issue 70 # / XXL

lamono / núm. 70 / febrero ’11

sección crèdito

f: núria rius

staff il: angela cabal (www.angelacabal.com)

Portada: Luke Ramsey (www.lukeramseystudio.com)

Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Aribau, 15 1º1ª (BCN) / Directora: Eva Villazala > [email protected] / Director adjunto: Julio amores > [email protected] / Editora Gráfica y coordinadora de contenidos revista impresa: Núria Rius > [email protected] / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > [email protected] / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Música: Natalia Brovedanni > [email protected] / Moda: Xavi Ocaña > [email protected] / Directora marketing y publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > [email protected] / [email protected] / Fotos, blog, vídeos, arte, crítica social & constructiva: yuppi! eff productions (Fran Gallego & Julio Amores) / Redactan: Alba Agustí + Txema Argente + Natalia Brovedanni + Eunis Font + Adriana Giorcelli + Ferenz Jacobs + Andrea Jarales + David Moreu + Òscar Nin + Xavi Ocaña + Isabel Sánchez + Lara Turner/ Fotografían: Mark Rabadán + Núria Rius + Thomas Williams / Ilustran: Javi Aracil / Imprime: Comgrafic S.A. / Depósito Legal: B 516664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com

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>FRASE DEL CIERRE: “Pues yo cuando era joven robé un boli del David Delfín en El Corte Inglés!!” by Xavi Ocaña>HIT DEL CIERRE: Big in Japan de Alphaville>PELI DEL CIERRE: www.yakinti.de/2007/03/die-5-grosten-frauen-der-welt

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actualidad invigente t: txema argente / il: el reino de la sandía

XXL Benjamin Pla era hasta hace poco un perfecto desconocido, pero puede llegar a convertirse en esa gran figura, en ese alguien enteramente indescriptible en cuanto a ética, pensamiento y función social. La historia de Benjamin nace del hartazgo, de la constatación de la enorme pérdida de tiempo que supone ir de compras. ¿Por qué?, nos preguntaremos… porque hay demasiadas opciones, demasiadas dudas. Así que Benjamín emprendió un negocio que a priori estaba condenado al fracaso. Una pequeña tienda en la que solo iba a vender un producto, eso sí, renovando la oferta cada mes. Así que comenzó su arriesgada singladura en un pequeño local en el que ofrecía un único modelo de gorra, de color marrón para más señales. La propuesta sorprendió, pero es cierto que las vendió antes de lo que esperaba. Al siguiente mes ofreció un mechero de calibre mayor al normal, y éste sí que fue un éxito. Para el día 15 ya no le quedaban existencias, con las consiguientes quejas de la clientela. Con el mes de la vela llegó la locura. Aquella vela amoratada de dos centímetros de filamento supuso un antes y un después en su negocio. Curiosamente, la política comercial de Benjamín no era la usura desmedida, sino el servicio controlado. Él calculaba y compraba únicamente el género que una vez vendido le permitiría vivir tranquilamente el mes en curso. Si el producto se acababa el día 5, pues 25 días de fiesta sin problema. Evidentemente, esto generó en su clientela “low cost” un sentimiento desconocido de exclusividad. Al mes siguiente, cuando levantaba el día 1 la persiana para ofrecer la media de rejilla rombificada, la cola para entrar en su negocio daba dos vueltas a la manzana. Al año de abrir, Benjamín ya sólo trabaja un día al mes. Lógicamente tanto éxito ha despertado el interés del resto del sector e incluso ha recibido jugosas ofertas por la venta de su negocio. Pero los planes de Benjamín son otros. Para Junio abre su primer gran centro comercial. El primer mes será el mes del anillo al dedo.

EASTPAK EL SITIO ADECUADO Hay etapas en las que dejamos de ser nosotros mismos, la incertidumbre y las dudas se apoderan de nuestros sentidos y nos sentimos fuera de sitio. Pero esos son los momentos en que más cerca estamos de él, de nuestro lugar. Un lugar que Eastpak parece haber encontrado junto a la firma Quinze & Milan y el diseñador Antoine Peters en la colec-ción Built to resi(s)t. Cansados de buscar el asiento adecuado, se han unido para construirlo en una línea de butacas y sofás en los que se asientan las formas abstractas de la marca de diseño de mobiliario y las características bolsas, cremalleras, asas, tejidos, colores y estampados de Eastpak. La modernidad icónica de una y los clásicos funcionales de la otra se funden en creaciones que te permitirán estar cómodo y guardar todo lo que se te pueda ocurrir (incluidas tus dudas). Incluso algunas de las piezas de la colección han sido utilizadas y customizadas en la última exposición del diseñador Antoine Peters. Y es que tal vez tu lugar sea en el que te encuentras justo ahora y sim-plemente no te hayas dado cuenta o puede incluso que nunca lo encuentres, pero si dudas es que te estás acercando. www.eastpak.com/quinzeandmilanwww.antoinepeters.com

WRANGLER WELL DONE Sin darnos cuenta, a diario, libramos una batalla interna entre el bien y el mal, entre estas dos maneras de hacer las cosas. Cuando las hacemos mal, las calificamos de error y nuestro estado anímico cae en picado. El problema está en que hacerlas bien, requiere esfuerzo. Un esfuerzo que llevan a cabo temporada tras temporada los chicos de Wrangler en su línea Blue Bell, que nos presentan nueva colección para esta primavera/verano 2011 con denominación de origen: Made in USA, rescatando así para sus nuevas creaciones la esencia del auténtico denim. Los patrones estrechos dominan los jeans que llegan con acabados rígidos, usados, lejiados o rotos. La cazadora tejana se vuelve un must have para combinar con las camisas a cuadros y con estampados florales de la colección. Todos en colores arena con toques de blanco, azul marino, rojos, naranjas y turquesas que resultan en un look brillante y relajado. Cuesta hacer las cosas bien porque no hay motivos, solo fe, porque el resultado no lo descubres hasta el final. www.wrangler.com

imperdibles t: xavi ocaña

HAPPY SOCKS MUERTOS DE RISA Decimos lo que no pensamos, pensamos lo que no hacemos y sentimos lo que no queremos. Ante tal cuadro, la contradicción parece ser lo único claro que al final tenemos. Entones ¿a qué hacer caso? O mejor dicho, ¿por qué hacernos caso? Los chicos de Happy Socks se aplicaron el cuento, se saltaron las normas y decidieron prestar toda su atención a lo que el resto ignoraba: los calcetines, convir-tiéndolos en la guinda del pastel de cualquier look. Además de su infinita variedad de modelos, diseños, colores y estilos aptos para todas las mentalidades, esta temporada nos pre-sentan su colección orgánica. Una línea de calcetines recicla-dos, hechos con fibras de cáñamo y tejidos reutilizados con la personalidad original que caracteriza a la marca sueca. Una propuesta 100% eco con la que nos anima a re-sockling para cuidar del planeta. Puede que la clave esté en el sentido del humor, en creer que somos una broma y no tomarnos a nosotros mismos tan en serio. www.happysocks.com

