ABRAHAMBARRERA

ENTREVISTAS:

Rey Pila -Sho Trío -

Lena Burke -Antonio Lozaya -

La Gusana Ciega -Francisca Valenzuela -

SCAN:

Sistema inalámbricoBeyerdynamic TG 100

MANAGEMENT:

Troker, tequila groovede exportación

piano y composición mexicanista

A u d i o / V i d e o / I l u m i n a c i ó n / I n s t r u m e n t o s M u s i c a l e s / D J / E s c e n a r i o s

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SHOWCASECONFERENCIAS MUESTRA MUESTRA FOTOGRÁFICAFOTOGRÁFICA

CLÍNICAS

1

12.

30.

Rey Pila.Explorar y concentrar.

Por Benjamín Acosta

Home Studio:MD Studios

14.Lena Burke,

artista de dos facetas

32.Scan:

Micrófono TG 100 de Beyerdynamic.Por José Manuel Santos

16.Sho Trío,

la belleza de serun discurso musical concreto

40.Academia de Artes

de Florencia

Creció en el seno de una familia que ama la música. Luego de 17 años como músico de acompañamiento, Abraham Barrera toma las riendas de su creatividad y conduce desde el piano su propuesta con la que anhela

enriquecer el repertorio jazzístico mexicano.Por Marisol Pacheco

Piano y composición mexicanista

34. Abraham Barrera

[ Año 10, Num. 112 | octubre 2014 ]

4. Noticias: Gibson Guitar Town MX 6. Eventos: Academia Yamaha Coapa 8. Reseñas: Andrés Vignau, Eugenio Toussaint, Cocteau Twins 18. Entrevistas: Francisca Valenzuela – La Gusana Ciega – Antonio Lozoya 24. Distor: Un Día de Octubre + Abulón Por Alejandro González 26. Producción 42. Management: Troker, tequila groove de exportación Por Juan Carlos Flores - Felipe Pérez-Santiago, el catálogo de un compositor 48. En Armonía Por Sandra Romo 50. Más allá del Pentagrama Por Mario Santos 52. En Vivo: Film Club Café 54. Del Bit a la Orquesta Por Anwar Sánchez

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M uchas cosas se dan por sentadas en la vida. Como si debieran ocurrir en automático, por sólo desearlas o porque se trata de uno y la existencia “debe saber” de nuestros

actos y anhelos para “atenderlos” en consecuencia. En terrenos del arte permitirse esa actitud es de las peores cosas que se pueden elegir -y, por favor, añadan énfasis al verbo porque es por albedrio de uno-. Y pues no: Nada surge por generación espontánea.

De manera que hay que hacer, pedir, buscar, persistir. Hay que tomar la iniciativa siempre. Ya en plan visionario, adelantarse y prever. De eso mayoritariamente está hecho lo fresco, lo singular. En la música que, como referente de la cultura está trazada por la historia y el ingenio que otros nos han dejado para ir a su consulta, el asunto demanda acción en todo porque hoy ya no basta con que se tenga talento. Si no sabes hacerte oír y noción de cómo o con quién aliarte para hacerlo, tu razón de ser se reduce a un monólogo que, mínimo, hará de ti un ser frustrado.

Así que “espabílate”, como diría mi abuelita. Exígete que no hay de otra; atrévete y confía que de eso también se trata; construye a partir de lo que tengas. De eso trata el perfi l del músico que viste nuestra portada, Abraham Barrera quien tras diecisiete años de acompañar artistas no anuló su aptitud nata para expresar ni mucho menos la calidad técnica que depuró en la escuela y con sus maestros.

En sus tiempos muertos de maratónicas giras, para poner un ejemplo de qué hacer, se sumer-gió a conocer las bondades de la tecnología y así saciar sus inquietudes como compositor de su propia obra. Así, en las salas de espera de aeropuertos y en los hoteles. Hoy son sus cartas de presentación tres discos –y un cuarto por venir- en los que ya se identifi ca su voz y estilo como músico, compositor y productor.

A su lado, abrevan a la causa las historias de crowdfounding, autogestión, asociación, estudio, administración, disciplina, creatividad y experimentación de Lena Burke, Sho Trio, Antonio Lozoya, Rey Pila, Troker, Felipe Pérez-Santiago, una escuela que se vislumbra como la primera embajada cultural del mundo –y escoge tú país, México, para ese propósito- y un foro que evangeliza escuchas.

AUDACIA POSITIVA

Directorio

Con el apoyo de:

Orgulloso miembro

music:life.Revista mensual. Año 10, No. 112Editor responsable: Jorge Raúl Urbano CalvaNúmero de Reserva al Título de Derechode Autor: 04-2004-112916553100-102ISSN: 2007-0020Certifi cado de Licitud de Título: 13167Certifi cado de Licitud de Contenido: 10740Distribuido por SEPOMEX, Circuito Parque 3, Col. Ciudad Satélite, Naucalpan, Edo. de México, C.P. 53100 Registro Sepomex PP09-1361 y distribuido por medios propios.Domicilio de la Publicación: Cofre de Perote 132, Fraccionamiento Los Pirules,C.P. 54040, Tlalnepantla, Estado de MéxicoImpreso en: Preprensa Digital, Caravaggio No.30, Colonia Mixcoac, C.P. 03910. México, D.F.

@MarySolPacheco

DIRECCIÓNJorge Urbano

EDITORAMarisol Pacheco

DISEÑO

Jhonatan González

STAFF EDITORIALNizarindani SopeñaAlfredo Hernández

MERCADOTECNIARicardo Rodas

COMERCIALIZACIÓNClaudia Pérez

CIRCULACIÓNEdith García

OPERACIONESHoracio UrbanoJavier González Vázquez

ADMINISTRACIÓNMaría PinedaSilvina BustosBeatriz Camacho

(55) 5240 1202 y 52401203info@musitech.com.mx www.musiclife.com.mx

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Noticias

GIBSON GUITAR TOWN:INVASIÓN DE LES PAUL

SOBRE PASEO DE LA REFORMAMiden tres metros de altura pero no causan alarma. Gibson Guitar Town, el evento de arte urbano más musical del mundo, viene a México impulsado por Arts on Cows, la compañía que ganó notoriedad por su exposición de vacas artísticas en la vía pública. Se trata de un festival escultórico que muestra 80 gui-tarras instaladas desde el Museo de Historia Natural al Ángel de la Independencia sobre la principal avenida en la capital del país. El apoyo del Fondo Mixto de Promoción Turística del Distrito Federal lo avala como el primer evento de su tipo en Latinoamérica.

Del 4 de octubre y al 30 de noviembre se apreciarán las “encordadas” proveniente de Londres, Los Ángeles, Miami y Nashville, son guitarras intervenidas por artis-tas plásticos como Sebastián, Nicolás Guzmán, Venus, Marco Colín, Britto y Jorge Alderete. Ideas plasmada en enormes Les Paul fabricadas en fibra de vidrio.

La guitarra, símbolo de libertad“La iniciativa es de Guitar Town”, comentó Marco Cataño, Entertaintment Relations de Gibson en México, “la fundación de nuestra sede en Nashville pensó en un evento con fines altruistas y es una manera de apoyar causas de manera atractiva para el público con la música como principio de unión porque la guitarra es un lienzo en blanco que sugiere

música, pero da lugar a que cualquier artista visual plasme su trabajo y cree algo que jamás hubiésemos imaginado”.

Con la participación de Slash. “Hay una pieza en su honor, hecha por Jorge Alderete y es una combinación muy interesante: un argentino radicado aquí, trabajando con una leyenda del rock”, y Marco califica; “Alderete ha definido la estética del surf en nuestro país: hace portadas para Lost Acapulco, toca en Sonido Gallo Negro, es un tipo que ha publicado libros y tiene una historia de cartel importan-tísima en el rock´n roll”.

Respuesta inmediata de Maldita Vecindad, Zoe y Moderato. “Sí, todos se sumaron con entusiasmo. También Sergio Arau, Tito y Hello Seahorse! van hacer sus propias piezas. Realmente, se sienten muy honrados porque es una oportunidad de que los grupos estén representados a través de las artes plásticas. Hay dos piezas sobre la vida de nuestro ámbito político y cultural: una sobre el Tianguis del Chopo, un motor del rock´n roll y otra alusiva al Festival de Avándaro”.

Benéfico. Al concluir el Gibson Guitar Town el 30 de noviembre, las guitarras formarán parte de una subas-ta cuyas ganancias serán donadas a organizaciones sociales de la Ciudad de México.

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Noticias

HÉCTOR ORTIZ:UNA NOCHE CON ELVISY BIG BAND

El 16 de octubre Héctor Ortiz rendirá tributo al Rey en el Pepsi Center, con el espectáculo Elvis… One Night With You, en éste evocará la trayectoria de su majestad reviviendo sus clásicos con arreglos para big band, como comenta el reconocido personificador: “En esta ocasión voy a regresar a un formato que usé hace mucho tiempo, donde hago las tres grandes etapas de Elvis, todo perfectamente personificado con vestuario: su época de los años cincuenta, los años sesenta, cuando regresa a los escenarios en 1968 y, finalmente, el periodo de Las Vegas. La selección de las canciones en este caso, tuvo que ver con elegir aquellas que se prestasen para la dotación de metales y hacerlas sonar con big band; hicimos arreglos específicos para varias canciones, serán inéditos. La gente verá el estreno de una producción que será un disco con la música de Elvis para big band”.

Para el armado de la sección de metales y los arreglos, la tarea tuvo como pilares la intervención del trombonista Erick Rodríguez (integrante de la banda de Jesse&Joey), quien tuvo la misión de reunir a la sección completa (que para la ocasión será de máximo 12 integrantes) y el oído y musicalidad de David Bojorges (pilar musical en los proyectos de Estudio 19) quien trabajó los arreglos.

El complemento del show será una presentación multimedia con material fotográfico que acompañará el recorrido musical: “En una canción que le dedica a Priscila se verán puras imáge-nes de ellos dos, de la felicidad que pasaron juntos hasta su separación y en “Memories”, las pantallas mostrarán fotos de él, dando la idea de que estamos viendo su paso en la vida y como músico través de este gran homenaje a Elvis”

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Eventos

Academia Yamaha Coapa, apertura que conmemora 60 añosde instrucción musicalCon la presencia de la plana mayor de Yamaha de México, encabezada por su presidente Nobuyuki Nakazato, así como de Armando Manzanero y Aleks Syntek (dos de sus artistas embajadores), se inauguró en Villa Coapa, al sur de la Ciudad de México, su nueva Academia.

“…Para Yamaha es primordial desarrollar la musicalidad de sus alumnos como una contribución a su bienestar social, por esa razón las actividades de educación y difusión de la música son importantes para contribuir social y culturalmente con México. Les damos la bienvenida, esta es su casa los invito a sentir su pasión por la música y a disfrutar del arte de los sonidos a través del aprendizaje musical en la Academia”, expresó previo al corte del listón, el líder de la compañía.

Así, tras la interpretación a piano solo de temas como “Contigo aprendí” por parte del maestro Manzanero, para que luego Aleks Syntek hiciera lo propio con “Corazones Invencibles”, se

pudo apreciar la instalación que exhibe los atributos de valor que han hecho de la visión, método y misión de la fi rma un referente de excelencia en la formación musical a nivel mundial: diez aulas que privilegian el aspecto acústico y espacial para la interacción de los alumnos con el maestro, equipadas con mobiliario y recursos de apoyo para la instrucción de vanguar-dia, además de poner en manos y oídos de sus estudiantes los modelos recientes de sus instrumentos musicales con teclados y pianos digitales –incluido su órgano Stagea-, baterías y guitarras en primer plano.

Héctor Islas, director musical de Yamaha, condensa así lo que representó esta inauguración: “Yamaha es una empresa que inició la enseñanza musical en 1954 en Japón. Está cumpliendo 60 años de un trabajo intensivo y de desarrollo exhaustivo de métodos de enseñanza musical. En México se abrió la primera academia en 1966 y ahora hay 42 y queremos, obviamente, poder tener la posibilidad de llevar esta educación musical a más personas”.

“Nos interesan mucho los niños por los benefi cios que tiene la música en esa etapa formativa. Tres son los aspectos a destacar de nuestro método: clases en grupo, que es motivación grande para los alumnos que ven como referencia a sus compañeros; enseñanza en tiempo, es decir ver los temas, técnicas, métodos de acuerdo a la edad del alumno y, fi nalmente, el énfasis en la creatividad, que los alumnos no sólo toquen la música que ya existe, sino que ellos mismos creen sus obras, aprendan a improvisar y hacer arreglos”.

“El que sabe de música no tiene porque ser músico obligatoriamente; pero hay que tener la música como parte de la vida, como esa cereza del pastel de la cultura”. Armando Manzanero

“Gracias a Yamaha porque se esfuerzan cada día en acrecentar la cultura musical de nuestro país”. Aleks Syntek

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reseñas [ Libros, discos, vinilos, dvd... ]

La estela sonora que las canciones de la banda formada por Elizabeth Fraser (voz), Robin Guthrie (guitarra) y Simon Raymonde (bajo) he-redara al concepto de lo alternativo en la música tiene en esta edición para coleccionistas, su síntesis. Aquí se condensa lo hecho en siete EP’s (desde Lullabies a Otherness) y los seis discos editados en 4AD (con Heaven or Las Vegas y Treasure incluidos), compendio ecléctico que revela los elementos del dream pop, wave, post punk y rock con los que la agrupación marcó tres décadas en la música. La salida de este combo en 33 rpm, con dos platos bellamente impresos en acetato de superfi cie blanca es una pieza que melómanos y fans pueden nuevamente conseguir luego de su lanzamiento hace un par de años.

Stars & Topsoil a collection (1982-1990)4AD, 2012

COCTEAU TWINS

Año de fundación: 2010 Disco: Nadie más que tú Sonido: Pop mexicano aderezado con funk, soul y rock. Instrumentos: Los básicos son guitarra eléctrica Fender Jazzmaster, guitarra acústica Martin DRS1, sintetizador Korg R3 y software Ableton Live. En este disco, además, se ocuparon bajo Fender Presicion Bass ’76, guitarras eléctricas Fender Stratocaster y Telecaster. Para expresar más colores sonoros la mezcla de batería eléctrica, sintes y teclados fue crucial con: Nord Lead 2x y Stage 2; Moog Voyager, sub phatty & slim phatty; Fender Rhodes suitcase 88, Korg BX3, Prophet 8, Roland V-Drums, Oberheim, Yamaha Motif.

INFLUENCIAS Músicos: Antonio Carlos Jobim, sus armonías y melodías siempre me cautivan.Productor: Will I Am, hace la perfecta mezcla entre el hip-hop y los ritmos latinos.Sonido en grabación: Chris Lord Alge, sus mezclas son impecables y envolventes.Management y booking: Prince Royce, tiene un buen esquema de promoción.Concepto en vivo: Pink Floyd por la importancia que le dieron a los visuales.

LECCIONES DEL PRIMER DISCOComposición: Como cantautor depende mucho de mi entorno y estado de ánimo. Generalmente arranco con las melodías y armonías, siempre acompañadas de un ritmo o beat. De ahí desarrollo las letras, la toco en guitarra o piano y así se empieza a defi nir el curso de la canción. Mi mayor aliado es el celular pues en él “tarareo” todas las ideas antes de que se me escapen.

Es el proyecto de mi vida al que he dedicado los últimos 13 años prepa-rándome para ofrecer un concepto personal y artístico bien sustentado en la propuesta musical. Ver lo hecho por todas las personas involucradas en el disco ha sido una gran experiencia. Se trata de unir fuerzas y mentes creativas para crear un producto cada vez más sólido.

