Metacartoons Centre Pompidou

8/17/2019 Metacartoons Centre Pompidou

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COMMUNIQUÉ DE PRESSELES CINÉMAS DU CENTRE POMPIDOUMETACARTOONS9 MAI - 15 MAI 2016, 15 SÉANCESCINÉMA 2, NIVEAU 1

“Let’s make some funny pictures” Tex Avery

Pensé comme une archéologie des sphères d’influences entre la culture populaire

et les pratiques artistiques du 20e siècle, le cycle « Metacartoons » fait la part belle

à la créativité sans limites du « cartoon », à ce cinéma d’animation dans son expressionla plus jouissive, adoré par le public, mais rarement considéré un art à part entière.

Terrain d’expérimentation particulièrement fécond dépourvu, à priori, d’ambition spéculative,

ces dessins animés questionnent des notions fondamentales qui ont nourri l’art moderne,

les intuitions formelles et les réalisations de cinéastes et plasticiens de la modernité.

En jouant notamment sur les niveaux de la représentation, les cartoons permettent d’explorer

de manière inédite les propriétés du film, tout en présentant de façon plus ou moins inconscientes,

et avec beaucoup d’humour, cette idée clé du modernisme en art qui considère l’œuvre comme

autonome et autoréflexive.

« Metacartoons » retrace une histoire potentielle des rencontres entre l’art et le cartoon,

le sérieux et l’irrévérencieux. Sujet d’élection pour un certain nombre d’artistes du pop art

américain des années 1960 ou bien modèle d’une scène underground iconoclaste, le cartoon

anticipe et nourri de manière directe, ou non, le film expérimental et d’artiste,

à l’instar de Bruce Conner et George Landow entre autres.

direction de la communication

et des partenariats

75191 Paris cedex 04

directeurBenoît Parayre

téléphone00 33 (0)1 44 78 12 87

courriel

benoit.parayrecentrepompidou.fr

www.centrepompidou.fr

attachés de pressePierre Laporte Communication

téléphone

01 45 23 14 14

Frédéric Pillier

Laurent Jourdren

[email protected]

[email protected]

Visuel : Martin Arnold, Whistle Stop, 2014,

(détail) © Courtesy Martin Arnold

20 avril 2016


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Se jouant de la confusion des genres et des formats, du film expérimental aux long-métrages

de fiction, en passant par une sélection des cartoons iconiques présentés sur leurs supports originaux,

« Metacartoons » invite également les artistes contemporains Martin Arnold, Zoe Beloff, Isabelle

Cornaro ou Maïder Fortuné à faire dialoguer leurs œuvres avec les créations originales signées

de la main de Walt Disney, Chuck Jones ou encore Tex Avery. Un renversement de perspective s’opère :

le cartoon devient à son tour sujet d’investigation et de relectures savantes.

That’s all folks ! ou peut-être pas ?

Une manifestation proposée par Enrico Camporesi et Jonathan Pouthier

Attachés de conservation Musée national d’art moderne.

Assistés par Thomas Caillères.

Merci à : The Walt Disney Company France, Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Archives, Warner Bros PicturesFrance, Le Forum Culturel Autrichien, Universal Pictures International France, The Academy Film Archive, Joe Danteand Jon Davison Collection, The Constellation Center Collection, The Chuck Jones Center for Creativity, Thomas José Stathes

and Cartoon on Films, Museum of Modern Art, The British Film Institute, Les Archives françaises du film CNC - Centrenational du cinéma et de l’image animée, Cinémathèque Française, Cinémathèque Royale de Belgique, CinémathèqueQuébécoise, Cinémathèque Suisse, Lobster Films, Canyon Cinema, The Film Gallery, Film-Makers’ Coop, Arsenal, LIMA,

Light Cone, Cinédoc, LUX Artist’s Moving Image, Galerie Marian Goodman, Cabinet Gallery, Galerie Buchholz, Galerie MartinJanda, Patrick Brion, Michel Gauthier, Esther Leslie, Antonio Somaini, et les artistes, Martin Arnold, Zoe Beloff, Isabelle

Cornaro, Tacita Dean, Maïder Fortuné, Mark Leckey, Mathias Poledna.


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AU PROGRAMMEMODERNISME VULGAIRE

9 MAI, 20H

Séance présentée par Enrico Camporesi et Jonathan Pouthier Repoussant à son extrême la confusion entre les niveaux

de représentation et les moyens de production, Duck Amuck (1953)

de Chuck Jones récapitule de manière flagrante une tradition

du cartoon qui voit dans la mise en abyme son centre théorique.

Tourmenté par les farces sadiques que lui joue son créateur, Daffy Duck

s’efforce de ne pas perdre la face. Surréalistes, les situations qu’il

affronte lui offrent la possibilité d’affirmer sa personnalité à l’écran

et de tourner cette série de gags effrénée en une comédie existentielle.

