+ All Categories
Home > Documents > Musical Theatre Audition tips

Musical Theatre Audition tips

Date post: 13-Dec-2015
Category:
Upload: elijahchester
View: 23 times
Download: 0 times
Share this document with a friend
Description:
how to effectively audition for musical theatre
36
25 Secrets to Giving a Fantastic Musical Theatre Audition By Jonathan Flom
Transcript
Page 1: Musical Theatre Audition tips

25 Secrets to Giving a Fantastic Musical Theatre Audition

By  Jonathan  Flom  

Page 2: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

2  

25 Secrets to Giving a Fantastic

Musical Theatre Audition

Copyright © 2010 by Jonathan Flom Published by Sean Pratt Presents

Page 3: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

3  

INTRODUCTION    As  a  director  and  a  college  musical  theatre  instructor,  I  work  with  a  lot  of  talented  performers  every  day.  There  is  little  fulfillment  greater  than  watching  an  actor  develop  a  role  and  work  through  a  process  in  order  to  shine  on  opening  night.  I  have  the  utmost  respect  for  the  craft  of  acting  and  for  the  collaboration  between  actor  and  director.  However,  it  is  so  often  the  case  that  the  immensely  talented  performer  is  overlooked  and  in  spite  of  his  abilities  to  craft  a  role  and  to  collaborate,  his  name  never  makes  it  on  to  the  cast  list.    Why  does  this  happen  time  and  time  again?  Because  that  talented  actor  is  unable  to  navigate  the  treacherous  waters  of  the  audition  process.  Too  many  performers  love  the  art  of  theatre  while  loathing  the  art  of  auditioning.  I  tell  you,  you  must  reconcile  this  conflict  and  learn  to  love  the  audition,  for  if  you  cannot  command  the  audition  your  career  will  be  non-­‐existent.  You  must  learn  to  think  of  the  audition  as  your  daily  chance  to  perform.  You  must  learn  to  master  your  nerves.  And  most  importantly,  you  must  learn  to  prepare  going  in  and  let  go  coming  out.  I  see  actors  every  day  doing  the  opposite:  Their  preparation  is  shoddy  so  they  bomb  the  audition  and  then  to  add  to  the  injury,  they  beat  themselves  up  and  take  rejection  personally.  Believe  me,  there’s  no  quicker  way  to  stifle  your  ambitions  of  being  a  working  actor.    And  so,  over  the  years  of  watching  people  struggle  mightily  (and  succeed  phenomenally)  in  the  audition  room,  I  have  put  together  this  list  of  little  helping  thoughts,  some  do’s  and  don’ts—we’ll  call  them  Flom’s  Secrets—to  giving  a  wonderfully  successful  musical  theatre  audition.    In  the  pages  that  follow,  I  will  walk  you  through  a  process  that  will  make  you  more  confident,  more  prepared,  and  more  impressive  in  the  room,  whether  you’re  auditioning  for  community  theatre,  a  college  program,  or  a  Broadway  show.  If  you  can  create  a  polished  audition  technique,  it  will  serve  you  in  any  venue.    Along  the  way,  we’ll  stop  to  discuss  some  tangential  thoughts  outside  of  the  25  Secrets.  The  “Since  We’ve  Stopped…”  sections  will  offer  you  some  deeper,  more  advanced  notions  to  set  you  apart  from  the  crowd  above  and  beyond  simple  preparation.  And  I’ll  also  make  sure  to  highlight  some  of  the  most  important  guidelines  in  the  “Jonathan’s  Rules”  side  boxes.    In  this  business,  there  is  no  guarantee  of  success.  No  program,  instructor,  book,  or  magic  wand  can  give  you  a  steady  career  in  the  theatre,  nor  can  they  make  you  win  at  every  audition.  It’s  an  ongoing  process  that  you’ll  have  to  continue  to  hone  with  practice,  but  if  you  follow  these  simple  guidelines,  I  can  assure  you  that  the  road  will  be  easier  and  that  you’ll  start  to  find  yourself  impressing  the  director  more  often  than  not  and  your  confidence  will  soar,  leading  to  even  better  experiences  and  higher  success  rates.  

Page 4: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

4  

 

   Believe  it  or  not,  there  is  an  art  to  reading  casting  notices  and  not    everyone  is  good  at  it.  Some  teachers  will  encourage  a  young  performer  to  go  in  for  every  audition  possible—even  if  that  actor  isn’t  right  for  any  role  in  the  show.  I  cannot  disagree  more  emphatically  with  this  notion.      When  a  director  or  a  producer  is  preparing  to  go  into  casting,  he  or  she  has  spent  a  great  deal  of  time  researching  and  pouring  over  the  script  (and  score)  to  arrive  at  a  vision  for  the  production.  When  the  casting  notice  is  published,  it  generally  contains  specific  details  about  what  exactly  that  director  is  looking  for  in  the  actors  who  audition.  If  you  ignore  the  specifications  and  take  up  an  audition  time  despite  being  completely  wrong  for  any  part  in  the  show,  it  is  perceived  as  wasting  the  production  team’s  time,  and  you  may  very  well  be  thought  of  as  unprofessional  or  downright  ignorant.  So  don’t  use  the  director’s  time  to  hone  your  craft.    It  is  your  job  to  know  what  is  being  cast.  If  it’s  a  show  that  is  already  published  or  has  been  produced,  you  are  expected  to  know  the  material.  Make  sure  you  either  read  the  script  and  listen  to  the  cast  recording,  see  a  production  (or  a  video  of  a  production—YouTube  is  your  friend!),  or  at  the  very  least,  read  reviews  and  summaries  of  the  piece  online.  With  the  Internet  at  our  fingertips,  it  is  absolutely  unacceptable  to  attend  an  audition  for  an  existing  show  and  not  know  the  show  going  in.  As  you  can  imagine,  this  is  a  lot  of  work,  especially  if  you  are  auditioning  for  3-­‐6  shows  per  week,  as  most  actors  in  New  York  do.  But  as  I  always  tell  my  students:  If  this  were  easy,  everyone  would  do  it!    In  the  event  that  you  are  auditioning  for  a  brand  new  show,  the  casting  notice  will  generally  give  a  summary  of  the  plot,  a  detailed  list  of  the  characters,  and  a  general  idea  of  the  style  of  the  piece.  Again,  do  as  much  research  as  you  can,  even  if  it  means  reading/listening  to  other  musicals  by  the  same  author  or  composer  to  get  an  idea  of  what  you  might  be  going  in  for.                  

1. Know  what  you’re  auditioning  for  and  where  you  fit  in  that  cast.  

 

Page 5: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

5  

 

     Once  you  have  taken  the  time  to  really  know  the  piece,  cast  yourself.  Don’t  be  modest  or  think  yourself  egotistical  to  assume  you  should  play  a  certain  role.  If  it’s  age-­‐appropriate  and  within  your  range  as  an  actor,  a  singer,  and  a  dancer,  and  if  you  fit  the  part  type-­‐wise  (more  about  type  later),  than  make  a  decision  to  go  for  it.  There  is  nothing  more  appealing  than  an  actor  who  knows  who  he  or  she  is  and  makes  specific  choices;  conversely,  there  is  nothing  more  bland  and  boring  than  being  general.  So  often  I  have  heard  actors  say  things  like:  “I  can  see  myself  playing  a  few  different  roles,  but  I’m  not  sure  how  they  see  me.  I’m  just  going  to  go  in  and  show  them  what  I  do,  and  I’ll  let  them  figure  out  where  to  put  me.”      Most  of  the  time  when  this  is  the  case,  as  a  director  I  tend  to  think:  “He  really  fell  through  the  cracks.  He’s  not  showing  me  a  strong  choice  for  any  particular  character.”  And  more  often  than  not,  the  actor  who  makes  generic,  safe  choices  does  not  get  called  back.    Once  you  cast  yourself,  it  is  then  your  task  to  find  audition  material  that  shows  the  director  clearly  where  you  fit  into  the  show.      

   Another  great  turn-­‐off  for  directors  is  when  actors  do  not  read  or  pay  attention  to  the  specific  audition  requirements.  For  example,  the  casting  call  may  specify  a  16-­‐  or  32-­‐bar  cutting  and  an  actor  may  come  in  and  sing  an  entire  song.  The  casting  call  may  say  to  sing  an  up-­‐tempo,  comedic  song,  and  an  actor  may  come  in  with  a  sappy  ballad.  An  audition  notice  may  request  that  performers  not  sing  a  certain  song,  and  there  is  always  at  least  one  actor  who  chooses  either  to  ignore  that  request  or  to  think:  “I  know  they  don’t  want  to  hear  that  song,  but  they’re  going  to  love  it  when  I  sing  it!”      No,  they’re  not.  

2. The  Casting  Notice  is  like  a  puzzle.  Read  it  for  all  its  clues.  

JONATHAN’S  RULES    

Make  sure  you  know  what  show  and  role  you  are  going  in  for.  It  is  your  job  to  do  research  on  the  

play  or  musical,  the  writing  team,  and  the  production  team.  

Page 6: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

6  

 Read  what  the  call  says  and  follow  the  rules.  There’s  no  harm  in  being  creative  and  risky,  but  there  is  no  sense  in  the  type  of  risk  that  flies  in  the  face  of  what  the  director  is  asking  to  see.  How  you  choose  your  material  based  on  the  casting  notice  says  a  lot  about  you  as  a  person.  If  you  can’t  follow  simple  instructions  such  as  “prepare  16  bars  of  a  standard  ballad  and  be  prepared  to  sing  the  entire  song  if  asked,”  than  how  will  the  director  know  that  you  will  follow  her  instructions  and  take  direction  during  the  process.      The  next  advice  I’m  going  to  offer  you  may  contradict  point  number  1  about  researching  the  show  you  are  going  in  for:  You  must  take  the  casting  breakdown  as  “The  Word.”  What  do  I  mean?    Let’s  say  that  you  are  looking  at  an  audition  notice  for  Oklahoma!  and  you  know  you’re  perfect  for  the  role  of  Will  Parker;  In  fact,  you’ve  played  the  role  twice  in  summer  stock.  However,  you  read  the  casting  breakdown  and  it  describes  Will  as  “A  short,  powerful,  gruff  young  woman.”  If  you’re  not  a  short  woman,  don’t  go  in  for  that  role.  I  know,  I  know,  Will  Parker  is  not  a  woman,  but  the  casting  notice  is  telling  you  what  this  particular  director  is  looking  for.    It  is  so  important  to  read  the  casting  call  in  great  detail  because  it  often  lays  out  information  about  the  director’s  concept  of  the  production,  which  may  be  very  non-­‐traditional.  Even  if  it  flies  in  the  face  of  everything  you  know  about  the  show,  just  give  the  director  what  she  wants  or  you  may  find  yourself  walking  away  empty-­‐handed.  A  director  may  decide  to  do  a  conceptual  revisionist  production  of  an  old  musical  and  set  it  in  a  different  style—for  example,  asking  for  punk  rock  selections  for  a  Threepenny  Opera  audition.  Just  be  sure  to  prepare  your  audition  based  on  whatever  specifications  are  provided.      