WESC CONTRARIOS SONOROS Con los años, desarrollamos una facilidad casi sicótica para aburrirnos de todo. Hemos hecho de la intensidad la única unidad para medir las cosas y parece ser que la clave del éxito está en aquello de “una de cal y una de arena”. Dar y quitar, estar y desaparecer… la dua-lidad engancha y los chicos de Wesc lo saben muy bien. En su nueva colección apuestan por la fusión de contrarios: lo romántico frente a lo recto, el trabajo frente a la delicadeza. Esta primavera/verano, sin renunciar a sus colecciones de ropa urbana y fresca y sus colaboraciones con artistas, la marca presenta sus novedades para los nuevos días de sol: una línea de calzado y dos nuevos auriculares. El básico Banjo y un modelo profesional para Dj’s, los Bassoon. Dos piezas de diseño, los primeros de líneas limpias y suaves disponibles en todos los colores, claros y oscuros, y los segundos en rojo y negro de aire más industrial, con una calidad nítida que te permitirá escuchar todos los tonos, graves y agudos. Puede que el sol, tras la tormenta, brille más y la música, después del ruido, suene mejor. www.wesc.com

t: xavi ocaña

FEIYUE NUMEROLOGÍA SNEAKER Si para muchos los números son fríos, para otros están llenos de significado. Según la nume-rología, el 4 es sinónimo de solidez, estabilidad, sinceridad y eficacia y, en el mundo sneaker, esa cifra se traduciría como Feiyue y los cuatro colores monocromáticos en los que llegan sus nuevas Plain Suede para esta temporada. Volando hacia delante desde Shangai y con más de 90 años a sus pies, la marca vuelve con sus nuevas siluetas, fieles al estilo vintage pero renovadas a base de estética urbana y materiales de alta calidad. Un buen ejemplo son sus Plain Suede, con un diseño sencillo pero firme, de líneas limpias y aires suaves, que se convierten en una apuesta segura para derrochar estilo bajo los venideros días de sol. ¿Eres una persona de ciudad, amante de las tendencias, elegante y deportiva a par-tes iguales? Deja de contar, tu número es Feiyue. Y así fue como mirándonos a los pies descubrimos que era cierto: que todo (incluidos nosotros) se reduce a matemáticas. www.feiyue-shoes.com

LEE HAMBRE TEJANA El mundo parece estar dividido entre aquellos que esperan encontrar a su media naranja y los que esperan ser una naranja completa por ellos mismos. Pero hay un tercer grupo, el de los que luchan por ser comple-tos para poder complementar a los demás. Este es el caso de Vivienne Westwood y Lee, que vuelven a aunar fuerzas y talento presentando una nueva edición de su colección Anglomanía para esta temporada. La diseñadora inglesa y la marca se encontraron, se gustaron y decidieron hacer algo juntas. Una auténtica love story entre dos estilos que ya eran auténticos por separado: el punk rocker underground de Westwood y el denim de Lee. El resultado es una colección arriesgada y de carácter original, un mundo a caballo entre dos universos habitados por estampados, formas asimétri-cas y aires retro de los 70 y 80 con sabor a rock&roll. Tal vez seamos una naranja, tal vez media, o incluso hasta un limón, pero mientras sigamos sintiendo el hambre, sea de lo que sea, todo estará bien. Es tu comida ¿no? www.lee.comwww.viviennewestwood.com

ADIDAS ORIGINALS EXCUSAS AZULES El ser humano tiene una parte lógica, una emocional y una tercera y las utiliza todas a su antojo: cuando queremos hacer algo recurrimos a la lógica y cuando queremos justificar lo que no queríamos, alegamos un ata-que emocional. Con la excusa mitad lógica, mitad emocional de vestirnos de los pies a la cabeza, adidas Originals presen-tan su Blue Collection para esta nueva temporada de sol que se avecina. Tras el buen sabor de boca que les dejó su cola-boración con Diesel, la firma presenta su primera colección de jeans totalmente Originals para chico y chica, el primer paso en solitario de lo que seguro será un largo paseo por el universo denim. Otra de las apuestas fuertes de la marca para la próxima temporada es la línea premium de acceso-rios, capitaneada por una serie de bolsas de piel. Y aunque la colección rinde homenaje al color bluebird característico de la firma, sus nuevas creaciones se tiñen de colores frescos, nuevas siluetas y juegos de diseño. Las excusas sólo valen la pena cuando el motivo es bueno, el problema es que a veces, no lo descubres hasta que ya lo has hecho. Cuando eso pasa sólo nos queda aprender para la próxima vez ser capaces de distinguir las excusas de los motivos. www.adidas.com/originals

DIESEL CAMBIOS POSIBLES Creemos que el cambio es posible, por ello no dejamos de volver una y otra vez a por más. Corremos riesgos, esperando que la posibilidad se haga real y suceda aquello que esperamos. En retos son especialistas los chicos de Diesel: tras ser muy estúpidos y poner a medio mundo a practicar el kick ass, presentan su nueva colección Mission Deep Altitude para esta primavera/verano. Con ella siguen su particular saga Licence To Create y vuelven a vestirnos para una vida de auténtica acción. Los detalles militares y de aviador llegan a sus nuevas creaciones. Nuevos lavados y fits más arriesgados en una colección teñida de tonos pastel y detalles flúor. La línea tejana 5pockets no podía faltar en esta misión, New Dirty Age y Blue Eyecones (que por primera vez llega también para chica) son las renovadas versiones a base de nuevos efectos, materiales y acabados. Lo último de Diesel se convierte en una serie de capítulos de alto voltaje en los que los accesorios son usados como golpes de efecto. El cam-bio solo se producirá cuando entendamos las acciones que están y no están en nuestras manos. Pero puede que al final, darnos por vencidos sea lo único imposible. Action! www.diesel.com

FOOT LOCKER LA SNEAKERPEDIA Dicen que nuestro destino está escrito en las estrellas. Eso deja nuestro futuro totalmente a merced de lo que seamos capaces de leer. Si a estas alturas somos capaces de encontrar en el firmamento nuevas constelaciones y convertir Sagitarios en Ofiucos y Piscis en Cetus, ¿por qué no iba a pasar lo mismo con las redes sociales? Foot Locker vuelve la vista al ciber-cielo para reescribir la historia con la Sneakerpedia, la primera comunidad online para los amantes de las zapatillas. El lugar en el que darle a tus zapatillas la vida social que se merecen: ense-ñarlas, averiguar quién tiene tu modelo favorito, descubrir otros nuevos y, en definitiva, compartir todos los disgustos y satisfac-ciones de ser un apasionado de las sneakers. Si en vez de venas, tienes cordones y quieres contribuir a dar vida a la Sneakerpedia convirtiéndote en cofundador de lo que será el mayor archivo de zapatillas de la historia sólo tienes que hacérselo saber a Foot Locker para ingresar en el Club Beta. Y mientras podamos volver la vista arriba y contemplar el cielo, podremos leer nuestro futuro y decidir nuestro destino. www.snearkerpedia.comwww.footlocker.com