Réalisée dix années auparavant, la comédie à succès - absolument

insensée et résolument jouissive - de H.C. Potter, Hellzapoppin’ (1941)emprunte à la créativité sans limite des cartoonists les éléments

d’une syntaxe cinématographique déjantée venant briser les unes

après les autres les conventions illusionnistes du cinéma.

Chuck Jones, Duck Amuck , 1953, 35mm, coul, son, 6.58mn

H.C. Potter, Hellzapoppin’ , 1941, 35mm, nb, son, 84mn

Remerciements : Universal Pictures International France, Warner Bros

Pictures France, Chuck Jones Museum et Chuck Jones Center

for Creativity (www.ChuckJonesCenter.org)

ZOE BELOFF, THE INFERNAL DREAM OF MUTT AND JEFF

11 MAI, 19H

Projection commentée par Zoe Beloff

Dans l’œuvre de Zoe Beloff le cartoon devient le lieu d’investigation

privilégié pour retracer des potentialités insoupçonnées de l’histoire.

En proposant une archéologie fantasmée des liens entre l’animation,

la psychanalyse et les sciences sociales, l’artiste relie la trajectoire

des personnages fictionnels de Mutt et Jeff, crées par Bud Fisher

au début du 20e

siècle, aux productions artistiques de l’époque,en articulant un rapport inédit au politique.

Zoe Beloff, The Infernal Dream of Mutt and Jeff , 2011, video, nb,

son, 11mn

Bud Fisher, Mutt and Jeff, In Hell, 1926, 16mm, nb, son, 8.40mn

Bud Fisher, Mutt and Jeff, On Strike, 1920, 35mm, nb, sil, 7mn

Dave Fleischer, Ha Ha Ha, 1934, 35mm, nb, son, 6.30mn

Remerciements : Zoe Beloff, MoMA (Preserved by The Museum

of Modern Art with support from the National Film Preservation Foundation

and Film Connection: Australia-America) et la Cinémathèque Québécoise

(Montréal).

Chuck Jones, Duck Amuck, 1953,(detail), © Courtesy Warner BrosPictures France.

Zoe Beloff, The Infernal Dream of Muttand Jeff , 2011, (detail), © Zoe Beloff


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CARTOON FACTORY

11 MAI, 20H30

Séance présentée par Philippe Alain Michaud et Isabelle Cornaro

Dès ses origines, le cinéma fournit un ensemble d’expérimentations

à travers lesquelles le geste du dessin est rendu plus complexe

par le télescopage des prises de vue réelles et des effets plastiques

de l’animation. Dans son propos sur Fantasia (1946) de Walt Disney,

Erwin Panofsky esquisse une définition du cinéma d’animation :

« Animation signifie, par définition, qu’un processus de métamorphose

prend place. Les choses sont gagnées par une vie différente de la leur,

et c’est là en vérité l’unique vertu du médium (…) Aucune autre forme

d’art ne peut accomplir ce miracle : faire que des objets naturels

inanimés se comportent plus ou moins comme des animaux ou

des machines, que les machines se comportent plus ou moins comme

des humains, et que les animaux se comportent plus ou moins comme

des animaux et des humains en même temps. La palette d’expressions

qui être rendue par cette animation ou cette métamorphoseest presque illimitée 1. » Conçue comme un prolongement

aux considérations de l’historien de l’art allemand, la séance Cartoon

Factory propose de faire dialoguer les farces et fantasmagories

cinématographiques du début de siècle aux réalisations d’artistes

contemporains. Dans la confrontation de l’animé et l’inanimé,

les inventions formelles imaginées par leurs créateurs s’avèrent être

d’une double nature : à la fois spectacle jouissif et vecteur d’exploration

théorique.

Jack Stuart Blackton, The Enchanted Drawing, 1900, 35mm, nb,sil, 1.30mn

Bud Fisher, Mutt and Jeff, Slick Sleuth, 1926, 35mm, coul, son, 7mn

George Landow, The Film That Rises to the Surface of Clarified Butter ,

1968, 16mm, nb, son, 8mn

Walt Disney, Newman Laugh-O-Gram, 1921, 35mm, nb, sil, 3.23mn

Emile Cohl, Fantasmagorie, 1908, 35mm, nb, sil, 2mn

Robert Breer, A Man and His Dog Out for Air , 1957, 16mm, nb, sil,

1.48mn

Dave Fleischer, The Cartoon Factory , 1925, 35mm, nb, sil, 8.13mn

Jack Goldstein, The Portrait of Père Tanguy , 1974, 16mm (fichier num.),

coul, sil, 4minTex Avery, Porky’s Preview , 1941, 35mm, 6.18min

Isabelle Cornaro, Célébrations, 2013, 16mm (transféré sur fichier

num.), coul, sil, 5.43mn

Remerciements : Isabelle Cornaro, Philippe-Alain Michaud, The Walt Disney

company France, Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Archives,

Warner Bros Pictures France, Thomas José Stathes and Cartoon on Films

(U.S.A), Lobster (Paris), Galerie Buchholz (Berlin, Cologne, New York).