Ó pera Prima

ANDRÉS VIGNAU

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Los estudios solían ser un intento de exponer que, en el desarrollo técnico de un instrumento, se está dando un paso más allá. Pero categorizar la música con marbetes no es una práctica estable, porque a veces el término utilizado resulta una traba o no concuerdan con el ejercicio de la creatividad. Si alguien se encuen-tra el tríptico azul que forma la caja de los Estudios BOP, estaría tentado a pensar que Toussaint intentó, desde su trinchera jazzística, sistematizar las difi culta-des técnicas del bebop. ¿Estudios? No. No se notan intentos de catalogar esas “piedras en el camino” del músico, ni de hacer con ellas el corazón sonoro de las piezas. Más bien estas obras hacen recordar. Tienen esa sonoridad añeja, como de quien hurga en los discos de la casa paterna. Parecen salir de esos diez estudios las líneas melódicas en tiempos distintos de Conlon Nancarrow, sobre todo los transcritos para el Ensamble Modern. Y las texturas de instrumentos de aliento en uno de los primeros estudios (ponga play al CD y busque a cuál me refi ero) me trajo a la mente el “Ebony Concerto” de Stravinsky, por tanto tiempo sin escuchar. Hubo en los años sesenta cierta tendencia, en la música de concierto, de no seguir los pasos del serialismo pero sin tapujos para rescatar los ritmos puntillistas y crear impresiones sonoras como bosquejos al carbón de arrebatos musculares: Eugenio tampoco desaprovechó ese material. Vamos, que hasta Claude Bolling por ahí se asoma (uno se expone a esa comparación si jazzea los patrones rítmico-melódicos de Bach, ni modo). Quizá los Estudios BOP sirvieron a Toussaint para observar hasta qué punto su forma de hacer jazz estaba hermanada con la música académica de concierto. Haga el experimento de ver a dónde lo lleva Eugenio. Alfredo Hernández

Estudios BopUrtext, 2013

EUGENIO TOUSSAINT

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entrevistas

Por Benjamín Acosta @benjaminacosta

E n 2011 apareció su álbum debut del proyecto de Diego Solórzano. Su reconocimiento ha ganado terreno y en estos

días realizan una gira con Interpol como preámbulo de su nuevo disco.

Las cosas van muy bien para el ahora cuarteto, Rey Pila. Hace un par de meses fueron residentes temporales en la ciudad de Nueva York para presentarse en varias ocasiones en Pianos, un mítico club ubicado en el Lower East Side. Su fi chaje en Cult Records –el sello discográfi co de Julian Casablancas de The Strokes– va de la mano con la grabación de su nuevo álbum en los Estudios DFA y con la producción de Chris Coady (Beach House, Wavves). Una canción como “Blast” es ejemplo de la estética sonora que han logrado, mezcla de un ingenioso juego de guitarras con sintetizadores que pueden remontarnos a los años ochenta.

Nueva York ha sido impor-tante en diferentes aspectos para ustedes…“Sobre todo porque hemos conocido a gente que queremos mucho, con la que llevamos una buena relación y buenas pláticas, que te contagia de algo que repercute en lo que haces. Es una ciudad difícil como cualquier ciudad grande, pero en defi nitiva me identifi co más aún con la Ciudad de México. Es un lugar que es igual de interesante como cualquier ciudad del mundo”.

¿Cómo fue que Julian Casablancas se interesó en ustedes?“Hicimos tres giras por Estados Unidos y Canadá. Hemos tocado muchas veces en Nueva York y en una de esas, un amigo me dijo que Julian quería verme porque le interesaba fi rmar al grupo. Después de un concierto en el Mercury Lounge fue que me dio la noticia y claro que no le creí. Me convenció al enviarme un correo diciéndome que Julian andaba en el pasillo de su ofi cina, tocó su puerta para saber lo que estaba escuchando porque tenía una de nuestras canciones a todo volumen. Me lo presentó por mail y a partir de entonces todo comenzó a fl uír. He tenido mucho contacto porque se involucra demasiado en todo lo que pasa en su sello, la cuida bastante, está pendiente de todo lo que sucede. Cómo se escucha y se ve”.

¿Cómo es que has perfilado el sonido de Rey Pila?“No me considero un músico profesional. No quiero cargar con esa cruz. Lo veo más bien como una perspectiva o como un punto de vista, así es como concibo el hecho de dedicarme a esto, Para bien o para mal, no estoy sujeto a esas reglas. Cuando las tienes, la ventaja es que, cuando quieres pasar de la idea al instrumento, llegas en dos patadas. Respeto a los que son músicos de verdad”.

¿Qué tanto te influyó lo que escuchaban tus padres?“No necesariamente me gustaba todo lo que a mis padres les gustaba, pero así fui defi niendo mi camino. Mi papá es fan de los Rollling Stones y me emocionaba ver las portadas de los acetatos y pensaba que eso justo quería ser. También era común escuchar en esos días a The Beatles y The Who, pero a quienes descubrí por mi cuenta y me impactaron fue a los

Ramones. Esas canciones tan breves y tan rápidas me impactaron

lo sufi ciente para seguir en la

ruta. Fue algo simplemente fascinante”.

Empezaste muy joven a hacer

música y has sabido evitar

el estan-

camiento creativo…

“Siempre me ha gustado la música. Cuando todo terminó con

Los Dynamite no quise dejar de

hacer música, entonces empecé algo nuevo que no

estaba defi nido y se fue dando poco a poco. Sólo me dejé llevar por lo que me gustaba para hacer otra banda”.

El nombre de la banda es curioso…“Siempre me he sentido muy atraído por el mundo

de las artes plásticas. Mi mamá es fotógrafa, entonces ella especialmente me heredó eso. Siempre

he tenido contacto con artistas. En una exposición de Jean-Michel Basquiat y Francesco Clemente vi en uno de los cuadros la leyenda: ‘King Battery’.

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LA BATERÍA SE CARGA CONRey Pila es: Diego Solórzano, Rodrigo Blanco, Andrés Velasco y Miguel Hernández.Guitarras: Fender Stratocaster,Telecaster; Gibson 335. Bajos: Fender Jazz Bass; RickenbackerTeclados: Mini Moog y Prophet. Batería: Ludwig

EL EFECTO CASABLANCASJulian Casablancas participó con su guitarra en las canciones “Alexander” y en el cover que hacen de “Lady in Red”, el éxito ochenteno de Chris De Burgh. Son la banda de apertura de Interpol en su gira por Canadá, la costa oeste de EU y otras ciudades para presentar su nuevo álbum El Pintor. En octubre formarán parte del Festival Austin City Limits.

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entrevistas

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ARTISTA DE DOS FACETASP ianista, compositora, cantante y actriz. Las dotes artísticas son de

herencia para la cubana Lena Burke (el árbol genealógico indica: madre, Malena Burke, cantante; padre, Rey Nerio, trombonista, director musical y productor; abuela, Elena Burke cantante, icono del son, la rumba y el bolero cubano). Su carrera inició en los coros (Plácido Domingo, Chayanne, Gloria Estefan, entre otros) y fue Alejandro Sanz quien en 2005 le dio oportunidad de mostrar su talento como cantautora y lanzar su primer disco.

Protagonizó el filme La Mala de Pedro Pérez Rosado, cinta para la que también escribió toda la música y fue el proyecto a trío junto a Alex Ubago y Jorge Villamizar (ex Bacilos) lo que le diera su primer Latin Grammy y, sobre todo, un periodo de aprendizaje que sirvió para consolidar su personalidad como artista de dos facetas: intérprete y compositora. Así lo revela su segundo disco con canciones de intenso acento rítmico que dan un renovado giro al estilo que la ha caracterizado como baladista pop, álbum que presentará el 6 de noviembre en el Lunario del Auditorio Nacional.

¿En qué contexto germinaron las canciones de este disco?“Son temas que ya tenía de cuando estaba en el trío –un par incluso están en el disco que grabamos-; debí posponer el disco en solitario y al retomarlas fue muy rico porque pedían darles otro giro en cuanto al arreglo o la estructura de la letra, como en el sencillo “Si ya no tengo tu corazón”. Este disco tiende al son, a lo tropical. Hice canciones más jocosas en cuanto a las letras, usé un poco el estilo de la trova, es algo con lo que estoy experimentando”.

“Evoco esta mezcla de nostalgia y fiesta tan de mi país y de México, claro, que callamos la tristeza con música. Sigo haciendo balada, claro, pero hay más piano, voz, cajón, percusión -los batas, principalmente-. Amé las colaboraciones y así me di a conocer, pero ahora quiero que sepan quien es Lena y me ubiquen como músico y artista, esta es la forma en que anhelo hacerlo”.

Eres músico con estudios formales, ¿cómo suma eso a la proyección de tu carrera?“Me da todos los recursos para desarrollarme creativamente y para mantenerme en forma en lo técnico, reviso escalas, arpegios. Mi repertorio favorito es el barroco con Bach y lo romántico con Chopin y Tchaikovsky. Eso me permite ampliar el concepto de un show y ver dónde poner un puente, qué más en la introducción. Procuro incluir estas cosas de mi formación porque es mi base y lo que marcará mi estilo y la diferencia con otros artistas”.

“Creo que estamos regresando a eso, a mostrarle al público quién verdaderamente puede defenderse sobre el escenario tocando su instrumento. La gente está un poco harta de la súper producción y estamos yendo a lo acústico para notar la esencia del artista, del cantautor. En mi caso es también lo que me ha inculcado mi familia”.

¿Qué pianos y teclados son los de tu elección? “Uso Wurlitzer, Nord y tengo patrocinio de Baldwin (de Gibson). He llegado a una mezcla entre teclados y piano acústico para experimentar al grabar y por lo práctico para hacer

promo y showcases. Pero el que uso para componer es el Baldwin, me encanta su toque, su sonoridad dulce y pastosa”.

Como compositora destaca tu intervención con las sociedades de autor y hacer comunidad con tus colegas… “Sí, ahora que estuve en México unos meses hice unos talleres con la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM), trabajé esa parte de componer en colaboración con otros colegas como Mónica Vélez, Bruno Danzza y Jorge Domínguez, también contacté con Aleks Syntek y Benny para intentar algo. Mi publishing está con Warner Chappell y soy parte de ASCAP (American Society of Composers, Authors and Publishers) y he dado talleres de compo-sición para otros artistas en inglés y español (coincidí con Natalia Lafourcade en uno de éstos). Hacer grupo nos ha tomado más tiempo en América Latina, los gringos están más acostumbrados a eso, y también me he inscrito en esta organización para entender cómo funcionan las regalías, quién cobra y qué. Es parte de madurar como artista porque te debes ocupar de eso también, sobre todo si juegas estas dos carreras como intérprete y compositor”.

“Por eso me encantó estar en el ciclo Autor3s que se presentó en el Lunario con Gian Marco y Amaury Gutiérrez, la apuesta es volver a darle su lugar al

compositor; de ahí vino lo del taller y surgieron peticiones de hacer canciones para otros. Las coautorías te dan eso, el oficio para decir “de ocho a doce me siento a escribir”, te ordenas y sale porque tienes la presión del tiempo de entrega. Yo me sumo a esta visión de darle protagonismo a la canción; provengo de una familia que tiene a reinas de la bohemia y para mí un show como ése y el que haré en noviembre, me hace regresar a lo básico: el piano, la guitarra y el tambor; la gente es sensible a eso y responde con mucho cariño. Es la Lena que quiero ofrecerles”.

entrevistas

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Formado por Sandra Cuevas (voz, composición, teclados), Juanjo López (guitarra, composición, voz) y Hernán Hecht (batería, voz, producción), Sho Trío es un proyecto que pone a las canciones en rol protagónico, vestidas con sonoridades que ayudan al escucha a sopesar las estrofas y el mensaje que en éstas se traza.

En Ser (Fonarte Latino, 2014), las letras son de invención colectiva y también coplas que versionan piezas de cantautores como Víctor Jara (Chile), Fernando Cabrera (Uruguay) y Juan Carlos Baglietto (Argentina) cuya obra alimenta el movimiento de proyección folclórica y que, en este caso, suma al folk una aproximación jazzística contemporánea.

El álbum ve la luz gracias al esquema de crowdfounding que ofrece la plataforma Fondeadora; en lo musical se percibe audacia y humildad para ejercer el desapego y acercarse al ensamble con otros oídos, ejercer un gusto por experimentar, dejarse editar y así llevar el sonido a un nuevo lugar.

Sonaron mucho con Temporal su primer disco y de repente vino la pausa. ¿Qué pasó y cómo mantu-vieron el formato activo para hacer esta producción? Sandra: “En realidad seguimos tocando y el proceso de crear lo fuimos llevando de la mano poco a poco. Se dio también en el periodo en que Hernán se puso a construir su estudio y debió invertir tiempo para aprender y mejorar los aspectos de sonido que él quería desarrollar en éste y que nos servirían para concebir esta grabación. Juanjo y yo “tallereamos” bastante en la composición e íbamos mostrándole las cosas a Hernán.

Juanjo: “Del ejercicio de llevar una idea musical de partida sobre la que San cantaba y yo construía una armonía o hacíamos la letra, Hernán las pulía o ajustaba en términos de estructura, forma, para tener un concepto estético de mucha riqueza sonora y rítmica para ciertas canciones y eso las hizo crecer”.

Hernán: “Al fi nal fue una fortuna poder hacer el disco en casa, digamos, porque no dependimos de nadie ni nada y eso nos permitió explorar, experimentar y hacer un trabajo a nivel producción totalmente nuestro”.

Se percibe un sonido rico en texturas, con más experimentación San: “Eso tiene que ver con el rol que como productor también tuvo Hernán, nos ayudó mucho porque nos hizo interpretar las cosas desde otro sitio. En mi caso, primero que yo tuviera apertura para dejarme guiar por él respecto a lo que podía o no hacer con mi voz y de su parte la claridad para establecer que tal canción requería o no ciertas cosas. Y también ha implicado que yo intervenga más en lo musical, que toque porque en el disco anterior sacamos los sonidos de una galería y ahora yo los debo hacer y es un reto porque los creó Hernán y pues me pasó la tarea, no. Ha sido de nervios pero me encanta, estoy feliz porque es otra forma de dar un extra al interpretar nuestra música”.

Hernán: “Para mí la base es dar estrategia a la canción, saber cuál es el discurso verdadero que hay detrás de ésta y evitar que el músico haga “overplay” y ponga notas de más que sólo estorban para lo que se quiere decir, restando poder a la idea. Esa fue mi guía, que hubiera claridad en el discurso, sin caer en lo fl oreado”.

Juanjo: “En mi caso grabé con una guitarra con cuerdas de nylon y ese factor cambió mi forma de tocar, me costó trabajo porque conceptualmente era como interpretar un instrumento nuevo, inexplorado y eso fue un reto increíble para mí por el resultado que se plasma en el disco”.

En cuanto a las letras, ¿qué hay de su reversión a compositores? Sandra: “Son autores que nos encantan y también estamos infl uenciados y enamora-dos del movimiento de proyección folclórica que se está dando en Sudamérica. Son tres, “Un Gigante de Ojos Azules” de Juan Carlos Baglietto, “Luchín” de Víctor Jara y “Te Abracé en la Noche” de Fernando Cabrera. Y también incluimos una canción que hicimos del poema de un querido amigo, Carlos Osorno, “Caña Cañita”, el arreglo está increíble”.

Ser fue posible por el sistema de crowdfounding vía Fondeadora, ¿qué destacan del uso de esta plataforma?Sandra: “De entrada que el modelo es muy confi able, otros colegas lo han usado y es muy bueno porque te permite generar incluso una estructura para sostener la difusión de tu disco. Y por otro lado, nos sorprendió y conmovió mucho la respuesta que se genera porque el intercambio con la gente es directo, son ellos los que promueven el proyecto y atraen a otros para que se sumen. Eso crea una complicidad bien fuerte que reafi rma también la razón de ser del proyecto que tenemos entre manos, que es genuino y valioso para la escena musical de nuestro país”.

Sho Trío, la bellezade ser un discursomusical concreto

SHO TRÍO, EL ALMA SONORA CON Sandra: Teclado Yamaha, percusiones Lp Juanjo: Guitarras eléctricas Gibson 330, Fender Stratocaster. Amplifi cador: Bogner. Efectos: RAT, Boss Delay DD3, Eventide ModFactor, Line 6 DL4 Delay, DOD Overdrive, TC Electronics reverb.Hernán: Batería Gretsch New Classic (18, 12, 14”). Tarola y baquetas: Fig Drums HH Signature. Platillos: Zildjian. Parches: Evans. Atriles: Gibraltar. Micrófono: Sennheiser. Controlador MIDI, procesador de efectos y sampler: Korg Kaosspad

SHO TRÍO, EL ALMA SONORA CON Sandra: Teclado percusiones Juanjo: Guitarras eléctricas

entrevistas

Por Benjamín Acosta @benjaminacosta

D etrás de un título provocador, la cantautora chilena desdobla sus ideas

para establecer una serie de contrastes sonoros. Hablamos con ella para saber los porqués de Tajo abierto.

Se trata de su tercer álbum, el momento que encontró para explorar la ramificación de su música. La crudeza de Muérdete la lengua (2007) y el pop juguetón que atraviesa Buen soldado (2011), fueron los pasos previos para llegar a este punto. Esa lógica que incide en la perspectiva que se agudiza con el tiempo se refleja en su nueva entrega.