SUPREMEBEING URBAN TRAINNING En el momento en que asimilas que la vida no es una meta sino una carrera de fondo, aceptas que para practicar la vida como Dios manda necesitas un buen entre-namiento. Un training que te haga capaz de vivir el momento y dejarte llevar. Un modus operandi que conoce muy bien Supremebeing y que ha llevado a la marca a una nueva colección dinámica y versátil donde las haya. Apostando por la geome-tría, llenan sus nuevas creaciones de líneas, juegos, bloques de color y estampados que reinventan sus clásicos y crean nuevas propuestas como los polos extrasuaves y el jersey de cuello Mao para chicos o el mono Play Verbose y las faldas altas Jam Skirt para chicas. Sin pasar por alto su línea de camisetas 100% orgánicas, SBOT & LOT, y su colección de denim, con el mítico 5 bolsillos para él y un nuevo fit de caña estrecha para ella, disponibles en cinco lavados distintos. Tal vez la vida sea un experimento y vivir sea sinónimo de ir probando, haciendo y deshaciendo hasta dar en el clavo con el que llamamos destino feliz. Y es que puede que lo que nos defina no sea lo que somos, sino hasta donde podemos llegar. www.supremebeing.com


HAVAIANAS THE EASY WAY No nos damos cuenta y nos hacemos a las cosas. De repente, la costumbre te atrapa y hace que olvides el resto. En el club de lo complicado, no hay cabida para lo simple. Estamos tan acostumbrados a interpretar la realidad, que ya no la distinguimos de la ficción. Mientras la mayoría hemos olvidado que lo simple existe, los chicos de Havaianas toman como filosofía el easy way. En breve brillará el sol, con él las complicaciones se derretirán y llegará el momento de sacar nuestras Havaianas del armario. Para esta primavera/verano la firma vuelve con nuevos modelos y colores. Los tonos más vivos de Brasil llegan directos a sus clá-sicas sandalias y a la Soul Collection, que nos permite lucir las creaciones de la marca en todas las épocas del año. Como nos lo permite una de sus nuevas siluetas, la Spadrille. Y con el sol, llega también el recuerdo de que lo simple existe, de que un mundo natural en el que las cosas funcionan sin esfuerzo, es posible. Sólo tenemos que entenderlo. www.havaianas.com

VANS EXAGERACIONES POSITIVAS No sabemos por qué pero la realidad es que si tenemos tendencia a algo, es a exagerar. Lo hacemos constantemente y sin darnos cuenta vivimos rodeados de exageraciones. Hacemos montañas de granos de arena, nos ahogamos en vasos de agua… Por suerte, quienes dominan esta técnica saben sacarle partido y Vans es uno de ellos. La firma street presenta su línea representante de la máxima calidad, la Premium OTW. Repleta de novedades no buenas, sino exquisitas. Para esta primavera los chicos de la casa toman la silueta de las Authentic para crear un nuevo modelo, el Woessner, más fino, ligero y sofisticado. Un diseño que podrás combinar con el resto de prendas y accesorios (incluido un sombrero) que forman la línea para ir equipado con un total look de Vans de aires urbanos y sabor a punk-rock. ¿Una exageración? Puede, pero si somos genios en multiplicar lo malo, ya va siendo hora de hacer justicia, empezar a hacer lo mismo con lo bueno y vivir un viaje de género constante: de la comedia al drama y viceversa. www.vans.com


SPLIT RETOS CALIFORNIANOS Cuando el problema no es saber lo que quieres, lo difícil es averiguar cómo conseguirlo. Los laberintos nos acechan por dentro y por fuera y aunque a estas alturas ya deberíamos saber cómo lidiar con ellos, no dejamos de sorprendernos cuando volvemos a toparnos con uno. Los chicos de Split querían crear algo único y de esa forma sus gráficos llegaron al surf, al snow y al skate. Lo que empezó como un experimento de camisetas y shorts, hoy es una reconocida marca de lifestyle para chico y chica en el universo de los board-sports. Sus colecciones se inspiran en el equipo de surfers y skateboarders de la marca y toman prestada su funcionalidad y estética street. Con todo, Split desembarca esta primavera 2011 en Europa, directamente desde su California natal, con un look fresco, desenfadado y lleno de esos aires de tipo duro que tanto gusta a los chi-cos de ciudad. Puede que los retos nos persigan o puede que los busquemos, pero la diferencia reside únicamente en la experiencia, porque aunque nos sorprendan, ya tenemos bien aprendido que siempre hay una forma de superarlos. www.splitusa.com

D.A.T.E. DISTANCIAS CREATIVAS Aunque es difícil echar la vista atrás cuando no dejamos de avanzar, visualizar el punto de partida se torna algo importante cuando de conocernos se trata. Y es que entre ese punto y el lugar en el que nos encontramos existe una distancia. Un camino que nos será más fácil recorrer con lo nuevo de D.A.T.E., la zapatilla MOOD. La combinación de las siluetas de dos clásicos de la firma, la Tender y la Sport, da como resultado un nuevo modelo con la parte superior en piel de ante y nappa, customizada con agujeros rectangulares para los cordones, una legüeta muy heavy y correas de quita y pon. Además, la marca juega con materiales y colores para presentarnos quince versio-nes distintas del nuevo diseño. Todo este derroche creativo de alto nivel llega en forma de una edición limitada de 500 pares que sólo saldrá a la venta en las principales capitales de la moda. Y es que esa distancia que hemos caminado (con o sin sneakers), la diferencia entre la partida y el destino, ese recorrido, es donde podemos ver lo que realmente somos. www.date-sneakers.com


55DSL & ADIDAS ORIGINALS DIFERENCIA ORIGINAL Creemos que en lo grande está la diferencia porque es lo que vemos con más facilidad, pero la mayoría de las veces lo sutil es lo que distingue la realidad. Cuando alguien pregunta a unos padres si quieren a todos sus hijos por igual, lo que en realidad buscan saber es cuál es su favorito, porque son conceptos ligeramente distintos. La mami Adidas Originals y el papi 55DSL han concebido una nueva colaboración juntos. Aún queriendo a sus nuevas camisetas, zapatillas y al resto de hijos/creaciones por igual, tienen una favorita: la J-ADIDAS55, una chaqueta en la que la silueta más mítica de los chicos Originals, la Experience Enhancer Device II, que rinde homenaje al boxeo, ha sido reinterpretada por el equipo 55. Desde la ilus-tración de la parte trasera hasta los parches que ponen el punto italiano al diseño. Y es que mientras la originalidad viva, existirán los favoritos y mientras los favoritos nos hagan sentir mejor, disfrutaremos de la diferencia. www.adidas.com/originalswww.55dsl.com

