IMPRESIONISTAS

Y MODERNOSObras maestras de la Phillips Collection

Por Ana González

The Phillips Collection es uno de los mejores museos. Se encuentra en Washington D.C., en el barrio de Dupont Circle. Es el primer museo de arte moderno de Estados Unidos en el

que se combinan piezas de distintos periodos y autores de diversas nacionalidades creando un ambiente ecléptico.

En 1921, Duncan Phillips, junto a su madre, fundó el museo. Lo denominó Phillips Memorial Art Gallery, en honor a su padre y su hermano que habían fallecido. Ese mismo

año se casó con la artista Marjorie Acker. Duncan Phillips fue director del museo hasta su muerte en 1966. Su esposa continuó la obra de su marido y su hijo, Laughlin, se convirtió en director en 1972. Desde mayo de 2008 la directora del museo es Dorothy M. Kosinski.

CL ASIC ISMO

ROMANTICISMO Y REALISMO

El arte europeo del siglo XIX puede entenderse como un diálogo constante entre los ideales clásicos, la imaginación romántica y el realismo de los hechos observados. El clasicismo, para alcanzar el equilibrio y la claridad en la composición, buscaba lo intemporal y lo ideal a través de la conciliación entre contrarios. El romanticismo, en cambio, priorizaba el desequilibrio, la imaginación y la emoción, y valoraba al artista independiente porque exploraba lo nuevo y lo desconocido. El realismo, al centrarse en los hechos observables como remedio contra la naturaleza idealizada y el exotismo, se convirtió en el antídoto perfecto para el debate entre los partidarios del clasicismo y del romanticismo. La mayoría de los grandes maestros modernos combinaron en sus obras todos esos elementos, insistiendo más en unos u otros. La características distintivas de esa nueva manera de entender la pintura eran la ausencia de acabados, la libertad de ejecución y la espontaneidad.

1

Tres abogados, Honoré DAUMIER (1808-1879)

El levantamiento, Honoré DAUMIER (1808-1879)

Representa un momento de tumulto revolucionario en las calles de París. Inspirado quizás en la revolución de 1848 y el derrocamiento de la Monarquía de julio de Luis Felipe I. Daumier pinta a la

multitud alzada como un compendio de arquetipos sociales, y concentra toda la energía de la escena en el hombre de la camisa blanca.

En el río, John CONSTABLE (1776-1837)

Constable pintó este cuadro en sus últimos años de vida. Es una representación nostálgica del paisaje de Dedham, un pueblo inglés que el artista conocía desde la

infancia. La plasmación de los elementos naturales se vuelve más indefinida y da paso a un expresionismo que raya en la abstracción.

IMPRESIONISMO

Y POSTIMPRESIONISMO

A mediados de la década de 1860, el realismo dio paso a los impresionistas franceses, que preferían pintar escenas de la vida cotidiana y vistas urbanas o de paisajes trabajándolas al aire libre con una paleta luminosa y prismática. Para ellos era esencial plasmar la impresión y los reflejos de la luz. Sus composiciones, por otra parte, muestran la influencia del encuadre y de la asimetría propios de la fotografía y de los grabados japoneses. Hacia mediados de la década de 1880, una nueva generación de pintores franceses, con frecuencia denominados postimpresionistas, intentó superar el estilo anterior basado en la observación. Para aquellos artistas, que cada vez hacían más hincapié en la imaginación y en el uso expresivo de los colores, la naturaleza ya no era el resultado final, sino un punto de partida. El cuadro dejó de ser una transcripción de la naturaleza para convertirse en una invención estética.

2

Autorretrato, Paul CÉZANNE (1839-1906)

Dos muchachas,Berthe MORISOT (1841-1895)

Berthe Morisot fue la única mujer del grupo de miembros fundadores del círculo de pintores impresionistas.

Esta obra pertenece a la última etapa de su carrera, pintada en el

apartamento donde vivía en la Rue Weber de París, ejemplifica sus

numerosas imágenes de muchachas en sus quehaceres cotidianos.