De principio a fin, de forma inconsciente, el escucha se dará cuenta que Tajo abierto establece un balance natural entre los ambientes sombríos y aquellos que resplandecen como un soleado amanecer. Hay que reconocer que Francisca ha conse-guido una producción que debe repasarse con calma y, más que pensar que estamos del otro lado de la metáfora de una herida fresca, sentir las historias que nos comparte envueltas en los hallazgos que aparecen como regalo de su búsqueda. Tomamos como punto de partida, algunas canciones para poner el dedo en la llaga.

¿Cómo influyó tu experiencia para afrontar este álbum?“En el hecho de estar más consciente no sólo de los procesos creativos, sino también de cada una de las etapas. Lo hice con mucho entusiasmo para avanzar haciendo las cosas distintas. Pude diseñar el escenario ideal hasta tener el material suficiente y grabarlo con las personas ideales para ello”.

Canciones como “Armadura” y “Estremecer” se van por un lado electro pop que no es común en tu trabajo…“Es parte de la diversidad que quise imprimir. Cada tema habita su propio mundo y buscamos la vestimenta para

que así crecieran de manera óptima. Con éstas dos en particular hice algo que es completamente nuevo para mí: meterme al estudio a “jamear” sin una banda. Se rompió mi esquema a la vez de provocar un proceso más íntimo y armar las maquetas con máquinas con un desarrollo más lineal, más frontal y cíclico. Fue tal como en un inicio escuchaba en mi cabeza pero que no sabía cómo plasmar”.

Por el contrario, “Catedral” es especialmente oscura y densa…“No había compuesto canciones que tuvie-ran este permiso, porque siempre he sido más “verborréica” y explicativa. Es algo inconsciente, porque así me sale la música. Y al emprender una búsqueda distinta, me encontré con canciones que conectaban

con otras partes de mí, quizás con el ánimo de ser más introvertida. Cuando estaba en el estudio con Dave Sitek la escuchába-mos a todo volumen y me encantó sentirla tan espesa y envolvente. Se ha convertido en una de las canciones que más me gusta interpretar en vivo”.

“Siempre eres tú” está en la misma frecuencia…“Es como su hermana por esta cosa chamánica. Cuando la escribí y empecé a tocar en el piano en la intimidad de mi habitación, fue como invocar al relámpago. Sentí un empoderamiento delicioso, no sabía lo que era eso como compositora ni como persona”.

Y en “Cuequita del corazón” sacas parte de tus raíces chilenas…“La escribí de una sentada y cuando la terminé sabía que debía tener la esencia de alguna manera folclórica y de cantautor chileno. Quise grabarla en mi país con mi equipo, con instrumentos cuequeros y así fue. Se hizo en Estudios del Sur con mi banda y lo produjimos entre nosotros de forma orgánica, como una joyita aparte dentro del disco. La escribí desde un lugar luminoso y cariñoso. Soy fan de Violeta Parra y su forma para balancear la oscuridad con lo lúdico que puede ser su música. Quería acercarme a ella e invocarla respetuosamente”.

Con todas estas variantes y por la forma como te expresas, el título es ideal pero también fuerte“Fue muy difícil elegir el nombre. La razón es porque representa el disco por esa mentalidad y espíritu, además cada canción alude al cuerpo. Tiene una corporalidad y anatomía siempre presente en las canciones. Pensaba ponerle Catedral, Defecto o Cuerpo cuadrado. Tajo abierto lo había dejado un poco escondido porque me parecía quizás polémico, muy gráfico, por esta cosa quirúrgica o con un doble sentido”.

FranciscaValenzuela.Claroscuros encapsulados

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En Tajo abierto, intervienen los productores:

Dave Sitek (TV on the Radio) Áureo Baqueiro (Natalia

Lafourcade)Jesse Rogg (Sam Sparro)

Vicente Sanfuentes(Los Amigos Invisibles)

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Franciscaes “nordmaniaca” y…

“En general los Nord me gustan mucho porque son demasiado

dinámicos y versátiles. Soy “nordma-niaca”. En cuanto a guitarras, “me

tiene muy alucinada una Reverend que compré usada en Los Ángeles. Estoy además vuelta loca con el tema de los pedales. Usé en este disco un Line 6 como “loopera” -el de delay- para hacer capas de

voces”.

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entrevistas

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Por Benjamín Acosta @benjaminacosta

La Gusana Ciega. Colorido esplendor

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S e trata de una banda con sólida trayectoria y un estilo identifi cable; recién formaron

parte del cartel del festival Rock al Parque en Colombia. Moncarca es un álbum que consigue la renovación en su perseverante andar. Los años noventa representaron el espacio para su origen mientras exploraban algunos clásicos como The Doors, The Who, Kinks y Pink Floyd. “Uno de los obstáculos que aparecían en el inicio era que no nos contrataban para tocar por la semejanza en el sonido con otros grupos. Defi nirnos en ese sentido nos llevó bastante y tardamos seis años en grabar nuestro primer disco”, explica el cantante y compositor Daniel Gutiérrez, quien forma la banda con Germán Arroyo (batería), Jorge Vilchis (guitarra) y Lu Martínez (bajo).

Hablando sobre infl uencias actuales, el también guitarrista menciona a The National, Arcade Fire e incluso artistas más jóvenes. “Revisé a fondo el Unorthodox Jukebox de Bruno Mars y me impresionó cuando lo comparé con los demos de algunas canciones. Me impactó la forma como se transformaron al llevarlas a lugares muy distantes. Quería experimentar en ese sentido, partiendo de una melodía muy sencilla y fresca para recrearlas”, comenta acerca de canciones como “Sobre fi nal” y “Califórnica”, las cuales tuvieron como punto de partida otras como “Eyes Without a Face” de Billy Idol y “Drive” de The Cars.

¿Porqué grabaron en Vancouver con Howard Redekopp?“Nos llamó la atención principalmente su trabajo con The New Pornographers. Después de haber estudiado varias opciones, así lo decidimos porque además fue con quien mejor vibra hubo con todos nosotros. Es ben importante que alguien pueda balancear la energía, en las decisiones creativas. Es así como logramos el punto de vista necesario para defi nir y echarle la culpa al productor (risas)”.

¿Cómo es que pudo concentrar su energía y orientar las ideas?“El fl uir de todo en general es básico. Su aportación básicamente se concentró en los arreglos de batería y bajo. El hecho de cuidar esos detalles, hace de este disco uno muy diferente a los anteriores. Hizo un trabajo con estilo perfeccionista, casi quirúrgico. Por otro laso, su estrategia consiste en dejar que soltemos lo que traemos y sobre la marcha nos proponía ciertos ajustes”.

¿Hubo algo en particular en la parte técnica?“Grabamos en una cinta de dos pulgadas de 20 minutos. Registramos las tomas que cabían y de ahí a Pro Tools. Repetimos el proceso varias veces por la longitud de la cinta que tenía que borrarse cada vez al grabar lo siguiente. Esa comprensión de la cinta le da una sonoridad muy cálida y particular”.

“Canción a Merlina” en sus inicios se convirtió en una especie de himno…Llevamos mucho tiempo sin tocarla porque hay mucha gente que no escuchó el primer disco. Pasa algo muy padre porque el grueso de nuestros fans tienen 22 años en promedio. Está increíble porque en los conciertos sólo tocamos la música más nueva”.

Surgen siendo independientes y ahora es la condición en la que trabajan…“Tiene que ver con nuestra forma de ser, supongo. La etapa que vivimos en Universal fue muy valiosa pero ahora todo esto nos mantiene más ágiles y muy pendientes de lo que realmente funciona y de lo que quieren los fans. Es así como evitamos estar en la zona de confort. Nos importa estar conectados don la realidad y creemos que es también por eso que nuestra audiencia se ha renovado. No sentimos que hayamos logrado todo. La salida de cada disco implica salir a ganarnos a la gente. La independen-cia nos mantiene con esa energía”.

EL ENCANTO DE LA GUSANA SE

CONSTRUYE CON:Bateria: Yamaha

Maple Custom Absolute // Herrajes: DW 5000 // Platillos:

Zildjian A Custom // Baquetas: ProMark

5AGuitarras: Fender Jazzmaster; Guild

S100, electroacústica F40; Gibson SG;

RickenbackerAmplifi cadores: Fender Twin Reverb 65, Deluxe

Reverb; Holland Gibb droll 4x10; Vox

AC30Bajos: Fender Jazz

Bass, Ampeg Heritage B-15 Bass

Squeeze, DigitechEfectos: Big Muff PI; Boss Tremolo,

Small Tone, Line selector, Tuner; MXR Phaser, Ibanez Tube Screamer, Compresor

Demeter, Analog Delay AD9; Fulltone

Full Drive 2; H.B.E., Germacide Multi Frequency Booster;

Durham Electronics Sex Drive Boost;

Moog Ring modulator; Digitech PDS 1002 Two Seconds Digital Delay; Electro-Harmonix

Holy Grail; ZVEX Super Hard On Boost;

Bass Micro, Synthesizer Sans Amp Bass driver.

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Redacción: Víctor Baldovinos

entrevistas

Antonio Lozoya es un incansable músico y promotor del jazz que en las planicies del Bajío mexicano encontró su campo de batalla. Egresado de la Escuela Superior de Música, el bajista ocupó posiciones con el grupo Montaje, Remi Álvarez, el maestro Francisco Téllez y el legendario marimbista Zeferino Nandayapa. Por trabajo llegó a San Miguel de Allende, se enamoró del ambiente y decidió mudarse al romántico poblado donde hoy se encarga de los destinos del Festival Internacional de Jazz & Blues que en noviembre de este año cumplirá su vigésima edición ininterrumpida.

“La anterior directora, Elena Shoemaker, una americana radicada en San Miguel, me invitó a participar en la Dirección Educativa. Fue bien interesante porque me di cuenta de que los estudios pueden ser aprovechados y empecé por organizar algunos talleres y ha sido lo académico una actividad que ha permanecido en el festival, involucrando a más personas. Se han convertido en conciertos didácticos sobre la historia del jazz”.

“Se fue haciendo una cadena interesante. Empezamos a trasformar un poco la participación del público porque la gente pensaba que esta música es solamente para extranjeros y, poco a poco, la gente local se fue integran-do. El resultado es que ahora tenemos mayor participación del público mexicano”.

Antes, el evento parecía encerrado“Este festival surgió como una fi esta para que la comunidad extranjera celebrara el Día de Gracias americano, por eso se lleva a cabo la última semana de noviembre, pero resultó complicado traer artistas porque eran los días que estaban con la familia y no tomaban ninguna negociación para ese periodo”, reconoció el promotor; “además de que no tenía la difusión nacional que otros festivales tenían”.

El festival salió de San Miguel en 1997, cuando con el apoyo de Erik Montenegro -entonces editor de la revista Music:Life y locutor en Horizonte FM- quiso sumarse a la difusión de un festival con más de una década

ininterrumpida de vida: “A partir de ese año se supo que existía un festival en San Miguel de Allende por la suma de esfuerzos como el de esta revista. Por nuestro lado empezamos a buscar a más medios de cobertura nacional y a desarrollar una página web de consulta que no había como tal”.

El show debe continuarA pesar del limitado apoyo institucional, la directiva saca arrestos e ingenio para mantener vivo el Festival. “Hace un par de años tuve ganas de traer a Oregon porque es uno de mis grupos favoritos, con la alineación completa, no se logró porque Ralph Towner vivía en Italia pero contactamos a Paul McCandless y fue así que pudimos hacer este concierto con él. Y lo mismo ocurrió con Dennis Gruenling, bluesman de abolengo.

“Me he dado cuenta que la conexión más fuerte del públi-co mexicano es con el blues y para muchos, resulta más fácil llegar al jazz por medio del blues o el rock. La idea de introducir blues al festival es por hacer contacto con la gente. Además, lo enriquece de manera abrazadora y creo que el blues es un buen eslabón”, concluye Antonio, “esto nos permite tener más cercanía a distintos públicos.

Impulsor invencible. Por el Festival Internacional de Jazz & Blues en San Miguel Allende, una nueva tradición en el Bajío mexicano, le damos gracias.

el guerrero sincopado de San Miguel de AllendeANTONIO LOZOYA,

El cartel de la XX ediciónKing Solomon Hicks Blues Band

Brice Winston Jazz Group Peter Bernstein Jazz Quartet

San Miguel Jazz Cats

GONHER DISTRIBUIDORA @GONHERMEXICOCLIENTES@GONHER.COMWWW.GONHER.COM

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@soypopesponjaPor Alejandro González Castillo

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“T omamos sonidos que van de la música norteña hasta el

jazz, pasando por el rock y la música electrónica; nuestras canciones no cuentan con un sonido específi co, algunas suenan muy rudas, con guitarras distorsionadas; pero otras tienen pasajes acústicos y tiempos lentos”. Ahí la voz de Víctor Cassin, quien al lado de Iván Mont, Luis Morelli y Héctor Haradan conforma Un Día de Octubre, un grupo proveniente de “Cd. Juárez, aunque ya estamos viendo la posibilidad de mudarnos al DF, porque cada visita que hacemos a la capital notamos que la gente nos recibe mejor”.

Hablas de versatilidad en el perfi l sonoro del grupo, ahonda al respecto. “Por ejemplo, temas nuestros como “Salvarme” y “Cierra los ojos” son en cierto grado experimentales, pues escapan de la alineación base común del rock (bajo, guitarras, voz y batería) gracias a que al momento de grabarlas tuvimos la oportunidad de sentarnos a escuchar con calma cada track en el estudio, para buscar nuevos sonidos, fi ltros, efectos”. El grupo adquirió notoriedad a raíz de que ganaron un concurso, el Rockampeonato. Gracias a esto tocaron en el festival Vive Latino. “Fue emocionante descubrir todo el talento nacional que existe, pasar las primeras dos etapas del concurso hasta llegar a Chihuahua y luego a la fi nal en Guadalajara, donde resultamos ganadores. El premio fue grabar un disco y formar parte de una gira con El Tri, Kinky y Bomba Estéreo, fueron ocho fechas en Monterrey, Tijuana, León, Mérida… estuvo muy padre. Aprendimos

de responsabilidad y puntualidad, de profesionalismo. Antes ya habíamos tenido participaciones en algunos escenarios grandes de Chihuahua, pero nada como la gira del Rockampeonato ni tocar en el Vive Latino. La verdad es que el Rockampeonato está rodeado de gente con mucho talento, como Café Tacvba, Los Liquits y La Gusana Ciega, y aliarte con artistas así de importantes te hace alcanzar una visión diferente de la música”. Y ahora tienen entre manosEl malherido, un disco grabado con la ayuda de Joselo Rangel (Café Tacvba). “Sí. Él fue a visitarnos a Cd. Juárez y nos ayudó a concretar las maquetas de lo que terminaría siendo nuestro disco. Lo grabamos en Aguacate Records (DF) y el ingeniero fue Renato Del Real, hermano de Meme (Café Tacvba), pero quien supervisó todo el proceso fue Joselo. Estuvimos con él como tres semanas pues contábamos con material para hacer un disco doble”. ¿Qué tan importante fue la participación de Rangel? “Joselo buscaba la sencillez, los arreglos certeros, bien hechos, para arrojar un resultado comercial, porque la idea era crear canciones que vendieran. De hecho cuando empezamos a vernos, en Cd. Juárez, él tenía un pizarrón donde nos daba clases de estructuración, y todo esto nos ayudó a terminar un disco que defi nitivamente suena bien gracias a los apuntes que él añadió. Por ejemplo, “Ella fue” contaba con un coro mal acomodado y él nos hizo moverlo de sitio y repetirlo más veces, también redujimos ciertos arreglos, como una fi gura de guitarra que era demasiado extensa; “Dime cómo

fue” la hicimos armando una batería con tambores de diversos modelos y ahogando los parches con almohadas para sacar un sonido lo más rudimentario posible, recuerdo estar experimentado de esa manera en un ambiente muy relajado como a las cuatro de la mañana y, lo mejor, llegando a buenos resultados. En “Ya ves” aplicamos lo que Joselo nos enseñó respecto al clic, porque no sólo hay que seguirlo, sino usarlo a favor; por ejemplo, cuando tocas debes tener en cuenta que siempre va a estar ahí, no hay que perderlo de vista, pero se vale de pronto retrasar un poco el tiempo para ofrecerle a ciertos temas dramatismo”.

Y en directo, ¿cómo se desenvuel-ven ustedes como músicos? “Somos un grupo que suena con más punch en directo. En “Muerte azul”, por ejemplo, a la mitad le metemos “Tragos de amargo licor”, para que el público partici-pe. Pero realmente estamos aprendiendo todo el tiempo, evolucionando. Tenemos a nuestro favor una seguridad que antes no conocíamos gracias a la exposición que hemos tenido. Tocamos hace poco en el Palacio de los Deportes al lado de Molotov, Julieta Venegas, Los Amigos Invisibles y otros ante más de 20 000 personas”.

