IMPRESIONISMO  Y  POSTIMPRESIONISMO                                                                  

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Trabajo  práctico  Nº3.    

CAVALLIN,  Iohanna  V.  PRATO,  Fernando.  

 Historia  del  Arte  II  

 Docente:  Carranza,  A.  

Tecnicatura  en  Diseño  Gráfico.  Escuela  Superior  de  Bellas  Artes  “Emiliano  Gómez  Clara”.  

Octubre  de  2015    

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PINTURA  PRERRAFAELISTA      

La   evolución   de   la   pintura   moderna   a   lo   largo   del   Siglo   XIX   supone   una  superposición   de   tendencias   y   estilos   que   van   complicando   progresivamente     la  aspereza  artística  del  momento.  Así,  junto  a  la  evolución  variada  del  romanticismo,    y  de  las  maravillosas   tendencias  surgidas  del   realismo,   se  desarrolla   también  una  corriente  esteticista,   a   veces     intelectual   y   a   veces   simbólica   que   también   da   pie   a   numerosas  variantes   desde   el   Prerrafaelismo   inglés   hasta   las   más   variadas   representaciones   del  simbolismo.    

Los   Prerrafaelistas   ingleses   son   un   grupo   de   jóvenes   artistas   idealistas   e  innovadores   que   pretendieron   reformar   el   panorama   artístico   inglés   alejándose   de   la  Academia  Real  de  Londres,  producto  de   la   Industrialización  de   Inglaterra.  Creían  en   la  capacidad  personal  de  los  artistas  para  escoger  sus  propias  ideas  y  técnicas  pictóricas.  El  nombre   se  debe  a  que   siguen   la   línea  de  amparar   su  obra  en     la   influencia  de  artistas  anteriores   al   Clasicismo   pleno   que   representa   Rafael   Sanzio.   Bajo   la   influencia   del  Romanticismo,   rechazaban   las   convenciones   artísticas   del   Renacimiento   e   intentaban  recuperar  los  valores  artísticos  de  la  Edad  Media  los  cuales  les  fascinaban  y  ya  se  habían  perdido  en  épocas  posteriores.  

En   sus   comienzos,   forman   un   grupo   de   siete  pintores   entre   los   que   se   destacan   William   H.   Hunt  (1827-­‐1910),  Dante  Gabriel  Rossetti  (1828-­‐1882),  John  E.  Millais  (1829-­‐1896),  Edward    Burne-­‐Jones.  Luego  poco  a  poco   se   fueron   adhiriendo   otros   artistas   como   James  Collinson  (1825-­‐1881),  un  autor  de  género  pretendiente  de  la  hermana  de  Rossetti,  Thomas  Woolner  (1825-­‐1892)  que   opinaba   que   los   principios   prerrafaelistas   también  podían  aplicarse  a  la  escultura.    

Buscaron  en  ocasiones  el  tema  literario,  dan  a  sus  obras   una   gran   calidad   técnica,   y   una   mayor   altura  intelectual.   Su   pintura   por   esto   se   convierte   en   un  movimiento   esteticista   que   también   gozó   de   un   enorme  favor   popular,   sobre   todo   en   el   momento     en   el   que   el  escritor   y   critico   de   arte   Ruskin   los   defiende   como  ejemplo  a  seguir  de   la  pintura  moderna.  Ruskin  apostó  a   favor  de   los  prerrafaelistas  y  fue   desde   entonces   cuando   surgieron   a   la   fama   y   comenzaron   los   encargos,   también  comenzaron  los  imitadores  de  este  estilo  como  Brett.    

La  pintura  prerrafaelista  se  caracteriza  por  sus  colores  puros  sin  mezcla,  colores  brillantes,  la  representación  meticulosa,  en  el  detalle  minucioso  y  una  captación  de  la  luz  totalmente   nítida   y   natural.   Una   pincelada   descriptiva   de   líneas   precisas   y   un   tono  general  delicado  y  elegante.  Trabajaban  al  aire  libre  y  sobre  los  temas  que  trataban.    

The  Holy  Family  James  Collinson,  1878.    

 

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Los  ideales  del  grupo  fueron  documentados  por  Rossetti,  quien  era  el  que  llevaba  un  registro  escrito  de  las  pautas  del  grupo  y  pueden  resumirse  en  cuatro  apartados:  

 -­‐ Expresar  ideas  auténticas.  -­‐ Estudiar  atentamente  la  naturaleza  para  saber  cómo  expresar  la  idea.  -­‐ Simpatizar  con  lo  inmediato,  con  lo  serio  y  con  lo  que  se  siente  de  corazón  en  

el  arte  previo.  -­‐ Hacer   siempre   buenos   cuadros   y   esculturas   buscando   la   perfección   en   todo  

momento.    

Los   Prerrafaelistas   se   preocuparon   por   los   desórdenes   sociales   del   país   y  centraron  sus  obras  en  cuestiones  sociales  y  políticas  de   la  ciudad   industrial.  También  buscaron   su   inspiración   en   leyendas   medievales   y   temas   históricos.   En   sus   primeros  momentos   creyeron   que   medievalismo   y   realismo   eran   compatibles,   pero   en   años  posteriores   el   movimiento   terminó   por   escindirse   en   dos   direcciones:   La   corriente  realista   fue   encabezada   por   Hunts   y   Millaus   y   el   medievalismo   por   Rossetti,   Brunes-­‐Jones  y  Morris.  Nunca  hicieron  una  ruptura  absoluta,  sino  que  ambas  tenían  las  mismas  creencias   acerca   del   arte   y   se   oponían   al   ideal     de   materialismo   realista   asociado   a  Coubert  y  el  Impresionismo.  

    En  1849  los  Prerrafaelistas  realizaron  su  primer  muestra  de  lienzos  cosechando  

muy   buenas   críticas   que   alababan   su  estilo   de   medioevo   con   obras   como  “Rienzi   jura   obtener   justicia   por   la  muerte   de   su   hermano   menor”,   de  Williams   Hunt,   que   fue   pintada   en   el  sitio   donde   sucedió   y   con   luz   natural.  (Izq.)  

 

Otra   de   las   pinturas   expuestas   en   la  muestra   fue   “La   juventud   de   la   Virgen  María”,   de   Rossetti,   llena   de   simbolismos  que  muestran  a  Santa  Ana  observar  a  su  hija  María  como  borda  un  lirio  en  una  banderola  carmesí.  (Der.)  

   

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  “La  Bella  Isolda”  (Morris  ,  1858)  refiere  a  la  naturalidad   que   representaban   los   artistas  prerrafaelistas,   intentando   captar   cada   detalle  desde  cerca,  el  objetivo  era  se  auténtico.  Pintaban  al  aire  libre  en  lugar  de  recurrir  a  la  memoria  era  fundamental   para   liberar   de   la   mente   esquemas  preestablecidos   y   verificarlo   a   partir   del   motivo  representado.    Quizá  el   factor  mas   importante  en  la   preferencia   por   la   pintura   al   aire   libre   fue   el  deseo   de   captar   el   color   tal   cual   aparecía   en   la  naturaleza,   llevándolos   a   distinguir   entre   los  colores  “absolutos”  (color  pigmento,  sin  influencia  de  otro   color)   y   los   colores   “aparentes”   (aquellos  que  se  regulan  al  ser  vistos  en  conjunto).  