1. Erwin Panosfky, Lettre sur Fantasia, 15 novembre 1940 (traduction Pierre Rusch,

Trafic, n°59, 2006)

George Landow, Films that rises to theSurface of clarified butter , 1968, (detail)© MNAM CCi, Centre Pompidou


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RED GROOMS, LIVING CARTOON THEATER

12 MAI, 19H

Séance présentée par Jonathan Pouthier

L’américain Red Grooms fait partie de cette génération d’artistes pop

à l’imagination débordante et à l’humour ravageur. Débutant sa carrière

au milieu des années 1950 à New York, il partage avec ses amis

et artistes dont Claes Oldenburg et Jim Dine un intérêt tout particulier

à tourner en dérision par l’absurde les conventions de la vie moderne.

Protéiforme et prolixe, son œuvre propose un dialogue amusé

entre cinéma, théâtre, sculpture et peinture. Ses environnements

tridimensionnels, sculptures monumentales in situ, offrent aux visiteurs

qui les parcourent l’expérience d’un paysage urbain halluciné conçu

de bric et de broc. Au début des années 1960, Red Grooms réalise avec

la complicité de Rudy Burckhardt Shoot the Moon (1962), une fantaisie

stylisée avec laquelle il rend hommage à l’imaginaire du cinéma de

George Méliès tout en le parodiant. Directement inspiré des comédies

burlesques, son film Fat Feet (1964) métamorphose l’univers urbainen un décor tout droit sorti d’un Comic strip dans lequel une galerie de

personnages grotesques rejoue la gloire passée des fameux Keystone

Cops. Surnommé par un critique américain de « Bernini du Pop-Art »

après la présentation de Tappy Toes (1969), Red Grooms atteint à travers

ses films une extravagance stylistique flamboyante. Réalisée dans

l’environnement même de sa sculpture City of Chicago – sa première

« sculpto-pictorama » conçue en 1967 -cette comédie musicale

underground et résolument satirique associe à la nervosité des danses

et d’une musicalité au rythme effréné, le psychédélisme

des expérimentations visuelles colorées.

Red Grooms, Shoot the Moon, 1962, 16mm, nb, sil, 24mn

Red Grooms, Fat Feet , 1966, 16mm, coul/nb, son, 19mn

Red Grooms, Tappy Toes, 1969, 16mm, coul, son, 19.06mn

Remerciements : Film-Makers’Coop (New York)

Red Grooms, Tappy Toes, 1969, (detail),© courtesy Red Grooms,Film-Makers’Coop (New York)


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L’ARTISTE ET SON MODÈLE

12 MAI, 20H30

Séance présentée par Michel Gauthier

Le réalisateur américain Frank Tashlin (1913-1972) débute sa carrière

comme cartoonist au sein des studios d’animation Van Buren avant

de s’engager en 1933 avec Warner Bros où il rejoint l’équipe de

la célébrissime Termite Terrace fondée par le producteur visionnaire

Leon Schlesinger. Après la dizaine de cartoons dont il supervisera la

réalisation, Frank Tashlin passe aux long-métrages de fiction au début

des années 1950. C’est grâce à ses collaborations avec l’acteur atypique

Jerry Lewis, (il réalise huit films entre 1955 et 1964), qu’il obtiendra

ses premiers succès critiques et marquera de son style singulier

la comédie américaine. Personnage décalé tout droit sortie de l’univers

du cartoon, Jerry Lewis impose devant la caméra de Tashlin un humour

grinçant et particulièrement corporel. De ce duo va naître

une atmosphère mêlant à la fois le dessin animé, les comic strip,

le gag potache et les fameuses pantomimes de Lewis accompagnéesdes chansons interprétées avec Dean Martin. Au summum de son art,

Frank « Tish Tash » Tashlin synthétise avec Artists et Models (1955)

l’ensemble des préoccupations qu’il porte à l’égard de l’utilisation

de la couleur, du décor et de la lumière. Non-conformiste et

volontairement antinaturaliste, cette comédie raffinée puise

dans le registre de la culture populaire de son temps les éléments

d’une esthétique résolument Pop.