@soypopesponjaPor Alejandro González CastilloPor Alejandro González CastilloPor Alejandro González Castillo

UN D ÍA DE OCTUBREEL PROFESIONALISMO COMO META

EL EQUIPO PARALOS DÍAS DE OCTUBRE:

Batería: Tama Rockstar con platillosZildjian y Paiste.

Guitarras: Fender TelecasterAmplifi cadores: Fender y Ampeg

Bajo: Fender JaguarAcordeón: Mirage

// Teclado Roland Juno

P A L A B R A S M Á S P A L A B R A S M E N O S

Por Alejandro González Castillo

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“M i mamá trabajaba en el departamento

de discos de una tienda de autoservicio y mi papá en una discoteca, por eso ambos llevaban discos a la casa diario, de Sabú y Óscar Athié, por ejemplo. Cada fin de año, a mi mamá le regalaban un álbum compilatorio de diversas disqueras, y en una de esas me encontré con “Pocket calculator”, de Kraftwerk, y con “Working in a coal mine”, de Devo. Desde entonces, todo cambió para mí”. De esta forma cuenta Abulón, voz de mando de Víctimas del Dr. Cerebro y Abominables, el embrujo que le provocó escuchar canciones construidas con sintetizadores por vez primera.

¿Escuela de música o escuela de la vida?“Mil veces la de la vida. Estudié alguna vez en una escuela y no me gustó nada, no me acoplé. Quizás tuve malos maestros o las clases eran aburridas. Pienso que en ocasiones la escuela te limita mucho; sin embargo, ahora mismo creo que hay muchas cosas que aprendes en la escuela que pueden darte cierta ventaja”. ¿Recuerdas cuál fue la primera canción que escribiste?“Como a los 19 años de edad hice “Ya tus amigos me dijeron”. Mi instrumento “oficial” siempre ha sido el sintetizador, pero cuando inventé esa canción ni siquiera sabía tocarlo bien. Además, no era mi intención escribir una rola que la gente escuchara; sino descubrir si yo era capaz de estructurar y componer un tema, sólo eso”.

¿Existe alguna composición que te gustaría robar?“Hay muchísimas. No sé, creo que “Young americans”, de David Bowie, sería una de ellas. Porque suena a Elton John, pero también a Marvin Gaye; es un soul muy blanco, una canción muy visual, bien descriptiva. En español, me robaría “El diablo en el cuerpo”, de Size; o alguna de Fobia, porque Paco Huidobro es uno de los mejores compositores del rock mexicano, cualquier canción suya es buena”. ¿Alguna vez has extraviado un instrumento? “Una vez me robaron un Space Echo. Lo dejé en la cajuela del

coche en un viaje a provincia, alguien se dio tinta de la acción y me dio baje. Me duele hasta el tuétano ese robo porque a la fecha no he podido conseguir ese aparato”. ¿Existe algún instrumento que te gustaría aprender a tocar?“Me gusta mucho el bajo, creo que es el mejor instrumento que hay y me encantaría tocarlo chido. Es que originalmente yo iba a ser baterista, de ahí viene mi atracción hacia la base rítmica”.

¿Miras con recelo a algún tipo de músico en especial? “Ninguno me saca de onda. Cualquiera que haga a un lado una vida normal para meterse a la música se merece mi respeto. Bueno, me saca un poco de onda el músico que de repente piensa que es superior a los además, que se considera especial. Yo creo que todos los músicos somos especiales, ¿qué importa si se trata de metaleros, reggaetoneros o norteños? Lo que interesa es hasta dónde llevamos nuestra música”. ¿Cuál es la parte más complicada de tu labor como músico?“Absolutamente todo lo que no tenga qué ver con la música. Managers, editoras, derechos de autor, disqueras, empresarios, logística. Todo eso detesto. Aunque siendo un artista independiente uno tiene

que aprender a hacer de todo y no necesariamente confiar en un contador o un manager, por ejemplo. Hoy día muchos músicos son inútiles en ese sentido; quizá no se dan cuenta de que hacerle a la talacha los transformaría en músicos completos”. ¿Cuál es tu instrumento favorito?“Los sintetizadores polifónicos de finales de los setenta a principios de los ochenta. Hay un modelo en especial, derivado del Moog polifónico cuyo nombre no recuerdo… Mh, no, no me acuerdo. Pero todos los teclados análogos del 83 para abajo, me fascinan. Te lo digo porque los colecciono”.

Para terminar, ensambla la agrupación de tus sueños. “Un súper trío: Alan Vega, Gary Numan y Lou Reed.El grupo se llamaría Cerdo Super Science”.

ABULÓN

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Producción

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[ Instrumentos ]

David Smith InstrumentsSintetizador análogo monofónicoMopho Keyboard Con los atributos sonoros del famoso Prophet 8, esta variante compacta con 32 teclas posee dos generadores de sub-octavas, dos osciladores, fi ltro de dos o cuatro polos, control de feedback, modulación (cuatro LFO) y secuenciador. Tiene conexión MIDI y salidas de audio dedicadas, además de una entrada de audio extra para sumar equipo periférico y también un pedal de sustain. Permite aumentar la polifonía añadiéndole un Tetra extender e incluye software gratuito para edición y grabación en Mac y Windows.

www.davesmithinstruments.com Sonor

Pedal para bombo Perfect Balance by Jojo Mayer

Inspirado en la mecánica que dio vida a los pedales de los años cuarenta, el maestro Mayer añadió a este pedal más longitud al footboard y éste brinda más naturalidad al mecanismo de tracción (de una sola pieza) con el que se impacta el bombo. Con esto el baterista puede ejecutar técnicas de heel-toe o

slide sin perder la sensibilidad del movimiento que le provee la fuerza de su pie.

Distribuidora Gonher (55) 9152 4600www.gonher.com / www.sonor.com

Blue Microphones Micrófono dinámicoenCORE 100Versátil, de tipo cardioide, se le puede usar para actuaciones en vivo y en estudio, pues captura de manera natural la voz, sin perder claridad ni detalle de los registros emitidos por el cantante. Su frecuencia de respuesta es de 50Hz-15kHz e impedancia de 250 ohms y nivel de presión sonora máximo de 147 dB.

Vari Internacional (55) 9183 2700 www.varinter.com.mx www.bluemic.com

Producción[ Instrumentos ]

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Cerwin-VegaMezcladora / CVM 1022Equipada con sistema de ecualización de tres bandas, este modelo compacto y portátil de diez canales brinda versatilidad para aplicaciones en home studio o pequeñas presentaciones en vivo como parte del set personal de audio para un instrumentista. Su panel presenta cuatro entradas de micrófono XLR, dos mono y cuatro más de línea en estéreo.

Representaciones de Audio (55) 3300 4550 www.repdeaudio.com.mx / www.cerwinvega.com

Producción

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[ Instrumentos ]

CortGuitarra Eléctrica / SOURCE CR Integrante de la familia Hollow Body, ofrecen un sonido opaco (producto del uso de arce para la construcción de su cuerpo y caja) que funciona perfecto para la síncopa, el R&B y el blues. De 22 trastes, está equipada con cuerdas D’addario EXL110 y pastillas ClassicRocker-II CR2NS-F y CR2NS-R (H-H). Tiene dos controles de volumen y una dupla más para tono.

Casa Veerkamp (55) 5709 3716www.veerkamp.com / www.cortguitars.com

PioneerAudífonos / DJE-1500 Para revisar sin perder detalle los sets musicales que se cargaron al smartphone, laptop o tableta, Pioneer propone estos audífonos intra-auriculares, con cancelación de ruido externo y ultra ligeros que no afecta el canal auditivo pues se acoplan a la anatomía del usuario. Los DJE-1500 tienen la particularidad de poseer sólo un driver electrodinámico, responsable de generar bajos profundos, en tanto que su diafragma con cobertura de cerámica y una bobina de aluminio revestido en cobre garantiza la respuesta de amplitud de frecuencias.

Pioneer México

DR Strings Cuerdas para bajo quinto & sextoHechas con la aleación de tres diferentes materiales, a saber, acero inoxidable, bronce y níquel plateado, estas cuerdas de calibre a .060 y .080, ayudan al ejecutante a extender el brillo y musicalidad del instrumento, tras percutir éste. Son parte de la gama Zebra Series, identificada para los instrumentos del género folk, que abarca encordados como la mandolina y el banjo.

Holocausto Music (55) 5709 9046www.holocaustomusic.comwww.drstrings.com

www.pioneer-mexico.com.mx

Producción

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[ Home Studio ]

MD STUDIOSFilosofía: Baterista, con estudios en arreglo y composi-ción, desde hace seis años Rodrigo Ramírez García comanda los faders en MD Studio para la producción musical y enseñanza del audio, en un espacio que cuenta con depurado acondicionamiento acústico en su cabina de grabación y un robusto listado de equipo y backline. “Soy baterista y arreglista, quería unir esos mundos expe-rimentando en la producción y eso me llevó a incursionar en el audio y, de a poco, adiestrar mi oído para grabar y mezclar las ideas de otros”.

“Parto de explorar con sonidos con base en modelos en particular, por ejemplo, para microfonear tener un set con un Shure SM57, de base, más un Sennheiser 409 y un Beyerdynamic M88, con estos además de probar con las posiciones puedo obtener más colores; y así con cada eslabón de la cadena: los efectos, los instrumentos, preamps, etcétera. Voy de lo estándar y ya después pienso en ampliar mi paleta de colores y así no limitarme por falta de recursos al crear, experimentar, estudiar, enseñar y compartir con otros músicos”.

Uso: MD Studios ofrece los servicios de producción y postproducción de audio, lo que incluye grabación de voz en off para infomerciales, comerciales de radio y televisión, podcast, demos para locutores, entrevistas, doblajes, proyectos escolares, grabación de cantantes o grupos, entre otros. Producción musical: arreglos, dirección y programación. Y, finalmente, clases particulares de música que incluye las materias: batería, solfeo, rítmica, armonía, ear training, arreglo, composición y vocal coaching.

Proyectos: Post producción de audio para comerciales (Nextel, Nestlé, Sherwin Williams, entre otros). // Composición, arreglo, grabación y mezcla de la

música para el cortometraje Eliza de Rodrigo Nava // Composición, arreglo y programación del tema musical de la tienda Music Club de Hermes Music // Pre producción de arreglos para el cantante Harry Rivas // Grabación parcial del disco homónimo de Dedo Caracol (Rodrigo Ramírez, batería; Emmanuel Merchand, bajo; Oswaldo Contreras, violín; Pascual Reyes, guitarra y Alex Nexus, sintetizado-res). // Baterista para: Lupita D’Alessio, María del Sol, Tim Holland, San Pascualito Rey, Jamie Rowe, Roger Hudson, Ralphy (ex Menudo), Javier Vercher, Pepe Hernández, Flor Amargo, Dedo Caracol, Marto, entre otros.

Contacto:Facebook/Music Design Studios

LISTA DE EQUIPO: Hardware & Software: Apple Mac G5 Power 7.3, Mac OS X versión 10.5.8, Processor Dual 2.5Ghz Power PC G5 Memory: 8 GB DDR SDRAM // Galería de so-nidos: Vacuum, Addictive Drums, Albino 3, Boom, DB33, Lounge Lizard EP-3, BMini Grand, Omnisphere, Structure Free, Stylus RMX, Trilogy Bass Module, First Call Horns // Acondicionador: Furman PL-8 Series II Rackmount Power Conditioner // Preamps: Focusrite Octopre Serie Platinum; Digidesign 002 Rack // Controlador: M-Audio Radium 49 // Consola: Behringer 16 canales EURORACK UV2442-Pro // Monitores: Alesis One MK2 // Micrófonos: AKG D112 (x1) y C418 (x4); Shure SM81-LC (x4), Dynamic SM57 (x2), Beta-52 (x1) y 51 Vintage de 1949 (x1); Audio-Technica AT8471 (x1); Sennheiser e-604 (x3) y MD504-D (x1); Rode NT1-A (x1) y NT2 (x1). //

BACKLINE.Baterías: Yamaha Nippon Gakki 1959 Vintage Model, Recording Custom (vasos normales), Recording 1980 Model (vasos cortos) // Tarolas: Yamaha Steve Gadd Model Maple Shell 14x5”, Leon “Ndugu” Chancler Model Brass Shell 14x 5.5”, Sonny Emory Model 8 ply Beech 14x5.5”, Stage Custom Advantage (Custom Made Wood Shell) 10x11”, Vintage Model 1960 Maple Shell 14x5”, Steel 14x6”, Recording 1980 Steel 14x5”; Pork Pie Maple 13x6”; Orange County (entorchado Pure Sound) 15 ply Maple 14x5.5”; Ludwig 1960 Aluminium 14x5”; Black Panther Maple 12x6”, Birdseye Maple Shell 13x3.5”, Brass Shell 13x3.5”; Slingerland 1960 Steel 14x5”; Noble&Cooley Solid Shell Classic Maple 14x7” // Platillos Zildjian - Hi Hats: Master Sound 12’’, Master Sound 13’’ // Darks: K 14’’, A Custom New Beat 14’’, A Custom Quick Beat 14’’, A Custom 13’’, A Custom 14’’; Rides: Dyno Beat Z con K 13’’, Medium Custom Ride K 20’’, Light Dark K Ride 22’’, A Custom Ride 20’’, Custom Dry Ride 20’’; Crashes: K Dark Crash 15’’, K Dark Crash 17’’, A Custom Crash 14’’, A Custom Crash 15’’, A Custom Crash 16’’, A Custom Crash 18’’, A Medium Custom Crash 19’’, Z Mac Crash 18’’; Splashes: A Custom Splash 8’’, A Custom Splash 10’’, K Custom Splash 8’’; Chinas: Oriental China 18’’, Mini China K 14’’ // Percusiones: Lp Jam Block Rojo, Jam Block Azul; cencerros Meinl y Lp Deluxe Black Beauty, Salsa Timbale; shaker Softshake, pandero de mano.

Producción [ Scan ]

S I S T E M A I N A L Á M B R I C OB E Y E R D Y N A M I C T G 1 0 0

C uando hablamos de la selección de un micrófono para eventos en vivo hay diversos factores que debemos tomar en

cuenta y resulta muy complejo si no tenemos conocimientos pre-vios sobre características y parámetros para hacer una selección correcta, ya que varían ampliamente en tamaño, forma, calidad de sonido, características acústicas, entre otros.

Por otro lado, también hay que considerar que cantantes y presen-tadores suelen preferir un tipo o modelo de micrófono sobre los demás. En esta ocasión hablaremos de un sistema inalámbrico, el TG100 de Beyerdynamic y para ello comenzaremos recor-dando los benefi cios de los sistemas inalámbricos en un contexto musical:

• Mejor movilidad: Muchos grupos tienen varios integrantes y viene bien más interacción entre ellos y con el público pero, un saxofonista y un guitarrista suelen estar limitados por los cables de los micrófonos.

• Un escenario más limpio: Mientras más complejos se vuelven los grupos, mientras más invitados especiales son añadidos al escenario, el número de personas que necesitan micrófono también incrementa. Esto da como resultado añadir más cables. Los sistemas inalámbricos eliminan esto y permiten que nuevos

músicos se unan.

A pruebaEn cuanto a la conexión del micrófono, confi guración y uso, resultó de lo más fácil y cómodo: sólo es cuestión de poner las pilas en el compartimento del micrófono y conectar el receptor a la corriente; un cable de audio y ubicarlo, claro, cerca de la consola.

En la parte inferior del cuerpo del micrófono se encuen-tra un switch de encendido, cosa que es ideal, para no correr el riesgo de apagarlo accidentalmente.

El receptor también se confi gura fácilmente. En la parte frontal vienen dos pots de tres LEDs y un par de antenas; uno de estos LEDs nos indica si recibe información del micrófono, el segundo si hay presencia de señal (audio) y el tercero sí está prendido el receptor, lo que auxilia si

no se poseen conocimientos dedicados de audio y de frecuencias de radio VHF y UHF.

Probamos el micrófono en dos situaciones, en salón de ensayo convencional, que se encuentra en un cuarto piso, y en un audito-rio grande, con capacidad para 4 mil personas. En ambos casos el micrófono se comportó muy bien, incluso llevamos el micrófono a la planta baja y nos alejamos unos 50 metros sin que el receptor dejara de funcionar. En el auditorio recorrimos cada extremo del lugar e incluso salimos del auditorio con el mismo resultado: el receptor trabajó sin problema.

