es para imprentas.

En este círculo cromático, podemos ver los colores del RGB y los del CMYK (Cyan, Magenta, Yellow, Key), de esta forma, cuando se trabaje en Photoshop o Ilustrator, podemos obtener estos colores puros manipulando el selector de color. Por ejemplo, si trabajáramos en un espacio de color de RGB y quisiéramos obtener el Magenta deberíamos poner en R: 255, G:0, y B:255. Sin embargo, esto es impreciso, ya que el espacio CMYK incluye el negro. Aun así, una coordenada, en el RGB, siempre corresponde a otra coordenada de colores en el CMYK.

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Existe otro modo, que pudiera ser más preciso para trabajar en bitajes más grandes, como el CIE LAB o Color Lab. Acá vemos el Color Lab (Luminance, a y b). Este es un espacio de color ideal para trabajar imágenes a 16 bits por canal o imágenes de 48 bits de profundidad de color. Las imágenes en RAW de las cámaras son trabajadas en Color Lab, antes de pasar a Photoshop. Lo ideal es trabajarlas en ese espacio de color y a 16 bits por canal, de esta forma el retoque es más eficiente. Este espacio es no solo mucho más grande, sino que tranquilamente puede albergar los 281´474,976´710,656 intervalos tonales que tiene esta modalidad de bits. Evidentemente, eso lo podemos usar solo en objetos inteligentes y en TIFF, jamás en un jpg.

En Photoshop, así como en otros programas de edición fotográfica, se puede trabajar la imagen en diferentes espacios de color para el tema fotográfico. Entre ellos, están el ProPhoto RGB, el Adobe RGB, sRGB, Color Match, Apple RGB, etc.

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Gráfica que explica y compara la extensión frecuencial de los diferentes espacios de color

sRGB

sRGB es el espacio de color definido para monitores e internet, recomendable para piezas web y proyecciones. Sin embargo, no recomendable para impresiones fotográficas. Trabaja con una Gama de 2.2, recomendable para pantallas de PC.

Apple RGB

Apple RGB es el espacio de color para monitores de Apple, similar al RGB, con el respectivo ajuste de Gama a 1.8.

Adobe RGB

Adobe RGB es el espacio más grande, ideal para retocar imágenes. Este modelo para retocar en pantalla es ideal sobre todo cuando se hará una impresión en CMYK. Este espacio, también, es ideal para hacer impresiones fotográficas de alto rango dinámico. Gama: 2.2

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Color Match RGB

Color Match RGB tiene mejor expresión en Cyanes que en Azules, los gamuts o valores tonales están más apagados.

ProPhoto RGB

ProPhoto RGB es un espacio de color más amplio que el Adobe RGB, pero con una Gama de 1.8. Ideal para retoque de amplio rango dinámico en pantallas Apple y toda pantalla que trabajase con esa gama.

1.1.6. EL HISTOGRAMA, EL SISTEMA DE ZONAS, Y EL RANGO DINÁMICO Y LA PROFUNDIDAD DE BITS

1.1.6.1. El Histograma

El histograma de luz o color en la imagen describe estadísticamente la imagen con un gráfico que muestra los valores de cada píxel de la imagen.

Aprendiendo a leer el histograma

La mayoría de cámaras digitales semi profesionales y profesionales cuentan, en la actualidad, con un histograma. El histograma da la información lumínica de la fotografía en una gráfica de 256 columnas. Al lado izquierdo, se encuentran los valores oscuros o negros, y a la derecha blancos o claros. Para saber si una foto está correctamente expuesta, se tiene que revisar el histograma y compararlo con lo que veo o quiero obtener en una imagen.

Fuente: http://www.sergiodelatorre.com/blog/interpretarelhistograma/

En esta fotografía, el histograma dice que la mayoría de pixeles están agrupados en una zona alta de la escala de grises o que existe una predominancia de luces, por eso las barras de la zona derecha son más altas.

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Fuente: http://www.sergiodelatorre.com/blog/interpretarelhistograma/

Por el contrario, en esta otra, la dominancia se da al lado izquierdo y las barras están agrupadas en la zona baja de la escala de grises.

En esta fotografía, tenemos que existe un contraste alto, porque la zona de luces altas y bajas describe ambas barras altas en el histograma. Este tipo de diagrama se basa en la distribución de valores por canal que tiene el jpg.

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En el ejemplo superior, vemos la descripción de la luz y colores en el histograma superior, y después vemos el histograma de los diferentes canales que conforman la imagen, sus colores y luminosidad. Es como si se hubieran alineado cada píxel de la imagen desde los niveles más bajos de luminosidad o color al lado izquierdo hasta el lado derecho donde se encuentran los más luminosos.

Si hay un sector del histograma alto, esto quiere decir que hay una fuerte acumulación de píxeles con esos valores tonales o de luz. En el histograma anterior, vemos que hay un domino de sombras por encima de las luces altas o los tonos medios.

Al ver el histograma de color, vemos como se terminan complementando los tres canales de luz para generar los otros colores.

Como primera conclusión, sabemos que los colores no son un elemento desarrollado en la imagen, dado que existe una clara dominancia de grises o valores de luz neutra.

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9

En la imagen superior, propiedad de Guillermo Lujik, vemos, como a través de un ajuste de curvas, se ha alterado el contraste de la imagen. El impacto que ha tenido sobre el histograma general termina afectando la forma del histograma, es decir, hace que los tonos medios disminuyan, dando paso a un dominio de luces y sombras haciendo que, finalmente, se manejen menos zonas de grises medios.

9 Imagen de Guillermo Lujik, http://www.guillermoluijk.com/article/histogram/index.htm

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En la imagen superior, podemos apreciar una evolución del histograma de acuerdo a sus valores de color y luz. Al contrario de las imágenes anteriores, en la presente unidad, vemos como el color es un tema dominante. En este caso, cuando los colores son más puros, los colores se manifiestan en cumbres separadas. Por ejemplo, cuando un color tiene la misma coordenada en el RGB para sus tres canales, se convierte en gris.

Mucha altura en un histograma implica que existen muchos píxeles de la imagen que tienen ese valor de luz o color. En este caso, vemos que, en las zonas de luz, existe una dominancia de colores como el cyan, el verde y los azules. En las zonas de baja iluminación, existe una dominancia de amarillo, rojos y naranjas.

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El histograma, a manera sencilla, muestra los valores de un color de acuerdo a su coordenada RGB.

Color totalmente Desaturado

R: 131, G: 131, B: 131

Color Base

R: 41, G: 221, B: 147

Color Totalmente Saturado

R: 7, G: 255, B: 152

En el caso superior, notamos las siguientes cosas:

1) La desaturación de la imagen por sí sola busca el promedio y hace que las coordenadas se aproximen entre ellas.

2) La saturación hace que la imagen separe las coordenadas buscando que el color sea lo más puro posible.

3) En este caso, el promedio muestra el valor de luminosidad del píxel.

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4) No porque el píxel tenga un nivel de luz medio determina que sus coordenadas RGB estén próximas.

En esta gráfica, el color del centro tiene un R: 103, G: 64, B: 58. Este color ha sido modificado en luz y saturación en cada cuadrado que busca representar un píxel en la imagen. Si bien por temas de espacio de color, la corrección de luz no termina siendo tan precisa, notamos lo siguiente:

1) Cuando hay menos luz, se perciben menos diferencias entre los píxeles. 2) Un color saturado se destaca por encima de los desaturados haciendo que

el cambio sea más abrupto. 3) La coordenada RGB del cuadrado más claro y desaturado es R: 226, G:

214, B: 214, esto indica que se ve más como luz. Si se sabe que, en esencia, el color no tiene azul, el azul es usado como un valor de luz.

4) La coordenada RGB del cuadrado más claro y saturado es R: 224, G: 41, B: 13, aunque teóricamente debería tener la misma cantidad de luz que el cuadrado anterior que se ve menos luminoso. Los canales verde y azul se encuentran prácticamente anulados siendo casi un rojo puro.

5) Los cuadrados con menos luz no presentan diferencias evidentes entre ellos a diferencia de los cuadrados que tienen más luz.

6) Siempre, encontraremos más diferencias en las luces que en las sombras.