« Tashlin n’apparaît ni comme un moderniste prisonnier d’Hollywood,

ni comme un simple héritier de la longue tradition carnavalesque. Il est

le révélateur d’un monde qui se réifie en une image de lui-même. En cela,

Tashlin est l’artiste pop originel, au sein même de l’industrie du spectacle. »

Michel Gauthier, « Les pieds dans le pop - Frank Tashlin historien

d’art », Les Cahiers du MNAM , n°104, été 2008, Paris, Centre Pompidou

Frank Tashlin, Artists and Models, 1955, 35mm, coul, son, 104min

Remerciements : Michel Gauthier, The Constellation Center Collection,

The Academy Film Archive (Los Angeles) et Universal Pictures.

Frank Tashlin, Artists and Models, 1955,

(detail), © courtesy Universal Pictures


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TERMITE TERRACE

13 MAI, 19H

Séance présentée par Patrick Brion

Termite Terrace est le surnom donné au studio d’animation

qui accueillait Chuck Jones, Robert Clampett, Friz Ferleng ou encore

Tex Avery (pour ne citer qu’eux), à la Warner Bros. L’appellation en

dit long sur ce lieu atypique, mais aussi sur ses résidents surnommés

les « termites ». Dans cette séance, ce sont les personnages eux-

mêmes qui rendent hommage à leurs créateurs : Bugs Bunny tente

d’échapper au crayon farceur de Chuck Jones (Rabbit’s Rampage, 1955),

Porky quant à lui essaye de rompre son contrat d’acteur (You Ought

to Be in Pictures, 1940). La Termite Terrace est aussi le symbole

de la culture populaire américaine de la première moitié du 20e siècle,

un espace imaginaire dans lequel les stars de l’époque côtoient les

Looney Tunes : les Marx Brothers (Hollywood Steps Out, 1941), Lauren

Bacall (Bacall to Arms, 1946), allant parfois jusqu’à propulser

Bugs Bunny en cantatrice wagnérienne (What’s Opera Doc’ ? , 1957).Inévitablement, les habitants de la Termite Terrace et leurs créations

auront réussi à faire leur trou dans les studios fondés par

Leon Schlesinger, ainsi que dans la mémoire de tout un chacun.

Ben Hardaway, Buddy’s Theater , 1935, 35mm, nb, son, 7.10min

Fritz Freleng, Merrie Melodies, She Was an Acrobat’s Daughter , 1937,

35mm, coul, son, 8.3 min

Tex Avery, Merrie Melodies, Daffy Duck and Egghead , 1938, 35mm,

coul, son, 7.13 min

Friz Freleng, Merrie Melodies, You Ought to Be in Pictures, 1940,

35mm, nb, son, 9min

Tex Avery, Merrie Melodies, Hollywood Steps Out , 1941, 35mm,

coul, son 7.43min

Robert Clampett, Merrie Melodies, Bacall to Arms, 1946, 16mm,

coul/nb, son, 6.11min

Friz Freleng & Robert Clampett, Dough For the Dodo, 1949, 35mm

(16mm), coul, son, 7min

Chuck Jones, Merrie Melodies, Rabbit’s Rampage, 1955, 35mm,

coul, son, 6.57 min

Chuck Jones, Merrie Melodies, What’s Opera Doc ? , 1957, 35mm, coul,

son, 6.49min

Remerciements : Warner Bros Pictures France, Chuck Jones Museum,

Chuck Jones Center for Creativity (www.ChuckJonesCenter.org),

The Academy Film Archive (Los Angeles), The Constellation Center

Collection (the Academy Film Archive, Los Angeles), The Joe Dante and Jon

Davison Collection (the Academy Film Archive, Los Angeles), Thomas José

Stathes and Cartoon on Films (U.S.A) et The British Film Institute (Londres).

Chuck Jones, Merrie Melodies, Rabbit’sRampage, 1955, (detail), © courtesyWarner Bros Pictures France


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MEET HOLLYWOOD

13 MAI, 20H30

L’univers des Looney Tunes est indissociable de celui du cinéma

Hollywoodien. En parodiant allègrement le registre des productions

hollywoodiennes, les cartoonists ont fait des studios et de leurs

anecdotes les motifs récurrents de leurs réalisations. Tout comme

Thug With Dirty Mugs, pastiche autoréflexif du film de gangster réalisé

par Tex Avery en 1944, le réalisateur américain Chuck Russell réunit

à nouveau les codes du cartoon et celui d’un âge d’or du cinéma dans

son film The Mask (1994). Hommage au génie créatif de Tex Avery,

le personnage du Mask, interprété par le comédien hyperactif Jim

Carrey, multiplie tout au long du film les références à l’univers délirant

des cartoons : hurlant à la mort, les yeux exorbités comme le loup de

Red Hot Riding Hood (Tex Avery, 1943), sortant un marteau géant de la

poche de son veston ou encore tirant des drapeaux estampillés « BANG ! »

de ces énormes pistolets. Chuck Russell réinvente le registre de

la comédie jubilatoire en y incorporant tous les codes qui auront faitdu cartoon un genre à part entière : personnages clownesques et

élastiques, absurdité de rigueur, punchlines décalées (« Look Ma ! I’m

roadkill ! Ha Ha Ha ! »), sans oublier les fameux gadgets siglés « ACME ».