Características importantes• Función de tono piloto para identifi car la señal correcta y

protección de interferencias, así como para avisar del estado de la batería y del mute al receptor.

• Selector de sonido• Vocals: posición neutral para las voces.• Speech: mejora la inteligibilidad del habla.

• 3 Bandas de frecuencia y 8 canales (VHF) en cada banda.• Sistema Diversity que asegura la mejor recepción de señal

incluso en entornos complicados.• Autonomía de funcionamiento de diez horas en las baterías,

así que ya no es necesario preocuparse por que se prolonguen los eventos.

SonidoLo más importante por supuesto es el tema de la calidad de sonido, la cual es realmente muy buena: la voz de la cantante con la que probamos el micrófono se reproducía sin coloración y ex-celente inteligibilidad; provee un impecable rechazo al feedback (sonido agudo muy molesto). También hicimos la evaluación en la voz principal y en los coros -que tienen colores diferentes- y el resultado fue notable.

ConclusiónEl TG 100 un sistema inalámbrico útil para cualquier aplicación, fue desarrollado para pequeñas y medianas instalaciones así como para músicos que no requieren de un sistema inalámbrico de formato grande, pero si confi able y del que pueden hacerse con poca inversión.

*José Manuel “Yuyis” es ingeniero de audio con más de 15 años de experiencia. Actualmente es productor, ingeniero y músico de Knonlab y A&TC, así como asesor para Tascam Training and Support Center y director

académico en VYa Training en Jalapa, Veracruz.

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Por José Manuel Santos*

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Por Marisol Pacheco@MarySolPacheco

Fotografías cortesía Abraham Barrera

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ABRAHAM BARRERA,PIANO Y

COMPOSICIÓN MEXICANISTA

Creció en el seno de una familia que ama la música. Y eso implica entender que se inculcó el compromiso de avocarse a ésta a través de una relación de exigencia

permanente, donde el crecimiento lo dicta el apren-dizaje y la audacia con la que el músico se somete a explorar su gama de recursos para expresar un discurso personal.

Así lo sintetizaría, en un primer plano B4, el combo de jazz fusión que junto a sus hermanos Javier, Iván y Jonathan expuso con creces lo pedido por sus pa-dres: tomarse en serio la música y estudiarla formalmen-te, historia que inició en la escuela de la Ollin Yoliztli y, posteriormente -en el caso de Abraham- cumpliendo los créditos en la Escuela Nacional de Música de la UNAM.

Tras diecisiete años como músico de acompañamien-to -con giras al lado de Alejandra Guzmán, La Quinta Estación, Cristian y Sentidos Opuestos- y como músico de sesión, la manifesta-ción de sus inquietudes como compositor se abrieron paso en forma simultánea y, gracias a la innovación tecnológica que trajo el software y hardware para componer con galerías de sonidos, pudo trazar al calce de los viajes su propio sello: una obra de acento sincopado contemporáneo, cuya rítmica y tratamiento armónico expone también la fusión que provee el folclor musical latinoamericano.

Dichos elementos pueden descifrarse cronológicamente en sus discos Leyendo Sueños (2009); Abraham Barrera Ensamble; Ocaso, música para trío con Antonio Sánchez y Aarón Cruz, además de Lara por Abraham Barrera, a piano solo –estos tres últimos edita-dos en 2013-, sin olvidar el debut próximo del Sexteto de Ensueño junto a Iraida Noriega, Aarón Cruz, Giovanni Figueroa, Fernando de Santiago y Celso Duarte, trabajos en los que también lucen la depuración técnica y estilo de sus maestros Emanuel González, Ninowska Fernández-Britto, Ignacio Gutiérrez Campoy, Enrique Nery (q.e.p.d.) y Jorge Martínez Zapata.

Aunque le atraían de manera especial los instrumentos de cuerda, para Abraham la elección siempre fue el piano: “Es un instrumento muy completo por las dos claves que tienes que ejecutar y saber leer y eso,

además de permitirme ejecutar obras clásicas, me daba la posibilidad de interpretar cualquier estilo y en cualquier momento, sin el acompañamiento de nadie”.

“Me identifi qué con su sonido porque me considero una persona muy sensible y noté que podía expre-sarme a través de él, que mi inquietud no era sólo darme a conocer por un virtuosismo en la ejecución, sino componer y usar el piano como una extensión para transmitir lo que siento y percibo con la música”. De postura progresista, su asignación al frente de la Secretaría de Educación del Sindicato Único de Trabajadores de la Música (SUTM), le signifi ca el reto de cambiar la percepción que de la entidad tienen los colegas músicos -adscritos o no al sindicato-, siendo eje de acción para ello ampliar los alcances de la dependencia en materia de formación y creación de públicos, con una interesante labor dirigida a los niños y adolescentes.

Señalado como uno de los mejores pianistas de México y compositor de vanguardia, la de Abraham Barrera es una historia de vocación y valentía que ha madurado el tiempo al exponer el resultado de las decisiones tomadas con inteligencia emocional, paciencia y templanza.

Gala de Pianos Musitec con Enrique Nery,Jorge Martínez y Mario Patrón

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¿Qué hizo a la música una prioridaden tu vida? “Mis padres nos inculcaron el estudio de la música con la misma seriedad que la instrucción formal, no hubo presión. Para mí la música mantuvo siempre el primer lugar, estoy cierto en que así lo decidí desde muy pequeño –como a los once años- a la pregunta de qué sería de grande, yo respondía: pianista. La visión que se nos inculcó fue la de ir más allá de un hobby y que si esto queríamos, debíamos hacerlo bien. Tomé clases en la Ollin Yolliztli y con maestros particulares, luego entré a la Escuela Nacional de Música. Cuando supe que no quería ser concertista, la clave fueron mis maestros para atender mi inquietud de expresarme con mi propia voz”.

¿Qué destacas de la relación alumno-maestro; cómo distinguir cuando ésta llega a su límite? “Eso es bien importante porque creo que si hay algo que tienes que desarrollar como músico es hábitos de estudio y disciplina, aspectos para los que puede aportar mucho un maestro porque esa dinámica te permite identifi car

hacia dónde va tu búsqueda como mú-sico, defi nir qué quieres hacer. Yo tuve la fortuna de estar con dos maestros que fueron cruciales para estas cosas: uno fue Emanuel González, quien me inculcó el hábito de dedicar horas de estudio al instrumento, sin padecerlo. Y la otra fue Ninowska Fernández, quien sigue siendo mi maestra, una cubana formada en la escuela rusa con quien estudié toda la parte clásica y me fue llevando a mi pre-paración en torno al jazz. Fue ella quién me hacía refl exionar sobre el cruce de esos dos mundos, dándome repertorio y discos que me mostraban cómo se unían”.

“Ese rol de orientar y no matar la motiva-ción es vital porque sí me pasó que hubo maestros cerrados que no concebían abordar el jazz si veíamos el repertorio clá-sico. Con Ninowska estudiaba a Bach, Mozart, Beethoven pero también todo el periodo romántico y el impresionismo; ella me pasó compositores con los que

me identifi caba y me permitían abrir y saciar mis inquietudes en torno al lenguaje del jazz. Me puso a Rachmaninov, Ravel, Schumann, Debussy y a Gershwin con lo que amplió mis recursos de comprensión musical. Fue un acierto defi nitivo de ella y a la fecha le agradezco mucho porque si te toca un docente cuadrado y tú no tienes la experiencia para resolver qué hacer, te puede anular un interés natural y afectar desde tu técnica hasta la parte creativa”.

“Después conocí a Ignacio Gutiérrez Campoy con quien estudié a fondo la improvisación, y la armonía, él me hizo analizar y no sólo ejecutar las notas, desmenuzarlas para entender lo que ocurría armónica y melódicamente. Eso me dio un concepto de investigación y análisis de la obra que me permitió ver cómo componer, más allá de la ejecución. Esa formación la tuve durante ocho años, tiempo en que monté el “Tercer Concierto” y el “Momento No. 4” de Rachmaninov, el “Gaspar de la Nuit” de Ravel, la “Partita No. 2” de Bach; en fi n, un panorama amplio para ver hacia dónde iba la música clásica en cuestión de análisis”.

“Luego llegó a mi vida Enrique Nery y Jorge Martínez Zapata. Con ellos pude entender el contexto en que surgió alguien como Silvestre Revueltas, por ejemplo, que para mí es un mundo que reunió lo clásico y la música popular. Al analizar sus scores e identifi car la sonoridad de las armonías, la forma de orquestar, de combinar los elementos, los sonidos, etcétera, encontré la conexión del lenguaje clásico y lo popu-lar lo que me abrió otro camino para asociar lo tradicional y lo contemporáneo. Notar que la escuela clásica y el jazz en su lenguaje estaban muy unidos, precisamente porque mucho del impresionismo de fi nales del Siglo XIX se replanteaba las formas y que eso tenía referente en trabajos geniales como los discos de Keith Jarrett”.

“De manera que, en defi nitiva, la relación alumno-maestro debe ser dinámica y de reto. De apoyo y de desarrollo perso-nal para ayudarte a dar con lo que tú buscas y hacerte de los materiales para llevarlo a cabo; eso incluye indudablemente a quienes eliges –o les permites- ser tus mentores”.

¿Qué te distingue como compositor?“La fusión contemporánea de géneros y que sea claramente identifi cable como mi estilo. Tocas como eres y creo en mi caso que el jazz sí ha sido un género que me ha dado toda la liber-tad de expresión para conjuntar elementos y poderme expresar social y musicalmente porque desde muy joven me di cuenta que la música pertenece a la sociedad y que por medio de ella puedes comunicarte. Como músico y compositor sí tengo esta visión de hacer de mi música un acto de compromiso social fuerte; que pueda heredar algo a mi país, aportar y ofrecerle al público formas de sensibilizar a través de la música”.

“Cada que piso un escenario agradezco a los que asisten me den la oportunidad para oír mi trabajo porque para eso está el músico: para llevar su música a los oídos de los demás. En mi caso el objetivo es llegar a la gente y crear una comunica-ción sin palabras, sin que haya marginación o etiquetas de por medio. Lograr ese contacto espontáneo con la música que hago, es también uno de sus principales atributos”.

¿Cómo ha sido la elección de tus pianos para definir ese sello?“En cuestión de pianos acústicos la marca donde más cómo-do me siento es Steinway, pero desgraciadamente no te los encuentras con facilidad en los foros y giras. Ahí la tecnología ha sido algo afortunado para mí pues tengo el privilegio de estar patrocinado desde hace más de ocho años por Korg, a través de Juan Perches de Hermes Music y luego ya por una gestión directa con los directivos japoneses de la marca. Son instrumentos muy caros y sí te puedo decir que un patrocinio de esa naturaleza te amplia mucho las posibilidades, tanto sobre el escenario como en casa porque te mantienes a la vanguardia”.

“El modelo que tengo es el SV-1 con sonidos vintage de Rhodes, Hammond, clavecines y en éste hice toda la produc-ción y programación de los sonidos que uso, vaciados a Pro Tools. También ocupo el M-50, con ese hice los arreglos para el regreso de Sentidos Opuestos, que fue lo último comercial que tuve a cargo, sin ocupar ni un plug in extra ni nada por-que la gama de sonidos electrónicos que tiene, sin duda, son “number one”. En pianos acústicos también han hecho cosas de avanzada así que estoy feliz con el set que me proveen cuando lo necesito”.

DISCOGRAFÍA

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Fueron muchos años como músico de acompa-ñamiento, ¿qué destacas de esa faceta?“Acompañé artistas durante diecisiete años pero siempre tuve muy claro que ese no era mi lugar. Fue sin duda una gran experiencia, un camino que me dejó conocer las entrañas de la industria de la música en lo comercial, que es otra historia en cuanto a cómo se manejan disqueras, managers, ofi cinas y los propios artistas. Fue instrucción para mí. Pude viajar y mucho y así adquirir música impresa: libros, métodos, trans-cripciones y demás porque en esos días no había la facilidad que te da hoy internet. También fue el periodo en que gracias a la tecnología me bastaba con sacar la laptop y conectarle un teclado alimentado por USB para hacer mis bocetos de composición, con programas de sonido y edición”.

“A mí eso me resolvió la vida porque yo me la pasaba en los vuelos, aeropuertos, hoteles y camiones componiendo, estudiando o ejecutando. Tenía la certeza de que no pasaría toda mi vida acompañando artistas porque quería tener mi propia voz. Así que en los diez último años, entre las giras de la Quinta Estación y la Guzmán, tuve un periodo de composición fuerte. Al fi nal es justo lo que pasa con un artista comercial: ellos tomaron la decisión de no hacer covers y presentar algo suyo, entonces ¿por qué yo no habría de ha-cerlo desde mi lugar, con lo que yo estudié, con el jazz? Para mí fue importante ver las cosas de esa manera, aventarme profesionalmente y empezar a proponer”.

Y la prueba está en tus discos. Describe el discurso musical que ofreces en estos…“Hablaré de los dos más recientes. Lara por Abraham Barrera y Ocaso. El primero es resultado de mi anhelo por hacer mi primer disco a piano solo y para ello quise tomar la obra de un compositor popular. Escogí a Agustín Lara porque es tan sólido y tiene esa ancla tan fuerte con melodías identifi cables a nivel mundial que mi reto fue hacerlo polifónico y así llevarlo hacia una obra clásica contemporánea manejando polifonía -movimiento de varias voces-, semiserial en cuanto al uso de ciertos patrones de dibujo simétrico en las notas y atonal porque no estoy respetando la armonía original. Resultó ser un proyecto que me hizo crecer tanto técnica como musical y personalmente. Volví con mi maestro Ignacio luego de ocho años para aterrizar esta idea. Es un disco que me inventé para seguir progresando como ejecutante, arreglista y compositor”.

“En Ocaso la propuesta la defi no como clásico mexicanista latin jazz porque manejo elementos de la música de concierto con otros, digamos, nacionalistas –básicamente sones y hua-pangos-, combinados con ritmos compuestos y sonoridades de origen latino y caribeño. Ya venía proponiendo ese tipo de composición justo cuando tomé la decisión de hacer mis cosas como solista a través de mi primer ensamble. Fue muy grato que tanto Aarón como Antonio aceptaran grabar mi música y la vieran como obra que les retaba en interpretación. Ambos son músicos de sobrada calidad y sus comentarios sumaron a un disco que da testigo fi el de mi estilo composi-cional y como ejecutante”.

“Para el próximo año vienen dos proyectos más: Sexteto de Ensueño con Giovanni Figueroa (batería), Aarón cruz (contrabajo), Iraida Noriega (voz), Fernando Santiago (vihue-la), Celso Duarte (arpa) y yo al piano, con composiciones originales para lograr esta fusión (ya lo grabamos en Sala de Audio con Salvador Tercero). Y también otro disco del

En taller y reunión de Pianistas

Con H3A (Horacio Franco, Aarón Cruz y Adrian Oropeza)

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Abraham Barrera Ensamble donde estoy fusionando los ele-mentos de un mariachi (vihuela, dos trompetas y violines) con batería, contrabajo y piano. Es música original en fusión con temas inspirados en personajes históricos y míticos mexicanos como la Catrina de Posada y José Vasconcelos, además de un homenaje al folclor de América Latina donde busco justo aprovechar la similitud en lo rítmico que compartimos los países latinos”.

Has incursionado en la producción, ¿cómo suma esto a tu crecimiento como músico?“Me da amplitud en terrenos como dirigir una grabación, la coordinación con el artista, la dirección musical y de sonido. Cuando la gente quiere que les produzca un disco, del géne-ro que sea, me gusta conocer a la persona de forma integral: sus gustos musicales, qué piensa, qué lee, qué siente porque todos esos elementos los uso como si fueran las partes de una composición que haré para el artista y sobre eso propongo el arreglo y el concepto del disco. Que se note con claridad éste de principio a fi n, no que un tema suene de un estilo y otro no. Hacerle una producción a su personalidad como han sido los trabajos con Yekina Pavón, Rodrigo de la Cadena, Geo Meneses y Sentidos Opuestos, entre otros. No soy alguien que se meta en los asuntos técnicos per se, en ese terreno gusto de trabajar en equipo, de dejar esa parte a los ingenieros y yo avocarme a la idea musical”.