Veamos el mismo cuadro, pero totalmente saturado:

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Al incrementarse la saturación total de todos los colores, la saturación ha hecho que varios colores se parezcan entre ellos, debido a que el espacio de color no permite que puedan seguir saturándose más, ya que esta saturación tiene un límite: el color puro. Por otro lado, se percibe la desaparición casi absoluta del gris e, inclusive, el negro parece tener una tonalidad de color. Cuando se abusa de la saturación, desaparecen los tonos medios.

Veamos el mismo cuadro totalmente desaturado:

Aquí, las diferencias son más fáciles de ser percibidas en la luz que en la sombra y, cuando el color es menos saturado, se perciben más diferencias entre los grises. Por este tipo de razones, la conversión de una fotografía a blanco y negro no se puede hacer desaturando la imagen nada más, se debe ajustar localmente cada color de acuerdo a su saturación y corregir la luminosidad de la misma. Un color totalmente saturado es interpretado por el Adobe Photoshop como un gris medio y le asigna un

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valor de R: 128, G: 128 y B: 128. Para corregir eso, lo que debe hacerse usualmente es subir la luminancia de la imagen y aumentar el contraste.

El histograma muestra la luz, el color, las coordenadas, el contraste y permite saber si una imagen se ve como tiene que verse, a veces avisa si el color o la luz están bien o mal calibrados.

Histograma:

Esta imagen tiene un gran rango tonal y muchas gradaciones con diferentes valores de luz. Tenemos detalles desde las zonas de negros hasta los blancos, con colores puros y saturados. Los rojos y amarrillos dominan las luces altas; sin embargo, sabemos que es una imagen con buenos tonos medios, porque quizás le falta algo de contraste.

Veamos como se ve la corrección:

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Histograma:

La corrección hizo que la imagen tenga más fuerza, donde se favorece a los detalles, y el histograma se ha “recostado” hacia los lados de luz y sombra.

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La presente imagen no tiene azul como color, pero sí lo tiene dentro de las coordenadas RGB, donde este ha sido usado como un valor para dotar de luz a la imagen.

Tal y como se ve, en el histograma, existe azul, pero este no se entiende como tal, ya que aparentemente deberíamos encontrarlo en las luces bajas. En este caso, no es así, ya que el azul es una coordenada equilibrada con dos colores fuertemente saturados hacia naranjas y amarillos. Esto hace que el azul, aún cuando aparezca en el histograma, no se vea en la imagen. Adicionalmente, podemos ver una gran expansión de los colores, lo cual informa sobre las sutiles diferencias entre esas gamas. Aún así, por los fuertes negros, da la sensación de contraste.

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Algunos podrían considerar esta fotografía como mal expuesta; sin embargo, esto depende, en esencia, de la perspectiva comunicacional de la imagen. Esto es lo que se llama Low Key o Clave baja. Esto quiere decir que la mayoría de la imagen destaca por ser oscura y tener muy poco detalle, lo cual llama la atención fácilmente.

1.1.6.2. El Sistema de Zonas

El sistema de zonas es un sistema ordenado para calcular la exposición fotográfica originalmente usada para película. Fue diseñado por Ansel Adams y Fred Archer. A partir del criterio básico de exposición, cada parte de la imagen tiene un diferente nivel de iluminación o cantidad de luz.

A continuación, una tabla explicativa:

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Zona Descripción

0 Negro puro

I Negro, con leve tonalidad, pero sin textura

II Negro con textura: la parte más oscura de la imagen en la que se

registra un leve detalle

III Gris oscuro con poca textura

IV Gris oscuro con textura: follaje oscuro, piedra oscura o sombras de

paisaje

V Gris medio: piel oscura

VI Gris claro: piel caucásica; sombras sobre la nieve en paisajes

soleados

VII Gris claro: piel muy clara, sombras en la nieve con iluminación

lateral aguda

VIII Blanco con textura: textura de nieve

IX Blanco sin textura: nieve flagrante

X Blanco puro: luz fuentes

Esto se basa en la diferencia mínima percibible entre una zona y otra, y en su nivel de exposición. Por ejemplo, podríamos graduar la escala de la siguiente forma:

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Zona Descripción

0 Zona de 5 puntos de sub exposición

I Zona de 4 puntos de sub exposición

II Zona de 3 puntos de sub exposición

III Zona de 2 puntos de sub exposición

IV Zona de 1 punto de sub exposición

V Exposición de la cámara

VI Zona de 1 punto de sobre exposición

VII Zona de 2 puntos de sobre exposición

VIII Zona de 3 puntos de sobre exposición

IX Zona de 4 puntos de sobre exposición

X Zona de 5 puntos de sobre exposición

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Veamos el sistema de zonas aplicado a una imagen a color, y blanco y negro, donde se trata de mantener el valor de luminancia a partir del promedio de sus tres canales.

Se supone que existe una forma de graduarlo de acuerdo a la conversión digital. Por ejemplo, cuando obtenemos el promedio de los tres canales RGB, también tenemos la información de luminancia o luz del píxel. Aun cuando las conversiones de desaturación de una imagen suelen ser engañosas, ya que hay que hacer ajustes

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específicos por contraste, podríamos entender la coordenada RGB de luz con el siguiente cuadro:

Adaptación de la escala de grises de Adams hecha por Erik Heynink

http://www.xaraxone.com/html/shareware_ii.html

1.1.6.3. Rango Dinámico y Profundidad de Bits

El rango dinámico de la cámara fotográfica viene determinado de forma similar que las grabaciones de audio a la cantidad de bits que tenga la cámara.

Cuando se usa un rollo de película, tiene una característica que se llama “latitud de exposición”. Por ejemplo, la película blanco y negro tiene una latitud alta, porque, entre el negro más oscuro y el blanco más claro, existen siete zonas de grises intermedios y esto cubre 8 pasos de sobre y sub exposición, de manera similar a lo que establece la teoría del sistema de zonas.

Estos intervalos ayudan a entender cómo funciona el rango dinámico. Por ejemplo, una cámara de 8 bits tiene 256 (28) valores para representar en cada píxel en distintos niveles de luminancia (el color lo establece el filtro bayer), pero si hablamos de una cámara de 12 bits, entonces hablamos de 4096 (212) y si fuera una cámara de 16 bits serían 65563 valores.

Para entender mejor como funciona esto, observemos el siguiente diagrama:

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Las computadoras y las cámaras usan un sistema binario, por lo que los únicos valores aceptables por bit es que tengan un valor 0 o 1. En este caso, si tuviéramos una cámara de un solo bit, sólo podría representar o negro (0) o blanco (1), es decir, 21, posibles tonos que mostrar. Si por ejemplo fuera de dos bits, las posibilidades se elevan exponencialmente, es decir, 22 o 4, y así sucesivamente hasta llegar a las posibilidades que establezca el bitaje de la cámara.

Si fuera una paleta de pintura en blanco y negro, entonces la paleta de un bit tiene dos colores, blanco y negro, ambos en estado puro. Si esta paleta tuviera la capacidad de dos bits, entonces podemos ver que, en las combinaciones de grises, comienza a aparecer una especie de “embudo de grises” hasta llegar a la interpretación de la cámara.

Si el primer bit registró el valor “1” o blanco, para los siguientes bits, la zona queda restringida a esa zona de la paleta, la zona “1” del primer bit. De ahí, el segundo bit registra “0” o negro, por lo tanto su zona queda nuevamente delimitada dentro del segundo bit en la zona “0” y así sucesivamente.

Este valor tonal tendría diferentes proporciones de luz y sombra, y cada paso soporta la mitad de luz o sombra que el anterior, por lo que, en el primer bit o paso, se puede decir que se obtiene o 50% de luz o 50% de sombra; sin embargo, en el segundo, se puede obtener hasta un 25% de luz o sombra.

No obstante, hay que entender un tema adicional: el punto más alto de la escala tonal tiene 128 variantes tonales. El siguiente paso tonal tiene la mitad, es decir, 64 variantes tonales. Conforme nos acercamos más a un paso más oscuro, nos quedamos con menos variantes tonales.