   Your  headshot  (usually  abbreviated  in  casting  notices  as  “pix”)  and  resume  are  your  calling  cards  in  the  business.  I  cannot  stress  the  importance  of  quality,  professional  photography  and  resume  design  enough—they  are  generally  the  first  statement  made  about  you  before  you  walk  into  the  room.  Often,  you  are  required  to  submit  a  headshot  and  resume  in  advance  in  order  to  even  be  granted  an  audition  appointment,  so  you  can  understand  why  this  is  so  imperative.    

3. Nothing  says  “professional”  like  a  dynamite  picture/resume  and  cover  letter.  

 

Page 7: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

7  

I  could  easily  spend  30  pages  detailing  the  ins  and  outs  of  obtaining  high  quality  headshots  and  designing  a  stunning  resume,  but  instead,  I’ll  simply  suggest  that  you  take  a  look  at  my  book  GET  THE  CALLBACK  for  some  nice  details,  templates,  and  examples.  For  now,  suffice  it  to  say  that  you  need  to  invest  some  money  in  professional  actor  shots—do  not  let  an  amateur  or  a  portrait  photographer  shoot  you,  since  they  do  not  know  what  actors  need  in  terms  of  a  photo.  It’s  not  about  how  pretty  or  handsome  you  look  in  a  posed  shot;  rather,  it  is  about  finding  a  shot  that  looks  like  you  and  states  your  brand  (see  “Since  We’ve  Stopped”  under  Secret  #9).      

SINCE  WE’VE  STOPPED…    

…Let’s  discuss  resumes.  For  an  actor’s  resume,  avoid  using  templates  from  Microsoft  Word  or  other  such  business  tools.  The  set-­‐ups  they  offer  are  for  the  business  world,  and  although  theatre  is  certainly  a  business,  the  theatrical  resume  is  very  different  than  the  standard  business  resume.  I  will  give  you  a  few  guidelines  here  to  get  you  started:    

*Have  your  name  in  large,  bold,  attractive  font  at  the  top.  *Include  contact  information  such  as  phone  number,  email,  and  website,  but          omit  your  home  address.  *Do  not  include  your  age,  date  of  birth,  or  “age  range”  on  the  resume.  *List  your  experience  in  a  neatly-­‐spaced  three-­‐column  format  with  columns        for  show,  role,  and  theatre  company  (or  venue).  You  do  not  need  a  fourth        column  for  every  director  you’ve  worked  with,  but  if  there  are  directors  or        choreographers  that  make  a  show  stand  out  on  your  list,  be  sure  to  include        that  director’s  name  underneath  the  show  title,  indented  and  italicized.      For  example:    Oklahoma       Curly       City  Theatre  Forever  Plaid       Sparky       Seaside  Rep     Dir.:  Joe  Shift  Take  the  “A”  Train     Ensemble     New  Musicals  Wkshp.    *Be  sure  to  list  your  training,  including  names  of  people  you’ve  studied        theatre  with.  *Be  creative  in  listing  your  Special  Skills  for  the  final  section  of  the  resume.        They  can  often  be  discussion  points  in  the  audition  room.  *Leave  all-­‐state  choruses,  talent  shows,  pageants,  honors  (unless  they  are        Tony,  Obie,  Drama  Desk,  Jefferson,  Hayes,  or  other  such  major  awards),  and        classroom  scenes  off  the  resume.    The  final  piece  of  the  puzzle,  if  you  are  asked  to  submit  a  picture  and  resume  in  advance  of  an  audition,  is  the  cover  letter.  Just  because  your  business  is  

Page 8: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

8  

acting  doesn’t  mean  all  the  rules  of  grammar  and  style  you  learned  in  high  school  are  useless!  On  the  contrary,  an  eloquent  cover  letter  can  be  a  wonderful  introduction  that  makes  a  director  really  want  to  meet  you.    When  crafting  a  cover  letter  it  is  important  to  be  brief  and  specific.  Address  the  letter  directly  to  the  director,  casting  director,  producer,  or  company  (if  you  don’t  have  a  person’s  name)  rather  than  a  generic  “To  Whom  it  may  Concern”  or  “Dear  Sir  or  Madam.”  Yuck!    Then  let  the  body  of  the  letter  detail  why  you  are  submitting  yourself  for  this  particular  production.  You  may  choose  to  direct  their  attention  to  something  on  your  resume  (“As  my  resume  indicates,  I  have  a  great  deal  of  experience  in  part  singing  and  tight  harmonies.”);  You  may  tell  them  which  role  you  are  interested  in  (“I  think  I  would  be  an  outstanding  candidate  for  the  role  of  Ado  Annie,  as  I  am  a  short,  spitfire  of  a  woman.”);  Or  you  may  drop  a  name  (“I  studied  with  Jonathan  Flom,  and  he  told  me  I  should  let  you  know  he’d  be  happy  to  provide  a  reference  for  me.”).  Whatever  you  do,  remember  to  be  concise  and  specific.  A  cover  letter  shouldn’t  be  more  than  a  few  sentences  that  will  get  their  attention  and  give  an  indication  of  your  personality  so  that  they  want  to  look  at  your  resume  and  picture.    

   Earlier  I  told  you  that  being  generic  is  the  death  of  an  audition.  To  that    end,  you  must  find  a  song  that  will  sell  you  specifically  in  a  role.  It  goes  back    to  that  idea  of  casting  yourself.  If  a  director  doesn’t  know  you  or  your  work  you  can  really  help  him  by  showing  him  where  you  belong  in  the  production    he  is  casting.        

     Some  might  tell  you  that  this  degree  of  specificity  will  rule  you  out  of  any    other  possible  casting  opportunities.  While  this  may  sometimes  be  true,  I    

4. Find  a  song  that  casts  you  in  the  role  you  want.  

 

JONATHAN’S  RULES    

Specificity  is  always  best  in  the  audition.    Cast  yourself  going  in,  and  don’t      be  general  in  your  acting  choices.    

We’d  rather  see  you  take  a  (smart)  risk  and  fail  than  be  safe  and  boring.  

Page 9: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

9  

would  argue  that  it’s  worth  the  risk.  For  one  thing,  you  let  the  director  know    exactly  how  you  see  your  particular  talent  being  useful  in  the  production  at    hand;  knowing  oneself  is  an  attractive  feature  in  an  actor.  And  for  another,    you  allow  the  director  to  see  exactly  what  he  will  get  from  you  should  he  cast    you  in  the  role  you  audition  for.  Not  to  mention  the  fact  that  you  have  to  give    the  director  some  credit  for  creativity—just  because  you  audition  for  Tony  doesn’t  mean  he  can’t  call  you  back  for  Riff.    Now,  there  are  several  ways  to  approach  finding  the  right  song  for  an    audition.  You  may  choose  to  sing  a  song  from  the  actual  show  being  cast.    However,  use  caution  when  deciding  to  sing  from  the  show—some  directors    prefer  that  you  do  not,  so  read  the  casting  notice  carefully.  The  second    approach  (which  I  feel  is  the  best  option)  is  to  figure  out  what  the  essence  of    the  character  is—What  type  of  personality  does  he  or  she  exhibit  in  the  show?  What  types  of  songs  does  he  or  she  sing?  What  are  some  of  the  specific    traits  of  that  character?—and  then  try  to  demonstrate  that  essence  in  your    audition.  In  other  words,  if  you  are  going  for  a  smooth-­‐talking,  suave    character  man,  then  find  a  song  that  sells  you  as  smooth-­‐talking  and  suave.    It’s  that  simple.      One  of  the  most  important  criteria  in  choosing  a  song,  however,  is  that  the    selection  must  demonstrate  your  ability  to  sing  in  the  style  of  the  musical.    Therefore,  if  you  are  going  in  for  a  legit,  classic  musical,  look  for  songs  in  the    Golden  Age  canon.  If  you  are  going  in  for  a  contemporary  pop/rock  musical,    be  sure  to  show  your  belt  and/or  pop  style.  One  way  to  generally  be  sure  that    you’re  in  the  right  genre  is  to  look  for  audition  material  from  other  shows  by    the  same  composer  for  whom  you  are  auditioning.    Finding  the  right  song  will  not  only  help  the  director  see  you  in  the  best  possible  light  for  how  he  might  cast  you,  but  it  will  also  demonstrate  your  professionalism,  your  preparation,  and  your  understanding  of  the  casting  needs.  

   

   Okay,  so  I  know  I  just  spent  a  lot  of  time  telling  you  to  tailor  the  song  choice  specifically  to  the  role  you  wish  to  play.  Occasionally,  you  can  do  this  while  thinking  outside  of  the  box  for  material.  In  fact,  sometimes  creativity  and  

5. Nobody  gets  the  role  by  playing  it  safe!  Take  a  risk  on  song  choice.  

 

Page 10: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

10  

boldness  can  earn  you  a  callback  even  if  you  don’t  make  a  particular  statement  for  how  you  should  be  cast.    I  know  of  a  man  in  New  York  City  who  is  over  six  feet  tall,  and  has  to  be  at  least  200  pounds.  He  is  masculine  and  charming  and  always  gets  cast  as  the  manly  man  in  Broadway  companies.  His  go-­‐to  audition  song:  “I  Feel  Pretty.”  Another  friend  of  mine  wanted  to  be  remembered  for  his  creativity,  so  he  created  an  arrangement  of  the  theme  song  from  the  80’s  cartoon  The  Gummy  Bears.  It  sounds  silly,  but  it  always  gets  a  laugh  and  it  really  shows  off  his  range  incredibly  well.    Risk  taking  is  just  what  it  sounds  like—it’s  risky.  It  can  have  a  huge  payoff,  or  it  can  sink  like  a  lead  balloon.  But  my  feeling  is  always  nothing  ventured,  nothing  gained.  Even  if  you  aren’t  right  for  the  production  they  are  casting,  the  fact  that  they  will  remember  you  is  a  solid  consolation.  As  a  director,  I  often  reward  that  kind  of  risk  with  a  callback  just  because  I  want  to  see  what  else  the  actor  can  do  with  the  right  material.  A  large  part  of  the  actor’s  job  is  to  be  compelling,  and  what’s  more  compelling  than  taking  a  risk?    Just  be  sure  to  observe  the  line  between  clever  and  tasteless.  Don’t  choose  offensive  material  which  may  turn  the  artistic  staff  off  to  you  and  don’t  be  crazy  just  to  be  crazy.  Remember,  this  is  still  an  audition  of  your  talent,  so  while  savvy  may  be  rewarded,  stupid  very  rarely  is.    One  area  of  auditions  for  which  outside-­‐of-­‐the-­‐box  thinking  usually  pays  off  is  when  the  casting  call  asks  for  a  comedy  song.  There’s  almost  nothing  harder  than  finding  good  comedy  songs  that  are  actually  funny  in  the  audition  room.  There  are  probably  about  five  of  them  that  work  and  they’ve  all  been  done  ad  nauseum.  However,  there’s  no  rule  against  making  a  non-­‐comedic  song  comedic.  I  do  an  acting  exercise  with  my  students  called  the  “Wrong  Choice”  exercise,  in  which  they  must  sing  a  song  making  extremely  bold,  extremely  wrong  choices.  They  don’t  sing  the  song  badly  or  incorrectly  in  terms  of  notes,  but  they  are  required  to  give  it  a  wildly  different  context,  and  the  results  are  almost  always  hysterical.    The  students  are  always  surprised  when  I  encourage  them  to  bring  those  wrong  choices  into  the  audition  room  with  them  as  part  of  their  repertoire.  But  again,  in  the  right  circumstance,  you  can  really  make  a  bold  statement  and  walk  out  having  them  remember  you.                