CROCS SNEAKERS… JUMP! Dicen que las relaciones deben cui-darse para que funcionen, el problema está en cómo saber si queremos o no que una relación funcione. La respuesta está en el salto, en averiguar si esa pareja nos hace elevarnos, aunque para que eso pase, debemos antes desprendernos de nuestros propios lastres. Por eso Crocs lanza para esta temporada una nueva colección de sneakers ultra ligeras (de apenas 170grs.). Con un diseño casual pero cuidado y a todo color, lo nuevo de la firma se convierte en zapatillas aptas para cualquier ocasión. Crocks sabe que los sneakers son la pieza clave del look de cualquier chico de ciudad, por lo que han cuidado todos los detalles, desde los cordones hasta la plantilla Croslite™, que aumenta el soporte y el confort, haciéndote más fácil que nunca despegar los pies del suelo y elevarte sin problemas. Si te hacen saltar… ¡que dure! www.crocspain.com

GAS EXHIBICIÓN TEJANA Todos escondemos un pequeño exhibicio-nista en el interior, esa parte amateur que nos empuja a desnu-darnos. Cada uno tiene su propia forma de mostrarse al mundo, para unos es la pintura, para otros la música, para otros su blog y para los chicos de Gas, sus jeans. Su nueva colección es un canto a la simplicidad individual, a ser uno mismo, sin más. La firma tiene tan claro que la moda no es nada sin las per-sonas, que en su última campaña deja sus nuevas creaciones en segundo plano para centrarse en ellas. Por ello los cuatro modelos escogidos para esta campaña tienen nombre, ideas, sueños, pasiones y una personalidad que llega a nosotros en cada una de las fotografías de la nueva colección y en el vídeo filmado durante el Photo Shooting. Todo eso y algo de moda es lo que encontraremos en el nuevo mini-site de la firma. Pocas sensaciones son igualables a la de desnudarse ante los demás, porque el momento en que lo haces es el instante en que te despojas de todo y empieza tu libertad. Get naked! www.gas.comwww.standupforsimplicity.com


RALLITOX MANIPULATED SOCIETY RallitoX es un artista polifacético reconocido especialmente por sus inter-venciones urbanas, tanto en formato street art como por diversas performances que incitan a la reflexión social mediante la generación del caos y la confusión. Su obra es una prueba constante a él mismo y a su entorno. El artista crea mediante situaciones que incitan al análisis de esquemas preconcebidos y reacciones aprendidas. RallitoX busca el límite casi de forma natural para descubrir otras visiones del amor, las estructuras de poder, el dinero, el sexo y la muerte. Su nuevo libro, Manipulated Society, editado por The Private Space, es una revisión a su obra desde sus inicios hasta el día de hoy. En él encontramos una muestra tanto de su trabajo en la calle, como en lienzos y performances artísticas que buscan una reacción ante el caos y lo incomprensible, impulsando de esta forma una reflexión frenética y por esta razón mucho más auténtica. Manipulated Society. RallitoX, editado por The Private Space Books. 250 pags. 29 €www.rallitox.orgwww.theprivatespace.com

MISCELANEA CUMPLE AñOS EL PENTAGRAMA CÓSMICO El cinco es poder, vida e invulnerabilidad. Tenemos cinco dedos en la mano y cinco son las puntas del pentagrama que definen el orden del cosmos. Cuando algo llega al número en cuestión, significa que ha pasado por el uno, el dos, el tres y el cuatro, lo cual es un gran paseo por la naturaleza cósmica. El mismo que ha realizado Miscelanea en estos cinco años de vida en el Raval. Un acontecimiento así requería una celebración en toda regla y para ello no había mejor auto-homenaje que lanzar una publicación en forma de caja donde invitan a participar a todos los que han vivido y sentido el proyecto. Con una serie limitada a 200 copias, el libro contiene serigrafías con obras de 20 artis-tas nacionales e internacionales, ilustraciones de artistas como Ilia Mayer, Manu Griñón, Juju’s, Nacho Magro, -V- studio y gastón liberto, pintura de Andrea Luschi, Camille Lavaud, Quitolomalo, Joaquin Jara, street art de Andrea Michaelsson, Btoy, Zosen, Sakristan, Marco Zamora, Mr. Case & Olivia, diseño de Comte d’Urgell, Emil Kozak, Martin Allais, Inocuo y Gamebombing y textos de Lluc Mayol, Julio Arriaga, Aisha Prigann, Marta Puigdemasa, Abraao Vicente, Emile Hallard, Eva Villazala, Alex Brahim, Rigo Pex y la Miscelanea Crew. En todos ellos recae la responsabilidad de plasmar a su forma la memoria de un pro-yecto que ha recorrido un intenso camino del 5 al 10. Para nosotros esta andadura se resume en la pre-misa de que el arte es la única forma que tenemos de cambiar el mundo. ¡Y ellos lo cambian a cada paso!www.miscelanea.info

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Hay al menos una cosa que es innata e inevitable en el ser humano. Algo que hacemos despiertos y dormidos, de forma consciente e inconsciente, a posta y sin querer. Soñar. Imaginar, creer que la fantasía es posible. Una religión de la que son fieles devotos los chicos de Eastpak. Tras más de tres décadas predicando esta filosofía con sus mochilas por las ciudades de todo el mundo, hoy presentan su templo: el Eastpak Artist Studio, una iniciativa que reúne a 77 per-sonalidades y artistas de Europa y Asia invitados a imprimir su sueño de lo bello e inquietante en la clásica silueta de la mochila Eastpak. Entre ellos, diez artistas españoles han usado la bolsa como lienzo para dar rienda suelta a su ima-ginación creando auténticas obras de arte originales. Las bolsas interpretadas con el sello de cada artista, diseña-dor e ilustrador serán objeto de una exposición y posterior subasta en beneficio del proyecto Biciboi, en el que jóvenes de 16 a 21 años se forman como mecánicos reciclando bici-cletas en desuso para donarlas a entidades y países en que son un medio de primera necesidad para tener acceso a la

sanidad o la educación, por ejemplo. Sus creaciones pue-den verse en la exposición de la tienda Radikal Designs de Barcelona desde el 18 de febrero al 10 de marzo, pero si la ciudad condal no te pilla a la vuelta de la esquina, siempre puedes echarles un vistazo en la web de la marca. Además, durante los días que dure la muestra, podrás pujar por la mochila que mejor conecte con tus propias ilusiones en la subasta online a través de la web de Radikal. Los beneficios irán directos al proyecto Biciboi de la Fundación Mariano de Sant Boi de Llobregat. Eastpak soñaba con un mundo lleno de algo más que mochilas y así lo ha creado. Y es que lo bueno de soñar e imaginar es que aprendes a vislumbrar la realidad y construirla. Los soñadores españoles que han participado en el Eastpak Artist Studio customizando sus bolsas son: Almudena Gil (Circo Jewellery), Andreu Buenafuente, Bimba Bosé, Borja Garmendia Pensando en Blanco™ & La Tapisseria ©, Diego Ramos, Freddy Cordón, Johann Wald & Miranda Makaroff, The New Raemon, Senyor Pablo y David Delfín. Aquí te los presentamos a todos.