         

Rechazaron  la  estetización  del  contorno  mediante  estrategias  en  la  pintura.  Aislaban  los  detalles   naturales,   toda   la   pintura   tiene   un  enfoque   homogéneo   (primer   plano   absoluto,  sensación  de  tridimensionalidad  creada  por  los  contrastes   en   la   temperatura   del   color)   y   un  equilibrio  entre  los  elementos  figurativos  y  los  paisajísticos.     La   imagen  de   la   izquierda,   “The  Last   of   England”   /   “Adiós   Inglaterra”   (Brown,  1855)  es  un  claro  ejemplo.  (Izq.)  

   

 En  1850,  la  Hermandad  prerrafaelista  se  convirtió  en  el  centro  de  discusión  tras  

entrar  en  polémica  por  los  comentarios  negativos  acerca  de  la  obra  de  Millais,  “Cristo  en  la   casa  de   sus  padres”.   Considerada  un  blasfemo  por  parte  de   los   críticos.   Se   atacó   su  

medievalismo   por   atrasado   y   su  detallismo   excesivo   y   fue   tildado   de  antiestético   y   ofensivo   a   la   vista.     A  causa   de   esta   polémica,   sumada   a   los  ataques   públicos   por   parte   del  presidente   de   la   Academia,   Sir   Charles  Lock   Eastlake   y   de   otros   factores,   la  hermandad   comenzó   a   disolverse  aunque   sus   principios   seguirían   siendo  influyentes   en   las   generaciones  posteriores.  

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MOVIMIENTO  PICTÓRICO  IMPRESIONISTA    

El  movimiento   impresionista   pictórico   surgió   en   Francia,  más   precisamente   en  París,  en  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX  y  luego  se  expandió  a  otros  países  europeos.  Este  movimiento  surge  como  un  modo  de  romper  con  los  convencionalismos  de  la  época,  y  de  este   modo   dar   paso   a   lo   natural   y   espontáneo   a   través   de   rápidas   pinceladas,  preocupándose  menos  de  los  detalles  que  del  efecto  general  del  conjunto,  el  objetivo  era  conseguir  una  representación  del  mundo  espontánea  y  directa.  

    Las  características  de  la  pintura  impresionista  son:    

-­‐ Los   impresionistas   se   centran   en   el   intento   de   reproducir   fielmente   las  apariencias.  

 -­‐ Con   el   fin   de   estudiar   los   distintos   matices   de   la   atmósfera   que   envolvía   los    motivos,  era  típico  de  los  impresionistas  el  realizar  distintas  versiones  de  un  mismo  motivo  en  distintos  momentos  del  día,  y  bajo  distintas  condiciones  de  iluminación  y  atmosféricas.    

 

La  Catedral  de  Ruan  fue  llevada  a  cabo  por  Claude  Monet  entre  1892  y  1894.  Se  trata  de  una  serie  de  31  lienzos  que  muestran  la  fachada  de  la  gótica  Catedral  de  Nuestra  Señora  se  de  Ruan,  Francia,    a  lo  largo  del  día  y  en  distintas  condiciones  meteorológicas.    

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-­‐ Debido   a   la   influencia   de   la   fotografía   y   del   grabado   japonés,   el   Impresionismo  busca   captar   en   las   obras   la   temporalidad,   la   apariencia   fugaz   del   fenómeno   que  quieren  representar.  Ya  se  trate  de  un  caminante,  de  un  campo  de  amapolas  o  de   la  atmósfera  cambiante  frente  a  la  fachada  de  una  catedral,  lo  fundamental  es  lo  que  el  artista   percibe   y   cómo   se   siente   frente   a   lo   que   percibe.   En   consecuencia,   el  Impresionismo   deja   de   lado   el   enfoque   tradicional   que   exigía   al   artista   contar   una  historia  o  transmitir  un  mensaje  de  tipo  moral.    

 

   -­‐   Una   exigencia   adicional   de   este   afán   por   captar   instantáneamente  momentos  

fugaces   de   motivos   cotidianos   era   la   de   pintar   «au   plain   air»»,   al   aire   libre.   Los  pintores   impresionistas   no   dudaban   en   aprovechar   los   avances   tecnológicos   del  momento  que  facilitaban  el  transporte  por  ferrocarril  con  localidades  de  la  campiña  francesa  cercanas  a  París,  y  ubicaban  sus  caballetes  al  aire  libre  para  ejecutar  allí  sus  obras.  A  esto  ayudó  también  la  invención  en  la  década  de  1840  de  los  tubos  metálicos  de  pintura.    

   

 

EUGÈNE   BOUDIN:   "Muelle   en   Deauville"   -­‐  1869   -­‐   óleo   sobre   lienzo,   23   -­‐   32   cm.   -­‐   Paris,  Musée  d'Orsay  -­‐  

 Boudin   fue   uno   de   los   primeros   paisajistas  franceses  aficionados  al   trabajo  "au  plen  air",  y  está   ampliamente  considerado  como  una  de  las   mayores   influencias   para   los   primeros  pintores   impresionistas.   Cuando   se   estableció  en   Saint-­‐Siméon   en   1862,   muchos   jóvenes  pintores   se   influenciaron   con   sus   obras,  fundándose   un   grupo,   la   llamada   "Escuela   de  Saint-­‐Siméon",   que   es   uno  de   los   orígenes   del  impresionismo    

LAUDE   MONET   –   “Poplars   au   bord   de   l'Epte,  (álamos  al  borde  del  Epte,  vista  de  la  marisma)”  -­‐   1891   –   óleo   sobre   lienzo,   88-­‐   93   cm.   -­‐   USA,  colección  privada  –    

 Claude   Monet   es   el   pintor   impresionista   por  excelencia,  y  su  mayor  cota   lírica  la  alcanza  en  este   cuadro   extrañamente   irresistible.   La  composición   posee   la   extraña   belleza   de   un  haiku   japonés,   asimétrica   y   conmovedora,  mientras   las   hojas   de   los   álamos   se   desdoblan  en  una  gama  de  rojos  y   púrpuras,   concluyendo  en  un  azul  que  haría  enrojecer  de  envidia  a  Yves  Klein.   Es,   en   definitiva,   Monet   en   su   máximo  esplendor,   aquel   artista   que   “quisiera   pintar  como   el   pájaro   canta”,   y   que,   en   obras   como  esta,  lo  consigue.    

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-­‐ Otro   rasgo  muy   típico  de   los   impresionistas:   el   estudio  de   la   luz  en   sus   reflejos  sobre  el  agua.    