Page 11: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

11  

SINCE  WE’VE  STOPPED…    

…Let’s  discuss  the  repertoire  book.  After  all  the  talk  about  finding  the  right  song  for  the  audition,  I  want  to  stop  and  encourage  you  to  really  develop  a  well-­‐rounded  repertoire  book.  This  way,  you’ll  have  an  arsenal  of  songs  that  you  can  go  to  at  any  time,  for  a  wide  range  of  different  occasions.  It  is  never  to  an  actor’s  advantage  to  seek  out  new  material  on  short  notice  specifically  for  an  audition—you  are  almost  guaranteed  to  fail  or  at  least  to  give  a  weak  audition  if  you  don’t  know  the  material  intimately.  

 Every  musical  theatre  performer  should  have  a  book  of  music  that  comprises  a  wide  variety  of  genres  and  styles  across  most  or  all  decades  of  musical  theatre  material.  Thus,  you  should  have  a  mix  of  ballads  and  up-­‐tempo  songs,  driving  dramatic  as  well  as  light  comedic  pieces.  And  you  should  be  sure  to  have  representation  from  the  Jazz-­‐  or  Pre-­‐Golden  Age  (Cole  Porter,  Gershwin,  Harold  Arlen);  the  Golden  Age  (Rodgers  and  Hammerstein,  Lerner  and  Lowe,  Styne);  the  60s-­‐80s  (Kander  and  Ebb,  Schwartz,  Jones  and  Schmidt);  contemporary  legit  (Ahrens  and  Flaherty,  Schonberg  and  Boublil);  pop/rock  musical  (Larsen,  O’Keefe,  Kotis);  and  finally,  actual  pop/rock  songs  (50’s  rock,  classic  rock,  80’s/90’s  power  ballads,  country,  R  &  B).  My  book  offers  lists  of  possible  repertoire  for  all  types  of  singers,  so  feel  free  to  reference  it  for  more  specific  detailed  song  suggestions.  

 But  the  key  to  the  repertoire  book  is  that  you  must  know  every  song  in  it  like  the  back  of  your  hand.  Anything  you  bring  into  the  audition  room  is  fair  game—you  may  choose  to  sing  one  song  and  afterwards  the  director  may  ask  to  hear  something  else.  She  may  ask  the  accompanist  what  else  you  have  in  your  book,  in  which  case  you  better  know  all  those  songs  perfectly  or  you’ll  be  quite  embarrassed.  Believe  me,  this  happens  all  the  time.  So  when  you’re  learning  new  songs,  don’t  bring  them  into  the  audition  room  with  you.  Only  come  in  with  songs  you  know  at  performance  level,  which  won’t  make  you  nervous  to  sing  in  the  room.  

   

   One  of  the  biggest,  most  common  mistakes  that  performers  make  in  musical  theatre  auditions  is  not  having  their  actual  sheet  music  prepared  in  a  way  that  makes  it  easy  for  the  pianist  to  read  and  handle.  Rather  than  tell  you  all  of  the  idiotic  things  I’ve  seen  people  do  with  their  “repertoire,”  I’ll  simply  cut  to  the  chase  and  tell  you  what  you  should  do.    

6. Make  reading  your  sheet  music  idiot-­‐proof.  

 

Page 12: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

12  

1. Photocopy  or  print  the  music  off  on  individual  sheets  of  paper.  Even  if  you  own  the  book  of  vocal  selections,  do  not  bring  in  a  bound,  published  book  to  the  audition—they  don’t  stay  open  on  the  piano  and  they’re  harder  to  page  through.  

2. Mark  the  music  thoroughly  for  the  following:  a. Start  point  and  end  point.  b. Any  cuts  or  jumps  that  you  intend  to  do.  c. Any  oddities  in  the  music,  such  as  key  changes,  drastic  meter  changes,  

or  dynamic  changes  that  are  important.  d. Any  lyric  changes  that  you  plan  to  perform.  e. Anything  else  that  might  catch  the  accompanist  off-­‐guard  and  ruin  the  

perfect  flow  of  your  audition.  3. Be  sure  that  if  you’re  using  a  song  cutting  that  starts  anywhere  beyond  the  

first  page  to  write  the  title  of  the  song  on  the  top  of  the  new  start  page.  4. Once  the  music  is  marked  clearly  and  cleanly,  place  the  pages  back-­‐to-­‐back  in  

NON-­‐GLARE  plastic  sheets,  ordering  them  in  a  way  that  requires  the  fewest  number  of  page  turns  or  facilitates  the  elimination  of  page  turns  in  difficult  places.  

5. Place  the  sheets  into  a  three-­‐ring  binder,  where  you  will  keep  your  entire  active  repertoire.  It  is  best  to  keep  the  song  you  plan  to  begin  with  in  front  so  it’s  easy  just  to  open  up  and  dive  in.  If  you  are  asked  to  sing  two  songs,  put  them  both  in  front  in  the  order  in  which  you  plan  to  sing  them.  

6. Keep  an  updated  table  of  contents  in  the  front  of  your  binder  so  that  it’s  easy  for  you  or  the  pianist  to  see  what  else  you  have  in  your  book  should  the  director  request  a  second  selection,  and  so  it’s  easy  to  find  the  song  within  the  book.    

   

SINCE  WE’VE  STOPPED…    

…Let’s  look  at  a  sample  table  of  contents.    

Jonathan  Flom’s  Repertoire  Book    

1. “Tonight  at  Eight”     She  Loves  Me     Bock  and  Harnick  2. “Lucky  to  Be  Me”       On  the  Town     Comden,  Green,  Styne  3. “All  Aboard  for  B’way”     George  M.     Cohan  4. “Brother,  Can  You…Dime”   Americana     Harburg  5. “Buddy’s  Blues”       Follies       Sondheim  6. “Crazy  Little  Thing  Called  Love”         Queen  7. “Grow  for  Me”       Little  Shop…     Menken  8. “Larger  Than  Life”     My  Favorite  Year   Ahrens  and  Flaherty  9. “What  am  I  Doin’?”     Closer  Than  Ever   Maltby  and  Shire  10. “Where  Do  I  Go?”       Hair       McDermott,  Rado,  Ragni  

Page 13: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

13  

 Notice  that  I  put  my  two  “go-­‐to”  songs  first,  and  then  I  followed  them  with  everything  else  in  alphabetical  order.  You  might  also  choose  to  sort  by  decade,  by  genre,  or  by  up-­‐tempos/ballads.  There’s  no  right  or  wrong  way  to  organize  your  repertoire  book,  as  long  as  it  is  organized.    Notice  also  that  I  listed  show  titles  and  composers.  This  is  a  cheat-­‐sheet  for  me  but  it  also  helps  the  pianist  or  the  musical  director  who  might  browse  your  selections  as  well.  

   One  other  tip  for  the  audition  repertoire  book  that  I  will  offer  you  is  to  have  the  entire  song  for  each  selection  in  your  book  with  you  at  every  audition.  Even  if  the  casting  notice  calls  for  only  16  or  32  bars,  you  must  know  the  whole  song  and  you  must  be  ready  to  sing  it  (or  at  least  another  part  of  it)  should  the  director  ask.  It’s  so  humiliating  to  learn  only  the  necessary  cut  length  of  an  audition  piece  and  have  someone  on  the  artistic  staff  ask  you  to  sing  a  portion  of  the  song  that  you  haven’t  learned.      

         Finally,  be  smart  with  cuttings.  When  they  tell  you  to  sing  a  16-­‐bar  cut,  they  don’t  literally  mean  16  bars.  It’s  painfully  comical  when  an  actor  stops  mid-­‐phrase  of  a  lyric  and  tells  me  it’s  because  he  reached  the  16-­‐bar  limit.  The  measure  count  is  an  approximation.  When  they  say  16  bars,  they  want  half  a  chorus  and  when  they  say  32  bars,  they  want  an  entire  chorus.  Basically,  they  just  want  you  to  keep  it  short  and  simple.  But  you  must  demonstrate  an  understanding  of  lyrical  context  as  well  as  an  ability  to  show  your  range  in  the  minimal  amount  of  time  allotted.  You  can  also  generally  get  away  with  doubling  the  number  of  measures  in  brisk  up-­‐tempo  and  patter  songs.      

JONATHAN’S  RULES    

Always  learn  the  entire  song  for  everything  in  your  repertoire  book.  Just  because  an  audition  calls  for  a  16-­‐bar  cutting  does  not  mean  that  you  

should  only  know  16  bars  of  the  song.  

Page 14: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

14  

   This  is  the  single  most  important  advice  I  can  give  you.  It  covers  every  one  of  the  25  points  I  make  in  this  guide,  but  it  goes  without  saying,  the  more  you  prepare,  the  sharper  you  will  be  in  that  audition  room.    Every  actor  gets  nervous,  especially  in  audition  situations.  If  you  are  reading  this  now,  I’m  certain  you  have  experienced  major  audition  anxiety.  The  best  remedy  for  audition  stress  is  preparation.  Preparation  includes  the  research  you  do  prior  to  selecting  your  material.  It  includes  knowing  the  song  by  rote,  backwards,  in  your  sleep.  It  includes  knowing  exactly  what  you  need  to  say  to  the  accompanist  when  you  present  him  with  your  music  (see  Secret  #16).  And  it  includes  knowing  who  is  in  the  room  and  who  you  are.    I  assure  you  that  if  you  really  nail  down  the  preparation  and  have  all  of  your  bases  covered  going  into  the  audition,  you  will  see  your  nerves  play  less  of  a  detrimental  role  in  the  experience  and  you  will  walk  out  feeling  like  you  really  nailed  it  95%  of  the  time  (we  all  have  bad  days,  even  when  we’re  totally  prepared).  Preparation  will  give  you  confidence.  Knowing  your  material  confidently  will  keep  you  from  spacing  out  as  you  search  for  lyrics.  It  will  keep  you  from  forgetting  to  tell  the  pianist  the  tempo  that  you  like  to  take  the  song.  In  general,  it  will  keep  you  from  looking  like  you  don’t  know  what  you’re  doing.    I  don’t  know  how  else  to  say  this  other  than  asking  you  this  one  question:  How  would  you  feel  if  I  gave  you  a  script  for  a  three-­‐act  play?  I  told  you  what  role  you  would  be  playing,  and  I  told  you  that  we  would  open  in  two  weeks.  In  our  two  weeks  of  rehearsal,  we  rehearsed  act  two  and  act  three,  but  never  act  one.  Then  I  told  you  that  you  had  to  open  the  show  having  never  rehearsed  the  first  act  of  the  play.  Sounds  absurd,  right?  Well,  your  audition  is  your  own  mini-­‐play  and  you  have  to  rehearse  it  all.  Being  unprepared  with  your  material  in  an  audition  is  no  different  than  going  on  stage  for  a  performance  without  having  rehearsed  part  of  the  show.    Again,  prepare,  prepare,  prepare.  And  when  you  don’t  have  a  specific  audition  coming  up,  use  the  time  to  prepare  for  auditions  that  may  pop  up  on  short  notice.      