A bag that’s as original as you are…

www.eastpak.com/artiststudio

www.radikaldesigns.com/es/subastaeastpak.php

www.marianao.net/aulataller/biciboi/el_taller_biciboi.html


ALMUDENA GIL

Heavy MetalANDREU BUENAFUENTE

Dibujos sorpresaEsta madrileña iba para arquitecta de interiores, pero no tardó en hacer caso a su instinto y gra-duarse en la fabricación de joyas especializándose en el metal. Es la mente creativa de la firma Circo Jewellery, desde su propio taller diseña y fabrica artesanalmente piezas que son exportadas a Europa, Japón, Rusia y los Emiratos Árabes. En el adn de cada una de sus creaciones encontramos grandes dosis de color, feminidad e ironía. La diseñadora presenta dos colecciones al año que se convierten en el amu-leto que abre la puerta que comunica lo heavy de la ciudad con los cuentos de hadas. Una puerta que esta vez toma forma de bolsa. Una de las mochilas con el diseño más inquietante, cubierta de una capa de cuerdas que mantiene escondido y a salvo su interior, invitándonos a descubrirlo. Un diseño custodiado por dos joyas en forma de calavera. www.circojewellery.com

Conocido periodista, reconocido presentador y res-petado productor de televisión, es presidente de El Terrat, una de las productoras televisivas más importantes del país. Acostumbrados a sorprender-nos con sus monólogos, esta vez el descubrimiento es artístico: Andreu lleva más de quince años practi-cando el placer de la fotografía, la pintura y el dibujo, por lo que tiene una amplía trayectoria como artista. Sus obras han protagonizado exposiciones, colabo-raciones con marcas, portadas de discos, ilustra-ciones y publicaciones en medios como The New York Time, Finerats o Bostezo. Hoy su abstracto mundo de caricaturas, humor e ironía customiza la silueta de la mochila Eastpak con una auténtica explosión de personajes y conceptos. Un diseño de esos en que el descubres algo nuevo cada vez que vuelves a mirarlo.www.andreywings.comwww.andreubuenafuente.com

BIMBA BOSÉ

Bim, bam… boomLa creatividad de Bimba es como una bomba que nunca sabes cuando va a explotar y cuando lo hace puede tomar forma de moda, música o negocios. Modelo cantante y empresaria, ha posado para los mejores fotógrafos y revistas, como Bruce Weber, Mario Testino o Vogue Italia. Junto al diseñador David Delfín, forma un tándem creativo perfecto del que ha nacido la marca Davidelfín y es la vocalista del grupo Cabriolets, proyecto en el que focaliza todas sus energías. Su filosofía de vida se rige por dos principios: discreción y estar alerta. Dos motivos que inspiran el diseño de la artista y dota de sentidos a su Eastpak, forrada con velcro suave que permite adhe-rir diferentes motivos. Los suyos, tres conceptos muy claros: oír, ver y hablar o callar.www.thecabriolets.com

BORJA GARMENDIA PENSANDO EN BLANCO™ & LA TAPISSERIA©

Sabor catalán

Borja Garmendia y Aurora Polo son los responsables del estudio dedicado a la dirección de arte y asesoría de imagen en diseño gráfico Pensando en Blanco™. Para la ocasión, ambos han unido creatividades con La Tapisseria, auténticos maestros tapiceros de mueble antiguo y moderno, autores de infinidad de proyectos de interiorismo, diseño de mobiliario y moda. Su propuesta llega fabricada en materiales y tejidos primarios y es todo un homenaje al Empordà. Los tonos terrales y la sobriedad de sus paisajes bañan su mochila, un canto al valor de la sencillez que te permitirá llevar a cuestas la esencia de esta comarca catalana. www.pensandoenblanco.comwww.latapisseria.com


DIEGO RAMOS

Arte industrialEste diseñador industrial fundó su estudio con sede en Barcelona en 2006, tras haber cultivado su talento en la ciudad condal y en el Royal College Art de Londres. Su creatividad no tiene límite, siendo autor de gran variedad de productos que van desde packaging hasta mobiliario. Con su trabajo el catalán pretende explorar nuestro día a día y cuestionar los límites del diseño en nuestro entorno. Un juego que le ha llevado a protagonizar exposiciones nacionales e internacionales y contar en su haber con una larga lista de premios. La huella de la civilización, lo urbano y la industria deja su huella en el diseño y los acaba-dos de la Eastpak del diseñador. Bañadas con el color de tres de los metales nobles (oro, plata y cobre), su look inspira a las piezas de las grandes maquinarias. www.diegoramos.es

JOHANN WALD & MIRANDA MAKAROFF

Recuerdos de niñoJohann Wald es presentador y Vj de MTV España desde 2002. Confeso patinador desde que era un niño, recuerda cómo cogía su mochila Eastpak color verde para ir a patinar por las calles de Málaga. En la bolsa llevaba lo necesario para el camino de regreso a casa tras haber disfrutado de un gran día. Los paisajes que fueron escenario de ese pasado sobre ruedas llegan a su propuesta para el proyecto de la marca. Una mochila que ha realizado con ayuda de su amiga Miranda Makaroff, actriz e hija de diseñadora, con un gran talento y una creatividad muy gótica. Sus mochilas Eastpak tienen un punto siniestro que nos atrae llenándose de edificios vacíos, insectos y deta-lles como el un clip naranja o un trozo de la correa de un pase VIP de la MTV. www.mtv.eswww.hermanasmiranda.blogspot.com

FREDDY CORDÓN

El joven urbanoEs uno de esos jóvenes tesoros que se esconden en el mundo del graffiti y el diseño. Un artista visual nacido en 1992 que, tras estudiar arte en la Nova School de Fort Lauderdale de Florida, aterrizó directo en la escuela Groc de Barcelona para estu-diar diseño. Ha participado en varios proyectos de arte urbano en Girona y Barcelona, ciudad en la que reside. Actualmente su estilo sólido y urbano forma parte de la plantilla de artistas de aerografía de Radikal Designs. En su mochila para Eastpak, Freddy ha volcado todo su estilo a base de un diseño muy geométrico de líneas rectas combinadas con motivos que parecen sacados del expresionismo abstracto de Pollock, bloques de intensos colores y contrastes con los que el artista ha conseguido un look fresco y dinámico.www.radikaldesigns.com

THE NEW RAEMON

Tesoros creativosMientras unos guardan sus tesoros a buen recaudo, otros los comparten con el mundo. Ese es el caso de Ramon: lidera el grupo Madee, canta en Ghouls’n’Ghosts, puso voz y guitarra eléctrica al espectáculo Staff de la compañía La Intrusa, dirige el sello discográfico Cydonia Records y su última ocupación creativa es The New Raemon. Canciones con letras únicas e insólitas donde la ironía se topa de narices con su genuina melancolía. Además tiene un blog de ilustración (El sonido afecta) y está pre-parando una novela gráfica junto a la ilustradora Cristina Bueno. En blanco y negro y de diseño simple, así es el hombre que habita su Eastpak. Si lo observas con detenimiento podrás ver en su mirada reflejada la hiperactividad mental, nostalgia, curiosidad inago-table y ganas de aprender del artista. Un hombre y un dibujo que cuando más saben, más felices son. www.thenewraemon.com