 

   

-­‐ Quizá   el   rasgo   técnico  más  destacado   y   característico   del   Impresionismo   sea   la  pincelada  breve  y  gruesa,  ejecutada  de  forma  rápida  sobre  el  lienzo.  De  esta  forma,  el  artista   podía   captar   y   resaltar   la   esencia   y   la   apariencia   del   motivo   más   que   sus  detalles.  Además  empleaban  lo  que  se  denomina  pincelada  descriptiva:  el  uso  de  una  pincelada   cuidadosamente  aplicada  para   ser  máximamente  eficaz   en   la  descripción.  Combinaban  el  uso  de  pinceladas  largas  y  empastadas  con  pinceladas  cortas  y  menos  empastadas,  más  adecuadas  para  crear  la  sensación  de  profundidad.  

 

   

-­‐ En  relación  con  el  tratamiento  del  color,  los  impresionistas  evitaban  la  mezcla  de  colores  en  la  paleta,  aplicando  colores  primarios  o  secundarios  directamente  sobre  el  lienzo,   yuxtaponiendo   pinceladas.   De   esta   manera   se   conseguía   una   mayor  luminosidad  y  brillantez  en  la  obra,  ya  que  la  mezcla  de  colores  es  de  tipo  óptico,  por  

ALFRED  SISLEY:  "L'inondation  à  Port-­‐Marly",  1876  -­‐  Paris,  Musée  d'Orsay  -­‐  óleo  sobre  lienzo  –    Sisley   pintó   varios   lienzos   representando   la   crecida  del   Sena   en  Port-­‐Marly,   pero   las   dos   composiciones  más   destacadas   son   aquellas   que   recogen   la  inundación   ante   la   tienda   de   un   comerciante   de  vinos  de   la  Rue  de  Paris.   Es   posible   sugerir  un  nexo  de  unión  entre  estas  pinturas  y   la  agitada  biografía  de  su  autor:  tal  vez  Sisley  veía  las  inundaciones  en  la  plácida   localidad   de  Port-­‐Marly   como  un   reflejo   de  su   propia   vida   accidentada,   desbordada,   tras   unos  acontecimientos  tan  imprevisibles  e  inevitables  como  la  crecida  de  un  río    

CLAUDE   MONET  –   "Impresión,   salida  de   sol"   (1873)   -­‐   Paris,   Musée  Marmottan  -­‐        “El  papel  sin  pintar  de  las  paredes  está  mejor   terminado   que   esta   marina”  escribió   un   agudo   crítico   de   la   época  sobre   este   lienzo,   expuesto   en   la  primera   exposición   impresionista   de  1877.   No   se   trató   de   una   crítica  aislada,  sino  que  es  tan  solo  un  ejemplo  de   cómo   los   críticos   de   la   época  reaccionaron   ante   esta   pintura,   y   por  extensión,   ante   la   pintura  impresionista   (movimiento   que,   a   la  larga,   debería   su   nombre   a   esta  marina)  No  resulta  sorprendente,  pues,  que   nadie   ofreciera   los   1,000   francos  que  Monet  pedía  por  esta  pintura.    

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tener  lugar  en  la  retina  del  espectador.  De  este  modo,  renuncian  a  la  modulación  tonal  tradicional.  

 

   -­‐   Los   pintores   impresionistas,   por   lo   general,   evitaban   oscurecer   los   colores    mezclándolos  con  el  negro.  Cuando  necesitaban  pintar  sombras,  recurrían  a  la  mezcla  o  yuxtaposición  de  colores  complementarios.  Evitaban  las  sombras  negras;  incluso  en  ellas  había  color.  También  empleaban  el  recurso  de  evitar  al  máximo  la  presencia  de  sombras  pintando,  por  ejemplo,  en  las  horas  centrales  del  día  (sombras  más  cortas)  o  con  luz  frontal  sobre  los  personajes  (para  que  las  sombras  queden  detrás  de  ellos).  

 

 

CAMILLE  PISSARRO:    "Le   Boulevard   Montmartre,  effet   de   nuit   (El   Boulevard  Montmartre  de  noche)",  1897  -­‐  óleo   sobre   lienzo,   53.3   x   64.8  cm  -­‐  Londres,  National  Gallery  -­‐    Aunque   Pissarro   es   más  conocido   por   sus   paisajes  rurales,   creó   un   gran   número  de  escenas  urbanas  de  París  de  gran   calidad.   En   1897   alquiló  un   estudio   en   el   Boulevard  Montmartre   y   representó   esta  vía   a   distintas   horas   del   día,  siendo   esta   la   única   vista  nocturna   de   la   noche.   "El  Boulevard   Montmartre   de  noche"   es   una   sensacional  pintura   impresionista,   aunque  Pissarro   nunca   la   expusiera   en  público  en  vida.  

   

PIERRE-­‐AUGUSTE   RENOIR:  "Los   paraguas",   1881-­‐86   -­‐   óleo   sobre   lienzo,  180  -­‐  114  cm.  -­‐  Londres,  National  Gallery  -­‐        "Alrededor  de  1883,  una  ruptura  ocurrió  en  mi  obra.  Había   llegado  al   final  del  impresionismo,  a  la  conclusión  de  que  no  sabía  dibujar  o  pintar.  En  una  palabra,  estaba  en  un  punto  muerto".  "Los  paraguas"  es  una  obra  compleja  en  la  que  podemos  hallar  a  su  autor  en  dos  etapas  distintas  de  su  producción  artística.   Mientras   que   el   dibujo   preciso   de   la   mujer   de   la   izquierda   es  claramente  pertenciente  al  periodo  impresionista,  varias  de  las  figuras  de  la  parte   derecha   se   situarían   en   un   periodo   posterior,   muy   influenciado   por  Ingres,  comenzado  en  1883  

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-­‐ Para   conseguir   obras   más   luminosas,   los   impresionistas   evitaban   las  imprimaciones   con   tonos  oscuros   (como   tradicionalmente   se  hacía)   y   las   sustituían  por  preparaciones  del  lienzo  con  colores  claros.  Así  los  colores  eran  más  luminosos.  

 

   

-­‐ En     sus    obras   con   frecuencia  utilizaban    encuadres   inusuales    y   composiciones  asimétricas,  desplazando  el  punto  de  interés  hacia   los  bordes  de  la  obra.  En  ocasiones,  por   lo  tanto,  se  sustituye  el  punto  de  vista  frontal  por  puntos  de  vista  más  altos  o  más  bajos.    

   -­‐ La   pintura   impresionista   propone   nuevos   cauces   de   expresión   artística   que  exigían  la  ampliación  de  los  temas  representados  en  las  obras.  Para  los  impresionistas  el  motivo  era  secundario  en  relación  con  el  protagonismo  fundamental  que  cobraba  la  plasmación   de   la   luz   sobre   el   lienzo.   Por   esta   razón,   ya   no   se   habla   tanto   de   tema  como  de  motivo.  