“Surge un problema importante, debido al carácter lineal del soporte digital que almacena la información fotográfica (los famosos 12, 14 o 16 bits de variantes tonales por ‘píxel’), frente al carácter logarítmico de la información luminosa. Si colocamos una vela delante de una cámara un terminado tiempo, cada ‘píxel’ del sensor recogerá una determinada cantidad de luz y generará una carga eléctrica. Si colocamos dos velas, la carga eléctrica será doble en el mismo tiempo. Triple si son tres velas, etcétera. La escala es lineal (1, 2, 3, 4…). Sin embargo, el ojo humano percibe una duplicación de la intensidad luminosa si pasamos de una vela a dos, pero no si pasamos de dos velas

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a tres. El ojo (o el cerebro) mide las diferencias logarítmicamente en una escala en la que cada valor duplica al anterior (1, 2, 4, 8, 16, 32…) Con este ajuste logarítmico, nos protegemos de una posible sobredosis luminosa (al pasar de 16 velas a 32 el efecto percibido es similar al de pasar de 1 a 2), lo que nos permite percibir una mayor amplitud tonal. La película responde a la luz de forma similar al ojo humano, es decir, no linealmente, y esta es una de las grandes diferencias entre el medio químico y el digital (el único sensor que se aproxima a esta respuesta no lineal es el SuperCCD de Fujifilm)”.10 En este caso, cuando nos referimos al rango dinámico, nos estamos refiriendo a la cantidad mínima y máxima de percepción de luminancia por parte de una cámara. Esto está supeditado al bitaje de la cámara. En este punto, hay cámaras que tienen un alto rango dinámico, así como hay otras que no.

La primera imagen evidencia un rango dinámico menor que la segunda. Esto se debe a que las zonas de sombra y luz sin detalle no solo se han alcanzado sino

que, en zonas intermedias, hay un nivel de detalle y textura inferiores que la imagen inferior.

En este punto, se puede evidenciar una ausencia de contraste y fuerza en la imagen, propio del gran rango dinámico donde las imágenes suelen tener estas características. Un buen rango dinámico en la imagen permite recuperar información de zonas oscuras o muy claras. Teóricamente, cada bit representa un stop o paso de luz, como si se hubiera abierto un punto completo el número f o cerrado uno. En el caso comparativo de la NIKON D7000, que cuenta con 14 bits, con una cámara que cuenta con un bitaje inferior, digamos la Canon XSi, permite recuperar 4 puntos menos de exposición relativos. Cuando el sensor es incapaz de percibir mayor o menor cantidad de luz, convierte esas zonas en zonas de blanco y negro sin detalle. En este punto, el jpg, que es un archivo que alberga 8 bits por canal, comprime esas zonas haciendo que la recuperación no sea imposible, pero genera grandes problemas. El jpg en sí mismo tiene una profundidad de color de 24 bits, esto dado por las combinaciones posibles para los 8 bits del RGB. Una cámara digital con una buena profundidad de bits es aquella que puede almacenar al menos una profundidad de bits por encima de los 22 por canal, de los posibles 36 o 48 bits. Esto hace que la profundidad de color no solo sea mayor sino la capacidad de recuperación de luces y sombras de los archivos RAW.

10

Efraín García y Rubén Osuna fundamentos.imagen.digital.pdf

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Esto afecta también al color:

Imagen a 1 bit

Imagen a 8 bits

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Imagen True Color (8 bits por canal)

Finalmente, cuando tomamos fotografías debemos recordar que siempre será mejor sobre exponer que sub exponer. Dada la descripción de la imagen en RAW, la recuperación de las luces altas genera mucho menos ruido que las sombras. Sin embargo, al momento de tomar una fotografía, es mejor evitar sobre exposiciones innecesarias.

A la izquierda, tenemos la imagen original; a la derecha, una recuperación de la

imagen a través del camera RAW.

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Al detalle, podemos ver la gran cantidad de ruido que se agrega a la imagen al haberse recuperado ciertas zonas.

Acá, podemos ver que la recuperación generó mucho menos ruido que la situación anterior.

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www.petecarr.net

Existe un sinnúmero de artistas que producen imágenes conocidas como HDR o imágenes de gran rango dinámico. En estas imágenes, se pueden apreciar detalles en todas las zonas de la imagen con colores muy saturados y de naturaleza hiperrealista. En este caso, se ha aprovechado el rango dinámico del sensor y una gestión en Photoshop. Esto no se podría lograr con un archivo en jpg sin maltratar el píxel.

http://www.ojodigital.com/foro/procesado-digital-retoque/438910-fotografia-hdr.html

Esto se logra con exposiciones secuenciales aplicando un bracketing mínimo de 3

exposiciones y fusionando las imágenes en un software, que puede ser Adobe Photoshop.

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http://bartelme.at/journal/archive/hdr_tutorial

1.1.7. PRÁCTICA DE CAMPO: EXPOSICIÓN Esta práctica es determinada por el docente. Se recomienda seguir el siguiente cuadro:

Práctica de exposición:

Nombre: Código:

1) Tomar 5 fotografías de una misma escena: f v Nombre del archivo

a. Con la exposición normal

8

b. Con un punto de sobre exposición 8

c. Con dos puntos de sobre exposición 8

d. Con un punto de sub exposición

8

e. Con dos puntos de sub exposición 8 El encuadre no debe variar en foco ni en f. Se recomienda usar f: y un trípode.

2) Tomar la una fotografía a un sujeto u objeto a contraluz f v Nombre del archivo

a. Con la medida del fondo

b. Con la medida del sujeto

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3) Tomar una foto a un objeto blanco en fondo negro El fondo debe ocupar el 90% del encuadre. No colocar al objeto al centro de la exposición

a. Con la exposición normal

b. Con dos puntos de sub exposición

4) Tomar una foto a un objeto negro en fondo blanco El fondo debe ocupar el 90% del encuadre. No colocar al objeto al centro de la exposición

a. Con la exposición normal

b. Con dos puntos de sobreexposición.

5) Tomar una misma escena correctamente expuesta, pero con diferentes ISOS

a. ISO 100

b. ISO 400

c. ISO 1600

1.2 LENTES Y PROFUNDIDAD DE CAMPO 1.2.1. LOS LENTES Los lentes, también, se pueden llamar “objetivos”. Los nombres que tienen se deben, usualmente, a la distancia focal que poseen. Asimismo, un lente gran angular refiere a que tiene un gran ángulo de cobertura de la imagen. Un tele objetivo, por el contrario, su ángulo es más reducido.

http://www.xatakafoto.com/tutoriales/uso-practico-de-los-objetivos-1-angulares-i

Por ejemplo, un lente 50mm es aquel en el cual la distancia entre el diafragma (zona donde entra la luz a la cámara) y el plano focal (zona donde la imagen se forma y que, en fotografía digital, es la superficie del sensor) es de 50mm, lo que viene a ser la distancia focal. A su vez, un lente 24mm es aquel en el cual su distancia focal es de 24mm. Cuando tomamos fotografías, debemos recordar que la imagen, a veces, sufre de un movimiento conocido como trepidación, que es el movimiento que se realiza a través del movimiento de la mano y del impacto del espejo al momento de levantarse antes

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de tomar una imagen. En una cámara como la que usamos en clases, se necesita una compensación de velocidad relativa a la distancia focal. Por ejemplo, en un sensor como el de la cámara Xsi, para un lente 50mm, se necesita una velocidad de 1/80 s para que la imagen no salga movida. Si usamos un lente 18mm, se necesita una velocidad al menos de 1/30 s y, si usamos un lente como el 200mm, la velocidad más lenta a usarse será de 1/320s. Todos estos valores están afectados por el factor de conversión del sensor que es 1.6, por el sensor APS-C. Es importante recordar que, si usamos un trípode, la trepidación es un efecto a no tener en cuenta. Fórmula de velocidad para evitar trepidación en un sensor APS-C con factor 1.6:

1 Velocidad = -----------------------------------

Distancia focal x 1.6

¿Cómo se ve la trepidación?

http://photoblogmgz.blogspot.com/2012/10/photoglosario-trepidacion.html

A la izquierda vemos una imagen con un movimiento de trepidación; a la derecha la misma imagen, pero sin ese movimiento.

1.2.1.1. Lentes fijos

Un lente fijo es aquel que tiene una sola distancia focal. La ventaja de tomar con un lente de estas características es que por su construcción usa menor cantidad de vidrios, por lo que refleja menos luz y hay una menor pérdida de generación de luz. Por ende, necesita menos luz que los lentes zoom.

La desventaja es que al tener solamente una distancia focal, si quisiéramos que la imagen sea más grande o pequeña, tendremos que acercarnos o alejarnos.