SENYOR PABLO

Y puntoSenyor Pablo es un vivo ejemplo de cómo lo impor-tante no es el principio sino el final. Empezó tra-bajando en producción, vestuario y atrezzo en publicidad, cine y televisión, un mundo que abandonó decidido a dedicarse a la pretecnología, a la bús-queda del equilibrio mental. De un tiempo a esta parte se hizo con una tricotosa. Su punto llegó a la firma Carlos Díez Díez y a nueve ediciones de la pasarela Cibeles. En la actualidad presenta su primer proyecto de chaquetas vaqueras con mangas jacquard, Knitted Chamarras. El artista ha prometido forrar de punto todo lo que pille y su Eastpak no iba a ser la excep-ción. Cubierta con punto, nos presenta el modelo más cálido de todos. Un diseño que te hará sentir bien, calentándote la espalda en invierno, dejándote recos-tar la cabeza o llevando a las calles de la ciudad el recuerdo del hogar. www.senyorpablo.com

DAVID DELFÍN

Equipo inquietoDavid Delfín quería plasmar sus inquietudes y ello lo llevó de la pintura a la moda, medio en el que encon-tró su forma de expresión. Junto a Bimba Bosé y los hermanos Postigo creó Davidelfín, un proyecto multidisciplinar en el que se juntan moda, fotografía, arquitectura y vídeo. Sus diseños, con las emociones como motor, lo han hecho merecedor de numerosos premios, además de desfilar en la Cibeles Madrid Fashion Week y, desde hace tres años, en la New York Fashion Week. Sí, Dios los crea y ellos se juntan. El diseñador, en su propuesta para Eastpak se rinde homenaje a él mismo, a su apellido, reproduciendo una serie de delfines que inundan su mochila como si de mar abierto se tratara. www.davidelfin.com

t: eva villazala / f: núria riusdisparador automático

Un tipo que recoge botes de plástica de los containers y no le quedan camisetas sin manchas de pintura.

Se trata de aprovechar las paredes al máximo. Si puedo elegir a mí me gusta a lo grande por el impacto visual. Pero al final lo que más importa de un muro es el resultado, ya sea grande o pequeño, lo que vale es lo contento que se queda uno con el trabajo.

Se buscan o te dicen. Cuando no puedes pintar en la ciudad te buscas la vida. La verdad es que con la crisis nos va bastante bien, lugares no nos faltan…

En el interior las tripas y las vísceras se mezclan con nuestras obsesiones y locuras.

En Barcelona hay un antes y un después de las leyes de tolerancia 0, pasamos de una ciudad llena de color a los muros grises de hoy pero, con o sin prohibicio-nes, la gente sigue pintando fuerte. Las leyes han fomentado una evolución del bombardeo en la ciudad muy potente y cuando la gente quiere pintar tranquila hace kilómetros en busca de sitios donde no venga la policía. Hablo del movi-miento de Barcelona y la periferia, que es el que conozco, y que para mi está en plena forma. Esto no se puede parar tan fácilmente.

La gente de Herokid está luchando para tirar la marca adelante, he hecho un par de colaboraciones con ellos porque aparte de que son amigos me gusta su idea de marca. Concrete Walls es un proyecto de máxima calidad que no existe en la escena nacional, vamos a ver su recorrido capítulo a capítulo. Van a dar qué hablar.

Ahora mismo acabar con los curros aburridos, pagar el alquiler y conseguir más tiempo para pintar lo que me gusta.

No tengo muchas manías, cualquier sitio con buenas paredes donde no me echen me vale. Tengo ganas de viajar a Sudamerica.

una grúa elevadora aparcada delante mi casa.cuantos más mejor.sólo pintura podrida.a la tolerancia cero.amigos.mezclado pero no revuelto.grind core ninja reggae punk.

¿Quién es GR170?

¿El tamaño importa?

Color y vida en lugares abandonados, ¿cómo eliges las localizaciones

para tu obra?

Personajes a corazón abierto, que muestran sus tripas…

¿Todo tiempo pasado fue mejor?

Cuéntanos cómo ha sido tu colaboración con Herokid

en Concrete Walls.

¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?

Si te dejaran pintar en cualquier pared, de cualquier lugar ¿cuál elegirías

y qué pintarías en ella?

Un sueño XXL:Un grito:

Un pensamiento con olor a pintura: Tolerancia cero:

La crew:El color:

Banda sonora de GR170:

Pese a su corta edad y breve experiencia en los muros, su trabajo es XXL, y no sólo por el tamaño. Nos declaramos fans absolutos del concepto, la creatividad y la explosión macabra de color de GR170. Por eso lo hemos elegido para estos contenidos de gran formato, para que nos hable de vísceras, vida, grandes paredes y sueños sin retorno.

GR170

NO HACE FALTA GRITAR ALTO

PARA QUE SE TE OIGA MEJOR

www.gr170.com

www.gr170.com

Tres artistas autosuficientes

vecinos t: alba agustí


Biografiktion es… un colectivo de tres ilustradores que trabajan juntos, además de auto-publicar sus tra-bajos en comics. El nombre Biografiktion proviene de nuestra primera serie, que empezamos en 2008. Es un mote compuesto por dos palabras en alemán, Biografie (Biografía) y fiktion (ficción). En nuestras historias usamos hechos biográficos y añadimos ideas de ficción para contar tramas que tienen un significado especial.

Detrás de Biografiktion se encuentra… Ana Albero, Paul Paetzel y Till Hafenbrak. Dos ilustradores alema-nes y una española que además de trabajar y vivir en Berlin, son muy amigos.

Biografiktion nació… en Berlin. Nos conocemos de las clases de ilustración en la Universidad de Artes. A todos nos gustaba mucho el trabajo del otro así que decidimos juntarnos para un mismo proyecto. Fue el primer tema de Biografiktion. Una noche nos juntamos en un bar, donde Till y Ana tuvieron la idea de escoger un personaje famoso e inventar historias sobre él.

De momento, Biografiktion ha editado… Dos comics de la colección Biografiktion y dos más de Human News, otra colección que tenemos. En ambas trabajamos los tres juntos. Pero además cada uno de manera indi-vidual publica otras colecciones y comics. El número de ejemplares es limitado, ya que la imprenta nos la hacemos nosotros mismos con técnicas muy complejas como la serigrafía.

Biografiktion quiere contar, decir, representar… Es muy difícil especificar el género de nuestro trabajo, pero esperamos que nuestras historias e ilustraciones transporten al lector hacia algún tipo de interpretación y sentimiento. Por supuesto también queremos entre-tenerlo. ¡Lo mejor es que lo averigüéis vosotros mismos!

Un referente de Biografiktion… Los tres nos sen-timos influenciados con el estilo de cada uno porque

estamos constantemente hablando de nuestro tra-bajo. Obviamente algunos profesores, otros estudian-tes y algún artista que nos gusta, nos han marcado. Nombrar ahora sólo unos cuantos no sería represen-tativo de todas las influencias que han formado nues-tro gusto, o la manera de entender la ilustración.