Tex Avery, Merrie Melodies, Thugs With Dirty Mugs, 1944, 35mm,

coul, son, 8.50 mn

Chuck Russell, The Mask , 1994, 35mm, coul, son, 101 mn

Remerciements : Warner Bros Pictures France et la cinémathèque Royale

de Belgique (Bruxelles).

Chuck Russell, The Mask, 1994, (detail)© Warner Bros Pictures France,LOONEY TUNES and all relatedcharacters and elements© & TM WBEI. (s16)


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WALT DISNEY : 6 RENDEZ-VOUS14 MAI À 16H, 17H, 18H, 19H, 20H30 ET 15 MAI À 16H

Metacartoons retrace la carrière incroyable de Walt Disney, chef de file incontesté de l’âge d’or

du cinéma d’animation. Objets de fascination et d’admiration pour les artistes comme pour

les théoriciens des images, ses productions sont sans cesse soumises à des relectures qui en explorent

les caractéristiques formelles (qui recoupent celles des avant-gardes historiques), leur fonction

de fétiche (le Mouse Museum de Claes Oldenburg), ou encore leur valeur iconique (Martin Arnold

et ses Disney Series).

MICKEY VS MONDRIAN, COMPULSIONS CINÉTIQUES

14 MAI, 16H

Projection commentée par Esther Leslie

Au début des années 1920, les artistes et cinéastes abstraits

abandonnent progressivement l’espace de la toile pour explorerles potentialités de l’animation à traduire le mouvement en pures

abstractions et à fournir un ensemble infini de formes graphiques

comme autant de manifestations d’une hallucination collective

jusqu’à présent cantonnées au rêve. Rapidement assimilée aux

expérimentations en cours dans le champ de l’art moderne et de

la théorie critique, l’œuvre de Walt Disney bénéficiera d’une attention

particulière de la part des courants avant-gardistes allant jusqu’à

intégrer sous l’impulsion de Iris Barry, dès le milieu des années 1930,

les prestigieuses collections du Museum Of Modern Art de New York.

À travers cette conférence ponctuée de projections, Esther Leslie propose

d’explorer à nouveau ces relations et connexions qui se sont nouéesautour des univers fantaisistes du cinéma d’animation de Walt Disney.

Esther Leslie est professeure en « Political Aesthetics » à l’université

de Birkbeck de Londres. Elle est l’auteure de l’ouvrage Hollywood

Flatlands : Animation, Critical Theory and the Avant-Garde publié en 2004

aux éditions Verso.

Hans Richter, Rhythmus 21, 1921-1924, 35mm, nb, sil, 3.42 min

Ub Iwerks, Plane Crazy , 1928, 35mm, nb, son, 6 min

Oskar Fischinger, Seelische Konstruktionen, 1927, 35mm (16mm), nb,

son, 9 min

Ub Iwerks, Steamboat Willie, 1928, 35mm (DCP), nb, son, 6 min

Len Lye, Colour Box , 1935, 35mm, coul, son, 3.38 min

Remerciements : Esther Leslie, The Walt Disney Company France,

Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Archives

Oskar Fischinger, SeelischeKonstruktionen, 1927, (detail)© MNAM CCi, Centre Pompidou


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WALT, WALTER, SERGUEI

14 MAI 17H

Projection commentée par Antonio Somaini

Conçue comme un dialogue entre l’essai du philosophe allemand

Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique

(1935-36), le texte dédié par le cinéaste Russe Sergueï Eisenstein à

Walt Disney en 1940 dans son ouvrage inachevé intitulé Metod (1932-48)

et une sélection de films signés de la main du maître de l’animation,

cette conférence d’Antonio Somaini propose une réflexion esthétique

et politique de l’œuvre de Walt Disney. Dominées par les concepts

d’inconscient visuel et de protoplasmaticité, les interprétations de ces

deux penseurs de l’image permettent une lecture singulière de l’œuvre

de Walt Disney. Si Walter Benjamin en propose une analyse plus

politique, voyant dans le « rire collectif » suscité par les créations de

Walt Disney une forme d’immunisation psychique contre les tentations

de la violence du monde, Eisenstein, voit dans le cinéma de Disney

un exemple de survivance d’une mentalité primitive et « animiste »,

un retour nécessaire aux couches les plus profondes de l’histoire

de la culture, de la vie psychique et de la vie organique.

Antonio Somaini est professeur en études cinématographiques, études

visuelles et théorie des médias à l’université Paris 3 – Sorbonne Nouvelle.