 -­‐ Con   los   impresionistas  el  paisaje  deja  de  ser  un  género  menor.    En  el  paisaje  es  donde   los   pintores   impresionistas   tienen   más   posibilidad   de   investigar   nuevos  

Parte  superior  imprimada,  parte  inferior  sin  imprimar.    

CLAUDE   MONET  –   “Poplars   au   bord  de   l'Epte,   (álamos   al   borde   del   Epte,  vista   de   la   marisma)”   -­‐   1891   –   óleo  sobre   lienzo,   88-­‐   93   cm.   -­‐   USA,  colección  privada  –    Claude   Monet   es   el   pintor  impresionista   por   antonomasia,   y   su  mayor   cota   lírica   la   alcanza   en   este  cuadro   extrañamente   irresistible.   La  composición  posee   la   extraña  belleza  de   un   haiku   japonés,   asimétrica   y  conmovedora,   mientras   las   hojas   de  los  álamos  se  desdoblan  en  una  gama  de   rojos   y   púrpuras,   concluyendo   en  un   azul   que   haría   enrojecer   de  envidia  a  Yves  Klein.  Es,  en  definitiva,  Monet  en  su  máximo  esplendor,  aquel  artista   que   “quisiera   pintar   como   el  pájaro   canta”,   y   que,   en   obras   como  esta,  lo  consigue.  

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efectos  ópticos  para  captar  sobre  el  lienzo  la  luz  que  impregna  y  dota  de  carácter  a  la  atmósfera  de  cada  momento.  

 

 -­‐ Los  impresionistas  investigaron  las  variaciones  en  la  luminosidad  del  cielo,  de  las  nubes,   en  condiciones  de  sol   radiante,  de   lluvia,  de  viento,  de  niebla.,  plasmaron  en  sus   obras   el   agua,   en  marinas,   ríos,   inundaciones,   estanques   repletos   de   nenúfares.  Analizaron,  tratando  de  reproducirlo,  el  reflejo  de  la  luz  sobre  el  agua.  

 

   

-­‐  

Sisley,   Moret-­‐sur-­‐Loing   in   Morning  Sun  1888  

 BERTHE   MORISOT  –   “Día  de  verano",  1879   -­‐  Londres,  National   Gallery   -­‐   óleo  sobre  lienzo,  45-­‐75  cm.  -­‐        Nieta   de   Fragonard,   el  famoso   pintor   clásico  francés,   y   criada   en   el   seno  de   una   familia   acomodada,  Morisot   fue   un   miembro  activo   del   grupo  impresionista,   e   incluso  Manet  alabó  su  estilo  ágil  y  suelto.  En  sus  últimas  obras,  la   influencia   de   Renoir   es  muy  clara  

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-­‐ Pintaron  jardines,  árboles,  flores,  praderas,  campos  de  amapolas.  -­‐ Estudiaron  el  efecto  de  la  luz  sobre  distintas  superficies,  como  la  nieve,  o  el    suelo  mojado  en  un  día  de  lluvia.    

-­‐  Paseantes  ociosos  y  despreocupados,  paseando  o  merendando  en  el  campo  en  un  día  de  descanso.  El  desarrollo  económico  posibilitó  la  existencia  de  la  burguesía  y  de  una  creciente  clase  media  que  podía  permitirse  semejantes  lujos  que  no  estaban  al  alcance  de  la  gran  mayoría  de  la  población.  

 

     

-­‐ Como  observadores   atentos   de   su   época,   los   impresionistas   retrataban   escenas  cotidianas  propias  de  la  vida  moderna:  Estaciones  de  ferrocarril  repletas  de  humo  y  vapor  de  las  locomotoras.  Bulevares,  calles  con  el  bullicio  y  la  animación  propios  de  la  gran  ciudad  que  era  París.  Escenas  de  interior  de  cafés  y  locales  de  variedades,  en  el  circo,  bailarinas  de  ballet,  con  gente  descansando,  aburriéndose  o  divirtiéndose.      -­‐ Hay  que  observar  que  los  impresionistas  plasmaban  la  realidad  que  observaban  con   una   intención   muy   distinta   a   la   que   movía   a   los   pintores   realistas.   Los  impresionistas   no   tenían   ánimo   de   denunciar   situaciones   de   injusticia   social   ni  buscaban  cambiar  la  sociedad  con  sus  obras.  

 

MARY  CASSATT:  "Verano",   1894   -­‐  óleo  sobre  lienzo,  100.7-­‐81.3  cm.   -­‐  Terra  Foundation   for  American  Art,  Chicago  -­‐      Mary   Cassatt   nació   en   Pennsylvania,   pero  vivió  gran  parte  de  si   vida  en  Francia,   donde  fue   invitada   por   Edgar   Degas   a   exponer   sus  obras  junto  a  los  impresionistas  franceses.  Sus  lienzos  pintados  en  la  década  de  1890  son  los  más   interesantes   de   su   carrera,   y   cuando   el  grupo   de   los   impresionistas   se   dispersó,  Cassatt  se  mantuvo  en  contacto  con  varios  de  ellos,  enriqueciendo  su  talento  artístico  hasta  llegar   a   ser   un   modelo   para   los   jóvenes  pintores  americanos  

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MOVIMIENTO  ESCULTORICO  IMPRESIONISTA    Los   logros   conseguidos   por   los   pintores   impresionistas   fueron   llevados   a   la   escultura  por  Auguste  Rodin  (1.840-­‐1.917).      

Rodin   supera   el   academicismo   y  refleja  el  interés  por  captar  el  movimiento  y  la   luz   que   consideraba   fundamentales   para  obtener   profundidad   en   la   escultura.   En  1.875  realizó   la  escultura,   titulada    “La  edad  del  Bronce”,     obra   que   causó   gran   polémica  ya  que  se  acusó  a  Rodin  de  no  haber  hecho  el   vaciado   de   una   escultura   de   arcilla,   sino  de   un   modelo   real,   debido   a   la   perfección  que   alcanzó.   Gracias   a   sus   amigos,   como  Degás,   logró   salir   triunfal   de   este   trance.    Tras   esto,   sus   esculturas   toman   dos  caminos:    

-­‐ la   escultura   alimentaria:  decorativa  y  para  vivir;    

-­‐ las   esculturas   transgresoras:   que  rompían   con   la   tradición  academicista.    

 En   las   esculturas   transgresoras  

intentó   plasmar   en   los   volú-­‐   menes   las  vibraciones   lumínicas   por   medio   de  superficies   rugosas   y   de   multiplicación   de  ángulos.  Los  temas  de  Rodin  difieren  mucho  de  los  impresionistas,  ya  que  intentó  reflejar  

en   sus   obras   las   pasiones   y   los   dramas  humanos.   Los   inacabados   son   otro  aspecto   característico   de   su   obra,   por  influencia   de   las   últimas   esculturas   de  Miguel   Ángel.   Rodin   dejaba  conscientemente   inconclusas   algunas    partes    de   la  escultura,  de  este  modo,   las  figuras  parecían  surgir  del  mismo  bloque.  En  ocasiones  omitía  parte  de  la  escultura  como   la   cabeza   o   las   extremidades,  

“La  edad  del  Bronce”,  Rodin.  