7. Prepare!  Prepare!  Prepare!    

Page 15: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

15  

   You  may  think  that  a  musical  theatre  audition  is  all  about  showing  them  how  good  your  voice  is.  While  the  singing  is  certainly  a  large  part  of  the  requisite  talent  needed  to  make  a  musical  audition  successful,  it  is  not  the  most  important  aspect:  Acting  is.    Rather  than  having  the  oft-­‐lamented  stigma  of  a  character  who  randomly  (and  annoyingly)  breaks  into  song,  you  can  elevate  your  audition  to  another  level  by  showing  a  depth  of  acting  work  that  allows  us  to  suspend  our  disbelief  and  witness  you  actually  experiencing  a  moment  truthfully  with  an  imaginary  scene  partner.  We  need  to  feel  that  you  are  not  actually  singing  (because  most  people  don’t  sing  in  “real  life”  when  they  are  dealing  with  other  people,  trying  to  get  what  they  want),  but  rather  that  you  are  speaking  with  such  passion  and  urgency  of  need  that  the  emotion  requires  you  to  express  yourself  in  the  form  of  song.    Here  is  my  simple  method  for  achieving  great  acting  in  a  musical  audition:  First,  treat  the  lyrics  as  a  monologue.  Take  them  out  of  rhythm  and  write  them  out  as  a  paragraph.  Then  work  the  piece  as  dialogue  with  no  singing  or  musical  intoning.  Analyze  the  piece  to  determine  who  your  character  is  and  to  whom  she  is  speaking  (be  specific—including  your  detailed  relationship  to  the  imaginary  partner).  Next  decide  what  it  is  you  want  your  scene  partner  to  do.  In  other  words,  “I  am  speaking  these  words  because  I  need  her  to  comfort  me  by  telling  me  everything  will  be  alright.”  Then,  just  like  you  learned  in  acting  class,  you  continue  to  speak  in  pursuit  of  that  need,  employing  different  tactics  until  you  get  what  you  want  from  your  partner  or  you  decide  to  change  your  objective.    Many  students  get  muddled  up  in  actual  versus  creative  context.  It  is  usually  okay  to  make  choices  out  of  the  context  of  the  original  source  material,  as  long  as  you  have  studied  the  original  and  are  making  a  choice  for  a  specific  reason.  For  instance,  in  How  to  Succeed  in  Business  Without  Really  Trying,  the  lead  character  sings  the  song  “I  Believe  in  You”  to  himself  in  the  mirror.  You  may  just  as  well  decide  to  sing  that  song  to  your  best  friend  who  is  feeling  down  and  it  could  be  an  equally  strong  choice.  As  long  as  you  are  making  strong,  clear  choices,  it  is  usually  okay  to  alter  the  actual  context.  Honestly,  most  directors  won’t  care  what  your  context  is  as  long  as  they  can  see  you  have  clearly  chosen  one  and  it  is  appropriate  to  the  particular  audition  at  hand.    

8. Safe  choices  are  boring  choices.    

Page 16: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

16  

Once  you’ve  broken  down  the  lyrics  and  worked  the  piece  as  spoken  dialogue,  you  should  listen  to  the  accompaniment  and  look  for  clues  in  the  music  to  indicate  how  your  character  is  feeling  at  certain  points  in  the  song.  For  instance,  if  the  music  is  short  and  staccato,  you  must  allow  that  to  inform  a  certain  anxiety  or  eagerness  within  your  character.  Do  not  deny  the  accompaniment—for  in  good  musical  theatre  writing,  the  accompaniment  is  said  to  come  from  within  the  character’s  gut,  not  from  outside  on  the  piano.    Finally,  learn  the  music  perfectly  as  it  is  written  on  the  page  (not  as  it  is  heard  on  the  original  cast  recording!!!).  Most  of  the  time,  you’ll  find  that  your  smart  acting  choices  will  be  enhanced  by  the  musical  composition—strong  emotional  peaks  will  be  associated  with  high  and/or  long  notes,  etc.  Only  when  you  have  a  full  understanding  of  the  text  of  a  musical  selection  can  you  be  free  to  take  selective  liberties  with  the  music  in  order  to  be  expressive.          

     The  only  instance  in  which  you  are  allowed  to  discard  strong,  specific  acting  choices  is  if  you  are  singing  actual  pop  music  that  does  not  come  from  a  theatrical  context.  With  pop  in  an  audition,  it  is  still  important  to  know  who  you  are  singing  to  and  what  you  want,  but  rather  than  creating  moment-­‐to-­‐moment  acting  (which  looks  pretty  silly,  as  you  might  imagine),  you  should  simply  figure  out  the  over-­‐all  mood  of  the  song  and  then  just  rock  out  and  go  for  style  points.      

   I’m  not  sure  why  this  is  so  often  the  case  in  musical  theatre,  particularly  with  women,  but  there  tends  to  be  a  stigma  attached  to  musical  performers  that  they  do  not  dress  appropriately  for  auditions.  Musical  theatre  girls  tend  to  

9. Cowgirls  wear  boots;  Lawyers  wear  ties!  

 

JONATHAN’S  RULES    

Don’t  learn  a  song  from  the  original  cast  recording;  Then  you  are  learning  someone  else’s  interpretation  of  that  piece.  Rather,  learn  the  song  by  reading  it  from  the  page  as  written  by  the  

composer.  

Page 17: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

17  

be…  less  than  modest,  shall  we  say?  Short  skirts  and  low-­‐cut  tops  displaying  too  much  skin  and  inhibiting  movement  are  more  restrictive  than  they  are  helpful.  Conversely,  for  men,  overdressing  (suits,  vests,  ties,  jackets)  is  often  the  default.    You  need  to  suit  the  clothing  to  the  audition.  Essentially,  costume  yourself.  While  it’s  nice  to  have  one  or  two  go-­‐to  audition  outfits  that  you  look  terrific  and  feel  fantastic  and  free  in,  you  must  also  consider  what  role  it  is  that  you  wish  to  be  seen  for  and  ask  yourself  if  the  clothing  you  have  chosen  will  help  the  director  see  you  in  that  role.  I  will  offer  two  examples:  If  you  are  going  in  for  American  Idiot,  a  contemporary  rock  musical  featuring  the  music  of  Green  Day,  it  is  not  only  appropriate  but  it  is  actually  essential  to  dress  casually—jeans,  flannel,  tee  shirts,  sneakers,  which  seem  wildly  wrong  and  informal  for  an  audition  are  expected  in  rock  auditions.  If,  on  the  other  hand,  the  audition  is  for  My  Fair  Lady,  the  expected  attire  would  be  much  more  formal  and  conservative.  This  never  means  ladies  in  cocktail  dresses  and  men  in  full  suits  or  tuxes,  but  it  certainly  means  dresses,  blouses,  slacks,  button-­‐up  shirts,  and  dress  shoes/heels.        

     The  clothing  you  wear  should  help  us  see  you  in  your  best  light,  representing  who  you  are  as  a  person  as  well  as  how  we  could  use  you  in  the  particular  show  we  are  casting.  It  must  also  allow  you  a  full  range  of  movement,  should  the  director  ask  you  to  make  an  adjustment  that  requires  walking  or  going  to  the  floor.  You  must  be  certain  that  you  can  walk  comfortably  in  your  shoes  (without  an  abundance  of  “clop  clop”  sounds  that  come  from  many  sandals  or  heels)  and  that  you  can  bend,  kneel,  or  sit  without  popping  out  of  your  dress.    One  other  wonderful  piece  of  advice  that  my  mentor,  Cary  Libkin,  Head  of  Musical  Theatre  at  Penn  State,  always  offered  to  women  in  auditions  is  to  wear  underwear  that  makes  you  feel  incredibly  sexy.  Even  though  we  (hopefully)  won’t  see  it,  it  will  empower  you  and  charge  you  with  confidence.  You  can  be  modest  on  the  outside  and  seductively  sexual  up  against  your  skin.      

JONATHAN’S  RULES    

Get  your  hair  back  out  of  your  face!  The  eyes  are  the  windows  to  the  soul,  and  we  need  to  see  

them—boys  and  girls.  Too  often  the  face  and  eyes  are  obscured  by  bangs  

and  long  locks.  Don’t  let  this  be  you.  

Page 18: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

18  

SINCE  WE’VE  STOPPED…    

…Let’s  talk  about  branding!  One  of  the  most  powerful  and  sadly  under-­‐recognized  tools  an  actor  has  at  her  disposal  is  the  power  of  branding.  You  know  what  branding  is:  It  is  a  tool  used  by  businesses,  usually  visual,  to  create  recognition  with  a  product,  such  as  McDonalds’  Golden  Arches  or  Nike’s  Swoosh  logo.  Well  guess  what,  as  an  actor,  you  are  a  business  and  it  is  to  your  advantage  to  create  a  brand  for  yourself  so  that  you  will  be  remembered  just  like  a  product  would.    Actors  often  place  this  power  in  the  hands  of  directors,  asking  the  age-­‐old  question:  What  is  my  type?  But  while  directors  may  type  you  in  or  out  for  a  role  or  a  project,  you  can  control  your  fate  by  broadcasting  your  brand  clearly  and  specifically.  Branding  is  easily  the  subject  of  an  entire  series  of  books,  but  I  will  offer  you  some  tips  for  actor  branding.  

 1.    Figure  out  what  your  bread  and  butter  is.  I  know  you’ve  trained  as  a  versatile  actor  who  is  willing  and  able  to  tackle  a  wide  variety  of  roles  and  archetypes,  but  how  are  people  naturally  going  to  see  you  (or  rather,  how  do  you  realistically  want  them  to  see  you)?  Are  you  the  sweet,  innocent  girl  or  boy  next  door?  Are  you  the  loveable  clown?  Are  you  the  seductive  vamp?  Are  you  the  heroic  masculine  savior?  Spend  some  time  thinking  about  these  qualities.  Come  up  with  adjectives  that  you  and  others  who  know  you  would  use  to  describe  you,  and  then  figure  out  what  it  is  you  are  trying  to  sell.    2.    Once  you  whittle  that  down  to  something  specific  and  concise,  it  is  up  to  you  to  package  your  essence  as  consistently  as  possible.  This  means  you  need  headshots  that  scream  your  brand.  I  should  be  able  to  know  what  you’re  selling  just  by  looking  at  your  picture  and  resume,  so  also  make  sure  that  the  resume  represents  you  the  way  you  want  to  be  marketed.      3.    Then  choose  clothing  that  stays  “on  message.”  If  you  are  selling  yourself  as  the  suave,  sophisticated  playboy,  then  it  is  certainly  appropriate  to  audition  in  slacks,  a  vest,  and  a  tie.      4.    And  finally,  let  your  repertoire  represent  your  brand  as  well.  This  does  not  mean  that  every  piece  you  do  should  be  the  same  style  and  the  same  character  type,  but  it  should  mean  that  your  strongest,  go-­‐to  material  should  default  to  your  specific  brand  statement.    You  will  find  that  when  you  are  specific  and  consistent  with  a  brand,  the  industry  will  start  to  recognize  and  remember  you.  You  may  very  well  start  out  pigeonholing  yourself  into  certain  types  of  roles,  but  at  least  you’ll  be  working.  Then  you’ll  demonstrate  your  talent  and  range  and  be  able  to  expand  outside  your  box  once  directors  see  how  great  you  are  in  process.  