David Hand, Pluto’s Judgement Day , 1935, 35mm, coul, son, 8min

Burt Gillett, Flowers and Trees, 1932, 35mm (DCP), coul, son, 7.40min

Walt Disney, Skeleton Dance, 1929, 35mm, nb, son, 6min

Walt Disney, Alice’s Spooky Adventure, 1924, 35mm, nb, sil, 6.21min

Remerciements : Antonio Somaini, The Walt Disney Company France,

Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Archives

MOUSE MUSEUM

14 MAI, 18H

Figure majeure du pop art américain, l’artiste Claes Oldenburg

s’est approprié la figure de Mickey Mouse à travers ses productions

plastiques et ses performances. De son happening, Moveyhouse,

organisé en 1965 dans un cinéma new yorkais, l’artiste garde dans la

conception de son Mouse Museum (finalisé en 1977) la forme iconique

de la tête de la célèbre sourie, par analogie aux projecteurs de cinéma,

pour la transposer en motif architectural de son musée idéal.

Conservée dans les collections du Museum of Modern Art de New York,

cette œuvre conçue comme un environnement muséal où sont exposés

les fameux Ray Gun de Oldenburg est réactivée à travers le film

de l’artiste anglaise Tacita Dean, Manhattan Mouse Museum (2011).

En véritable guide d’exposition, Claes Oldenburg propose une visite

privée des lieux et de sa collection. A l’instar de l’artiste pop, le cinéaste

underground californien Kenneth Anger orchestre à son tour

dans son film Mouse Heaven (2004) une exposition vertigineuse dédiée

à la créature animée par Walt Disney, « son fétiche démoniaque ».

Tacita Dean, Five Americans, Manhattan Mouse Museum, 2011, 16mm,coul, son, 16mn

Kenneth Anger, Mouse Heaven, 2004, video, coul, son, 12mn

Remerciements : Tacita Dean, Galérie Marian Goodman (Paris),

Film Gallery – REVOIR (Paris)

Tacita Dean, Five Americans,Manhattan Mouse Museum, 2011,

(detail), © courtesy Tacita Deanet la Galerie Marian Goodman (Paris)


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MARTIN ARNOLD, DISNEY SERIES

14 MAI, 19H

Projection commentée par Martin Arnold

Pour ses Disney Series, l’artiste autrichien Martin Arnold s’approprie

des célèbres personnages de dessin animé, de Mickey Mouse à Pluto.

Dans la continuité de ses œuvres précédentes (Pièce touchée, 1989

ou bien Passage à l’acte, 1993), Arnold ne recourt qu’à un fragment

de quelques secondes arraché à une séquence pour venir l’étirer dans

le temps de la projection. Répétant inlassablement leurs mouvements,

les personnages, dépourvus de leur action et de leur contexte initial,

apparaissent à l’écran dans l’inquiétante étrangeté de leurs

convulsions. Profondément psychanalytiques et hypnotiques,

ces expérimentations de l’artiste déconstruisent les personnages

pour les reconstruire pièces par pièces sur un fond noir. En détournant

les techniques de l’animation traditionnelle, Martin Arnold interroge

la perception des divers phénomènes présents entre les images comme

dans l’anatomie de Pluto et Mickey Mouse.

Martin Arnold, cinéaste autrichien internationalement acclamé pour

ses films de found-footage, a suivi des études en psychologie et en

histoire de l’art. Réalisateur indépendant depuis 1988, il intervient

depuis 1995 comme enseignant invité dans des universités américaines

et allemandes. Cofondateur de Sixpack Film, il a organisé plusieurs

manifestations autour du cinéma d’avant-garde. Ses films ont obtenu

de nombreux prix dans des festivals internationaux.

Martin Arnold, Soft Palate, 2011, video, coul, son, 3.10mn

Martin Arnold, Haunted House, 2011, video, coul, son, 2.40mn

Martin Arnold, Whistle Stop, 2014, video, coul, son, 3.20mn

Martin Arnold, Black Holes, 2015, video, coul, son, 5.20mn

Martin Arnold, Shadow Cuts, 2010, 35mm, coul, son, 4.10mn (loop)

Remerciements : Martin Arnold et le Forum Culturel Autrichien (Paris)

Martin Arnold, Soft Palate, 2011,(detail), © Courtesy Martin Arnold


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STUDIO VISIT

14 MAI, 20H30

Matthias Poledna réalise, à l’occasion de la Biennale de Venise 2013,

un court film d’animation intitulé Imitation of Life. Dans ce pastiche

de cartoon et de musical hollywoodien, l’artiste autrichien convoque

à nouveau une industrie du passé : la fabrication des images dans

les usines Disney des années d’or du cinéma d’animation. Travail long,

minutieux, et normalement invisible, ces réalisations étaient le résultat

de l’implication d’un nombre incalculable d’artisans et d’ouvriers aux

tâches différenciées. Observée à travers le prisme de l’histoire du film

d’animation, l’opération de Poledna apparaît immédiatement comme

le miroir d’un long-métrage capitale pour Disney : The Reluctant Dragon.