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1.2.1.2. Lentes zoom

Un lente zoom es aquel que cuenta con varias distancias focales. Los lentes zoom se suelen llamar de acuerdo a los dos extremos de distancias focales que tienen. Por ejemplo, un lente zoom que va desde 70mm hasta los 210mm se llamará “Lente Zoom 70-210mm” 1.2.1.3. División de los lentes de acuerdo a su distancia focal

a) Lente Normal

Un lente 50mm es un lente que suele ser la medida media de los lentes. Se dice que con este lente se emula la visión del ojo humano. Esto es apropiado para una cámara Full Frame, pero, al usar cámaras con sensor recortado, nuestro lente normal sería un lente 35mm.

Lente normal (las siguientes imágenes de este tipo fueron realizadas con la misma cámara y a la misma distancia)

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b) Lente Angular

Un lente angular agrupa a los lentes que tienen medidas focales inferiores a 35mm y superiores a 18mm. Estos lentes permiten un rango de visión más amplio, pero ofrecen cierta distorsión sobre sus extremos. Además, hacen que los objetos más cercanos se vean desproporcionadamente grandes a comparación de los que se encuentran al fondo. Estos lentes ofrecen una gran calidad de perspectiva y una mayor profundidad de campo.

Lente 24mm

c) Lente Teleobjetivo Los lentes teleobjetivo son los que tienen las distancias focales entre los 70mm y los 300mm. Estos lentes no suelen distorsionar los extremos, pero reducen la perspectiva

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en cuanto los objetos parece que estuvieran pegados. Otro efecto adicional es que cuentan con una reducida profundidad de campo.

Lente 70mm

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Lente 200mm Existen diferencias si nos movemos, ya que la perspectiva se altera.

Como se puede apreciar, un lente 28mm nos genera una mayor perspectiva, una sensación de un espacio más abierto. El 300mm nos “aplasta” la imagen contra

el fondo haciendo que la perspectiva se “achate” y que la distancia entre los objetos, aparentemente, disminuya.

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Lente 24mm Lente 50mm

Lente 70mm Lente 210mm

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http://places2explore.wordpress.com/category/wiesbaden/

Con un gran angular, podemos generar una gran sensación de espacio.

http://patriciaferrerop.blogspot.com/2012_12_01_archive.html

Con un teleobjetivo, podemos ver cosas que están lejos mucho más cerca y se

desenfoca fácilmente el fondo, además de acercarlo.

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d) Lente Ojo de Pez

El lente ojo de pez es un lente con distancia focal inferior a los 18mm. Por su construcción, la deformación de los bordes se da de forma circular.

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e) Súper teleobjetivos

Los lentes súper teleobjetivos tienen distancias focales superiores a los 300mm. Sufren del mismo problema de los teleobjetivos. Se usan muy a menudo en fotografía deportiva y documental.

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f) Lentes Macro Los lentes macro son lentes que, debido a su construcción, permiten acercarnos mucho más al objeto y poder enfocar ahí. No tienen una distancia focal estándar, los hay angulares, normales y teleobjetivos. Estos lentes están corregidos contra la distorsión de las líneas rectas, lo cual los hace ideales para la foto-reproducción.

g) Lentes Tilt-Shift Los lentes tilt-shift son lentes que han sido diseñados para tener una profundidad crítica, como lo tendría una maqueta, dado su pequeño tamaño. Esto sucede al desalinear el diafragma del plano focal. Se usan para generar interesantes manejos de perspectiva y desenfoque.

http://www.guillermoluijk.com/tutorial/shiftlens/

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http://www.guillermoluijk.com/tutorial/shiftlens/

1.2.2. Profundidad de Campo

Por profundidad de campo, se entiende la zona dentro de la foto en la que se encuentra los objetos enfocados. Esta característica solo se puede apreciar en impresiones o archivos, más no se ve a través del lente cuando se realiza la fotografía. Sin embargo, en la actualidad, existen algunas cámaras avanzadas, en las que se puede pre visualizar el efecto de la profundidad de campo. Cuando uno realiza una fotografía y enfoca el objeto principal, que depende de ciertos factores, hay otros elementos a su alrededor que se encontrarán enfocados y otros que no. Cuando este espacio es amplio, se dice que existe mucha profundidad de campo. Si por el contrario este espacio es reducido, donde se desenfocan elementos que se encuentran cerca del mismo, entonces se dice que hay poca profundidad de campo.

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1.2.2.1. Factores que afectan la profundidad de campo

Apertura de Diafragma

A mayor número f, mayor profundidad de campo

Fuente: http://www.thewebfoto.com/old/frames/curso/curso02_05.htm

Como se aprecia en la gráfica superior, la zona de color más oscuro, adelante y atrás del sujeto, representa la profundidad de campo. Esto quiere decir que los objetos que se encuentren en esta zona oscura aparecerán con una nitidez aceptable como para decir que están enfocados. Si uno usa un número f bajo, como 2.8, la profundidad de campo es menor que si éste fuera un f: 22.

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F: 16 F: 1.8

Distancia Focal

A mayor distancia focal, menor profundidad de campo

Fuente: http://www.thewebfoto.com/old/frames/curso/curso02_05.htm Como se aprecia en este cuadro, si uno usa una distancia focal larga como el lente 100mm, la profundidad de campo será menor que si se usara un lente 35mm. Como ya hemos visto con anterioridad, los angulares muestran todo (o casi todo) enfocado, mientras los teleobjetivos tienen una profundidad de campo crítica.

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Distancia de Enfoque

A mayor distancia de enfoque, mayor profundidad de campo

Fuente: http://www.thewebfoto.com/old/frames/curso/curso02_05.htm Dicho de otra manera, cuanto más cercano se encuentre el objeto enfocado del lente, más corta será la profundidad de campo.

En esta página web, podemos encontrar las fórmulas de cómo calcular la profundidad de campo: http://www.hugorodriguez.com/prof_campo.htm En ésta página web, podemos encontrar una calculadora de profundidad de campo: http://www.dofmaster.com/dofjs.html

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http://www.fotonostra.com/ Foto con una amplia profundidad de campo. En este caso, se aprecia la perspectiva, la definición de todos los elementos, tanto los cercanos como los que se encuentran más lejos.

Fuente: http://media.photobucket.com

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Resumen

Una vez que se obtiene una exposición correcta y se quiera modificar alguna variable, un número “f” o un tiempo “t”, la otra tendrá que ser modificada para compensar la exposición.

El bracketing es una buena forma de obtener una buena exposición cuando no se

está seguro de que el fotómetro haya hecho una buena medición.

Fórmula del número “f”

Distancia Focal

Número “f” = ---------------------------------- Apertura de Diafragma

El histograma da valiosa información sobre el color, la luz y el contraste de la

imagen.

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El intervalo tonal de una cámara depende de su rango dinámico, establecido por el bitaje de la cámara. Estos valores ofrecen mayores gamas de tono en zonas de luces altas que en las bajas.

De acuerdo a la situación o a lo que se quiera fotografiar, se deberá buscar el lente adecuado. De querer hacerse una fotografía de paisaje, se puede usar un lente angular (por su amplia cobertura) o un lente normal (ya que no ofrece deformaciones por sus lados).

Para asegurar que la imagen no salga movida, se deben usar tiempos de exposición cortos o velocidades rápidas. Escenas normales: 1/60 o 1/125 Escenas de alto movimiento: 1/500 o 1/1000

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La distancia focal es la distancia entre el diafragma y el plano focal. Por eso, cada lente debe su nombre a su distancia focal. En este caso, un lente 50mm es un lente que proporciona una distancia focal de 50mm.

Las tres variables que afectan la profundidad de campo son Número “f”, Distancia Focal y Distancia de Enfoque. Recordar que: A mayor número “f” corresponde una mayor profundidad de campo. A mayor distancia focal corresponde una menor profundidad de campo. A mayor distancia de enfoque corresponde una mayor profundidad de campo.

El área de un sensor full frame es igual al área de un sensor APS-C multiplicado

por 1.6 NOTA: para las cámaras CANON El intervalo tonal de una cámara depende de su rango dinámico, establecido por el

bitaje de la cámara. Estos valores ofrecen mayores gamas de tono en zonas de luces altas que en las bajas.

Si desea saber más acerca de estos temas, puede consultar las siguientes

páginas:

http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=inde

x&req=printpage&pageid=16&scope=all.php

http://www.guillermoluijk.com/tutorial/shiftlens/

http://patriciaferrerop.blogspot.com/2012_12_01_archive.html http://www.youtube.com/user/derostoni?feature=watch

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ILUMINACION

LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la unidad, el alumno distribuye elementos dentro de una composición teniendo en cuenta el formato del soporte final. Asimismo, maneja técnicas básicas de iluminación conociendo cómo se comporta la luz en cuanto a su calidad y potencia para crear retratos o fotografía conceptual.