Page 19: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

19  

 

   Here  I  go  with  preparation  again.  Are  you  starting  to  understand  how  important  it  is  to  the  entire  process?  Good.    Well  now  I  want  you  to  prepare  more  than  just  the  audition  performance,  the  music  book,  the  headshot/resume,  and  the  attire.  I  want  you  to  prepare  with  the  packing  too!  You  never  know  what  might  happen  at  a  musical  theatre  audition.  They  may  ask  you  to  stay  and  dance.  They  may  ask  you  to  learn  a  new  song  in  a  short  time.  They  may  ask  you  to  come  back  in  and  sing  again  in  a  little  while.  They  may  ask  you  to  work  with  a  scene  partner.  You  just  never  know.    So  it  is  best  to  be  prepared  for  anything  that  might  come  up  in  these  auditions.  First  of  all,  bring  dance  clothing.  You  should  have  dance  attire  that  shows  the  line  of  your  body,  in  which  you  can  move  comfortably,  even  if  you  don’t  consider  yourself  a  “dancer  dancer.”  Women  should  have  both  character  heels  and  jazz  or  ballet  flats  to  dance  in,  and  if  you’re  going  in  for  a  show  that  traditionally  involves  tap,  it  sure  wouldn’t  hurt  to  have  tap  shoes  with  you.    Although  in  a  perfect  world,  everyone  moves  in  a  timely,  prompt  fashion,  the  theatre  is  anything  but  perfect.  You  may  be  in  for  a  long  wait,  especially  if  you  are  attending  an  open  call  for  which  you  have  no  appointment  time.  Therefore,  it’s  best  to  pack  water  and  a  nutritious  snack  so  you  don’t  become  dry  or  lose  your  energy.    I  generally  like  to  bring  a  book  or  a  crossword  puzzle  to  auditions  to  keep  my  mind  occupied  during  long  waits,  so  add  something  like  that  to  your  bag  of  goodies.    In  cities  like  New  York,  Chicago,  and  Los  Angeles,  you  never  know  what  audition  opportunities  might  pop  up  at  the  studio  space  where  your  intended  audition  is  being  held,  so  always  make  sure  you  have  a  variety  of  repertoire  (not  just  the  two  songs  you  planned  to  sing)  as  well  as  plenty  of  extra  copies  of  your  headshot  and  resume.    Finally,  I  suggest  that  a  musical  theatre  actor  always  carry  around  a  tape  recorder  or  digital  recording  device.  This  way,  if  you  should  be  given  a  piece  

10. Need  it?  Pack  it.  Have  it!    

Page 20: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

20  

of  music  to  learn,  you  can  get  a  pianist  to  record  the  tune  and  you  can  listen  to  it  on  your  own  to  commit  it  to  memory.      

     I  just  told  you  that  theatre  auditions  rarely  run  on  or  ahead  of  schedule,  but  you  do  not  get  to  be  the  reason  they  are  running  behind.  Lateness  is  the  cardinal  sin  for  an  actor.  You  must  not,  under  any  circumstance  offer  any  excuse  for  showing  up  late  for  an  audition  appointment.      Listen,  trains  get  delayed,  traffic  happens,  and  weather  can  really  slow  things  down  as  well.  To  that  end,  you  must  always  know  how  long  it  takes  to  get  where  you’re  going  and  leave  yourself  enough  time  to  get  there  at  least  10-­‐15  minutes  early  even  in  the  event  of  an  unforeseen  delay.  It’s  much  better  for  you  to  get  to  the  audition  space  and  have  to  kill  an  hour  than  for  you  to  run  in  at  or  after  your  scheduled  time.      

     Occasionally  they  will  actually,  miraculously  be  running  ahead  of  schedule.  This  is  why  you  should  warm  up  before  you  get  to  the  location,  so  that  you  are  ready  to  set  your  stuff  down  and  walk  right  into  that  audition  room  and  wow  them.  There  is  no  excuse  for  not  being  sufficiently  prepared  to  hit  your  high  notes  or  move  with  ease.  It  is  expected  that  you  will  walk  in  the  room  relaxed  and  ready  for  whatever  the  audition  calls  for.      

 11.  Be  like  a  thoroughbred…ready  to  

run.    

JONATHAN’S  RULES    

Never  be  late  or  even  on  time  to  auditions.    Get  into  the  habit  of  being  early  instead.  There’s  

an  old  adage  in  theatre  that  goes:  If  you’re  on  time,  you’re  late;  If  you’re  15  minutes  

early,  you’re  on  time.  

Page 21: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

21  

   This  is  one  of  those  deep  “insider  tips”  that  I  can  offer  that  will  give  you  an  edge  over  the  otherwise  sufficiently  prepared  performer.  Be  sure  to  ask  the  monitor  outside  of  the  audition  room  who  will  be  in  the  audition  (including  the  accompanist).  If  the  monitor  can’t  help  you—or  if  there  is  no  monitor—look  for  a  flyer  on  the  door  that  might  list  the  names  of  the  artistic  staff  involved.  If  you  know  who  is  in  the  room,  you  don’t  have  to  spend  your  first  moment  taking  them  in  and  assessing  how  many  people  are  behind  the  table,  who  they  are,  which  one  is  the  director,  etc.  You  may  even  recognize  the  names,  especially  if  you  attend  auditions  frequently,  in  which  case  you  will  see  the  same  people  over  and  over.  Knowing  who  is  in  the  room  before  you  enter  may  even  play  into  your  choices  of  material—if  you  know  you’ve  auditioned  successfully  for  a  director  with  a  certain  song,  you  may  decide  to  pull  it  out  if  you  know  that  he  is  behind  the  table.  You  may  also  know  that  someone  in  the  room  has  particular  pet  peeves  or  preferences  from  auditioners.  Better  to  go  into  the  room  armed  and  prepared  with  this  information  rather  than  being  surprised  when  the  door  opens.    A  bit  later  we  will  discuss  how  you  can  use  the  knowledge  of  who  is  in  the  room,  including  the  pianist’s  name,  but  for  now  just  trust  me:  Find  out  who  is  in  there  and  remember  it.      

   You  may  be  shocked  to  learn  that  actors,  particularly  musical  theatre  actors  are  often  deeply  insecure.  I  know,  you  could  never  have  guessed  it,  but  it  is  true.  Unfortunately,  many  of  those  actors  deal  with  their  insecurities  by  trying  to  shake  up  the  competition.  At  any  audition  in  New  York,  you  will  find  the  actor  who  makes  a  display  of  him  or  herself  by  warming  up  grandly  in  the  holding  area,  particularly  showing  off  extreme  high  or  low  notes.  You  will  also  find  the  actor  who  bombs  his  or  her  audition  and  promptly  returns  to  the  holding  room  proclaiming  how  rude  the  director  is  or  how  bad  the  accompanist  was.  Finally,  there’s  the  actor  who  wants  to  “help”  everyone  waiting  to  audition  by  telling  them  what  the  director  is  looking  for.  

 12.  Make  sure  there  are  no  strangers  in  

the  audition  room.    

13.  The  quickest  way  to  get  psyched  out  is  to  listen  to  what  the  other  actors  are  saying.  

 

Page 22: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

22  

 The  best  thing  you  can  do  is  to  ignore  all  of  these  people.  If  you  have  done  your  full  preparation  (see  Secrets  1-­‐12!)  then  nothing  should  shake  your  confidence  or  rattle  your  senses.  You  know  who  you  are  and  what  you’re  selling  and  you’ve  made  specific  choices  that  market  you  as  such,  so  who  cares  what  those  other  frightened,  less-­‐polished  people  are  saying  or  doing?    The  best  thing  you  can  do  while  waiting  to  audition  is  to  immerse  yourself  in  a  book  or  listen  to  music  on  your  headphones  while  you  relax  and/or  focus  on  the  choices  you  have  prepared  to  make  in  the  room.  Allow  yourself  to  tune  out  all  the  ambient  noise  of  what  other  people  are  singing  or  how  they  are  feeling  coming  out  of  their  auditions.  This  is  really  hard  to  do,  especially  when  you  are  young  and  new  to  the  scene,  but  trust  me,  these  people  are  preying  on  your  vulnerability  and  you  mustn’t  let  them  distract  you.    Don’t  get  thrown  by  what  you  hear  other  people  singing  in  the  audition  room.  If  the  last  two  people  before  you  have  sung  your  song,  don’t  freak  out  and  pick  a  new  song  last-­‐minute  (although,  with  your  rep  book  as  solid  as  I  know  it  will  be,  you  should  be  able  to  spot-­‐switch  your  audition  material  and  be  just  as  stellar).  No  two  people  perform  a  song  exactly  the  same,  so  just  go  in  there  with  confidence  and  give  it  your  own  personal  touch,  and  you’ll  be  successful.    On  the  flip  side  of  the  coin,  don’t  ever  allow  yourself  to  be  the  aforementioned  distraction  for  your  fellow  actors.  When  you  wait  in  the  holding  room,  be  polite  and  friendly  (connections  and  relationships  are  everything  in  this  business),  but  avoid  being  ostentatious  and  stay  focused  on  the  task  at  hand.  When  you  come  out  of  your  audition,  people  may  ask  you  how  it  went  or  what  the  vibe  in  the  room  was.  I  suggest  you  simply  be  cordial  (“I  thought  it  went  well.  Break  a  leg  in  there.”)  and  avoid  a  detailed  analysis  of  your  audition.  In  general,  you  want  to  extend  to  others  the  same  courtesy  of  focus  time  that  you  would  want  extended  to  you.  Don’t  be  a  snob,  but  don’t  try  to  “help”  your  fellow  actors  either.  