“Los  burgueses  de  Calais”,  Rodin.  

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probablemente   influido   por   la   estatuaria  clásica.   Entre   sus   obras  transgresoras   destacan   Los  burgueses   de   Calais   (1.884),   de  carácter  narrativo.  

    “El   Beso”,   de   Rodín,  destaca   una   cualidad   muy  interesante:   la   multiplicidad   de  puntos   de   vista   para   observar   la  obra.   Esto   tiene   una   clara  influencia  de  Bernini  (der.).      

En   cuanto   a   Camille  Claudell,   discípula   de   Rodín,  destacan  los  bustos  que  realiza  de  personas   anónimas,   con   rasgos  muy   realistas,   y   los   bustos   que  realiza   de   familiares,   destacando  el   de   su   hermano,   caracterizado  como   un   joven   romano.   Lo   más  destacable   de   estas  representaciones  es  la  fuerza  y  la  expresión  (abajo  der).    La  obra  de  la  escultora,  a  pesar  de  ser   muy   cercana   a   la   de   su  maestro,   tiene   su   toque   personal  y   femenino,   sin   ser   nunca   una  copia  de  su  mentor.                                “Cloto”,  Camille  Claudel.  

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POSTIMPRESIONISMO    Posterior   al   Impresionismo,   desde   finales   del   siglo   XIX,   hasta   principios   del   XX  

surge   un   movimiento   al   que   Roger   Fry   llamó   Postimpresionismo,   que   engloba   en  realidad   diversos   estilos   personales   planteándolos   como   una   extensión   del  Impresionismo  y  a  la  vez  como  un  rechazo  a  las  limitaciones  de  este.  

 Los  pintores  Postimpresionistas  continuaron  con  la  utilización  de  colores  vivos  -­‐

se  convierte  en  el  principal  valor  expresivo,  aplicando  los  colores  tal  cual  salen  del  tubo  y   en   grandes   superficies-­‐,   la   aplicación   de   la   pintura   de   manera   compacta,   haciendo  pinceladas  distinguibles  y  basándose  en  temas  de  la  vida  real  pero  esta  vez  reaccionaron  contra   el   deseo   de   reflejar   fielmente   la   naturaleza   y   presentaron   una   realidad   más  subjetiva  del  mundo.    

 Lo  más  importante  de  este  movimiento  con  respecto  a  la  actualidad  es  que  abre  

camino  hacia  la  renovación  pictórica  que  trajeron  los  nuevos  movimientos  artísticos  de  vanguardia:   el   Fauvismo,   Cubismo  o  Expresionismo,   estos  movimientos   no   se   podrían  entender  si  no  nos  referimos  con  anterioridad  al  Postimpresionismo.    

 Las   características   más   importantes   de   la   técnica   postimpresionista   son   las  

siguientes:    

-­‐ Interés   por   la   construcción   de   la   forma,   el   dibujo   y   la   expresividad   de   los  objetos  y  figuras  humanas.    

-­‐ Conciliación   entre   efecto   volumétrico   (conculcado   por   el   fulgor   luminoso  impresionista   que   casi   había   desmaterializado   las   formas)   y   el   gusto  puramente  estético  (Cézanne).    

-­‐ Concepción   del   cuadro   a   base   de   cuerpos   rigurosamente   geométricos  (Cézanne).    

-­‐ Se   elimina   la  perspectiva   en  profundidad,   se  descompone   la   corporeidad  de  los  objetos  a  elementos  geométricos  básicos;  se  crea  la  teoría  científica  de  los  colores  denominada  cromoluminarismo.    

-­‐ Empleo  de  colores  contrastantes  para  distendir  y  definir  los  planos  y  formas.    

-­‐ Efectos   pictóricos   basados   en   búsquedas   estructurales,   espaciales   y  cromáticas.    

-­‐ Utilización  de  colores  puros  con  gran  carga  emotiva  (Van  Gogh)  y  modulados  (Gauguin).    

-­‐ Creaciones  imaginativas  a  base  de  pinceladas  cursivas  que  intentan  expresar  la  angustia  y  el  desconsuelo  interior  (Van  Gogh).  

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 -­‐ Interés  por  lo  exótico  (Gauguin)  y  los  bajos  fondos  (Toulouse-­‐Lautrec).  

 -­‐ Creación  de  composiciones  simplificadas  y  estáticas,  buscando  la  armonía  de  

las  masas  cromáticas  encerradas  en  perfiles  bien  ceñidos  (Gauguin).    

Entre  los  grandes  pintores  del  Postimpresionismo  se   encuentra   Paul   Gauguin,   quien   nació   en   París   en  1848  y   falleció  a  causa  de  Sífilis  en  Atuona,  Polinesia  francesa  en  1903.  A   lis  3  años  de  edad  huyó  con   sus  

padres   a   Lima,   Perú   tras   el   Golpe   de   Estado   de   Napoleón   III   (1851),   a   los   23   años  regresóa   a   París   y   encontró   trabajo   como   agente   de   Bolsa.   Empezó   a   desarrollar   un  fuerte  interés  por  el  arte  que  lo  llevó  a  tomar  clases  de  pintura.  Era  un  época  en  la  que  ganaba  dinero,  coleccionaba  obras  impresionistas,  se  casó,  tuvo  cinco  hijos  y  llevaba  una  agradable  vida  burguesa.  Pero  en  1883,  con  35  años,  su  obsesivo  interés  por  la  pintura  le  lleva  a  abandonar  su  trabajo.  En  1885  deja  a  su  mujer  e  hijos  con  su  familia  política  en  Copenhague  para  dedicarse  al  arte  en  exclusiva.  

 El   estilo   de   Gauguin   se   caracteriza   por  que   él   llamaba   “simbolismo   sintético”,  

caracterizado,  desde  el  punto  de  vista  formal,  por:    

-­‐ La  simplificación  de  formas,  combinada  con  grandes  superficies  de  color  plano.    

-­‐ Un  uso  no  convencional  y  simbólico  del  color,  que  utilizaba  en  sus  tonos  más  brillantes  y  puros  

-­‐ Uso  de  la  composición  influido  por  un  fuerte  sentido  ornamental.  

   

El   afán   de   simplificación  es   evidente:   no  hay   sombras,   y   las   grandes   zonas   de   color  intenso   están   perfiladas   por   un   borde   negro.  Esto   junto   con   la   alteración   deliberada   de   la  escala  naturalista  define  el   “primitivismo”,   la  sencillez   rústica   y   supersticiosa   que   pretende  transmitir  Gauguin  con  su  obra.  

               

 

La visión después del sermón Paul Gauguin (1888)

La eliminación que hace Gauguin de la perspectiva clásica se traduce, en términos de color, en la elimi-nación de la modulación tonal. Además las áreas de color están delimitadas por gruesos trazos negros.