TEMARIO

Aprestamiento de luces

Propagación y regulación de luces por potencia y distancia (Ley del cuadrado inverso)

Clave Alta y Clave Baja

Diseño de diagramas de planta de Iluminación

Temperatura de color

Revelado digital en Camera RAW (Adobe Bridge, Adobe Photoshop y Adobe Photoshop Lightroom)

Calibración de monitores

ACTIVIDADES PROPUESTAS

Los alumnos realizan sesiones de iluminación y prácticas de fotografía de estudio.

UNIDAD

2

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2.1. ILUMINACIÓN DE ESTUDIO Y ELEMENTOS DE REVELADO DIGITAL

2.1.1. Aprestamiento de luces

El docente debe proponer un ejercicio para mostrar cómo se usa el mobiliario. Esto varía de institución a institución. Aquí, un diagrama básico de cómo se maneja una luz.

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Lectura de luz incidente

Esta operación se realiza con un fotómetro de mano, el cual se coloca sobre el objeto a fotografiar en frente de la cámara y apuntando a la fuente de luz (sea cual fuera su naturaleza).

El fotómetro dará las variables de velocidad y número “f” que se pueden utilizar para hacer la toma fotográfica y dará una exposición correcta.

En este caso, hay que aclarar que si el fotómetro indica usar un f:8, teóricamente, la cámara debería ponerse en ese número “f”. Si mantuviéramos ese “f”, pero la luz incrementara en cuatro veces esa potencia, indicará usar un f:16, donde la imagen saldría dos puntos sobre expuesta.

Lectura de luz reflejada

Esta medición se hace con el fotómetro que viene integrado a la cámara. Este tipo de medición, aunque no tiene el problema de compensación que el anterior, tiene un problema fundamental.

Al ser un tipo de medición de luz de reflejo, se rige bajo un criterio. La calibración viene dada en gris 18% (En algunas cámaras, es un gris 10%), esto quiere decir que la cámara buscará equilibrar la cantidad de luz que entra asumiendo que lo que tiene en frente es una escena que emula el gris medio de la escala de grises. Esto trae un problema, ya que naturalmente no suele ser así. Si hiciéramos una foto de un fondo blanco buscando la exposición correcta, lo que sucedería es que el fondo blanco salga oscuro o sub expuesto, ya que el color blanco refleja más luz que el gris medio. De manera inversa, si este fondo fuera negro, la imagen saldría sobre expuesta, justamente porqué el color negro refleja menos luz que el blanco.

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Una posible solución a este problema es tomar las fotografías realizando la técnica del bracketing. La otra forma es estar supervisando el histograma y comprobarlo con la realidad.

2.1.2. Luces de estudio

2.1.2.1. Luz Principal (Key Light)

La luz principal o “Key Light” suele estar ubicada entre 30 y 60 grados sexagesimales de angulación sobre la línea que forman la cámara y el sujeto u objeto principal del encuadre, y teniendo como eje al personaje. A su vez, el ángulo vertical que se plantea para esta luz es de treinta grados sexagesimales por debajo de la horizontal.

Esta es la luz más importante para el fotógrafo, ya que en función a esta luz se plantea el resto de la iluminación.

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2.1.2.2. Luz de Relleno (Fill Light)

La luz de relleno se puede colocar en cualquier ubicación en relación a la luz principal, porque ésta suele cumplir el papel de atenuar las sombras que produzca la luz principal. Su intensidad suele ser menor.

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2.1.2.3. Luz de Despegue o luz de fondo (Back Light)

La luz de despegue se usa para “despegar” al personaje del fondo. Esta luz responde al problema generado por la luz principal que genera la sensación de que el personaje se pega con el fondo.

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Set de luces completo:

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Tipos de Luz según su dirección11

Luz frontal

La luz frontal es la luz que se coloca en paralelo y muy cerca de la cámara apuntando directamente al objeto o personaje. Esta luz aplana los objetos y aumenta la cantidad de detalles, pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez. En personas y con la luz cerca del eje del objetivo, el riesgo de que aparezca el efecto "ojos rojos" aumenta considerablemente.

Luz lateral (luz equivalente al fill Light)

La luz lateral destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura. Aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal, aumenta el contraste de la imagen.

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http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=index&req=printpage&pageid=16&scope=all.php

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Luz cenital

La iluminación vertical (cenital o inferior), aísla los objetos del fondo y el elevado contraste que da a la imagen les confiere un aire dramático. Especialmente, en retratos, puede llegar a hacer el rostro tenebroso e irreconocible.

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Contraluz El contraluz convierte los motivos en siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción. A ello, hay que añadir la supresión que se consigue de los colores y la posibilidad de usarse como luz secundaria para marcar líneas brillantes que destaquen el motivo respecto al fondo.

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Tipos de luz según su intensidad12 Luz Dura

La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas, como el sol, bombillas o flashes directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza. La luz es idónea para destacar la textura, la forma y el color, y proporciona mayor grado de contraste.

El color se satura, sin embargo conlleva una serie de problemas al momento de retocar las sombras y luces, pues se presentan problemas conocidos como “charolazos” y contrastes muy duros, que resultan muy difíciles de corregir en post.

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http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=index&req=printpage&pageid=16&scope=all.php

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Veamos un ejemplo:

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Podemos apreciar, también, que la luz dura proyecta una sombra dura y enfocada. Ayuda a destacar los brillos.

La luz dura, también, es usada en fotografía publicitaria y de moda, aunque casi nunca sola.

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Luz semidifusa

La luz semidifusa procede de fuentes más grandes y/o próximas al objeto. Aunque produce sombras definidas, ya no tienen los bordes tan nítidos. Esta luz destaca el volumen y la textura, pero sin sombras negras y vacías, y sin el elevado contraste de la luz dura. El color resulta más apagado. Esta luz mantiene su direccionalidad y sombras, sin embargo estas sombras son más fáciles de retocar y corregir.

Esta luz es filtrada; por ello, podemos lograrla a partir de un softbox, un paraguas puesto en posición frontal, un filtro de papel, telas blancas y de otras maneras.

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En este caso, estás piezas publicitarias nos dan la sensación de luz semidifusa, dadas las sombras y brillos.

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Luz suave / Luz reflejada

La luz suave / luz reflejada es tan difusa que no proyecta apenas sombras. La fuente luminosa ha de ser muy extensa, como un cielo cubierto, o rebotarse sobre una superficie grande y próxima, como el techo, pantallas reflectoras, etc. Las sombras muy suaves hacen que las reproducciones impresas (debido a sus limitadas opciones en color, que son usualmente un espacio de color más pequeño que el visible) se aprecien mejor. Sin embargo, los colores tienden a desaturarse (aunque la saturación de un color depende también del objeto en sí mismo).

Un día nublado puede ofrecer luz suave, así como un paraguas rebotado o la luz

rebotada con otros objetos.

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En este aviso publicitario, podemos apreciar la utilización de una luz rebotada o suave como luz principal.

La luz suave, también, es ideal para objetos reflectantes como el vidrio y metal, sobre todo para no generar reflejos. Para esto, hay que tratar de evitar usarlos

frontalmente.

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La luz difusa ayuda a suavizar la imagen. El tema de saturación y detalle tiene que ser trabajado convenientemente en post para generar el efecto deseado.

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Luz dura, flash directo con reflector

Luz filtrada (semidifusa), flash con paraguas frontal

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Luz suave (rebotada), flash con paraguas rebotado (la sombra del fondo está más dura debido a que el alumno se acercó más al fondo blanco.) Lo más

interesante del paraguas rebotado es que termina siendo una buena opción para que la propagación sea más amplia.

Luz filtrada (semidifusa), Softbox

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2.1.3. Propagación y regulación de luces por potencia y distancia (Ley del cuadrado inverso) Hay que entender un par de factores esenciales: 2.1.3.1. Potencia y propagación La potencia de una luz, la capacidad con que esta ilumina, depende de la intensidad con que la luz brilla, pero, también, depende de la distancia al objeto a iluminar y de los objetos que se encuentren cerca al objeto a ser iluminado.