La nieve en Louveciennes,Alfred SISLEY (1839-1899)

El interés por las formas suavizadas y los reflejos de la luz llevó a algunos

artistas impresionistas a elegir la nieve como motivo para sus obras. En la década de 1870, Sisley realizó

sus cuadros más luminosos y líricos. En esta obra, representa la vista que

tenía desde su balcón mientras la nieve caía sobre el camino de L’Etarché, detrás de su casa.

Casa en Auvers, Vincent VAN GOGH (1853-1890)

Este cuadro lo pintó Van Gogh seis semanas antes de morir. El horizonte alto, la llanura y el tratamiento texturizado del trigo no sólo crean una atmósfera claustrofóbica, sino

que, además, evidencian la influencia del arte japonés.

Bailarinas en la barra,Edgar DEGAS (1834-1917)

Este cuadro ofrece al espectador una vista entre bambalinas de las

bailarinas, un tema recurrente en la obra de Degas. Muestra la extrañeza

formal de las posturas cuando las bailarinas se funden en un grupo.

PARÍS Y EL CUBISMO

A principios del siglo XX, París era la única ciudad europea en la que podía verse el arte más novedoso. Artistas de toda Europa, como Picasso, acudieron a la Ciudad de la Luz, el único lugar donde la imaginación podía volar sin restricciones. Hacia 1910, Picasso y Braquedejaron de lado la perspectiva tradicional para crear un sistema pictórico completamente nuevo llamado cubismo. Los principios cubistas de la forma fragmentada y los puntos de vista diversos acabaron influyendo en pintores y escultores de todo el mundo. Se exploraron, además nuevas formas de representación de la figura y se hallaron nuevas fuentes en los museos etnográficos donde la escultura tribal africana y el arte egipcio compartían una geometría expresiva simplificada de la que se apropiaron algunos artistas. Otros, en cambio, adoptaron una mirada más sensual para seducir visualmente al espectador a través del color. En el decurso de esas transformaciones, el mundo observable siguió siendo una fuente esencial de inspiración.

3

Interior con cortina egipcia,Henri MATISSE (18691954)

El estudio del artista, Raoul DUFY (1877-1953)

Los rápidos esbozos y los estampados textiles ponen de manifiesto las dotes del artista como decorador, diseñador y dibujante. A través del cristal de la ventana se funden el interior y el

exterior.

Elena Povolozky.Amedeo MODIGLIANI

(1884-1920)

En la década de 1910, Elena Povolozky ayudó a Modiglianiy a otros artistas ofreciéndoles

dinero y comida. A cambio, Modigliani le pintaría dos

retratos en 1917.La identidad de la retratada

queda patente en la inscripción, en

una mezcla de palabra e imagen similar a la del

Cubismo.

Naturaleza muerta con periódico.Juan GRIS (1887-1927)

Juan Gris concebía sus obras cubistas como una continuación en la

tradición de la historia del arte. Esta pintura aúna sus intereses modernos y clásicos. La paleta sombría remite a sus raíces españolas, mientras que el efecto de cortar y pegar el periódico

es indicativo de su interés por el collage.

Mujer con sombrero verde.Pablo PICASSO (1881-1973)

Es un retrato de la artista surrealista Dora Maar, que fue modelo y amante de Picasso durante ocho años (1936-1944). La representa con su accesorio

más emblemático: el sombrero. La expresión de Maar en este retrato, pintado en octubre de 1939, poco

después de estallar la Segunda Guerra Mundial, refleja la incertidumbre del

momento.

INT IMISMOY ARTE MODERNO

A finales del siglo XIX, en Francia se concebía la pintura como algo personal o “íntimo”, vinculada a los sentimientos y la imaginación del artista. Dos de las figuras fundamentales que exploraron este terreno fueron Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, tildados con frecuencia por sus detractores de “intimistas”. Los interiores domésticos que pintaron tienen una carga psicológica novedosa, en el arte moderno, coetánea del nacimiento del psicoanálisis. En cuanto al tema tradicional de la naturaleza muerta, se convirtió en un instrumento para explorar nuevos lenguajes estéticos y artísticos, al margen de la función moralizante y simbólica que tradicionalmente había tenido como género. Los objetos que el artista elegía podían tener un valor o una importancia personales y presentaban una visión microcósmica del mundo a escala íntima. En muchos casos se observa una combinación de inventiva y vigor, en un enfoque que medía la abstracción y la figuración.