Un objetivo por conseguir… Disfrutamos mucho con nuestra manera de trabajar y sacar el producto ade-lante. Tenemos libertad de decidir qué queremos dibu-jar, qué queremos decir y cómo representar nuestro arte. Hacemos nuestras propias publicaciones y eso las distingue formalmente de las publicaciones edita-das por las grandes compañías. Creemos que el lector puede ver el amor, la dulzura y las lágrimas que están dentro de nuestros productos. No obstante, el dinero que ganamos vendiendo nuestros libros lo gastamos en financiar las próximas publicaciones. Así que un obje-tivo podría ser llegar a tener un cierto éxito comercial para poder continuar haciendo exactamente lo mismo que hacemos ahora.

Un objetivo ya conseguido… ¡Seguimos trabajando jun-tos y nos seguimos queriendo mucho!

A Biografiktion le encanta… Aqualandia en Benidorm.

A Biografiktion le encantaría… Ser pronunciado correctamente (risas).

Si tuvierais que contar una historia bajo el título XXL, Biografiktion dibujaría… Paul una historia sobre una doble hamburguesa gigante con extra de mos-taza. Till sobre un bigote gigante. Y Ana sobre una mujer muy grande.

Queremos una frase para lamono… Seguid así, ¡muy buen trabajo!

Cuando hablamos de nosotros mismos siempre le ponemos un poco de ficción. ¡Qué aburridos serían nuestros recuerdos si los contáramos sin añadir ni siquiera un granito de exageración! Las ilustraciones que salen de la editorial Biografiktion tienen precisamente esta mezcla tan apetecible: una base de realidad, con unos polvos de ficción. Así cuentan sus historias los tres miembros de este grupo y lo hacen mediante sus divertidas y vivas ilustraciones. En Biografiktion nada ha pasado, pero podría haber ocurrido perfectamente. ¡Además editan una colección de comics a tamaño XXL! ¡Y ellos mismos se hacen los ejemplares!

http://biografiktion.blogspot.com

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LUKE RAMSEYArtista como pocos, Luke Ramsey lleva una peculiar vida junto a su esposa en la granja de arte que fundaron en Canadá. Con un estilo muy propio y algo influenciado por la abstracción de la Psychedooolia su trabajo se caracteriza por estar lleno de detalles y ser de grandes proporciones. Como dice él mismo “Radical trust in art farming harmonic chaos” en la version XXL del ilustrador.

Hace unos cuatro años empecé con la fundación de Islands Fold. Se trata de una especie de granja de arte, una residencia artística que cosecha la colaboración y promoción de la salud y el bienestar y sobretodo la pro-ducción de arte y el apoyo a la creatividad. Tengo 31 años, me llamo Luke Ramsey y vivo en este complejo artístico en Pender Island, Canadá. Ahora puedo afirmar que mi tra-bajo se basa en el equilibrio de la armonía y el caos. Unos ocho años atrás decidí que quería tomar conocimiento del arte como una práctica a tiempo completo. Y desde que fundamos Islands Fold no tengo una jornada laboral con-

vencional. Me di cuenta de que no podía dar el 100% de mí mismo a mis jefes, así que decidí ser honesto con ellos y conmigo y dar el 100% en mi propio trabajo. He sido auto-didacta; nunca fui a ninguna escuela de arte. Cuando ter-miné la educación secundaria decidí salir a viajar. En mi página web escribo “La mente es mi amenaza. El corazón es mi héroe.” Este lema explica en parte mi filosofía y es que con mi trabajo digo muchas cosas sobre el corazón y la mente. Siento que la mente es una amenaza cuando deja de ser una herramienta y se convierte en una ilusión. El corazón es un héroe porque es un buscador de la verdad.

COSECHANDO ARTE

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lukeramseystudio.com

Así es como me guío en mis trabajos; desde que pienso una idea hasta que la termino mis procesos artísticos son muy instintivos. Trabajo en casa y me distraigo fácil-mente. Así que cuando me meto en un surco artístico le doy cuerda a la música y dibujo durante horas con un Staedler Pigment liner, sea el momento del día que sea. Si se trata de un proyecto comercial le doy algunas vueltas antes de empezar a entintar el dibujo pero la mayoría de mis obras son con pocos pensamientos. Pinto en las paredes con la finalidad de crear grandes murales. Ocasionalmente también me enfoco en el dibujo sobre papel. Mi trabajo se expone tanto en galerías como en la calle, pero siempre he preferido los medios impresos y el arte público. Cuando trabajo en la calle por lo general tengo un tema. Durante este último año, he pintado sobre las serpientes como representantes del infinito. Lo que yo hago no es graffiti, lo respeto pero no es una inspira-ción para mí. Me gusta el arte de la calle, es una forma diferente de expresión. Parece menos sobre el ego y más acerca de la conexión con el público de manera que el mensaje es más evidente y menos alienante. El graffiti es etiquetado como vandalismo y, lamentablemente, puedo entender porqué la gente lo ve de esa manera. La mayo-ría de los críticos no aprecian lo genial de los grandes

trabajos que hay ahí fuera, por lo que el graffiti obtiene una respuesta negativa. Mi dibujo más grande y el que merece la etiqueta de XXL fue un mural que hice en cola-boración con Josh Holinaty en Edmonton, Canadá. Nos tomó un par de semanas hacerlo, necesitamos asisten-tes y hasta un elevador mecánico. Fue un trabajo duro pero divertido. ¿Qué si el tamaño importa? Aunque en realidad creo que no, me gustaría hacer piezas más grandes ya que permiten al espectador entender mejor tu compromiso como artista. Y no diría que estoy com-prometido con un movimiento en particular, pero sí que debo reconocer la influencia de la Psychedooolia. Este movimiento es un término acuñado por el artista Marc Bell, que ha ejercido una influencia positiva en mi trabajo. Marc usó el vocablo para describir un libro compilatorio titulado Nog un DOD que ofrece una variedad de artistas contextualizados en el mundo de los fanzines, el arte electrónico y sobretodo de los ilustradores. Colaboré con Marc y varios artistas más en esta colección. Tales inte-racciones me inspiraron para hacer un montón de traba-jos más. Aunque si tengo que hablar de inspiración, ¡debería hacer una lista muy larga! Me encuentro siempre revisando Jon Boam, REMED, EKTA, Sweeney Will y Chris Johanson. Si miro hacia atrás en el tiempo, tengo que reconocer que cuando comenzaba a bombear en el arte estaba muy influido por Barry McGee y Marc Bell. Ha pasado ya cierto tiempo desde que empecé y durante todo este periodo he ido compaginando mi vida artística y laboral con momentos de relax y conexión con la natu-raleza. Mi vida en Islands Fold ayuda bastante en eso. Me gusta mucho ir de excursión, ser sociable y conocer gente nueva. ¡Y beber cerveza! Me paso mucho tiempo saliendo con mi esposa y me encanta ver películas. Es más, en invierno veo una película nueva cada noche. Y mirando hacia el futuro… de momento voy a estar en la Indy Ink Gallery, Denver, Colorado, para una exposición que se llamará It’s not a black and white world en Junio. También estoy trabajando en un libro ilustrado de ciencia ficción y colaborando con algunos artistas para la selec-ción de este libro. Estoy muy emocionado con la gente que está a bordo de este proyecto, pero es un secreto por ahora. Espero poder darlo a conocer en 2012 y… ¡quién sabe que más nos deparará el futuro!.