       

   Earlier,  I  mentioned  that  you  might  be  asked  to  sing  a  different  selection  than  the  one  you  prepared.  Perhaps  what  you  chose  does  not  show  them  what  they  were  hoping  to  hear  from  you.  Maybe  they  want  to  see  another  

14.  The  water  bottle  –  your  secret  weapon.  

 

Page 23: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

23  

dimension  of  your  abilities.  Therefore,  it’s  important  to  bring  your  entire  book  into  the  room,  rather  than  just  the  one  selection  you  chose  to  sing  for  them.  Also,  you  should  keep  extra  copies  of  your  headshot  and  resume  in  the  front  or  back  pocket  of  your  book,  so  if  they  should  ask  for  another  picture  you  are  prepared  to  hand  them  one.    The  only  other  item  I  would  suggest  you  bring  into  the  room  with  you  is  a  bottle  of  water.  You  never  know  when  nerves  are  going  to  cause  cottonmouth.  It  happens  to  everyone,  believe  me.  It  may  even  be  that  the  room  is  particularly  dry.  Bringing  water  ensures  that  if  you  should  get  dry  (maybe  they  ask  you  to  sing  another  song  for  them  and  you  need  to  wet  your  whistle  between  selections)  you  are  able  to  remedy  the  situation  without  having  to  ask  to  leave  the  room  for  a  moment.  I  generally  bring  my  water  with  me  over  to  the  piano  when  I  meet  with  the  accompanist,  and  then  when  I’m  done  talking  to  him,  I  set  my  bottle  on  the  floor  just  beside  the  piano.    Not  only  does  it  function  as  a  lubricant  for  your  vocal  chords,  but  the  water  bottle  can  also  serve  as  a  segue  or  transition  for  you  in  the  audition  room.  Let’s  say  you  sing  your  first  selection  and  they  start  talking  about  you  amongst  themselves.  You  get  the  impression  that  they’re  not  done  with  you,  but  you  don’t  just  want  to  stand  there  awkwardly  staring  at  them.  You  walk  up  to  the  piano  after  you  finish  your  song,  and  you  take  a  drink  of  water.  This  way,  if  they  ask  to  hear  something  else,  you’re  right  there  by  your  book  to  work  with  the  accompanist  again,  and  if  they  simply  thank  you  for  your  time,  you’re  right  there  by  your  book  to  grab  it  and  exit  the  room.    As  for  any  other  personal  items—purses,  bags,  key  chains,  etc.—I  strongly  suggest  you  leave  them  in  the  holding  area.  You  don’t  want  to  be  encumbered  with  a  lot  of  “stuff”  when  you  walk  in  to  audition.  It  kills  the  streamlined,  polished  approach  that  is  so  appealing.  If  you’re  nervous  to  leave  your  things  behind,  find  someone  you  trust  in  the  holding  room  to  keep  an  eye  on  them  for  you.  I  have  never  heard  of  an  actor’s  property  being  stolen  while  they  were  auditioning.  There’s  generally  an  honor  code  at  auditions  that  people  can  leave  their  property  without  fearing  theft  while  they  audition.      

   A  lot  of  actors  when  they  get  nervous  will  walk  into  the  room  and  behave  like  an  automaton.  They  come  in,  go  directly  to  the  piano,  slap  their  music  down,  walk  to  the  center  of  the  room  and  perform,  then  leave  coldly  and  brusquely.  

15.  Smile  and  the  world  smiles  with  you...or  at  least  they  won’t  frown.  

 

Page 24: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

24  

I  suppose  many  of  these  curt  performers  feel  like  they  shouldn’t  waste  the  director’s  time  and  should  just  cut  right  to  the  chase  and  get  in  and  out  as  quickly  and  efficiently  as  possible.  While  this  is  partly  true—we  don’t  want  you  to  come  in  and  try  and  make  small  talk  with  us—we  do  also  need  to  see  that  you  are  a  human  being  with  a  personality.    I  cannot  tell  you  how  refreshing  it  is  when  someone  walks  in  and  genuinely  says  “Good  afternoon.  How  are  you?”  I  am  one  director  who  will  reply  and  make  light  conversation.  Others  may  respond  coldly  or  not  at  all,  but  you  must  not  assume  that  they  don’t  want  to  hear  anything  from  you  other  than  your  prepared  selection.  Casting  a  play  or  musical  is  about  more  than  simply  assessing  your  talent;  it  is  about  determining  whether  we  want  to  work  with  you  for  the  next  4  weeks  to  4  months  or  beyond.  You  can  set  a  nice,  relaxed,  comfortable  tone  by  walking  in  the  room  and  being  friendly.  And  don’t  be  rattled  if  they  choose  to  ignore  you,  just  go  about  your  business  and  continue  as  planned.  Most  directors  will  respond,  however,  as  they  want  you  to  feel  at  ease  in  the  audition  room.  

 One  thing  you  should  avoid  at  all  costs  is  going  in  for  hand  shakes.  No  matter  what  your  teachers,  mentors,  or  parents  might  tell  you,  you  should  never  cross  to  the  table  and  offer  to  shake  hands  with  the  artistic  staff.  I’ll  tell  you  the  two  main  reasons:  First,  it  is  an  invasion  of  their  sacred  space.  I  don’t  want  you  to  see  what  I’m  writing  at  the  table;  I  want  you  to  stay  a  safe  distance  away  and  let  me  look  at  you  from  across  the  room.  Second,  many  people  (especially  in  New  York)  are  germ-­‐a-­‐phobes  and  quite  frankly,  they  don’t  want  to  touch  your  hand.    The  only  time  you  go  for  a  handshake  is  if  the  person  behind  the  table  invites  it.  Usually  this  will  only  happen  if  you  already  know  the  person  and  have  a  previous  relationship  with  him.    

   

   

Let  me  repeat  that:  The  person  playing  piano  for  you  is  your  best  ally  in  the  audition  room.    Got  it?  This  person  is  your  scene  partner.  He  will  make  every  effort  to  help  you  succeed  in  your  audition,  so  you  must  treat  him  like  a  dear  friend.  Let  us  now  walk  through  the  conversation  with  the  accompanist  as  you  place  your  

16.  The  accompanist  is  your  best  ally  in  the  audition  room.  

 

Page 25: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

25  

music  on  the  piano  stand  in  front  of  him.  (One  suggestion  as  you  do  this—try  to  position  yourself  in  a  way  that  keeps  your  face  open  to  the  people  behind  the  table  as  you  talk  to  the  pianist,  rather  than  closing  them  off.  First  impressions  are  everything  in  this  business,  and  this  is  important  face  time.  You  want  them  to  be  casting  you  as  they  see  you  being  friendly  with  the  pianist.)    1. Remember  when  I  said  to  learn  everyone’s  name  in  the  room,  including  

the  pianist?  Well,  here’s  where  you  earn  major  brownie  points  and  set  yourself  apart  from  everyone  else  who  has  auditioned  before  you  and  will  audition  after  you.  You  begin  by  saying  hello  to  the  pianist  and  addressing  him  by  name.  “Hey  John,  how  are  you?”  You  will  be  one  of  the  few,  if  not  the  only  person  who  does  this  all  day,  and  believe  me  this  person  will  appreciate  it  and  remember  it.  

2. You  tell  the  pianist  what  you  will  be  singing.  3. You  tell  him  where  you  are  starting  and  where  you  are  ending.  4. You  give  him  your  tempo  by  singing  a  bit  of  the  song  while  tapping  the  

rhythm  on  your  chest,  your  leg,  or  the  top  of  the  piano.  DO  NOT  SNAP!!!    • It  is  important  to  both  sing  and  tap  the  rhythm  so  that  the    

accompanist  can  hear  how  you  plan  to  sing  the  song  in  rhythm,    particularly  if  you  plan  to  back-­‐phrase  or  take  liberties.  

• Also  be  sure  to  point  out  any  major  changes  in  tempo  that    occur  within  the  song.  Be  as  clear  and  concise  as  possible.  

5. You  point  out  any  cuts  or  peculiarities  in  the  music  (“I  jump  from  here  to  the  second  ending  and  there  is  a  modulation  up  here”;  “I  take  the  repeat  as  written  but  I’m  using  these  other  lyrics”;  etc.).  

6. You  tell  him  how  you  want  to  start  (“Play  the  introduction”;  “Start  with  this  chord”;  “Just  give  me  my  first  note  and  come  in  after  I  set  the  tempo”;  etc.).  

7. You  tell  him  how  you  will  signal  him  to  begin  (“Can  you  play  my  first  two  notes  when  I  pick  my  head  up?”;  “I  will  introduce  the  piece,  then  just  go  ahead  and  start  the  intro”;  “I  will  nod  at  you  when  I’m  ready”;  etc.)  

8. You  ask  if  he  has  any  questions.  This  is  a  good  catch-­‐all  for  any  of  the  above  steps  that  you  might  have  missed,  so  that  all  communication  is  clear.  

9. YOU  THANK  HIM!    If  you  can  remember  to  follow  all  of  these  guidelines  (remember  to  practice  these  as  part  of  your  audition  package)  and  convey  all  of  the  above  information,  you  will  really  increase  your  chances  of  having  a  smooth  audition  with  no  scary  surprises.  The  accompanist  will  appreciate  your  preparation  and  professional  demeanor  as  well  as  your  friendliness,  and  believe  it  or  not,  after  you  leave  they  will  often  talk  about  you.  They  will  tell  the  director  if  you  are  wonderfully  kind  and  well  organized  or  if  you’re  a  

Page 26: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

26  

rude  jerk.  This  person  can  actually  influence  your  audition  even  after  you  have  left  the  room.  

   

     When  your  audition  is  over,  be  sure  to  thank  the  accompanist  once  again  as  you  retrieve  your  music  book.  Even  if  things  didn’t  go  well,  honor  this  person’s  work—he  is  the  hardest  working  person  in  the  room,  as  he  has  had  to  play  for  hundreds  of  people  who  are  far  less  prepared  and  polished  than  you.      

   Sometimes  there  might  be  a  line  or  an  “X”  taped  on  the  floor  to  indicate  where  to  stand.  It  does  not  mean  you  need  to  plant  yourself  on  that  spot;  it  simply  means  they  don’t  want  you  any  closer  than  that.    However,  often  there  is  no  demarcation  on  the  floor;  so  just  position  yourself  in  a  place  that  they  can  see  your  entire  body,  including  your  feet,  without  having  to  lean  forward  over  their  table.  And  give  yourself  room  to  move  forward  in  your  audition.  Forward  movement  is  much  more  powerful  than  back  stepping,  so  start  far  enough  away  that  you  can  find  one  or  two  moments  in  your  song  to  move  toward  the  audition  table  without  crowding  them  or  making  them  feel  invaded.            

17.  Stand  and  deliver.    

JONATHAN’S  RULES    

Never  snap  at  a  pianist  in  the  audition  room.    This  goes  for  when  you  are  setting  your  tempo  as  well  as  when  you  are  singing  and  you  want  the  

accompanist  to  speed  up  or  slow  down.    Nobody  likes  being  snapped  at—it’s  rude!  