4

Niños y gato,Pierre BONNARD (1867-1947)

La Riviera,Pierre BONNARD (1867-1947)

El cuadro refleja la pasión de Bonnard por el sur de Francia,

donde pasaba temporadas trabajando. En la pintura se muestra Le Cannet (en el norte de Cannes),

su bahía y el macizo de Esterel en la distancia, con el sol poniente.

NATURALEZAY EXPRESIONISMO

En un nuevo siglo en el que se iba normalizando la electricidad, los rayos X, los automóviles, el cine, y los aviones, todos esos cambios, en la concepción del mundo y del lugar que ocupaba la humanidad en él, incitaron a muchos artistas de ambos lados del Atlántico a representar el modo de crear equivalentes visuales de esas nuevas experiencias. Los más osados innovadores no sólo trabajaban en París, sino también en Alemania, Austria y América. El expresionista del siglo XX, con frecuencia, intentó poner de relieve un sentido subyacente de lo personal y lo espiritual que pudiera abarcar lo visionario. De todas formas, aunque estos artistas europeos y estadounidenses consideraban que el arte podía expresar la experiencia personal al margen de la existencia de un tema, la naturaleza siguió siendo una fuente de inspiración constante para todos ellos.

5

Otoño II,Wassily KANDINSKY (1866-1944)

Crepúsculo, Georges ROUAULT (1871-1958)

Desde principios de la década de 1930, Duncan Phillips consideró a este artista como “uno de los mayores visionarios de la pintura”.

Motivo de hojas,Georgia O’KEEFFE (1887-1986)

O’Keeffe buscó siempre las cualidades místicas subyacentes en

la naturaleza. Deseaba encontrar equivalentes estéticos para

expresar su experiencia del mundo natural.

Utilizaba fisuras o rasgaduras como dispositivos formales y

referencias veladas a su estado de ánimo.

EXPRESIONISMOABSTRACTO

Una generación de artistas norteamericanos que había alcanzado la madurez creativa en las décadas de 1940 y 1950 convirtió a los Estados Unidos en una potencia internacional del arte. Afectados por la conmoción política de la Segunda Guerra Mundial y sus consecuencias, aquellos artistas consideraban que el subconsciente era una fuente primordial de inspiración creativa. Muchos de ellos destacaban la pincelada expresiva y el propio acto de pintar como parte de la identidad esencial de la obra final, que revelaba la vida interior del artista y constituía un testimonio físico de su lucha. Otros rehuyeron por completo la abstracción gestual y buscaron la fuerza en unas relaciones cromáticas líricas y trascendentes. Pero no sólo los estadounidenses ensalzaron una vertiente más expresionista de la abstracción, puesto que también lo hicieron algunos artistas europeos, especialmente en el París de la postguerra.

6

La lección,Philip GUSTON (1913-1980)

Número 182,Morris LOUIS (1912-1962)

Desde 1953 empezó a experimentar con nuevas formas de aplicar la pintura: vertía desde lo alto del

bastidor pintura mate o brillante, en capas sucesivas que se iban

superponiendo sobre la tela sin imprimar, generando composiciones que impregnaban la trama del lienzo.

Caballetes, Mª Helena Vieira da Silva (1908-1992)

A medio camino entre la figuración y la abstracción, la autora explora las relaciones espaciales desde perspectivas diversas. En esta obra repite el motivo elegido en un espacio estrecho y comprimido, trabajando directamente sobre el lienzo sin dibujos preparatorios.

Fue un crítico francés quien, en 1874, describió una pintura de Monet calificándola de mera “impresión” porque no parecía una obra de arte acabada. La palabra cayó en gracia y desde

entonces se ha utilizado el término impresionismo para designar este movimiento de pintores franceses y su corriente

estética.

El camino de Vétheuil,Claude MONET (1840-1926)

Utiliza manchas de color, pinceladas densas y una

composición sencilla para representar el camino que va de La Roche-Guyon a

Vétheuil, a unos 80 km de París. El cuadro captura la

luz de un atardecer de otoño.