¿Cuáles dirías que son los pilares que dan cimiento a la autogestión de tu carrera? “Actuar. Puede ser obvio pero no. Además, evito dejar las

cosas a medias. Conseguir los medios y el recurso comienza por atraer a la gente con quien compartes formas de ver, sen-tir y hacer, eso es incluso prioritario antes que lo económico. Cuando concebí el disco de Leyendo Sueños, en el que hago un homenaje a las esculturas de Carlos Aguilar pasaron doce años para poderle transmitir en persona lo que sentí y cómo me inspiró, de ahí fue tejer una red de contactos para materializarlo. Con Ocaso fue lo mismo: hice la música para grabarla con Toño y Aarón porque eso era lo que quería. Lo decreté y me puse a escribir, cuando tuve la música lista los contacté y les pedí grabaran conmigo. En el caso de Antonio, su respuesta fue “dalo por hecho porque eres la primera persona que me invita a grabar en México”, así de entrada; luego ya vino toda la historia de que llegó aquí y sacó en un día toda la música”.

“De manera que lo importante para mí ha sido tener muy claro los proyectos, decretar y actuar y pensar quiénes graban y a quienes sumar. Personas como Marisa Canales de Urtext que ha sido mi sello disquero; Carlos Suárez, un amante de la mú-sica a quien debo la producción de Leyendo Sueños porque le gustó lo que había hecho con Yekina Pavón; para Ocaso se juntaron muchos apoyos: Salvador Tercero y John Gibe en la grabación, Marisa en la masterización y maquila del disco; Hermes Music con el piano acústico vía Roberto Martínez, Karla Olvera en la edición y portadas. En lo personal han sido momentos en que al ver esa aceptación por mi trabajo, me hace refl exionar que no estás solo en este camino de la música y que hay quien cree en lo que haces, les gusta y está dispuesta a invertir en ello”.

Con Aarón Cruz y Antonio Sánchez

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A la par del desarrollo de una voz propia como compositor, tienes un compromiso serio con la docencia…“Efectivamente, soy alguien que gusta de compartir lo aprendi-do porque así me lo enseñaron a mí. He dado clases particu-lares, seminarios, talleres y cursos a jóvenes sobre el lenguaje musical y, ahora que estoy como secretario de educación del SUTM, estoy logrando proponer un esquema educativo cuya visión es inyectar el interés por el estudio en los nuevos talentos y que vean ese benefi cio en la oferta educativa de la institución. Estoy por arrancar un proyecto llamado “Los Niños también hacen Música” que tiene como meta atraer a los hijos de los músico que forman nuestra comunidad y, en un segundo paso generar programas que nos permitan tener una orquesta infantil del SUTM.

Me estoy enfocando en los niños porque me parece crucial sumar a brindarles un legado cultural. Desde hace tiempo trabajo arduamente en ello a través de dos proyectos, uno basado en Leyendo Sueños, para el se hizo un guión para una obra, con personajes de la literatura como el Quijote de la Mancha, es un proyecto con música original que presenté en el Festival Cultural de Álamos. El otro es también una puesta en escena inspirada en la vida de Vincent van Gogh, de la biografía que hizo de él Irving Stone. Ambos reúnen varias expresiones artísticas: música, literatura, pintura y actuación, lo que enriquece la experiencia de los niños al avivar su imaginación”.

“Esto tiene que ver con la misión que como músicos, creo, debemos asumir de formar públicos. A ello obedecen mis giras al interior del país para llevar mi música a comunidades marginadas o la iniciativa de donar discos de jazz mexicano a la fonoteca de la Biblioteca José Vasconcelos porque no había un solo disco y es lamentable porque hablamos de un espacio público al que la gente puede acudir para conocer el trabajo de los músicos mexicanos y su aportación al género”.

“Esa labor la siento muy importante, personal. Creo que no te quita nada, incluso puede no remunerarte pero la recompen-sa espiritual y emocional que te da es inmensa porque estás haciendo algo por la cultura musical de tu país. Para mí es no sólo un proyecto como músico, sino propósito de vida”.

EQUIPOEQUIPO

Con Jorge Martínez Zapata y Enrique Nery

KORG SV-1

KORG M-50

industria [ Academia ]

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Academia de Arte de Florencia,una visión contemporánea para formar artistas

C on actividades abiertas al público desde hace un par de años, la Academia de Arte de Florencia (AAF)

es una entidad cultural sin precedente en el mundo, toda vez que representa el concepto de Embajada Cultural cuya misión es detectar, formar y promover artistas entre dos regio-nes del orbe: la Provincia de Florencia y la Región Toscana de Italia y el Distrito Federal, capital de la República Mexicana. Y eso en la primera etapa.

Una entidad educativa de este tipo implica romper paradig-mas y sumar aliados para ampliar la mirada al concepto de escuela de arte que ya conocemos pues, como Embajada, lo que busca es activar una red de interconexión que permita a los artistas de ambos polos someterse a un constante inter-cambio de vivencias y posturas en torno a lo que es ser artista en estos tiempos.

Un nuevo paradigma Así, en los cimientos de esta propuesta están la experiencia y visión de Fabio Caselli, presidente de la AAF y también director de las afamadas Accademia Musicale di Firenze en Italia, y Rodrigo Sebastián González joven empresario mexicano cuya sensibilidad artística le ha hecho incursionar en proyectos de apoyo para pintores y músicos cuya obra, a su vez, enriquece la formación cívica e interacción social de las personas. “La visión más importante para compartir de ser fi orentino no es exponer lo que sabemos signifi có Florencia para el movimiento artístico del Renacimiento, sino la cosmovisión de esa ciudad abierta

que acogía todo lo bueno que había al exterior y que co-nectaba a artistas, empresarios, comunidad, todo. Era una ciudad que conectaba una visión contemporánea, de un movimiento fi losófi co que marcó época y eso es justo lo que queremos hacer aquí en México”, comparte Fabio.

De esta forma, con una oferta que abarca clases particula-res, talleres, cursos, licenciaturas y maestrías para cualquier edad y con cualquier conocimiento –a quienes ya poseen estudios se les ubica a través de un examen-, el esquema que ofrece la AAF tiene como objeto dar una formación integral para quien anhela vivir del arte, ya sea que incur-sione en la música, la danza, el teatro, las artes visuales, el cine y lo multimedia y que sean principiantes, amateurs o profesionistas con hambre de ampliar su campo de acción.

“Estamos hablando de una academia de arte en verdad internacional, porque no hay ninguna Embajada Cultural, de ningún país de Europa en ninguna parte del Continente Americano que garantice la construcción y uso de un puente cultural”, amplia Fabio quien tomó la decisión de mudar su residencia a nuestro país”.

La AAF cuenta con salones para el aprendizaje de instru-mentos –piano, guitarra, batería, alientos-, auditorios y salas multiusos –que se adecuan a manera de galería- y estudios de grabación. Esta infraestructura, es a la vez, el pilar de la idea de tener una ciudad de la cultura: “Aquí está la ofi cina del docente, del directivo, tenemos una tienda de instrumentos musicales –gracias al a injerencia de Teclado Ayuda que preside Edgar Hernández, también geren-te de la AAF-, tenemos cafetería, es decir las condiciones necesarias para que la comunidad interactúe y se fomente así un diálogo que enriquece la experiencia”.

Una metodología flexible Los planes de estudio abarcan la cuestión formal de la música, sí, pero también el contexto económico y social en que se desenvuelve actualmente el artista: “En nuestro plan

“El valor más importante del arte no es producir músicos o bailarines sino seres humanos que seguro serán mejores ciudadanos, padres, políticos, empresarios; que tienen una visión que no se queda sólo en la persecución del dinero,el poder o el ego, sino de una sociedad más justa”.FABIO CASELLI

Fabio Caselli y Rodrigo Sebastián

González

industria[ Academia ]

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Por Rodrigo S. GonzálezFundador de Grupo Da Vinci y de la Academia de Arte de Florencia.

Mis intentos fallidos de tener una banda de rock en mi infancia, me permitió sumergirme ligeramente en el mundo del arte, no importaba cual fuere el escenario que al sonar la primera nota todo lo demás desaparecía. La música me hacía sentir, en cierto modo vivir.No tuve el coraje de ser músico, y por no querer desilu-sionar a mi padre, decidí renunciar a la música, estudiar negocios y dedicarme a ellos.

20 años después comencé a reconciliarme con el arte, empecé por producir algunos discos (1), crear residen-cias artísticas y hacer algunas películas (2), sin embargo no era suficiente. Había una necesidad de hacer algo más, pareciera que mi vocación artística me llamaba, pero ya era demasiado tarde para volver a tocar algún instrumento. El reto era grande, necesitaba encontrar un proyecto artístico, que se mantuviera por sí solo, y lo más importante, que tuviera un propósito digno, algo que me permitiera hacer “sentir” a México. Soñaba con encontrar la forma de encaminar a los jóvenes en crear belleza en lugar de destruirla. Busqué por varios años, y de pronto como si una mano divina orquestara el destino, la oportunidad apareció.

Hace dos años fundé junto con grandes empresarios y artistas, la Academia de Arte de Florencia, única emba-jada cultural de Florencia en el mundo, un lugar donde convergen las artes y se logra una comunidad envidiable. Tenemos la convicción de que pronto seremos la escuela más reconocida de música clásica y contemporánea en México.

Y es aquí donde todo comienza, ahora es cuando sin serlo me siento artista, y mi vida se va acomodando alcanzando ligera noción de sentido.

El mundo de los empresarios es un lugar hostil, con grandes dosis de estrés y estamos tan enfocados en sobrevivir, que irónicamente se nos olvida vivir.

1- Quiero Club, Los Dorados, Alex Otaola, entre otros.2- Woo Films: “El lenguaje de los machetes”, “No quiero dormir sola”, “No sé si cortarme las venas o dejármelas largas” y “Elvira, te daría mi vida pero la estoy usando”.

MÚSICO FRUSTRADO de estudios de licenciatura tenemos materias que no se encuentran en otros planes tradicionales, como es la clase de mercadotecnia o contabilidad para que los alumnos sepan del tema de su promoción y el manejo de dineros, e incluso tenemos un curso de yoga porque la visión de la conexión entre el alma y cuerpo, que todos te dicen saber, no es para nada algo que concientice en automático un músico”, expone Fabio.

Para elaborar estos programas se toma en cuenta lo hecho en otras regiones e instituciones educativas tanto de Europa como de América. Así mismo, se suman a este esquema las dinámicas de intercambio entre alumnos y la suma de esfuerzos con sociedades locales. “En este par de años ya comenzamos a enviar estudiantes becados a Italia –uno de la licenciatura en música popular y otro de clásica- quienes pudieron asistir a clases magistrales y talleres de otras áreas artísticas como fue la restauración y gestión de museos, esto gracias a la red de institucio-nes a la que estamos adscritos, y ahí vieron algo que si bien no les servirá para tocar mejor su instrumento sí les da una conciencia más abierta del impacto del artista en su entorno”.

Intercambio y acción con la comunidad localLa AAF colabora ya con el Instituto de la Juventud (INJUVE) que les han mandado un centenar de estudiantes para apoyarles en su formación y depurar su ejecución instrumental e inculcarles esta visión de formación interna-cional con experiencia de vanguardia. “En Italia con las academias de música tenemos amplia experiencia en la formación de orquestas y coros infantiles, nos gustaría mu-cho generar algo así con esta comunidad y propiciar una profesionalización temprana de su tarea”, amplia Fabio.

Al final, se trata de un proyecto vanguardista a favor del arte y la sensibilidad que toda sociedad debiera fomentar: “Cuando me preguntan por qué México me gusta referirme al enorme potencial cultural que tiene este país. Me resulta-ba difícil explicarle a mis amigos que México es más que sus playas de Cancún o el narcotráfico. Acá la cultura es parte de la cotidianeidad, la encuentras viva en poblados escondidos de regiones como Oaxaca, en mercados e incluso en la expresión de la pobreza –acá no te estiran la mano para pedirte, te ofrecen un acto de malabarismo o tocan un instrumento a cambio de-. Hay empresarios que por ego o por convicción, quiere invertir en este ámbito. La cultura es mucho más de lo que puede significar para este país el turismo o cualquier otro sector económico. a pesar de todas las trabas que ustedes le vean por el gobierno que les toca en turno”, concluyó.

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[ Management ]

Por Juan Carlos Flores@painjc32

diez años de destilar tequilagroove de exportación

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[ Management ]

Una década ejemplar de gestiónen la música

En esta industria musical en la que los sellos discográficos han descendido a un plan secundario, es alentador que las bandas independientes logren nuevas y productivas metas, implementando su propia empresa y el papel del manager es fundamental para que ello se logre. La banda tapatía Troker es modélica en esto, ya que el esfuerzo colectivo y la visión de su manager Ana Rodríguez, les ha coro-nado con su segunda participación en el Glastonbury Festival 2014, en Inglaterra, al lado de estrellas como Arcade Fire, Robert Plant, Lana del Rey, Brian Ferry y James Blake.

La internacionalización del grupo se circunscribe a la celebración de sus diez años de vida y el lanzamiento de su disco Crimen Sonoro (Discos Intolerancia, 2014). Samo González (contrabajo), Frankie Mares (ba-tería), Gil Cervantes (trompeta), Christian Jiménez (teclados), “Tiburón” Santillanes (saxofón), DJ Zero (tornamesas) y Ana nos recibieron en su cuartel general de Guadalajara para ahondar en los aspectos que han llevado el sonido de su “jazz vinil” allende las fronteras gracias a un sostenido trabajo de autogestión.

Una visión fincada en aprendizaje y metas De formación comunicóloga, Ana tomó las riendas de la banda formalmente con la aparición de su disco debut, Jazz Vinil en el 2007. Luego, la preparación fue clave: “En el 2009 hice un programa Master en Artist Management, en el Berklee College of Music. Simultáneamente, hice un curso en finanzas para no financieros en el Tec de Monterrey y otros dos diplomados. Originalmente no lo estudié para mi trabajo en Troker, sino para mi empresa familiar y hoy ya estamos en un momento en el que traba-jamos sobre planes estratégicos con presupuestos, estados financieros, balances y así tener la capacidad de hacer de la banda una empresa”.

“Esto es importante porque sobre la marcha he descubierto que la educación es indispensable para un manager. Por eso cuando me preguntan qué debe buscar una banda en un manager, les recomiendo que identifiquen a alguien, que sin ser necesariamente fan de las matemáticas, sí le gusten; que posea formación financiera para poder estruc-turar el proyecto a una escala profesional”.

Audacia e inteligencia financiera El crecimiento como artista independiente vino de la participación en los mercados de música y artes escéni-cas. “En Troker se decidió invertir en la visita al mercado CIRCULARTE, en Medellín, Colombia”, recuerda Ana y Samo interviene para relatar como esto les puso en Glastonbury: “Asistimos a Circularte apoyados por nuestra disquera, Intolerancia y por la Universidad de Guadalajara. Era nuestra primera vez en un mercado de negocios donde están varios programadores y curado-res de diferentes festivales del mundo. Supimos que iba a estar ahí Steve Symons –del Glastonbury- y fue cuando nos propusimos abordarlo. Una de las noches, se dio nues-tra participación en un bar en donde tocaron proyectos locales colombianos y creo que fue una de las mejores participaciones que hemos tenido. Al día siguiente vimos a Steve en otro foro y nos sorprendió cuando nos dijo: “Hey, los vi ayer, y me gustó muchísimo!”, comentó que en Troker había encontrado cosas que no había visto en otras bandas y nos pidió que esperáramos hasta el 2013 -esto fue en el 2011- ya que en el 2012 no habría festival a causa de las Olimpiadas. Durante esos dos años le dimos seguimiento al trabajo de oficina y continuamos haciendo discos y giras. Aplicamos para una beca del FONCA –la de Rutas Escénicas- que sí nos dieron y gracias a ese apoyo económico pudimos financiar los vuelos y extender el viaje a una gira por otros países durante 35 días.”

Ana enfatiza aquí la tarea administrativa que implicó esa primera aparición en Glastonbury: “En nuestro debut, íba-mos a abrir el escenario. Nuestro fee se pagó en efectivo. Fue la primera ocasión que Troker se enfrentó a un festival impecable, con un elemento humano atendiendo para cada área. La segunda vez pudimos aumentar nuestra tarifa contra factura inglesa, gracias a la sociedad hecha con la PR Sam Brown, de Love Communications. Ella cobró a Glastonbury, y a su vez retuvo y pagó los impuestos respectivos. El resto lo utilizamos para gastos de la misma gira”.

Gil extiende el tema: “Los vuelos transatlánticos se cubrieron por cuenta de la banda. El festival te extiende la invitación, te da un lugar en donde acampar, alimentación el día que tocas, pero lo demás es una inversión del grupo. En el pri-mer año con la beca pudimos pagar los vuelos y extender

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la gira por Alemania, España e Inglaterra. Nosotros pusimos el resto de los ahorros que veníamos acumulando de los conciertos. Para nuestra segunda participación fue lo mismo, trabajar para conseguir el dinero y la ayuda del Gobierno del Estado de Jalisco”.