Page 27: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

27  

   In  school  we  often  practice  slating,  or  saying  your  name  and  your  selections,  as  part  of  the  audition.  In  my  book  GET  THE  CALLBACK,  I  even  spend  a  bit  of  time  detailing  the  introduction.  However,  in  reality,  you  will  rarely  if  ever  be  expected  to  make  a  formal  introduction.      Before  you  walk  in  the  room,  your  name  is  on  a  list  and  your  headshot  and  resume  are  already  in  the  director’s  hands,  so  telling  them  your  name  won’t  be  necessary.  In  fact,  they  will  often  choose  to  address  you  by  name  when  you  walk  into  the  room.    Some  directors  prefer  you  to  simply  deal  with  the  accompanist,  walk  into  the  space  and  sing  your  selection.  I  think  this  feels  slightly  awkward,  so  I  recommend  a  very  simple  introduction  of  the  piece  by  title  only.  So  you  finish  at  the  piano,  you  move  to  your  starting  point,  you  get  their  eye  contact,  and  you  say  “This  is  I  Feel  Pretty”  or  “This  is  I  Believe  in  You.”    I  will  very  often  try  to  break  the  ice  (and  the  tension)  by  asking  the  actor  what  she  will  be  singing  before  she  even  gets  to  that  point.  This  is  my  way  to  keep  things  informal  and  comfortable  rather  than  stiff  and  calculated.  Be  ready  to  go  with  the  vibe.    But  do  not  make  this  introduction  anything  more  complex  than  song’s  title.  We  do  not  need  to  know  what  show  it’s  from,  who  wrote  it,  nor  which  character  you  will  be  portraying.  Save  that  trivia  for  the  director  who  asks  you  questions  afterwards.  Then  you  have  an  opportunity  to  extend  the  conversation.      

SINCE  WE’VE  STOPPED…    

…Remember  your  A  B  P’s  (Always  be  Present!).  The  mantra  that  I  teach  my  students  to  repeat  when  auditioning  is  “Always  be  Present.”  You  never  know  what  can  happen  when  you  go  into  the  room.  They  may  be  so  busy  that  they  seem  to  be  ignoring  you  completely.  They  may  act  like  you’re  a  long-­‐lost  relative  that  they  couldn’t  be  happier  to  see.  They  may  make  jokes  and  small  talk  with  you.  They  may  be  all  business  and  cut  to  the  chase.    

18.  Introductions:  KISS.  (Keep  it  simple,  stupid)  

 

Page 28: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

28  

The  point  is,  you  never  know.  So  you  can’t  be  too  calculated  in  how  you’re  going  to  deal  with  them.  To  some  extent  you’ve  got  to  be  relaxed  enough  to  be  present  and  feel  the  vibe  they’re  putting  out.    If  they  talk  to  you,  stop  and  listen.  Don’t  rush  to  get  to  the  piano  and  do  your  piece  and  get  out.  If  they  want  to  engage  you  in  conversation,  let  them!  Remember,  face  time  and  personality  are  keys  to  success.    Always  be  present  and  listen  and  be  in  tune  to  what’s  happening  in  the  audition  room.  Don’t  become  the  automaton.  

   

   In  an  average  audition,  the  actor  will  move  into  the  space,  introduce  the  song,  look  at  the  accompanist  and  nod,  and  boom:  we’re  off.  But  I’m  trying  to  help  you  rise  above  the  average  audition,  so  let’s  consider  this.  The  problem  with  the  nod  to  the  pianist  is  that  now  you  are  having  your  first  “moment”  as  an  actor  looking  at  the  accompanist,  rather  than  as  a  character  looking  at  her  scene  partner.  I  would  like  to  offer  you  several  options  to  clarify  this  moment.    1. One  possibility  is  to  create  a  signal  other  than  a  nod  to  indicate  you  are  

ready  to  begin.  For  instance,  you  may  tell  the  pianist  that  you  will  introduce  your  title  and  take  a  breath  and  then  he  should  play  your  first  note,  chord,  or  introduction.  Or  you  may  tell  him  that  you  plan  to  put  your  hand  on  your  waist  and  sit  into  your  hip  to  start  the  audition.  Some  sort  of  clear,  specific  signal—you  get  the  point.    

2. You  may  choose  the  nod  to  the  accompanist,  but  if  you  do,  it  is  imperative  that  you  incorporate  that  directional  focus  into  the  first  beat  of  the  audition  piece.  What  I  mean  is  that  you  should  be  sure  that  your  acting  begins  with  your  head  in  the  pianist’s  direction.  So  nod  to  him  and  then  create  a  transition  to  get  your  head  forward.  In  this  situation,  it  is  probably  best  if  you  are  starting  the  song  with  some  sort  of  musical  introduction.  Then  the  accompaniment  that  precedes  your  vocal  entrance  provides  the  internal  motivation  to  turn  and  look  at  your  imaginary  scene  partner  before  you  address  him  with  words.  Now  the  first  moment  and  the  signal  are  cleverly  packaged  together.  

19.  With  a  wink  and  a  nod…    

Page 29: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

29  

 3. The  only  other  (sometimes)  strong  option  is  to  actually  start  at  the  piano.  

This  is  generally  only  appropriate  when  singing  jazz  standards  or  pop  music.  But  you  can  start  with  a  hand  on  the  piano  and  make  the  interaction  with  the  accompanist  part  of  the  performance.  Just  remember,  don’t  snap  at  the  piano  player!  

   

   This  goes  back  to  Secret  #8  about  preparing  the  song  as  an  actor.  Now  you’re  in  the  room  and  it’s  time  to  make  your  preparation  pay  off.  Make  sure  you  establish  a  clear  focus  on  your  imaginary  scene  partner  (do  not  sing  directly  to  the  people  behind  the  table—it’s  creepy  and  irritating).  Think  to  yourself,  just  before  you  begin,  about  what  the  “kick-­‐off  line”  might  be.  In  other  words,  what  has  this  person  just  said  to  you  or  done  to  you  that  launches  you  into  sung  lyrics.      Always  keep  focused  on  what  you  want  from  that  partner,  and  always  play  to  win—meaning  do  not  lament  or  mope  about  a  problem;  rather,  try  to  find  a  way  to  rise  above  it  and  fix  it  through  your  song.    One  other  trick  about  auditioning  for  theatre  is  that  we  love  to  see  discoveries  happen  to  characters  on  stage.  So  be  sure  that  the  entire  song  doesn’t  feel  rehearsed  and  routine.  It  must  be  rehearsed  like  crazy,  but  in  the  room  it  must  feel  spontaneous.  You  are  not  singing  Oscar  Hammerstein’s  lyrics—you  are  singing  Laurie’s  (Oklahoma!)  thoughts,  which  she  is  experiencing  for  the  very  first  time  right  in  front  of  our  eyes.  Show  us  that  you  think  the  thought  at  the  top  of  the  phrase,  and  then  sing  it  aloud.  Then  think  the  next  thought  and  sing  it,  etc.  We  must  see  these  words  occurring  to  you  as  if  for  the  very  first  time.      

     

20.  Act  the  song.  Act  the  song.  Act  the  song.    

JONATHAN’S  RULES    

Be  sure  to  think  before  you  sing.  The  character  has  never  said  these  words  before,  so  you’ll  need  to  show  us  the  discovery  of  the  idea  

before  the  words  come  out.  

Page 30: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

30  

And  when  you  have  repeated  lyrics  (as  most  songs  often  do),  the  repeated  lyric  must  mean  something  different  each  time.  It  may  be  repeated  for  emphasis.  It  may  indicate  a  movement  from  uncertainty  to  certainty  or  from  question  to  confirmation.  It  may  simply  be  that  you  are  trying  to  get  someone  to  listen  to  you  and  you  need  to  repeat  for  emphasis.  But  whatever  it  is,  it’s  never  just  repeated  because  the  music  told  you  to  do  so.  Get  it?    And  finally,  see  the  piece  through  to  the  end.  Lots  of  actors  know  how  to  start,  but  they  stumble  on  the  dismount,  so  to  speak.  Make  sure  when  you  reach  the  end  of  your  song  you  allow  it  to  have  a  button.  You’ve  either  said  what  you  came  to  say  and  won  your  objective,  or  perhaps  you  are  waiting  for  the  other  person  to  speak.  But  whatever  your  choice,  make  it  clear  and  specific.  Don’t  just  fall  off  at  the  end.  “Stick  the  landing!”      

   This  is  another  catch-­‐all  like  the  “Be  Present”  mantra.  You  must  be  empowered  as  an  actor  and  own  the  audition  room.  Too  often  the  actor  comes  into  the  room  desperate  for  work  and  sublimating  himself  to  the  director’s  power.  But  remember  that  you  hold  a  valuable  card  in  the  audition  room:  The  director  needs  to  find  the  best  possible  cast  for  her  production  and  you  can  offer  her  a  solution  to  one  of  her  problems.    When  you  enter,  believe  that  you  are  that  solution;  believe  that  your  being  here  is  going  to  make  the  director’s  day;  believe  that  her  show  will  be  better  for  including  you  in  the  cast;  and  believe  that  singing  your  song  and  performing  your  audition  will  lift  people’s  souls.  It  sounds  like  a  tall  order,  I  know,  but  that  kind  of  confidence  (without  being  an  egotist)  is  palpable  and  attractive.    What  does  it  look  like,  you  might  ask?  Well,  it  starts  with  walking  in  unhesitatingly  and  brightening  the  room  with  your  energy  and  enthusiasm.  It  continues  with  your  professional  preparation  with  the  accompanist.  It  then  follows  through  with  your  strong  audition  performance.  And  it  is  completed  with  your  sincerity  and  generosity  as  a  performer  and  your  clear  passion  for  your  art.    What  it  does  not  include  is  being  tentative  when  you  walk  in;  being  a  shy  wallflower  with  a  weak  voice;  being  unprepared  or  afraid  to  take  the  room  

21.  Own  the  room.    

Page 31: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

31  

and  command  attention;  asking  for  permission  to  perform;  and  apologizing  for  anything,  either  literally  or  implicitly.    No  matter  how  much  I  stress  the  importance  of  owning  the  audition  room,  it’s  no  small  task  to  accomplish  and  it’s  not  something  that  just  comes  naturally.  It  comes  with  a  great  deal  of  practice,  so  be  patient  as  your  work  through  all  of  these  steps.  The  more  you  put  yourself  into  audition  situations,  the  more  at  ease  you  will  feel  with  each  passing  experience  and  the  more  you  will  be  able  to  walk  in  and  own  the  room.      