Estas dos fotos fueron realizadas con la misma potencia relativa a la modelo. El fotómetro de mano fue colocado sobre la modelo y nos dio valores de exposición para la cámara de f:8 y v:1/125 segundos. La gran diferencia es que mientras, en la primera foto, la fuente de luz estuvo a menos de un metro; en la segunda, se alejó a cuatro metros obligando a subir la potencia de la luz para compensar la distancia, esto hizo que la luz se propagara más y se dispersara. Disminuyó el contraste y a su vez iluminó mucho más el espacio. La fuente de luz fue un flash bowens directo con reflector.

Si la fuente de luz se encuentra lejos del objeto a iluminar, necesitará una mayor potencia y se dispersará más, por lo que la propagación mejora. Si la fuente de luz se encuentra cerca del objeto a iluminar, necesitará una potencia menor y su dispersión será menor haciendo que la propagación de la luz sea “perceptiblemente” inferior.

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2.1.3.2. Ley del cuadrado inverso

Esta ley sobre las luces incide directamente sobre como la luz puede propagarse de acuerdo a su distancia. La ley nos dice que si la distancia de la fuente de luz sobre el objeto iluminado se duplicara, entonces la potencia será la cuarta parte de la misma.

Esto, también, se puede aplicar sobre el fondo. En la primera fotografía, se había hecho una medida de f: 8 y v: 1/125seg. Sin embargo, la distancia se cambió. La distancia de la modelo hacia la luz, en la primera foto, es de 1 metro y la distancia de la modelo hacia el fondo es de 4 metros. Esto quiere decir que la potencia relativa sobre el fondo será 1/25, ya que la distancia relativa del fondo a la fuente de luz es de 5 metros. Esto quiere decir que para que el fondo estuviera correctamente expuesto, en relación potencia y distancia de la luz, la cámara debió tener un f: 1.8 aproximadamente. En la segunda foto, la diferencia de distancias del personaje y el fondo hizo que el fondo estuviera sub expuesto un solo punto, es decir un f: 5.6

Puedes aprender más en los siguientes enlaces: http://www.aprendefotografiadigital.com/afd/2011/02/22/ley-cuadrado-inverso-iluminacion/#.UfyHHJKwySo http://www.youtube.com/watch?v=Y9AIFodu8pQ

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2.1.3.3. Suma de luces

En un set de iluminación, las luces pueden coincidir sobre un mismo punto y esto hace que se sumen. Para esto, debemos establecer una regla relativa. Si tenemos un par de luces que cuentan con la misma intensidad, donde las luces se superponen, la potencia relativa será el doble. Por ejemplo, si estamos iluminando un rostro con dos luces con potencias de f:8, donde las luces coinciden, la iluminación será de un f:11. Si una potencia es mayor que otra, tenderá a un intermedio entre ambas. Cuando la diferencia entre luces sea superior a dos puntos o diafragmas, la sumatoria será muy pequeña como para considerarse significativa. Aprende más en http://www.youtube.com/watch?v=KY03_jzh-yk

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2.1.4. Clave alta y clave baja

2.1.4.1. Clave alta

Una fotografía en clave alta es una foto en la cual todos o casi todos los objetos a los que se les toma la fotografía son altamente reflectantes o tienen colores muy claros, y éstos se agrupan en la zona de las luces altas. No se debe confundir con una fotografía sobre expuesta.

Fuente: http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-PAGINA/compos2/hamburguesa.jpg

Usualmente, una imagen en clave baja tiene mucha luz o se usa mucha luz rebotada.

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Semióticamente, las claves altas se relacionan con sentimientos positivos, de pureza y limpieza.

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2.1.4.2. Clave baja

Una fotografía en clave baja es una foto en la cual todos o casi todos los objetos a los que se les toma la fotografía son poco reflectantes o tienen colores muy oscuros, y éstos se agrupan en la zona de luces bajas. No se debe confundir con una fotografía sub expuesta. Evoca sentimientos negativos o circunstancias reflexivas. En una clave baja, los colores suelen estar más saturados y se suelen usar luces duras para esto.

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Fuente: http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-PAGINA/compos3/Jaso10.jpg

http://on.aol.com/video/how-to-master-high-key-and-low-key-lighting-for-fashion-photography-276459887

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2.1.5. Diseño de Diagramas de Planta de Iluminación

Si se tienen en cuenta los elementos anteriores, debemos proyectar como debe quedar la imagen en cuanto a su iluminación. A partir de un boceto correctamente definido, podemos definir cómo deberían colocarse las luces: si se trabaja en clave alta o baja, una exposición normal, la saturación o el contraste alto o bajo.

En este caso, el diagrama de planta propone los accesorios y direccionalidades de las luces; sin embargo, siempre, es bueno tener en cuenta las potencias de

luz medidas en “f”, así como el valor f de la cámara.

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Asimismo, hay que tener en cuenta temas como el lente a utilizar.

A continuación, se muestran páginas de interés para aprender a hacer diagramas:

http://www.lightingdiagrams.com/

http://strobox.com/

http://es.litmind.com/esquemas_de_iluminacion_explicados

http://www.zvork.fr/vls/

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Comprender el diagrama de iluminación, ayuda a entender qué tan contrastada queremos una imagen en función a las zonas. En el ejercicio de ratios, el alumno podrá apreciar estas diferencias.

Ratio 1:1 Dos luces, la Key light y la Fill light tienen la misma potencia relativa al sujeto. La zona de sombras y luces se ven igualmente iluminadas, lo que hace que la luz sea muy pareja.

Ratio 1:2 Existe una diferencia de un stop si la Key está en f:8, la otra se encuentra en un f:5.6 Se evidencia un primer contraste entre la zona de luces y sombras.

Ratio 1:4 Existe una diferencia de dos stops, si la Key está en f:8, la otra se encuentra en un f:4 El contraste entre la zona de luces y sombras es consistente fuerte, sin embargo se evidencia detalle en la zona de sombras. No obstante, el efecto de contraste es mucho más dramático.

Ratio 1:8 Existe una diferencia de tres stops, si la Key está en f:8, la otra se encuentra en un f:2.8. Efecto muy dramático y encontrar detalle en la zona de sombras es muy difícil.

2.1.6. Temperatura de color

Hay situaciones en que se debe tener en cuenta la temperatura de color, ya que no todas las situaciones están exentas de luces intrusas. Si queremos que toda la iluminación tenga una luz del mismo color, se debe tener en cuenta lo siguiente:

1700 K: Luz de una cerilla 1850 K: Luz de vela 2800 K: Luz incandescente o de tungsteno (iluminación doméstica

convencional) 3200 K: tungsteno (iluminación profesional) 5500 K: Luz de día, flash electrónico (aproximado) 5770 K: Temperatura de color de la luz del sol pura 6420 K: Lámpara de Xenón 9300 K: Pantalla de televisión convencional (CRT) 28000 - 30000 K: Relámpago

Cada una de estas luces tiene un color diferente, por lo que deberá ser corregida con un filtro corrector de acuerdo a la situación y cuál es la luz principal (en este caso, se calibrará la cámara digital a la misma temperatura de color que esta luz).

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Hay veces en que se usan varias luces manteniendo sus temperaturas de color para generar ciertos efectos en los colores de la toma fotográfica. Para eso, hay que tener en cuenta que la temperatura baja emitirá una luz roja o amarilla si calibramos la cámara en luz de día. Si se calibrara la cámara para una luz de tungsteno, como la de un fresnel o un foco, entonces la luz de día se verá azul y los fluorescentes tendrán un tono verde.

Veamos el siguiente cuadro comparativo de una fotografía tomada con flash:

Foto con la temperatura de color de flash. Los colores son apropiados de acuerdo a la realidad de la toma.

Temperatura de color de Luz de día a la sombra. Esto ha hecho que la luz se encalidezca. Esto se debe a que la temperatura de color del flash está por debajo de la luz de día a la sombra. Esto hace que la imagen salga rojiza.

Temperatura de color de Tungsteno. Este tratamiento ha hecho que la imagen se vea fría, virada al azul, ya que la temperatura de color del flash está por encima de la temperatura del tungsteno.