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  Las   composiciones   tienen   “Corte  fotográfico”   o   tambien   llamado   “desbor-­‐damiento   del   primer   plano”,   que   consiste   en  elegir   un   punto   de   vista   que   predomina   sobre  todo  y  realizar  el  corte  de  manera  que  se  consiga  un  espacio  abierto  hacia  el  espectador.                  

       Notamos  el  uso  experimental  del  color,  el  colorido  

vivo  y  alegre  caracteriza  la  escena,  utilizando  el  color  como  un  reclamo  al  igual  que  la  belleza  de  la  joven  que  ofrece  la  fruta.   La   perspectiva   está   muy   bien   conseguida   en   todos  sus  planos,  aunque  denota  una  nueva  visión  de   la  pintura  tanto  por  el  tema  como  por  el  color.            

   Uso  de  la  Teatralidad,  en  la  obra    aparecen  

dos  tahitianas  desnudas,  con  la  mirada  fija  hacia  el  espectador,  en  una  actitud  muy  provocativa.  Tras  ellas   vemos   un   paisaje   esquemático   y   sin  profundidad  que  da   la   sensación  de  un  decorado  teatral.   Resulta   interesante   destacar   cómo   el  pintor   está   iniciando  una   esquematización  de   las  figuras  que  anticipa  quizás  el  cubismo  de  Picasso,  como  observamos  en  el  brazo  de   la  muchacha  de  la   derecha  o   en   la  mano  de   la   de   la   izquierda.   El  colorido   es   algo   más   oscuro   que   en   obras  anteriores.  

     

Y  el  oro  de  sus  cuerpos    Fecha:1901    

 Museo:  Museo  de  Orsay.      Material:  Oleo  sobre  lienzo  

¿Adonde  vas?,  Ea  haere  ia  oe?    Fecha:1893    

 Museo:  Museo  del  Hermitage      Características:91  x  71  cm.      Material:  Oleo  sobre  lienzo  

Bodegón  con  retrato  de  Charles  Laval  Paul  Gauguin  (1886)  

La  pincelada  está  ejecutada  a  base  de  pequeñas  pinceladas  de  raíz  impresionista,  lo  

mismo  que  el  uso  del  color  (contraste  de  complementarios).  Pero  hay  un  cierto  

distanciamiento  de  este  estilo  por  el  efecto  ornamental  que  Gauguin  imprime  a  la  

pintura.    

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Referente   a   la   escultura   Postimpresionista,   encontramos   a   George   Minne,   un  escultor   e   ilustrador   belga.   Nació   en   1866   y   falleció   en   1941.   Su  modelo   a   seguir   fue  Rodí,  aunque  intentó  no  umitar  su  fuerza  plástica.  Entra  en  sintonía  con  ciertos  artistas  del  Expresionismo  alemán.  

 A   partir   de   1895   desarrolló   uno   de   sus  

asuntos  artísticos  más  característicos:  las  figuras  de  adolescentes   desnudos,   introvertidos,   arrodillados,  con   la   cabeza   inclinada,   frágiles   y   aislados   del  mundo.  Sus  obras  tienen  un  gran  sentido  emocional.  Manifiesta   un   severo   rechazo   al   pathos   barroco,  trata   de   personajes   introvertidos   y  ensimismados.  Henry   van   de   Velde  difundió   el  trabajo  de  Minne  en  los  ambientes  modernistas.  

         

             

                             

 

Hombre  con  un  Waterskin  

Fechado:  1897  

Material:  Escayola  

Pietà  

Fechado:  1938  

Material:  Brons  

Dimensiones:    

53.0  cm  x  62.0  cm  x  41.0  cm  "Madre  sufriendo  por  su  hijo  muerto    /  Mother  grieving  over  her  Dead  Child"  Fechado:  1986    Material:  yeso  Dimensiones:  Yeso,  15,9  x  46,1  x  28,2  cm  

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La  ARQUITECTURA  DEL  SIGLO  XIX    

La  revolución  industrial  va  a  ser  el  agente  que  fomente  los  principales  cambios  en  la  arquitectura  y  el  urbanismo  que  van  a  tener  lugar  durante  la  segunda  mitad  del  siglo  XIX,  ya  que  surgirán  nuevas  necesidades  que  fomentarán  el  uso  de  nuevos  materiales  y  la   construcción   de   nuevas   tipologías   arquitectónicas   como   estaciones   de   ferrocarril,  palacios   de   exposiciones,  mercados,   viaductos,   teatros,   edificios   administrativos   como  ministerios,   diputaciones,   ayuntamientos,   bibliotecas,   academias,   galerías   comerciales,  etc.  

 Todos   estos   edificios   se   van   a   construir   siguiendo   distintas   propuestas  

arquitectónicas:  Por   un   lado   tenemos   los   HISTORICISMOS.   El   historicismo   es   esa   tendencia  

arquitectónica   que   aparece   ya   a   finales   del   XVIII   y   que   intenta   recuperar   formas  arquitectónicas   de   otras   civilizaciones   o   antiguas,   creando   nuevos   estilos   a   los   que   se  llamará  “neos”.  Entre  estos  nuevos  estilos  o  “neos”  están:  

 -­‐   El   “neogótico”,   que   se   dio  

sobre  todo  en  la  primera  mitad  del  siglo  XIX  con  el  romanticismo.  Un  ejemplo  es  el   "Parlamento  de  Londres"  de  Charles  Barry.   En   este   edificio   hay   una  mezcla  de   planteamientos   clasicistas,   por  ejemplo,  la  simetría,  la  regularidad  de  la  planta,  junto  con  una  decoración  gótica,  que  fue  realizada  por  Pugin.  Existe  una  tendencia   a   la   horizontalidad,   pero  como  contrapunto  las  torres,  de  formas  y   alturas   diversas,   y   los   pináculos   o  remates  en  forma  de  agujas,  insisten  en  lo  vertical.  Se  dice  que  estos  elementos  verticales   lo   que   intentan   es   dar   un  toque   más   pintoresco   y   variado   al  edificio.   Otros   ejemplos   de   neogótico  son:   el   Ayuntamiento   de   Munich,   la  Catedral  de  la  Almudena  de  Madrid.      

 

           

Parlamento  de  Londres  

Ayuntamiento  de  Munich  

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-­‐  El  “neoindio”,  que  se  dio  sobre  todo   en   Inglaterra,   siendo   uno   de   los  edificios   más   representativos   el  Pabellón  Real  de  Brighton,  cuyo  autor  fue   J.   Nash,   y   en   el   que   se   pueden  apreciar   las   cúpulas   bulbosas  típicamente   orientales,   los   minaretes  o   torres   circulares,   columnas  clásicas,  etc.   Se   añaden     también   materiales  modernos  como  vigas  y  barandillas  de  hierro  colado.              