   There  is  nothing  more  awkward  than  the  guest  who  doesn’t  know  when  to  leave.  Remember  what  I  said  about  being  present  (Secret  #18)  and  buttoning  the  song  (Secret  #20)?  Well  the  finish  combines  both  of  these  pieces  of  advice.  When  you  finish  your  piece,  after  you  let  the  last  beat  land  and  finish  strong,  you  want  to  step  out  of  character  and  return  to  yourself.  The  easiest  way  to  make  this  transition  is  simply  to  take  a  breath,  re-­‐establish  eye  contact  with  the  people  behind  the  table  and  say  thank  you.    Now  here’s  the  sticky  part:  What  happens  next?  They  may  immediately  say  thank  you  in  return  with  a  clear  period  at  the  end,  meaning  that  they’ve  seen  what  they  need  to  see  from  you  and  they’re  done.  If  that  is  the  case,  get  your  music,  thank  the  accompanist,  and  head  for  the  exit  (thanking  them  one  more  time  as  you  go  out  the  door).    However,  sometimes  it’s  not  that  simple.  Sometimes  you  finish  your  piece,  you  come  back  to  yourself  and  thank  them  and  they  begin  (or  continue)  talking  quietly  amongst  themselves  without  including  you  in  the  conversation.  They  may  be  talking  about  what  they  saw  or  lacked  in  your  audition.  They  may  be  deciding  to  ask  you  for  something  more.  You  have  no  way  of  knowing.  But  you  must  save  face  and  not  overstay  your  welcome.  This  is  when  the  old  water  bottle  can  really  be  of  service.  If  you  finish  your  piece  and  suddenly  they  are  in  a  huddle  behind  the  table,  just  continue  to  own  the  room  and  head  over  for  a  drink  while  they  deliberate.  At  the  end  of  a  few  seconds,  they’ll  either  ask  you  questions,  talk  to  you,  or  thank  you  for  your  time.  Either  way,  you’re  prepared  to  handle  it  without  standing  there  in  the  middle  of  the  room  looking  like  a  fish  out  of  water.  

 

22.  Finish  like  you  started—with  grace  and  charm.  

 

Page 32: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

32  

   They  may  ask  you  to  perform  your  selection  again  with  a  directorial  adjustment  of  some  sort.  No  matter  how  outlandish  or  odd  it  may  seem,  you  must  embrace  the  direction,  say  yes  to  it,  and  show  them  that  you  can  perform  the  change  that  they  are  asking  to  see.    They  may  also  look  at  your  resume  and  ask  you  to  do  something  unexpected,  such  as  sing  something  from  a  show  you  have  listed  under  your  performance  experience  or  demonstrate  one  of  your  special  skills—these  both  happen  all  the  time  in  audition  rooms.  The  best  way  to  prepare  for  this  is  to  not  let  anything  be  unexpected.  If  it’s  on  your  resume,  it’s  fair  game.  If  it’s  something  not  on  your  resume,  unless  it  is  physically  impossible  for  you  to  do  it,  than  you  give  it  your  best  shot.  You  never  know  what  might  be  the  little  thing  beyond  your  prepared  audition  that  gets  you  the  job.    Sometimes  it’s  truly  just  a  question  of  whether  you  can  take  direction  or  not.  Just  consider  any  adjustment  or  further  conversation  after  your  performance  as  a  gift—it  keeps  you  in  the  room  longer  and  it  lets  them  get  to  know  you  better.          

                 

23.  Be  a  “yes  man.”    

JONATHAN’S  RULES    

Say  “yes”  to  any  directorial  adjustments  they  may  offer  you  in  the  audition  room.  Also  say  “yes”  to  any  opportunity  they  may  give  you  to  show  them  

something  more  or  to  make  conversation.  

Page 33: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

33  

   Remember  once  again  to  thank  everyone  for  his  or  her  time,  including  the  pianist.  It’s  also  not  a  bad  idea  to  thank  the  monitor  as  you  go  out,  especially  if  he  clued  you  in  on  who  was  in  the  room  before  your  audition.  You  never  know  who  the  monitor  is—it  could  be  a  budding  young  director  or  an  upwardly  mobile  intern,  so  being  friendly  and  sincere  can  have  its  benefits  beyond  mere  manners.    And  remember  to  take  care  not  to  be  the  person  who  spouts  off  about  the  audition  with  other  actors  while  you’re  still  in  the  building.  You  never  know  who  might  be  around.  Wait  until  you  get  out  of  the  studio  and  onto  the  street  (or  better  yet,  into  a  cab,  a  train,  or  your  apartment)  before  you  call  your  parents  or  your  friends  to  talk  about  how  great  or  how  awful  the  audition  experience  was  for  you.    When  you  are  in  the  room  or  in  the  building,  it’s  important  to  always  keep  your  game  face  on  and  to  appear  calm  and  in  control.        

   The  last  bit  of  work  you  must  do  at  the  end  of  the  audition  experience  is  to  make  notes  in  a  journal  about  the  details  of  the  audition.  I  highly  recommend  that  you  check  out  Hold  On  Log  and  Performer  Track  (www.holdonlog.com)  for  the  best  in  actor  paper  and  online  journals.  This  is  when  knowing  everyone’s  name  in  the  room  becomes  important.  You  should  have  a  journal  entry  for  every  audition  that  includes  the  following  information:  

• Who  was  in  the  room  (full  names  and  jobs)  • What  you  wore  • What  you  sang  • Any  adjustments  or  directions  they  offered  • Any  comments  (other  than  “nice  job”)  that  they  made  • Later  on,  go  back  and  note  whether  you  received  a  callback  and  any  

feedback  from  the  audition,  and  of  course  whether  you  got  the  part  

24.  Smooth,  like  butter.    

25.  Good  actor—here’s  a  cookie.  

 

Page 34: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

34  

 The  journal  will  help  you  prepare  for  future  auditions.  Earlier  on  I  told  you  that  you  would  see  the  same  people  in  the  room  over  and  over  again  the  more  you  audition.  If  you  keep  a  detailed  journal  of  your  audition  experiences  it  will  help  you  be  prepared  more  fully  for  what  to  expect  when  you  walk  in  the  room,  depending  on  who’s  behind  the  table.      

       And  at  the  end  of  all  of  that  work  (these  were  not  25  easy  steps!),  you  should  reward  yourself  for  getting  through  it.  It  doesn’t  matter  if  you  nailed  it  or  if  you  bombed.  It  doesn’t  matter  if  you  booked  the  job,  got  a  callback,  or  never  heard  from  them  at  all.  The  fact  that  you  prepared,  went  in  there,  and  gave  it  your  best  is  enough  to  merit  some  sort  of  reward  so  that  you  associate  the  audition  experience  with  something  positive.  So  if  you  love  ice  cream,  go  get  yourself  an  ice  cream  cone.  If  you  love  video  games,  promise  yourself  an  hour  of  Nintendo  Wii  time  when  you  get  home.  Get  the  point?  If  you  know  there’s  a  reward  at  the  end  of  the  work,  it’ll  make  the  work  seem  more  rewarding!  

   

   An  actor’s  job  is  auditioning.  There  is  really  no  such  thing  as  a  career  in  acting;  it’s  really  just  a  series  of  jobs.  Hopefully,  it’ll  be  a  long  and  mostly  uninterrupted  series,  but  no  matter  what  level  of  success  you  reach,  the  bottom  line  is  you  can’t  get  there  without  auditioning.  So  you  really  must  learn  to  embrace  the  audition  process  as  something  necessary.  Dare  I  say  you  must  find  a  way  to  love  it?!    Think  of  the  audition  as  your  daily  chance  to  do  what  you  love  to  do,  because  especially  when  you’re  first  starting  out,  it  might  be  the  only  daily  chance  you  get  to  perform.  By  promising  yourself  that  reward  that  I  talked  about,  you  

26.  BONUS:  Repeat.    

JONATHAN’S  RULES    

Always  keep  a  journal  with  entries  about  whom  you  meet  in  audition  rooms,  what  you  prepare,  feedback  you  get,  etc.    Visit  www.holdonlog.com  

for  some  great  actor  journals.  Refer  back  to  it  when  preparing  your  future  

auditions.  

Page 35: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

35  

can  make  the  audition  seem  less  terrifying  and  more  desirous.  By  looking  back  on  earlier  journal  entries  from  past  auditions,  you  can  learn  from  your  mistakes  and  chart  what  works  and  what  doesn’t  work  and  continue  to  prepare  better.    By  preparing  fully  and  being  open  to  whatever  may  happen  in  the  room,  you  open  a  world  of  possibilities.  And  by  implementing  all  of  these  steps  with  continuous  regularity  you  will  eventually  ease  into  the  audition  process  and  master  owning  the  room  and  commanding  successful  auditions.    I  hope  that  this  list  of  “Secrets”  to  improving  your  audition  skills  has  been  helpful  to  you.  It  will  no  doubt  take  some  time  and  a  great  deal  of  practice  for  all  of  this  to  sink  in  and  become  second  nature  to  you;  but  if  you  are  persistent  and  determined,  you  will  figure  it  all  out.  In  the  meantime,  I  would  like  to  offer  my  further  services  to  you  as  a  private  audition  coach.  If  you  are  in  the  DC/Northern  VA/MD  area,  I  can  work  with  you  in  person,  and  if  not,  there’s  always  the  magic  of  Skype  for  a  video  conference.    Either  way,  if  you  would  like  some  personal  help  on  finding  the  right  material,  exploring  your  brand,  preparing  a  winning  headshot/resume  combo,  or  actually  working  a  song  with  feedback,  please  feel  free  to  contact  me  by  email  at  [email protected].  For  more  information  on  what  I  do  or  to  find  a  link  to  my  book,  GET  THE  CALLBACK:  The  Art  of  Auditioning  for  Musical  Theatre,  visit  my  website:  www.jonathanflom.com.    Break  a  leg!                          

   

Page 36: Musical Theatre Audition tips

 

Copyright  ©  2010  by  Jonathan  Flom  

36  

     Jonathan  Flom  is  a  professional  director  as  well  as  Associate  Professor/Head  of  Musical  Theatre  at  Shenandoah  Conservatory  in  Winchester,  VA.  His  first  book,  GET  THE  CALLBACK:  The  Art  of  Auditioning  for  Musical  Theatre,  was  published  by  Scarecrow  Press  in  2009  and  has  quickly  become  a  nationally  recognized  audition  technique  source.  His  second  book,  ACT  LIKE  IT’S  YOUR  BUSINESS:  Branding  and  Marketing  Strategies  for  Actors,  is  becoming  a  classroom  staple  in  colleges  across  the  country  for  teaching  Business  of  the  Business.      Jonathan  holds  a  BFA  in  Musical  Theatre  from  Penn  State  University,  and  he  also  has  the  distinction  of  being  the  first  ever  graduate  of  Penn  State’s  MFA  program  in  Directing  for  the  Musical  Theatre  Stage.  Notable  directing  credits  include  A  Chorus  Line,  Ragtime,  The  Wild  Party  (Shenandoah  Conservatory),  The  25th  Annual  Putnam  Co.  Spelling  Bee  (NCCA  Papermill  Theatre);  Forever  Plaid,  I  Love  You…Now  Change  (Tri-­‐State  Actors  Theatre);  Bat  Boy,  A  New  Brain  (Penn  State).  Flom  has  also  worked  at  Goodspeed  Musicals,  Struthers  Library  Theatre,  and  First  Street  Playhouse  (Chicago).    Currently,  he  also  holds  the  office  of  Northeastern/Mid-­‐Atlantic  Regional  Director  for  Musical  Theatre  Educators  Alliance,  Int’l.,  a  consortium  of  musical  theatre  instructors  from  around  the  globe  who  convene  annually  to  exchange  ideas  on  innovations  in  training.      www.jonathanflom.com    

ABOUT  THE  AUTHOR  


Recommended