Réalisé en 1941, le film, très populaire aux États-Unis mais moins

connu en France, est considéré comme La Nuit américaine du cartoon.

Le déroulement du film nous donne accès aux usines Disney de

Burbank en Californie et rend visibles les activités et la force de travail

de ses employés. En permettant au spectateur de suivre tous lespassages qui amènent à la production du film d’animation, Reluctant

Dragon se révèle être une studio visit de la fabrique des rêves la plus

populaire du 20e siècle.

Matthias Poledna, Imitation of Life (pencil tests), 2013, fichier num.,

coul, son, 3mn

Hamilton Luske & Alfred L. Werker, The Reluctant Dragon, 1941, 35mm,

coul, son, 72mn

Remerciements : The Walt Disney Company France, Walt Disney

Animation Studios, Walt Disney Archives, Mathias Poledna et Galerie

Buchholz (Berlin, Cologne, New York).

Mathias Poledna, Imitation of Life,2013, 35 mm color film, optical sound,3’, film still © Courtesy GalerieBuchholz, Berlin/Cologne/New York


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CÉLÉBRATIONS !

15 MAI, 16H

C’est l’anniversaire de Donald Duck. Ce dernier reçoit un cadeau

volumineux : le paquet contient un projecteur 16mm et une série des

films. Les bobines traitent de l’Amérique latine et notamment du

Mexique. Le moment de la projection cadre ainsi ce long-métrage

d’animation Disney, réalisé par Norman Ferguson en 1944. Saludos

Amigos, le premier volet de cette excursion au cœur de l’Amérique du

Sud introduisait déjà de nombreuses stratégies méta-discursives, en

brisant le quatrième mur, interpellant le spectateur, et en faisant une

application inventive des techniques méta-discursives (on songe à

l’épisode brésilien qui introduit les personnages du perroquet José

Carioca).

Conçu comme son prédécesseur sur le modèle du mélange des prises

de vues réelles et de dessin animé, The Three Caballeros pousse

à l’extrême les indications méthodologiques de son prédécesseur et faitdu personnage de Donald le vecteur d’une exploration des propriétés

du film. L’exotisme fourni par les décors brésiliens et mexicains nous

fait penser, par association d’idées et pour les ambitions du projet aux

grands films inachevés de Welles (It’s All True) ou Eisenstein (Que Viva

Mexico) tournés dans ces mêmes lieux, alors que le Technicolor asservit

les expérimentations chromatiques à un spectacle flamboyant et

sensuel.

C’est la même sensualité du film que Standish Lawder retrace dans son

enquête sur le projecteur 16mm (Color Film), ici juxtaposé dans le

programme comme un avant-goût mais aussi comme hypothèse

irrévérente : au-delà de son rôle de projectionniste, et si Donald avait

été cinéaste d’avant-garde?

Standish Lawder, Color Film, 1971, 16mm, coul, son, 3mn

Norman Ferguson, The Three Caballeros, 1945, 35mm, coul, son, 72mn

Remerciements : The Walt Disney Company France, Walt Disney Animation

Studios, Walt Disney Archives, Arsenal (Berlin)

Standish Lawder, Color Film, 1971,(detail), © Courtesy Standish Lawder


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COUPER, COPIER, COLLER

15 MAI, 18H

Séance présentée par Enrico Camporesi et Jonathan Pouthier

Le plasticien et cinéaste Bruce Conner, en revenant sur la réalisation du

chef d’œuvre du film found-footage A Movie (1958), déclarait s’être

inspiré de Duck Soup (1933) des Marx Brothers, pour l’absurde

séquence de remontage proposée dans le final du film. Et si on pouvait

plutôt voir dans Daffy Duck in Hollywood , réalisé en 1938 par Tex Avery,

un véritable antécédent du film de Conner ?

Ce programme découle d’une hypothèse cruciale : la production

du cartoon et les inventions formelles du film expérimental

fonctionneraient comme des vases communicants. Pourtant, dans

la juxtaposition, en réunissant des œuvres issues d’époques

et des contextes disparates, les affinités et les différences resurgissent.

Ainsi le flicker qui apparaît dans un dessin animé de Felix the Cat

dans les années 1920 apparaît rétrospectivement dans ses applicationspurement formelles à travers les expériences pionnières sur le

clignotement chromatique du peintre américain Dwinell Grant ou

encore dans les expérimentations psychédéliques du « flicker film »

développé par l’artiste Tony Conrad. Là encore, l’interrogation des

niveaux de représentation du ruban filmique que Paul Sharits creuse

dans les années 1970 se retrouve confrontée à Northwest Hounded

Police (1946) de Tex Avery où le protagoniste, dans une poursuite

frénétique, se retrouve à sortir du film, dévoilant ainsi sa structure.