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2.1.7. Práctica de estudio (Ratios)

Práctica Iluminación con flash y calidad de luz Nombre:

Código:

1. Colocar una persona frente a la cámara en plano medio. Colocar una luz frontal a dos metros de la misma.

a) Sobre exposición f v Iso Luz Nombre del archivo

8 125 100 16

8 125 100 11

b) Exposición promedio f v Iso Luz Nombre del archivo

8 125 100 8

c) Sub exposición f v Iso Luz Nombre del archivo

8 125 100 5.6

8 125 100 4

2. Colocar a una persona frente a la cámara en plano medio. Colocar 2 luces, una a cada lado de la persona en un ángulo de 45º, a 1.5 metros de distancia de la misma

f v Luz der. Luz izq.

Nombre del archivo Iso

a) Tres puntos de diferencia (SobE) 8 125 22 8 100 b) Dos puntos de diferencia (SobE) 8 125 16 8 100 c) Un punto de diferencia (SobE) 8 125 11 8 100 d) Un punto de diferencia (SubE) 8 125 5.6 8 100 e) Dos puntos de diferencia (SubE) 8 125 4 8 100 f) Tres puntos de diferencia (SubE) 8 125 2.8 8 100

3. Colocar a una persona frente a la cámara en plano medio. Colocar una luz a 1.5 metros en un ángulo de

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45º.

f v Iso Luz Nombre del archivo

a) Luz directa (con reflector) 8 125 100 8 b) Con Softbox 8 125 100 8 c) Con paraguas directo 8 125 100 8 d) Con paraguas rebotado 8 125 100 8

* Asegurarse de anotar la intensidad de luz que corresponde a cada toma. * Asegurarse de anotar el tipo de accesorio utilizado en la parte de calidad de

luz.

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2.1.8. Revelado Digital en Camera Raw (Adobe Bridge, Adobe Photoshop y Adobe Photoshop Lightroom) 2.1.8.1. Adobe Bridge

Adobe Bridge es un programa que Adobe usa para administrar archivos. Lo importante para los archivos RAW, y el procesamiento o flujo de trabajo de un diseñador y un fotógrafo es que te permite pre-visualizar, hacer un ranking y catalogación de los archivos. Un RAW no puede ser pre-visualizado por Windows (en las MAC sí se puede). Al utilizar el Adobe Bridge, podemos trabajar más rápido y utilizar una serie de elementos de edición de imagen sin necesariamente abrir Adobe Photoshop. Tiene mayor ventaja de procesamiento, uso efectivo de la RAM y la memoria caché. a) Ajustando las preferencias Cada quién puede ajustar las preferencias de cualquier programa de acuerdo a su flujo de trabajo y hardware. Ajustar las preferencias es importante en Bridge. Pulsando CTRL+K accedemos al cuadro de diálogo que permite modificar la funcionalidad del programa de acuerdo a nuestras necesidades. Lo más importante será la administración de la memoria caché:

Se recomienda modificar estas partes del caché para que tu procesamiento sea más eficiente. No necesariamente más rápido, sino de acuerdo a tus necesidades. Adobe Bridge ingresa al caché toda la información que puede y la asigna a una unidad específica. Usualmente, se recomienda no asignar el caché a la unidad que contiene el programa. Para pre-visualizar correctamente las imágenes, se recomienda guardar vistas previas al 100% en caché. Usualmente, al finalizar una sesión de trabajo (no un día de trabajo, sino un trabajo completo), se recomienda purgar el caché para no acumular innecesariamente información en el disco duro. Un tamaño grande de caché, implicará un procesamiento más lento.

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2.1.8.1.2. Reconociendo elementos del Bridge

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Al oprimir la barra espaciadora, podemos visualizar la imagen completa. Asimismo, va a permitir observar detalles de la imagen para poder discriminar información.

Podemos acceder a una serie de herramientas que funcionan integradamente con Photoshop. Las herramientas más interesantes son el HDR Pro, donde al seleccionar un grupo de imágenes, podemos generar una imagen de gran rango dinámico. El Photomerge sirve, también, para generar imágenes panorámicas. Al hacer clic derecho sobre la imagen, podemos abrir el Camera RAW desde el Bridge sin necesidad de estar abriendo Photoshop. Aprenda más sobre Adobe Bridge: http://helpx.adobe.com/pdf/bridge_reference.pdf

2.1.8.2. Camera RAW El Camera RAW es el pluggin de Adobe que permite revelar la imagen tomada en formato RAW (también, puede procesar JPG y TIFF, además de existir en Photoshop el filtro camera RAW). Tiene una interfaz bastante sencilla que permite editar una o varias imágenes en simultáneo. Los factores que afectan la corrección a través del Camera RAW están determinados por el rango dinámico y la profundidad de bits de la misma imagen. Bajo este criterio, es conveniente usar un RAW o un TIFF a 16 bits, sin embargo un jpg no sería recomendable.

a) Ajustando las preferencias Ajustar las preferencias se puede hacer desde Bridge y Photoshop, desde Editar y Edición respectivamente. Regular estas condiciones es importante para poder trabajar apropiadamente el Camera RAW.

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Hacemos clic y aparece la siguiente ventana de diálogo:

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Lo recomendable es poner un tamaño de caché adecuado, sobre todo cuando se trabajan varias imágenes a la vez. Por defecto, el camera RAW está a un tamaño de 1GB, que si se editara una sola imagen sería más que suficiente; sin embargo, cuando se procesan varias imágenes y sobre todo en simultáneo, se asigna un tamaño de caché más grande. En este caso, se le ha colocado un tamaño de 50GB. También, es recomendable asignar una unidad distinta a la unidad que alberga el programa, usualmente D. Otros usan una unidad de almacenamiento externa. Esto depende de cada usuario y hardware. También, es importante ver la sección de administraciones de archivos DNG, en la parte de xmp.

Hay que recordar que el xmp es un archivo sidecard que modifica el RAW. En la imagen superior, vemos archivos nef, negativos digitales de Nikon. Este archivo se genera una vez que se hace una modificación del negativo digital en el camera RAW. Su peso es muy pequeño, muchas veces no más grande de 10kb, pero permite hacer muchas modificaciones que resultan esenciales al momento de hacer un retoque de la imagen, como objeto inteligente.

Un vistazo general a la interfaz: al lado izquierdo, se ven todas las imágenes abiertas con el pluggin; a la derecha, el histograma y las herramientas que calibran los ajustes. Arriba, se ven otras herramientas.

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Veamos las herramientas de la parte superior:

Algunas de estas herramientas ya son tratadas en los otros programas de Adobe. El docente debe profundizar este tema en clase. Sobre la interfaz del lado derecho, hay que hacer algunas aclaraciones:

Básicos: En esta sección, se arreglan tres elementos básicos: Luz, Contraste y Temperatura de Color. Esta parte de la interfaz ofrece correcciones globales que deben ser observadas a través del histograma y no exceder de ciertos límites según el sensor de la cámara que se hubiese usado para tomar la fotografía.

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Curva de Tonos: Se opera igual que la curva de tonos de Photoshop. Detalle: Se encarga de corregir los posibles errores generados en la imagen al tratar de corregir la luminancia y el color.

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HSL / Escala de Grises: Desde esta sección, se trabaja el color desde tres tipos de valor: HUE, Saturación y Luminancia. En el fondo, es un círculo cromático descompuesto. Esta sección permite hacer ajustes locales en función a color.

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Dividir Tonos: En esta sección, podemos controlar el color pero para darle un efecto, como un virado. Se trabajan independientemente la sección de luces y sombras.

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Correcciones de Lente: En esta parte, podemos corregir deformaciones que tenga el lente de acuerdo a su distancia focal o construcción, emparejar los valores de luminancia en el mismo (un lente no distribuye de forma pareja la luz en el sensor) y las aberraciones cromáticas, errores de coincidencia de los haces de luz al pasar a través del lente haciendo que se descompongan. Se puede optar por una corrección manual, como otra de perfil propuesta por el proveedor. Los lentes de menor calidad suelen sufrir de estos problemas, sobre todo de las aberraciones.

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Efectos: En esta sección, podemos agregar viñetas a la imagen, además de “texturizarla con un granulado”. Aunque la viñeta funciona bastante bien, la texturización todavía es muy digital.