Elevar la exigencia La internacionalización ha marcado un crecimiento y por ello mayor organización de la banda, expone Ana: “Ocurre en dos vertientes: la artística y la del management. En lo que respecta a esa última, hemos logrado consolidar a Troker como una sociedad civil en la que a los músicos se les asignan responsabilidades puntuales. Todos saben donde está todo, qué sigue con el programa marcado por la agencia y el PR, y esto provoca que funcionemos como una máquina engranada, en donde el trabajo que hace uno, afecta la labor del otro. Todo somos responsables de algo y, al mismo tiempo, del rumbo del grupo. En cuanto al booking, advertimos que necesitábamos urgentemente una agencia. Fue un logro ser incluidos en una tan prestigiada -Love Communications-, pues existen miles de bandas y las agencias de booking internacionales serias, se cuentan con los dedos de una mano. Gracias a un trabajo de per-suasión con ésta logramos dar este paso tan importante”.

La evolución artística la describe Frankie: “Comenzamos siendo una banda de improvisación, veníamos del jazz y del funk, pero poco a poco tendíamos a hacer música más clavada y, al mismo tiempo, indagar quiénes éramos y de dónde veníamos. Somos una banda instrumental, de modo que nuestra palabra es la música misma. Tuvimos que investigar y pensar qué era lo que queríamos decir, lo cual derivó en plasmar nuestras raíces en nuestra música”.

“Todos venimos de diferentes ciudades. Christian y Tiburón son los únicos de Guadalajara. Un dato curioso es que los viajes nos hicieron darnos cuenta de nuestro sonido mexi-cano, el cual llama mucho la atención. Nos gusta mucho ese sabor de chile y tequila que estamos logrando sacar, y de hecho esto se refl eja en nuestro nuevo disco, Crimen Sonoro. Fue un proceso natural, pero la intención siempre era sonar diferente”.

Tiburón apunta: “por ejemplo en “Príncipe Charro” integra-mos el sonido del mariachi, en el que exageramos el vibrato. Hicimos más interesante la sonoridad haciendo el compás en 5, que hace amalgama con el formato de trompeta y DJ. Al fi nal resulta un producto “muy Troker” y muy mexicano”.Gil agrega: “No nos dábamos cuenta del sonido que teníamos. Eran estructuras muy ambiguas y muy abiertas, pero siempre había un algo, un sampleo de Tin Tan, por ejemplo. Y en la manera de tocar, una articulación que aquí no suena, pero que en otro país les remite al mariachi inmediatamente. Hasta ahora empezamos a exagerar la línea y estructurar más, pero sin llegar a lo obvio”.

Organización y potenciar el talento individual “A raíz del incremento de trabajo administrativo que se generó por tantos viajes, decidimos que Troker necesitaba su propio agente de viajes y Christian (teclados), abrió su agencia de viajes virtual. Él lleva ahora esa complicada logística de los tours. Por su parte, Frankie es el production manager. Tiburón y Gil nos apoyan con patrocinios. En esta parte Gil nos ha apoyado mucho por la experiencia que ha adquirido en su propio proyecto, Fundación Tónica. Samo se encarga de la estrategia de medios, a través de su propia agencia. Él y yo conversamos constantemente y tomamos decisiones sobre los tipos de booking que se van presentando, tamaños de foros y tipos de instituciones. Todo esto se cruza con información que Tibu y Gil nos van proporcionando y está perfectamente vigilado por Frankie”, describe puntual, Ana.

El futuroY ahora el “tequila groove” se apoderará del WOMEX. “Seguimos con la internacionalización de la banda. Nos sentimos muy orgullosos de haber sido seleccionados entre 850 bandas para asistir al WOMEX, el mercado más grande del mundo en jazz y world music con sede en Santiago de Compostela. Se eligieron 30 propuestas, entre ellos está Nortec como parte de sus presentaciones de despedida. Nuestra agencia tiene la estrategia com-pletamente dirigida a construir la gira del 2015 y encontrar un plan de marketing independiente, ya que queremos editar el disco en Europa y trabajar en la promoción allá. En Latinoamérica estamos visualizando visitar Argentina, Uruguay y Chile, por primera vez, en la segunda mitad del año. También buscaremos cómo integrar Colombia y Brasil, país con el que ha habido acercamientos”, concluye.

Diez años han transcurrido desde que Troker inició su paso por la escena musical. Nos han demostrado que la clave del progreso radica en la combinación de trabajo constante, visión y organización. ¡Long live Troker!

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Sigue la ruta del tequila groove en: www.troker.com.mx // @trokerofficial // www.facebook.com/trokerofficial // Instagram: trokerofficial // YouTube: trokerofficial

DISCOGRAFÍA

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[ Management ]

¿Q ué debe hacer un compositor para estar en la agenda y mirada de ensambles y compañías de

danza internacionales, directores de cine y casas produc-toras para que le soliciten la creación o uso de su obra? Ofrecerla, sin duda. Y para ello hay que desarrollar, entre otras cosas, una disciplina que favorezca tanto la creativi-dad como la gestión de lo que ya se tiene en catálogo. El músico y compositor Felipe Pérez-Santiago nos permite compartir las aristas de esa labor.

Basta para ello mirar su agenda de este 2014: el año arrancó con el uso de su música por la Periapsis Music & Dance de Nueva York; la selección de su trabajo y asistencia como delegado por México en la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO; la musicalización para el cortometraje de Carlos Cuarón (El Sándwich de Mariana) y cerrará poniendo obra inédita para conmemorar –en este mes de octubre- los cincuenta años de la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec en una pieza que reunirá a su ensamble Mal’Akh con la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y la di-rección musical y composiciones para el centenario de Octavio Paz en la Fonoteca Nacional con Regina Orozco, Denise Gutiérrez y Tania Libertad. A esto se sumará el estreno de una sui generis pieza para 40 saxofones con Sofía Zumbado como solista y, la cereza del pastel: compartir los créditos en el disco debut del chelista Jeffrey Ziegler (ex Kronos Quartet) con Paula Prestini, Philip Glass y John Zorn, que estará disponible en noviembre.

¿Cómo le hace? Saquen la libreta y tomen nota.

Buenos hábitos“De entrada sí tengo claro que yo debo ser mi propio pu-blirrelacionista (PR que lo llaman por sus siglas en inglés). Y de ahí arranca todo porque le dedico mucho tiempo a esa labor. Ciertamente tengo a Mal’Akh pero el en-samble es mi laboratorio, la gente de toda mi confianza y con ellos me junto cuando hay concierto o montaje. Pero mi principal trabajo es componer para proyectos propios o de otros”.

“Dedico entre dos y tres horas a la cacería de proyectos vía internet. Por ejemplo, lo de la compañía de danza –Periapsis Music & Dance- se dio porque me encontré con esa página en Facebook, me puse a ver de qué se trataba y las contacte.

“Me inscribo a concursos a lo bestia, hay un montón de pá-ginas con convocatorias para certámenes de composición y, mínimo una vez al mes, me inscribo. No todo sale, pero es una forma de hacer que te consideren. Lo mismo hago con los ensambles. Como compositor clásico tienes la ventaja de cubrir un espectro amplio de trabajo”.

Conoce y usa los apoyos del gobierno“Es posible que el 90 por ciento de mis colegas no esté de acuerdo conmigo en esto pero para mí ésta ha sido una for-ma muy buena de conseguir trabajo y dinero en esta carrera de compositor. El gobierno de México sí apoya la cultura y lo digo sin meterme en polemica; de lo que hablo es de acercarse al Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), saber qué estímulos brindan y usarlos porque ¡para eso están!”.

“Yo he ganado muchas becas, apoyos y encargos bien pagados. Se te paga lo justo porque tienen los tabuladores de cuánto cuesta una obra si es para clarinete o para una orquesta sinfónica. Recientemente me asignaron el encargo

FELIPE PÉREZ-SANTIAGO.El catálogo de un compositor que se hace interpretar

“PURPURASCENS”, RÍTMICA COMPOSICIÓN PARA CELEBRARCon pre estreno el sábado 25 de octubre en la Sala Ollin Yoliztli, Mal’Akh y la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, con la dirección de José Areán, y al día siguiente, domingo 26 de octubre en el Cárcamo de Dolores de la Segunda Sección de Chapultepec, la pieza que celebra el quincuagésimo aniversario de esa porción del principal pulmón de la Ciudad de México, es una obra sumamente rítmica de 17 minutos de duración, para dos voces femeninas con texto en latín y náhuatl encargado a sociedades entomológicas de México y Estados Unidos, el cual describe a la familia del emblema por excelencia del bosque: el chapulín.

Para la ocasión, Mal’Akh, el ensamble de música contemporánea que sacia la inquietud creativa de Felipe, estará conformado por: • Felipe Pérez Santiago- Guitarra eléctrica

• Juan Antonio Arévalo-Batería eléctrica (Octapad)

• Jaime Vargas- Bajo eléctrico• Sofía Zumbado- Sax Soprano

• Sidartha Siliceo- Sitar

• Camilo Froideval- Teclados• Catalina Pereda- Voz

• Dora Juárez Kiczkovsky- Voz

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industria[ Management ]

de una obra para el disco La Tuba Contemporánea en México, yo hice una para tuba electrónica y ya la mandé, la grabamos y me pagaron. El disco sale en noviembre”.

“Otra vía es el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), de ahí conseguimos la beca Pro Música el año pasado como Mal’Akh y con ésta pudimos hacer el concierto en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes con el Kronos Quartet y luego ir a Nueva York”.

“También recomendaría para armar giras o salidas al extranjero se acerquen a la Secretaría de Relaciones Exteriores. No tienes que ser compositor clásico. Puedes tener tu grupo de jazz, folk, rock y resulta que te invitaron a tocar a Canadá a un festival pero sin cubrir los gastos de vuelo, entonces te acercas a la Secretaría y les muestras la carta de invitación, justificas el proyecto y te lo pagan. Una opción más son las Embajadas.

“Entonces institucionalizarte no significa que te estás vendien-do sino que estás en un feedback entre tú y las instituciones: ellas tienen el dinero para apoyarte, búscalo. Justifica por qué tú y por qué es tan importante. Esa es un friega porque hay que sentarse a hacer papeleo y documentos y aplicaciones y son muchas horas de trabajo pero retribuye”.

Los contactos y el mundo comercial “El encargo de la pieza para el festejo de los cincuenta años de la Segunda Sección de Chapultepec, inició así, por una cercanía con la actual directora del Bosque de Chapultepec quien me comentó del evento y me pidió prepara algo que entró a concurso también. Ya sabía de mi trabajo porque pre-sentamos el programa de animación con Mal’Akh (Animalik) y eso dio pauta a lo demás”.

“Y lo mismo puedo decir de Carlos Cuarón en el cine. Tuve mucha suerte porque escuchó una obra mía en la radio hace mucho tiempo y me llamó para hacer Rudo y Cursi y luego Besos de Azúcar. Eso me puso en el mapa de ese gremio, el cine, para el que es muy bonito trabajar”.

“También está el mundo de los comerciales. Muchos de mis colegas compositores clásicos estarán en contra pero es un medio que paga muy bien. La petición siempre es un “hazme algo que suene a” y que conquiste en 20 segundos. Eso es un reto que pone a prueba tu técnica de composición.”.

Alimenta la creatividad, fomenta la colaboración “Cuando no tengo tanta carga de trabajo, me levanto igual y por dos horas sólo escucho música para estar actuali-zado. Hoy con internet tienes acceso a radio y sitios de todo el mundo. Por curioso veo que pasa en Macedonia, busco a tal dj, al compositor de Steel Drums de Bolivia; les contacto para interactuar, expresarles qué me gustó y si es posible armar algo para subir a Soundcloud. Eso ya es una colaboración que puede darte el like de 100 ó 300 personas. En mi campo de trabajo estar actualizado es indispensable, por lo menos scrollear y saber qué se está haciendo”.

“El resumen es que me levanto a las seis de la mañana y acabo mis jornada a las nueve de la noche, diario. Administro mis actividades por prioridad, distribuyo mi tiempo para escribir los cuatro o cinco encargos que tenga. Para este mes debía entregar siete proyectos, ¿qué haces? pues te sientas y escribes. Es disciplina, no hay hilo negro, a mí me funciona este ritmo de trabajo y hacer así las cosas”.

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Por Sandra Romo* @fi gmx

[ En Armonía ]

Esta afección es más frecuente en músicos de lo que suele diag-nosticarse. Por su sintomatología fácilmente puede confundirse

con otras patologías como el síndrome del túnel del carpo o la neuropatía cubital.

Los signos y síntomas pueden ocurrir en una extremidad o en ambas y se desencadenan debido a la compresión del paquete vasculonervioso (donde hay una arteria, una vena y nervios), en la región de emergencia cervicotorácica de los nervios espinales. Este paquete vasculonervioso está formado por los nervios del ple-xo braquial, la arteria y vena subclavias. Clásicamente se defi nen tres orígenes o lugares de compresión en el desfi ladero torácico, pudiendo ocurrir en alguno o en sus combinaciones:

• A nivel del músculo escaleno anterior (por delante del cuello)• A nivel costoclavicular (entre la primer costilla y la clavícula)• A nivel del pectoral menor (por debajo de la axila).

Por interrumpir la conducción nerviosa, tanto la motricidad como la sensibilidad de músculos del antebrazo y manos se pueden ver afectadas, manifestándose dolor agudo no fácilmente localizado que empeora por las noches, sensación de cosquilleo que corre hacia los dedos, anestesia (no sentir), entumecimiento y debilidad o sensación de pesadez. Por compresión de la arteria, ocurre disminución del fl ujo sanguíneo, por lo que la mano puede verse más pálida (azulada) y volverse fría. Si esto también pasa en la vena y no retorna bien la sangre, se forma edema, aumentando el tamaño de la mano o la extremidad superior afectada, aparentando estar infl amada, cuando en realidad se está acumulando líquido. El atrapamiento puede ser constante o intermitente y, generalmente, en esta triada la sintomatología principal es la que afecta a los nervios.

Aunque el origen puede ser por defecto anatómico, como tener una costilla o vértebra de más o el tamaño aumentado de ciertas vértebras, en músicos casi siempre se presenta por un

desequilibrio en la postura, donde unos músculos están en exceso de tensión y a otros les falta acti-vación. Por ello, en músicos suele ser intermitente por posturas inadecuadas sobre todo a la hora de la ejecución musical, o al usar la computadora.

En mi práctica profesional, he encontrado que este síndrome es más frecuente en pianistas y, en mayor proporción, en mujeres. Es necesario que un profesionista de la salud haga un diagnóstico diferencial, ante la presencia de cualquier síntoma antes descrito, sobre todo si hay sospecha de atrapamiento nervioso, haciendo pruebas específi cas para descartar o confi rmar el síndrome.

El tratamiento deberá estar orientado en relajar los músculos que en su exceso de actividad han tomado o atrapado al plexo braquial, puntualizando en mejorar la postura con mayor consciencia corporal y hacer ajustes, tal vez sencillos pero indispensables del acomodo de la silla y la manera de sentarse. En guitarristas y bajistas es importante que el tali o arnés que sostiene el instrumento no se use cerca del cuello, sino recorrerlo un poco más hacia el hombro (justo a nivel óseo donde fi naliza la clavícula e inicia el hombro).

El síndrome es muy incapacitante y el tratamiento es largo, por lo que es importante dar a conocer esta afección, para poder prevenirla. He preparado un video con principios fundamentales para mejorar la postura. Pero, en caso de que ya exista el síndro-me, lo indicado es comenzar con un tratamiento de rehabilitación. Se requiere paciencia porque el tratamiento, según la severidad, puede ser largo. Los relajantes musculares están indicados y, en muy pocos casos, sobre todo cuando el problema no es debido a la defi ciencia postural, se recurre a la cirugía.

*También se conoce como: Síndrome del Opérculo Torácico, Síndrome del Desfi ladero Toracobraquial, Síndrome de la Salida Torácica.

Síndromedel Desfi ladero

Torácico(Thoracic outlet syndrome)*

Fisioterapeuta Cadenista especialista en Músicos, co fundadora de FiG health sandraromo@figmx.com // www.figmx.com

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[ Más allá del Pentagrama ]

Por Mario Santos@mariosantosmex

A pesar de que mucha gente insiste en la urgente necesidad de integrar la tecnología a los sistemas de

enseñanza -en lo cual estoy completamente de acuerdo-, para mí lo más importante sigue siendo en cualquier tipo de formación, el contenido. Sin contenido en un método, ni la tecnología, ni el maestro, sirven de mucho.