-­‐   El   “neoárabe”   y  “neomudéjar”,   que   se  dio   sobre   todo  en   España   y   que   se   manifestó   en   la  utilización  del   ladrillo  y   la  decoración  con   cerámica   vidriada.   Se   aplicó  mucho   a   plazas   de   toros   o   sinagogas.  El   grupo   más   abundante   de   obras  neomudéjares   están   en   Madrid.   El  estilo   ofrecía   la   ventaja   de   que   los  materiales   de   partida   resultaban  más  baratos   (ladrillo).   Se   hicieron  numerosas   iglesias   neomudéjares,  como   la   Iglesia   de   San   Fermín   de   los  Navarros   (foto),   la   iglesia   de   la   Paloma,  la   obra   más   importante   de   Lorenzo  Álvarez  (1848-­‐1901),   la   iglesia  de  San  Vicente   de   Paúl   (foto),   construida   a  partir   de   1901   por   Juan   Bautista  Lorenzo.   Como   edificios   no   religiosos  el   neomudéjar   se   vio   en   edificios  residenciales,   hoteles,   palacetes,   etc.,  ejemplo  de  lo  cual  es  el  Hotel  Laredo.      

             

 

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 -­‐ El   “neochino”,   que   también   se   vio   mucho   en   Inglaterra   desde   fechas   muy  

temprana,  a  modo  de  pequeños  pabellones  (kioskos  o  pagodas)  que  se  instalaban  en  los  jardines.  

   -­‐ El   “neobarroco”,   fue   uno   de   los  estilos  

arquitectónicoshistoricistastardíos  de  finales  del  siglo  XIX,   sobre   todo   a   partir   de1880,   que   coexistió   y  sustituyó   a   laarquitectura   neorrenacentista.   Es   una  corriente   principalmente   europea,   aunque   luego   se  expandió   y   pueden   verse   ejemplos   en   todos   los  lugares   del   mundo,   y   que   no   siempre   es   fácil  distinguir   entre   los   muchos   estilos   academicistas,  historicistas  y  eclécticas  del  cambio  de  siglo.        El   estilo   neobarroco   se   utilizó   especialmente   para   el  diseño   de   nuevos   y   grandiosos   edificios   oficiales,   en  general  civiles,  como  palacios,  edificios  de  gobierno  y  tribunales,   así   como   los   nuevos   teatros,   ya   que  elBarroco  había   contribuido   al   florecimiento   de   las  artes  escenográficas.    

   

La   continuidad   de   todos   estos  estilos   recuperados   principalmente   de   la  edad  media,  dará  lugar  a  lo  que  se  conoce  como  ECLECTICISMO,   que  consiste  en   la  mezcla   de   elementos   procedentes   de  culturas  y  etapas  diferentes  en  un  mismo  edificio.   El   eclecticismo   va   a   surgir  alrededor   de   1870   en   las   viviendas  burguesas   que   se   construían   en   las  nuevas   zonas   resultado  de   los  ensanches  de   las   ciudades,   también   en  palacetes   en  el  centro  de  la  ciudad.  Además  de  retomar  elementos   góticos,   clásicos,   orientales,  etc.,  también  va  a  hacer  uso  de  los  nuevos  materiales   propios   de   la   revolución  industrial:   el   hierro,   el   cristal   y   el  hormigón.  

         

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Catedral  de  la  Almudena  de  Madrid,  proyectada  en  1881  por  Francisco  de  Cubasque  levanta  un  gran  templo  gótico  sobre  una  cripta  de  concepción  románica,  al  tiempo  que  concibe  la  fachada  principal  junto  con  sus  torres  con  soluciones  arquitectónicas  y  estéticas  .completamente  diferentes.    

Catedral  de  Salta,  Argentina  

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La  ARQUITECTURA   INDUSTRIAL,  es  la  que  emplea  los  citados  materiales  fruto  del   desarrollo   tecnológicos:   hierro,   hormigón   armado,   cristal,  materiales   de   fundición,  etc.  Es  propia  de  la  segunda  mitad  del  XIX  y  tuvo  un  gran  desarrollo  a  pesar  de  que  había  arquitectos   que   eran   totalmente   reticentes   a   que   estos   materiales   entraran   a   formar  parte  de  la  arquitectura.  

 El   empleo   de   los   nuevos  materiales   arquitectónicos   se   difundió   a   través   de   las  

EXPOSICIONES   UNIVERSALES.   Las   Exposiciones   Universales   eran   los   eventos   que  organizaban  los  distintos  estados  para  mostrar  los  avances  de  la  ciencia  y  de  la  técnica,  de  la  industrial,  propios  de  su  país.    

En  un  principio  tenían  carácter  nacional  paro  desde  1851  se  internacionalizan  y  se   hacen   periódicas.   El   país   impulsor   de   las   exposiciones   nacionales   fue   Francia   que  inauguró   la   primera   en   1789   en   el   Campo   de  Marte;  mientras   que   el   impulsor   de   las  exposiciones   con   carácter   internacional   fue   Londres,   que   realizó   la   primera   en   1851.  Para   albergar   los   stand   de   los   distintos   países   con   sus   innovaciones     tecnológicas   se  diseñó   un   edificio   muy   emblemático   y   original:   el   Palacio   de   Cristal.   La   segunda  exposición  internacional  fue  la  de  Nueva  York  en  1853.  

 Se   podría   decir   que   fue   Patxon,   con   su  

Palacio  de  Cristal   (Londres)   realizado  en  1851  para   la   1ª   Exposición   Universal   de   Londres,  quien   inició   la   tendencia   a   usar   los   nuevos  materiales   para   la   arquitectura.   El   diseñó   un  edificio   que   medía   70.000   metros   cuadrados,  que  tenía  una  clara  influencia  de  la  arquitectura  de   los     invernaderos   ya   que,   sobre   una   planta  de   tipo   tradicional,   proyectó   un   envoltorio   a  base  de  tirantes  de  hierro  y  de  placas  de  cristal  (300.000  cristales)  que   tenía   la  ventaja  de  que  era   prefabricado,   es   decir,   que   podía  desmontarse   sin   destruirse.   De   este   modo  conseguía   un   edificio   diáfano,   lleno   de   luz  natural.  En  su  interior  hay    cierta   influencia  de  la   arquitectura   religiosa   porque   poseía   una  especie  de  tribunas  o  pasillos  abalconados  para  establecer  recorridos.  