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Calibración de Cámara: AQUÍ, se calibra la imagen de acuerdo a los canales RGB. Esto se hace porque no todos los sensores tienen la misma calibración de color. Hay algunos que saturan más, otros que son más contrastados. Por otro lado, el uso del sensor conlleva a un consiguiente desgaste, lo cual hace que sea necesaria una calibración. En esta sección, se puede calibrar el sensor, aunque también se puede hacer a través de un color checker, lo cual hace que se cree un perfil de color de la cámara calibrándola apenas se abre la imagen. Ajustes Preestablecidos: En esta parte, se han guardado ajustes generales que han sido grabados para que sean usados posteriormente. Instantáneas: Aquí, guardamos ajustes específicos que se han venido desarrollando en el proceso de revelado. Sirven principalmente para comparar y poder generar varias capas al momento de trabajar en Adobe Photoshop. 2.8.1.3. Adobe Photoshop Lightroom Antes de que Adobe hiciera el Adobe Bridge, creó el Adobe Photoshop Lightroom. Este programa contiene una versión cruzada de Camera RAW (Módulo de Revelado) y Bridge (Módulo de Biblioteca). Sin embargo, no se vende con la suite. Es un programa bastante estable que funciona a partir de un proceso de importación y catalogación. Puede sincronizarse con una página Web, Facebook, Flickr, entre otros. Crea Catálogos Virtuales en los que se puede trabajar la gestión de luz y color de manera rápida. La pequeña desventaja es que pasa por un proceso de importación y exportación que hace que el proceso, al principio, sea más lento. Sin embargo, se le pueden agregar pluggins de corrección; además, trabaja simultáneamente con Photoshop y se crean copias virtuales, lo que ayuda bastante al momento de trabajar por capas en Photoshop, lo que da un buen rendimiento del hardware.

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a) Importación

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b) Revelado, Copias Virtuales y Exportación El módulo de revelado funciona de manera muy similar al camera RAW. Lo interesante son las copias virtuales y el método de exportación. Una copia virtual (o varias) pueden exportarse simultáneamente como objetos inteligentes en Photoshop, y trabajar de manera coordinada el proceso de revelado y retoque. Por otro lado, no es necesario hacer copias o crear archivos TIFF para trabajar haciendo que los recursos de almacenamiento del ordenador se agoten de manera más rápida, ya que las copias virtuales pesan apenas unos kb. Asimismo, al hacer clic derecho sobre una imagen, se puede pasar a exportar directamente la imagen y generar un archivo para mostrar al cliente, para web, para pruebas o para impresión quedando grabado en el lightroom a un peso muy pequeño. Por otro lado, tenemos las mismas, y otras funciones y herramientas que trabajábamos desde Bridge. El lightroom puede ser “customizado” agregando nuevos e interesantes pluggins.

Una vez que decidimos exportar, tenemos que ver cómo lo vamos a exportar de acuerdo a nuestras necesidades de impresión, resolución y tamaño. Esto será enseñado convenientemente por el docente en su momento.

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2.1.9. Calibración de Monitores Así como el sensor se descalibra, los monitores, también, pasan por este proceso. Condiciones climáticas, electrostáticas, físicas o de luz pueden afectar la calibración haciendo que la coincidencia de los valores de luz y color en pantalla no coincidan con una impresión. La verdad es que no se debe retocar en una laptop, se debe trabajar en una computadora estacionaria, donde no se mueva la pantalla y no esté expuesta directamente a la luz. Esto quiere decir que todo proceso de retoque debe ser hecho en oscuridad total. La calibración es un proceso físico que se hace a través de diferentes productos y trabaja con diferentes proveedores.

http://spyder.datacolor.com/portfolio-view/spyder4pro/ http://www.youtube.com/watch?v=Iyn4FkSLNqc http://www.colormunki.com/ Finalmente, existen en la red otros calibradores. Estos no usan hardware, lo cual no los hace muy precisos, salvo se conserven intactas las condiciones de trabajo en pantalla, tanto en luz, contraste y temperatura de color de la pantalla. http://atrise.com/lutcurve/

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Resumen

Antes de pensar en iluminar una escena, se debe considerar la temperatura de

color y en qué clave tonal se quiere trabajar. Si no se cuenta con un fotómetro de mano, se usará la medición del fotómetro de

la cámara digital, pero haciendo bracketing y recurriendo a la lectura del histograma.

Si desea saber más acerca de estos temas, puede consultar las siguientes

páginas: http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-PAGINA/

http://www.mundocorto.com/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=9

http://www.aprendefotografiadigital.com/afd/2011/02/22/ley-cuadrado-inverso-iluminacion/#.UfyHHJKwySo http://www.youtube.com/watch?v=Y9AIFodu8pQ

http://www.nosolofoto.com/old/modules.phpop=modload&name=Subjects&file=index&req=p

rintpage&pageid=16&scope=all.php

http://strobox.com/

http://www.youtube.com/watch?v=8Ln_oMxm8xQ

http://www.youtube.com/watch?v=KpBj4lcLtFs

http://www.rgbcmyk.com.ar/?pid=RGB2CMYK

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FOTOGRAFÍA DE CONCEPTO,

EDITORIAL Y PUBLICITARIA

LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la unidad, el alumno maneja diferentes técnicas de iluminación conociendo cómo se comporta la luz en diferentes superficies para crear retratos, además de aplicarla en escenografías, retratos, productos y campañas.

TEMARIO

Fotografía de Concepto

Fotografía de Portada

Fotografía Publicitaria

ACTIVIDADES PROPUESTAS

Los alumnos realizan sesiones de iluminación y prácticas de fotografía de Concepto, de Portada y Publicitaria.

UNIDAD

3

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3.1 FOTOGRAFÍA DE CONCEPTO, EDITORIAL Y PUBLICITARIA

3.1.1 Fotografía de Concepto

Trabajo grupal en el que al alumno se le asigna una tarea a cumplir: un concepto publicitario, una portada de disco, un afiche de película, etc. En este, el alumno debe realizar todo el proceso de elaboración, así, en todas las semanas, debe hacer entrega de bocetos, paletas de color, tipografía, avances de producción, retoque y diseño.

El trabajo se presenta impreso.

Acá algunos ejemplos de ciclos pasados:

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El grupo debe crear el nombre de la banda, el nombre del disco, conseguir a los modelos y vestuario, además de la utilería. Asimismo, debe proponer el diagrama de

planta de iluminación.

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También, puede hacerse a partir de un género cinematográfico. El Concepto es propuesto por el docente.

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3.1.2. Fotografía de Portada

En esta sección, lo importante es ambientar un espacio. Poder iluminar un espacio es algo más complicado e importante a desarrollar. Asimismo, el desarrollo debe estar supervisado a partir del boceto, el diagrama de luces y la ambientación.

Boceto

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Diagrama de iluminación a partir del boceto

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Ambientación

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Pieza acabada

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El pasto es natural, el fondo fue trabajado como Matte Painting.

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Esta puerta fue llevada a clase, la pared también.

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Fotos de portada de David LaChappelle

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Si bien es cierto que se debe ambientar el espacio, también es importante trabajar conceptos como Matte Painting.

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3.1.3. Fotografía Publicitaria

El docente propone un producto entregando un brief y el grupo desarrolla un concepto a partir del mismo.

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Foto en pecera

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Fotos publicitarias de Dave Hill

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Dave Hill trabaja muy bien el concepto de retoque con gran rango dinámico, acabado high end. La calibración del color y luz resultan

fundamentales en el proceso.

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Resumen

Webs para desarrollar paletas de color:

http://design-seeds.com/ http://colorschemedesigner.com/ http://www.youtube.com/playlist?list=PLKT4wTDASG8SGqK1Ww_rYxP3qqLP0lSxP

Si desea saber más acerca de estos temas, puede consultar las siguientes

páginas: http://www.davidlachapelle.com/

http://www.davehillphoto.com/

http://www.danmountford.bigcartel.com/ http://andredefreitas.com/Double-Exposures http://www.christofferrelander.com/

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Bibliografía

Básica

EVENING, Martin 2008 The Adobe Photoshop Lightroom: Guía completa para fotógrafos México, D. F: Anaya Multimedia (006.68, PHEVEN) EVENING, Martin 2011 Photoshop CS5 para fotógrafos: avanzado Madrid, Anaya Multimedia

(006.68, PHEVEN/F)

DELGADO CABRERA, José María

2011 Manual Imprescindible de Photoshop CS5 Madrid, Anaya Multimedia (006.68, PHDELG2011)

Bibliografía Electrónica

PORTA, Paulo

2005 Destripando el Histograma

http://www.quesabesde.com/camdig/articulos.asp?articulo=117

GARCÍA, Edgardo 2012 Reglas para la conversión de imágenes a CMYK

http://www.rgbcmyk.com.ar/?pid=RGB2CMYK


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