Así me adentro a continuación, en una proposición primaria del contenido. Cualquier unidad de aprendizaje, sea ésta un ejercicio, una clase, una materia, un curso o un plan de estudios completo, debe plantear primeramente un objetivo real, alcanzable, con un valor pedagógico tal, que permita al estudiante experimentar un cambio desde el punto de inicio, hasta el punto donde culmine la unidad de aprendizaje. Este objetivo conforma el resultado observable, predecible y deseable, en el estudiante que sigue una unidad de aprendizaje.

Este procesamiento por el cual un estudiante aprende algo, debe ser cuidadosamente diseñado para que la información sea impartida incluyendo, en todo momento, la participación activa del estudiante. Nada se aprende mejor que haciéndolo uno mismo.

Mi idea, en el caso de la educación musical, es que el estudiante se vuelva más hábil; y esta habilidad en el terre-no musical se refl eja y se vuelve valiosa en el momento en el que el estudiante cambia de un status pasivo (oyente) a un status activo (ejecutante). Incluso he aplicado con éxito, en algunos casos, el concepto del aprendizaje invertido, en el cual el estudiante aprende primero a hacer algo sin información teórica y una vez hecho, se le explica lo que está haciendo.

Igualmente, es necesario integrar una metodología efi ciente para poder observar dicho resultado, esto es, diseñar un procedimiento de examinación. Después de muchos años, he llegado a la conclusión de que hacer exámenes más seguidos durante un curso nos funciona mejor a ambos:

estudiante y maestro, que hacer sólo exámenes parciales y un fi nal. De hecho tengo varios cursos diseñados por clase donde creo un examen para cada clase y éste debe ser contestado sin errores. ¡Funciona!

Ahora bien, para desarrollar el contenido de una unidad de aprendizaje, considero necesario observar dos tipos de procesos mentales en el aprendizaje musical.

1 El proceso cognitivo, que sucede cuando el estudiante recibe la información, la razona y la adopta como un conocimiento nuevo en su mente. En este proceso se lleva a cabo la inducción de conceptos.

2 El proceso deductivo que sucede cuando a partir de un primer dato o información particular, se utiliza una cierta lógica para derivar el razonamiento de variables tomando como punto de partida el primer dato. En este proceso se lleva a cabo la deducción de conceptos.

Ejemplo: Proceso Cognitivo. Para enseñar a un alumno a tocar los doce acordes mayores en el teclado, utilizo una serie de diagramas que representan a cada uno de estos acordes. Le explico que el teclado contiene dos planos, si trazamos una línea imaginaria sobre el borde inferior de las teclas negras:

EL CONTENIDO EN LAENSEÑANZA MUSICAL

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[ Más allá del Pentagrama ]

• El acorde de C (do mayor) en posición fundamental está formado por las siguientes tres notas que se encuentran exclusivamente en el plano inferior (teclas blancas):

• Si trazo una línea imaginaria sobre los tres puntos corres-pondientes a las tres notas del acorde,

formo un diagrama con los tres puntos que en este caso, es un diagrama lineal.

• Le llamo entonces a este acorde, un acorde “lineal” (L). En este punto le explico que la nota más grave, la que se encuentra hasta la izquierda, se llama raíz, la nota del centro se llama tercera y finalmente la nota más aguda, la que se encuentra hasta la derecha, se llama quinta. En este acorde de do mayor en particular: do es la raíz, mi es la tercera y sol es la quinta.

En el caso del acorde de Db ó C# (re bemol o do sostenido mayor) observamos la siguiente posición y su correspon-diente diagrama:

• Este diagrama lo llamamos “triángulo” o “pirámide invertida” (PI). Este mismo diagrama lo tienen también los acordes de Eb (mi bemol mayor) y Ab (la bemol mayor). D (re mayor), E (mi mayor) y A (la mayor) los llamamos simplemente pirámides (P). Bb (si bemol mayor) la llamamos “ele” (E) pues su contorno es esta letra ele. B (si mayor) la llamamos “ele invertida” (EI).

Continúo enseñando los doce diagramas cromáticamente, ya que de esta manera, describen un patrón curioso: co-menzamos con el acorde de C lineal (en verde). Continúa

una serie de pirámides invertidas que se voltean Db-D, Eb-E (en azul), a la mitad del camino encontramos una serie de tres acordes lineales F-F#-G; de nuevo encontramos una pirámide invertida que se voltea Ab-A; encontramos las “eles” Bb y B (en amarillo) y finalmente encontramos de nuevo el acorde de C de la octava.Al hacer el ejercicio descendiendo cromáticamente, el patrón es el mismo pero invertido.

Hasta aquí, describo la primera parte de un proceso cognitivo aplicado a la armonía en el teclado, donde el estudiante recibe esta información como un conocimiento que asimila y aprende relacionando conceptos, imágenes y otros factores perceptivos.

Proceso Deductivo. Para explicarle los acordes menores, en lugar de ahora enseñarle otros doce diagramas, que sin duda confundirá con los primeros diagramas, le explico que un acorde menor se obtiene a partir de un acorde mayor, descendiendo su tercera medio tono. Ponemos entonces la atención en la nota central del acorde y simplemente la movemos medio tono hacia abajo. Para que este proceso sea sencillo, diseño una rutina donde el estudiante practique:

1 El acorde mayor (M) que es el dato ya conocido.

2 El acorde menor (m) que es el dato nuevo deducido a partir del primero.

3 El acorde mayor (M) que es regresar al dato ya conocido, para poder abordar el siguiente acorde ascendiendo cromáticamente.

El mismo procedimiento sigo para enseñar los acordes aumentados, como una deducción de los acordes mayores y los acordes disminuidos, como una deducción de los me-nores. Los únicos diagramas que el estudiante se aprende por inducción son los primeros, los acordes mayores, los demás los aprende por deducción.

El aprendizaje musical es un complejo proceso en el cual intervienen la percepción, el razonamiento, el desarrollo de una técnica y de varios aspectos adicionales que producen como resultado un conocimiento o habilidad en particular. En los últimos años me he concentrado en la capacitación docente. Por supuesto que el hecho de que existan más escuelas de música y de producción musical, beneficia en mi opinión, a nuestros jóvenes, a nuestro entorno musical. Se constituye así una mayor oferta de opciones, se hace crecer el ambiente e intercambio académico educativo en nuestro país, se crean más y mejores fuentes de empleo, se promueve una competencia justa donde las escuelas que ofrecen mejores servicios y compromiso educativo, son quienes más adeptos consiguen.

Pero de nada servirá este crecimiento de escuelas si no tenemos buenos docentes, gente que, a reserva de ser buenos músicos, sean buenos maestros; personas con eficientes habilidades comunicativas, que guíen a nuestros alumnos a convertirse en profesionales con conocimientos amplios y estructurados, con criterios y capacidades para resolver situaciones diversas y, además, que fomenten una cultura que los haga respetar las formas de expresión y ser libres en la búsqueda de su propio lenguaje. Necesitamos mucho, aprender a enseñar.

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industria [ En Vivo ]

Nació como una filmoteca hace ochos años. Hoy el Film Club Café es el refugio indiscutible para quienes residen al norte de la ciudad –en torno a Ciudad Satélite para ser exactos- y buscan es-pacios para la convivencia y una oferta de entretenimiento que combina cine, música, pintura, fotografía, ludoteca, además de talleres y cursos.

Único en su concepto multidisciplinario y autogestivo, el espacio fue inaugurado en 2006 por Raúl Ojanguren que algo sabe de la gestión cultural, programa-ción y formación de públicos pues tuvo un paso en el mítico Rockotitlán, fue manager de la banda Consumatum Est y también forma parte de los funda-dores del sello discográfico Intolerancia. A él su sumó Claudia Luz Vega Flores, comunicóloga por el TEC de Monterrey cuyas inquietudes por la difusión de las artes le hizo incursionar en el colectivo Golem Producciones, casa de creación fílmica donde desarro-lló sus habilidades de publirrelacionista y promotora.

Esta mezcla de filias y aptitudes por parte de quienes le atienden toda la semana en el Film Club, gestó poco a poco el anhelo de adecuar el lugar para presentar conciertos en vivo, añadiendo ese espacio a la sala de proyecciones y la zona de cafetería como tal con la que ya contaba el club. “El concepto original surgió con la cafetería, la videoteca para rentar películas, la sala de proyección y los cursos. Todo giraba en torno al cine pero fue con el evento para celebrar el primer aniversario que hicimos la primera exhibición como galería y se invitó a un grupo para tocar, fue San Pascualito Rey, y la respuesta fue increíble”, recuer-da Claudia.

Pero el camino se llevó despacio, como amplia Raúl: “No quería que la gente se confundiera –entre cine y música- por lo que fue pausado tener los conciertos, en la primera serie estuvieron Leika Mochán, Alonso Arreola, Juan Pablo Villa. Hasta el cuarto año arran-camos ya con un ciclo musical y todos los días hubo conciertos y tuvimos público. Aún no adaptábamos el foro para tener el escenario y en ese primer año estuvieron Galo Contreras, Los Dorados, Troker, La Gusana Ciega, Alex Otaola, Los Ocean’s Acoustic, entre otros. Nos dimos cuenta que podía-mos darle seguimiento sin descuidar la principal razón de ser que es el cine”.

Un público distinto El atributo que ha dado distinción al Film Club Café para ser solicitado por las bandas de la escena independiente, ha sido el perfil del público asistente: gente de espíritu curioso dispuesta a dejarse sor-prender y para lo cual se informa sobre el estilo y biografía del artista y que por ende está atenta al momento de su actuación. Esto se amplifica por el tamaño del lugar: un auditorio pequeño para 40 personas perfectamente acomodadas en su asiento –que se puede ajustar a un centenar si todos están de pie- que tiene cercanía máxima con los músicos y así apreciar a flor de piel su interpretación. “De entrada en este lugar nos gusta la música tanto como el cine. Sabemos apreciarla y por ello respetamos mucho a los músicos. Y le pasamos ese sentir a la gente que nos visita, le contamos por qué vale la pena venir a escucharlos. Les ofrecemos una experiencia y lo mismo ocurre con el músico, sabe que haremos lo necesario para que haga su concierto sin problemas técnicos y con un público que en verdad le pondrá atención”, expone Raúl.

Film Club Café,ventana audiovisual que conquista

el corazón y el aplauso

industria[ En Vivo ]

Al cumplir el sexto año de vida se adecuó el pequeño gran auditorio que hoy alberga la cartelera semanal de conciertos del Film Club. Las bandas que se presentan se llevan un porcen-taje del cover –el mismo porcentaje aplica para todos, negociable sólo si se incrementa el costo del boleto de común acuerdo con el grupo o artista y previo a la realización del concierto-. El Club realiza una labor de apoyo en difusión del concierto tanto de boca en boca con quienes les visitan como a través de sus redes sociales y sitio de internet. “Es nuestra casa y así recibimos a quien nos visita y a los artistas. Algo clave es la convocatoria, hacemos un trabajo de equipo y ellos también informan a su público. Ha sido un proceso de afinar a quien pre-sentar, porque también se trata de la actitud con la que el artista presenta su música y la respuesta que a ello tenía el público”, expone entusiasta Claudia.

“Es una labor de educación, de enseñar a la gente a que aprecie la música. En ese sentido es nuestro granito de arena; la gente confía en nuestro criterio para

decirle que no se pierda los conciertos si lo que lo trajo fue el cine como tal. Acá la gente viene a observar y escu-char. Hace un par de años, por el Vive Latino, se armó un ciclo de after con algunas de las bandas que tocaron allá, como El Mató a un Policía Motorizado que habían tocado en otro lugar esa misma semana. Estaban bien desilusionados porque nos dijeron que había como 200 personas y sólo diez les pusieron atención. Les dije, “bueno, acá van a venir diez pero esos te pondrán atención”. Eso resume lo que ofrecemos como espacio para la música”, concluyó Raúl.

Y para muestra las históricas tocadas de Radaid, a la que se congregaron 200 personas y demandó el mayor trabajo de logística al que se ha enfrentado el personal del Club; la de Torreblanca con Carla Morrison de invitada y la de los Ocean’s Acoustic, banda local que de sonar en la calle conquistó el aplauso y hoy representan el concepto que ostenta el segundo lugar en convocatoria del lugar.

Si eres músico, date la oportunidad de poner a consideración tu trabajo para que te programen en el que en verdad es un oasis para adquirir distracción y romper con la rutina; aquí encontrarás un público que dialoga, que se deja conquistar por la imagen visual y sonora.

Visita: www.filmclubcafe.com.mx

Raúl Ojanguren y Claudia Luz Vega

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industria [ Del Bit a la Orquesta ]

Por Anwar Sánchez @bitorquesta

LA OSIJUG, JUEGAD e origen, el proyecto Del Bit a la

Orquesta no se ha limitado a ser solamente un podcast –o, como en este caso, una columna- que refiere temas de música de videojuegos. Con el paso del tiempo, se ha convertido también en un recurso educativo al enfocar su mirada hacia los músicos y personas interesadas en la creación y difusión de esta área de la música.

Así, esta aventura que inició en el 2012 en el marco de la organización del con-cierto de Clausura para la Comunidad de Desarrolladores del Videojuego DevHour –su segunda edición-, cerraba con un magnífico con-cierto interpretado por miembros de la Orquesta Sinfónica Juvenil de la Ciudad de México, la Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos Chávez y la Orquesta Sinfónica Juvenil de Guadalajara (OSIJUG). En aque-lla ocasión tuvimos el privilegio de contar con la participación del joven maestro y director, Juan Tucan Franco quien desde aquel entonces ha llevado la batuta de los conciertos sobre música de videojuegos realizados en su totalidad por mexicanos, labor que aborda desde las partituras.

Los músicos que han interpretado estos recitales han sido jóvenes estudiantes mexicanos que han llevado al público una pequeña muestra del contexto y la labor que implica interpretar esta música con una orquesta. Hace tres meses, en el Campus Party Guadalajara tuvo lugar un con-cierto con la Orquesta Sinfónica Juvenil de Zapopan, con Juan Tucan como director invitado. La oca-sión permitió conversar con él y tener sus impresiones sobre cómo se alista para la realización de un concierto de esta naturaleza.

¿Podrías contar brevemente cómo ha sido tu desarrollo en la música y cómo asumes la dirección orquestal?“Empecé en la música a los seis, es decir hace 19. Actualmente incursiono en la dirección de orquesta, he sido di-rector huésped en más de 20 orquestas infantiles, juveniles y profesionales y he tenido el gusto de hacer música en más de 12 países distintos, dirigiendo obras para ópera y el ballet. Este año cumplo cuarto años como director artístico de la OSIJUG”.

¿Por qué aceptó dirigir el concierto de música de video-juegos en Campus Party?“Más que nada pensamos que sería una gran oportunidad para llevar la música sinfónica a más jóvenes. Campus Party es un evento increíble que convoca muchísima gente y era una buena plataforma para compartir la música sinfónica”.

“El público asiduo a los videojuegos es conocedor a fondo. Para nosotros era un gran compromiso, pues musicalmente

identifican todos los temas que se interpretaron y eso los convierte en los mayores críticos”.

¿Cuál es la reacción de los jóvenes músicos cuando interpretan los temas de videojuegos?“Siempre dejan el beneficio de la duda al inicio de los ensayos, algunos llegan emocionados por ser música con la que muchos han crecido, otros llegan con inquietud al no considerarla parte del repertorio sinfónico, sin embargo, al final el compromiso por hacer buena música es el mismo y el resultado es increíble”.

¿Qué reflexión le deja ser hasta el momento el director de los conciertos de Música de Videojuegos con orquestas 100 por ciento mexicanas?“Es un gran privilegio, pero sobre todo un gran compromiso poder colaborar con la creación de públicos para el género sinfónico en este país. La música para videojuegos es toda una especialidad –montar la pieza, ensayarla, ejecutarla- y para mí es un placer tener la opción de hacer más conciertos de este tipo, cono-cer más al respecto y compartirlo con el público que llena las salas al saber que hay conciertos de esta naturaleza. Las orquestas hoy en día también necesitan acercarse a la gente con aquello que les gusta escuchar y hacerlo con el compromiso de interpretar las obras con respeto y calidad”.

¿De los temas que ha dirigido, cuál es el que más le gusta interpretar?“Disfruto mucho el “Vals Acuático del Mundo de Mario” y también me encan-ta la “Suite del Video Games Live”.

@RivieraMayaJazz RMJazzFestival

“Este programa es público, ajeno a cualquier partido político. Queda prohibido el uso para fines distintos a los establecidos en el programa”

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