 A  finales  del  siglo  XIX,  y  también  para  la  

exposición  universal  de  París  de  1889,   se   creó  otras   de   las   obras   emblemáticas   típicas   de   la  arquitectura   industrial:   La   torre   Eiffel,   que   celebraba   el   centenario   de   la   Revolución  Francesa.  Era  una  muestra  de  la  nueva  arquitectura  en  la  que  se  unían  arte  y  técnica.  Su  autor   fue   Gustav   Eiffel,   un   ingeniero   que   era   experto   en   la   construcción   de   puentes,  estaciones   de   ferrocarril   y   otros   edificios   de   hierro,   y   que   había   participado   en   la  Exposición  de  París  de  1867  construyendo  la  Galería  de  Máquinas.  La  Torre  Eiffel  estaba  

The  Crystal  Palace  –  Joseph  Paxton  1851,  Londres  

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realizada  en  hierro.  Tenía  300  metros  de  altura  y   se   usaron   18038   piezas   diferentes   que   se  ensamblaron   con   siete   millones   de   remates.  Para   fijar   los   cuatro   pilares   se   utilizó   un  sistema   de   prensa   hidráulica   que   se   usaba   ya  en   la   construcción   de   puentes.   Se   tardó   dos  años  en  construirla  interviniendo  250  obreros.  Fue  una  obra  muy  polémica  desde  el  principio.  Se  aseguró  que  se  desmantelaría,  se  la  tachó  de  monstruosa  y  antiestética  por  parecer  más  una  fábrica  que  un  monumento,  incluso  en  1886  se  hizo   un   concurso   cuyo   objetivo   era  embellecerla  intentando  sustituir  los  pies  de  la  torre   por   elefantes   metálicos,   lo   cual   no   se  llevó  a  cabo.  Hoy,  sin  embargo,  no  solo  es  una  construcción   totalmente  aceptada,   sino  que  es  el  monumento  más  emblemático  de  París.  

                 En   España   las  

estructuras   de   hierro   se  empezaron   a   aplicar   en  primer   lugar   en   las  estaciones   de   ferrocarril,  ejemplo   de   lo   cual   será   la  Estación   de   Atocha.   Fue  una   obra   de   Alberto  Palacio,   que   era   arquitecto  e   ingeniero.   Tendrá   una  cubierta   a   modo   de   casco  de   nave   invertida,   a   modo  de   bóveda   de   hierro   y  cristal,  con  una  amplitud  de  arco  de  157  metros,  lo  cual  superaba   todas   las  realizadas  hasta  ahora  .  

   

Torre  Eiffel  –  Gustave  Eiffel  &  cia  1887-­‐1889  

 

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En   España,   uno   de   los  ejemplos   más   emblemáticos   de  este  tipo  de  arquitectura  industrial  es  El  Palacio  de  Cristal  del  Retiro.  Fue   realizado   por   Velázquez  Bosco,   tomando  como  ejemplo   los  Palacios   que   se   proyectaban   para  albergar   las   exposiciones  universales.   Presentó   el   proyecto  en  un  momento  en  que  el  gobierno  español   quería   revivir   el   imperio  colonial   lo   cual   fue   aprovechado  para   albergar   en   él   dos  exposiciones:   una   de   minerales   y  otra  de  plantas.  Se  construye  en  1887.  Se  utilizaron  como  materiales  el  hierro  y  el  cristal  para  la  cubierta,  sobre  un  espacio  permanente  realizado  en  piedra  y  ladrillo.  Posee  una  planta  con  tres  cuerpos  absidiales  poligonales  de  8   lados,  una  cúpula  de  4  paños  en  el  centro  donde  se  cruzan  los  arcos.  Fue  la  primera  vez  que  se  usaron  en  España  el  hierro  y  el  cristal  para  realizar  un  edificio  no  industrial.    

Otros  ejemplos  importantes  de  arquitectura  en  hierro  y  cristal  son:    -­‐  La  biblioteca  de  Santa  Genoveva  

de  París,  por  Henri  Labrouste,  1840.  Fue  el   primer   edificio   público   que   se  proyecto   con   los   nuevos  materiales.   De  planta   longitudinal,   la  bóveda  de  cristal  era   sostenida   por   arcos   de   hierro   que  iban  a   caer   sobre  columnas   también  de  hierro.   La   levedad   de   esta   cubierta  permitía   abrir   grandes   ventanales  laterales   permitiendo   la   iluminación  natural    

       -­‐   El   Mercado   de   Les   Halles,   de  

París,  por  Victor  Baltard              

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ART  NOUVEAU         El   art   nouveau   es   un   estilo  nacido  a  finales  del  siglo  XIX,  este  es  un  estilo   rebuscado,   móvil,   con   un  dinamismo   espiral,   amante   del  arabesco   fantástico   y   cuyo   mayor  mérito   consiste   en   haber   adecuado   los  productos  artísticos  a  la  vida  moderna  y  los  objetos  artísticos  modernos  al  gusto  artístico.   El  modernismo  puso   fin   a   los  eclecticismo   s   reinantes   y   a   los  academicismos   en   boga.   En  arquitectura,   construye   (por   el   empleo  de   diseños   atrevidos   y   de   materiales  nuevos   como   el   cemento   armado)   el  punto   de   partida   del   quehacer  contemporáneo.   Destaca   su   influencia  en   las   artes   industriales   y   decorativas,  donde  se  acusa  el  empleo  de  temas  flora-­‐  les  y  de  la  fauna  acuática.    LA  SECESSION    

Viena  era   la  capital  del   Imperio  austro   húngaro   y   una   de   las   grandes  potencia  europeas.  Vivía  en  un  mundo  de   tradiciones,   sin   embargo,   aparece  un  grupo  de  arquitectos  que  intentaba  romper  con  lo  establecido,  fundando  el  movimiento   de   Secession.   Ellos   se  encargarán  de  las  exposiciones  de  arte  secesionista  en  las  que  destacó  la  labor  de  Klimt   y   Moser.   Estos   arquitectos  tienen   relaciones   con   el   modernismo  francés  y  con  el  Arts  an  d  Crafts  con  la  idea  de  la  obra  completa  y  bien  hecha.    LA   ESCUELA   DE   GLASGOW  Mackintosh  (Foto  der.)    

Mackintosh   quien   creó   la  Escuela  de  Glasgow  cuyo  nuevo  edificio  lo  hizo  el  propio  ganando  un  concurso.  Años  más  tarde  se  amplia,  creando  una  biblioteca.  Los  elementos  de  la  portada  

Ornamentos  Art  Nouveau  

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se  articulan  de  modo  abstracto,  pero  sin   recurrir   a   los   historicismos,  inventándose   un   propio   lenguaje  muy   peculiar.   La   fachada   es   de  granito,  su  portada  está  en  el  centro  pero   sin   simetría,   pues   hay   distinto  número  de  ventanas  a  sus  lados  y  la  propia   portada   es   asimétrica   y  abstracta,   con   lo   que   Mackintosh  jugaba   con   el   balance.   Sin   embargo,  había  referencias  al  pasado  escocés,  como  el  uso  del  ladrillo  y  la  piedra  y  la   forma   de   castillo   antiguo,   con   su  torreón.   En   el   interior   destaca   el  diseño   de   Mackintosh,   que   influirá  en  los  movimientos  posteriores.  

Después   del   éxito   de   la   Escuela   de   Glasgow,  Mackintosh   recibe   de   encargos   de  casas,   u     na   de   las   cuales,   la  más   interesante,   la  Hill  House   alrededor   de   1901,   estará  formada  por  formas  que  lo  harán  muy  abstracta,  aunque  usará  elementos  de  influencia  bernácula,  como  las  torres  de  esquina,  forma  en  L,  chimeneas,  etc.                                                      

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