Brusquement on voit se dessiner une cartographie d’influences plus

ou moins conscientes, entre l’avant-garde et le cartoon, ou plutôt

un questionnement commun, celui sur la nature même du film.

Tex Avery, Daffy Duck in Hollywood , 1938, 35mm (16mm), coul, son,

8.05 min

Bruce Conner, A Movie, 1958, 16mm, nb, son, 11 min

Rafael Montañez Ortiz, Beach Umbrella, 1985-86, video, coul, son,

7.30 min

Tex Avery, Northwest Hounded Police, 1946, 35mm, coul, son, 7.27 min

Paul Sharits, Tails, 1976, 16mm, coul, son, 4 min

Dwinell Grant, Color Sequence, 1943, 16mm, coul, sil, 2 min

Max Fleischer, Koko’s Earth Control, 1928, 35mm (16mm), nb, 5.43 minTony Conrad, The Eye of Count Flickerstein, 1966-75, 16mm, nb, sil,

11 min

Norman McLaren, Dots, 1940, 35mm, coul, son, 2.21 min

Chuck Jones, Dots and the Line, 1965, 35mm, coul, son, 10.01 min

Tex Avery, Magical Maestro, 1952, 35mm, coul, son, 6.30 min

Standish Lawder, Runaway , 1970, 16mm, nb, son, 6 min

Chuck Jones, Roadrunner a Go Go, 1965, 35mm (16mm), coul,

son, 6min

Remerciements : Warner Bros Pictures France, Chuck Jones Museum,

Chuck Jones Center for Creativity (www.ChuckJonesCenter.org),

The Academy Film Archive (Los Angeles), Thomas José Stathes and

Cartoon on Films (U.S.A), LIMA (Amsterdam), Light Cone (Paris),

Cinédoc (Paris), Canyon cinema (San Francisco) et LUX (Londres)

Tex Avery, Daffy Duck in Hollywood ,1938, (detail), © Courtesy Warner BrosPicture France, LOONEY TUNES andall related characters and elements© & TM WBEI. (s16)


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THAT’S ALL FOLKS!

15 MAI, 20H30

Formé à la New World Pictures, studio fondé par le pape du cinéma bis

Roger Corman en 1970, le réalisateur américain Joe Dante cultive

depuis son plus jeune âge une cinéphilie marquée par son admiration

pour le cartoon. Lui qui se rêvait dessinateur, il offre au cartoonist

Chuck Jones plusieurs caméos dans ses films dont son plus grand

succès Gremlins (1984) - il interprète le mentor du jeune protagoniste

épris de dessin -, avant de récidiver en 1990 avec Gremlins 2 en lui

confiant la réalisation de séquences animées rendant hommage à

l’univers des Looney Tunes. Il n’est pas étonnant que Jones ait accepté,

les Gremlins sont déjà le sujet d’un de ses films, Falling Hare (1943),

dans lequel Bugs Bunny, comme Billy le héros de Gremlins, est en proie

aux facéties de ces petites bêtes. Joe Dante propose par la suite à la

Warner Bros un biopic, co-écrit avec Chuck Jones, sur les locataires de

la fameuse Termite Terrace. Resté à l’état de papier, ce projet trouve

une dizaine d’années plus tard une formulation nerveuse à l’humourdécapant dans Looney Tunes Back in Action (2003). Suivant un scénario

similaire à You Ought to be in Pictures (Friz Freleng, 1940), Joe Dante

referme sur elle-même la boucle et redonne aux Looney Tunes toute

leur démesure sur grand écran. Clôturant ce cycle dédié à la créativité

sans limite des cartoonists, l’œuvre Curtain ! conçue par l’artiste

française Maïder Fortuné en 2007, vient réunir les héros des dessins

animés au sein d’un théâtre d’ombre où elles errent lentement derrière

le rideau de fin, prêtes à se révéler en couleur au lever de ce dernier :

That’s not all Folks !

Joe Dante, Looney Tunes Back in Action, 2003, 35mm, coul, son, 91 mn

Maïder Fortuné, Curtain! , 2007, video, coul, sil, 18 mn

Remerciements : Maïder Fortuné, Warner Bros Pictures France,

La Cinémathèque Française (Paris)

Maider Fortuné, Curtain!, 2007, (detail),© Courtesy Maïder Fortuné


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téléphone00 33 (0)1 44 78 12 33

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Tarifs des cinémas

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Date post:	06-Jul-2018
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