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arte t: adriana giorcelli

GölaNaïf, aunque llenos de intensidad expresiva, psicodélicos, visionarios con toques gore. Animales genéticamente modificados, rebeldes a la condición antropocéntrica que los considera como material que debe ser manipulado. Estos monstruos son los protagonistas, así como portavoces de la voluntad del autor de una realidad más justa y divertida.

Arte con conciencia


Entonces… ¿por dónde empiezo? Nací en el Amazonas hace muchos años, de la unión de mi madre, una rana azul, con mi padre, un barril de gasolina para las máquinas de deforestación. Crecí en la selva. Los animales y los espíri-tus que la poblaban eran mis amigos y guías. De mayor, me uní a una amiga llamada Mononoke para luchar juntos con-tra el hambre de vida de las máquinas y del ser humano. Considerando que nuestra lucha debía hacerse más fuerte y difundirse, decidí entonces volverme artista, para llevar al resto del planeta el semen de nuestra lucha y devolver la conciencia de que los seres humanos formamos parte del equilibrio de la biosfera y que los daños que estamos viviendo podrán llegar a ser mucho más extremos si no se deja pronto la voluntad de dominar y entramos en comunión con el planeta. Cuando llegó la hora de decidir un camino, después de haber acabado el colegio, no vi otra posibilidad que la de emprender la senda del arte. Entonces empecé bachillerato artístico, después continué mi carrera en la academia de Bellas Artes, el último año en Barcelona. Esto me permitió experimentar varias técnicas, conocer varios autores del pasado y estudiar junto a personas creativas. Pero durante mis estudios no encontré mi manera de expresarme, tenía varias ideas pero no conseguía expre-sarlas como yo quería. Cuando llegué Barcelona, volví a acercarme a la realidad de el graffiti, que había abandonado cuando era más pequeño ya que en Rimini en los ’90, graffiti significaba letras americanas y competición. La libertad de los colores y la actitud punk del arte callejero de Barcelona fue una revelación para mí. Mis grandes amigos Maze, a.k.a. Pyu y Extra el pájaro loco me abrieron los ojos al movimiento que hoy considero la verdadera vanguardia artística de nuestro tiempo, con su exuberancia y sus sue-ños. A raíz de ahí empecé mi viaje. Un signo simple y colo-rido que mezclé con lo que había aprendido durante mis estudios y mi sensibilidad generando así mi estilo. Para mí crear representa la posibilidad de enviar un mensaje social, a veces político de una forma colorida. Trasformar la rabia que las injusticias me provocan en una imagen que pretende acercar al espectador a los temas de los que soy portavoz. También representa una manera de trabajar con lo que me gusta, emocionarme, ser feliz. Mejor dicho, es un estilo de vida. Me permite tener una existencia nómada y trabajando en este o aquel proyecto entro en contacto con nuevos estí-mulos y nuevas realidades que siguen alimentado mi imagi-nación y mi trabajo. Creo que viajar es importante para cualquier persona, para un creativo más, no input no out-put. En mí todo nace de una imaginación muy efervescente

y articulada. Las imágenes y las ideas se crean en mi cabeza continuamente, estas ideas empiezan a danzar y a hacer el amor entre ellas generando así nuevas imágenes. Muchas veces pienso un concepto que quiero expresar y lo transformo mentalmente en una imagen, después pienso otro y lo coloco al lado, así voy construyendo un mapa visual que sucesivamente trasformo en una pieza de arte. Mis obras tienen siempre un carácter simbólico, me gusta pen-sar que la gente tiene que investigar el valor metafórico. Todas mis obras están cargadas de significados, pero quien las observa tiene que ser libre de sacar sus propias conclu-siones. Cuando dibujo, incluso cuando pinto en superficies XXL me gusta dejarme llevar por el momento, por la imagi-nación, por los cambios inesperados. Por este motivo no suelo planificar demasiado cómo voy a desarrollar mi obra. Sólo me ayudo con pequeños bocetos, siempre muy rápi-dos, pocas líneas. Tengo una referencia conceptual muy fuerte, la corriente Post human y la Transgenic Art and Culture. Artistas como Eduardo Kac, el colectivo Tissute Art, O.G.M. ect o Alexis Rockman. Y varias influencias. Creo que he estado muy influenciado por los dibujos animados, por ciertos mangas japoneses y por la ilustración médica. Pero una de las cosas que más me ha influenciado es el amor por el reino animal. Otra parte importante de la crea-ción de mi estilo fue un viaje a la India, el encontrarme una cultura visual impresionante empezando por la imagen sagrada de la cultura hindú hasta llegar a los colores flúor en las publicaciones pintadas a mano, pasando por los colo-res de la ropa, la manera de combinarlos… Mi última gran influencia son los amigos, trabajar juntos: gran privilegio del street art. Los que pintamos en las calles estamos acostumbrados a juntarnos con amigos, incluso con perso-nas que apenas se conocen, para pintar juntos. Los estilos se mezclan y uno aprende del otro. Sobre mi manera de pintar… Últimamente estoy desarrollando una relación maníaca con el detalle. El detalle es profundidad de investi-gación ¡NO DETALLE, NO FUN! No consigo pintar sin detalles, y siempre pinto por niveles, no trazo todo y después relleno, dejo que las cosas lleguen unas sobre las otras, tanto en tela como en paredes XXL. ¡Uff si tuviera que deci-dir cuál de mis obras es mi preferida sería difícil! ¡Las quiero a todas ellas! La verdad es que cuando acabo de hacer un cuadro nuevo lo quiero mucho, es tipo el niño de mis ojos. Pero después llega otro muro y el ciclo continúa. Una obra a la que quiero mucho es Il Tramite, una instalación con pintura que se transforma en escultura, y ahora estoy tra-bajando en un monstruo de peluche de seis metros de

altura. ¡Él va a ser uno de los hijos que va a heredar mi enorme castillo! (risas). El color, evidente en mis cuadros, es para mí la manera de comunicar a los demás la gran alegría y la voluntad de ser feliz que siento. Es el deseo de aventura contínuo, de emociones fuertes y de amistad. El color también es una buena arma para llamar la atención, las personas se acercan a la obra y allí yo entro con el men-saje. Creo que una buena pieza tiene que funcionar tanto de lejos como de cerca. Gritar fuerte de lejos y contar una historia interesante de cerca. Siempre que puedo pintar en un espacio grande me lanzo a esa aventura, es como un reto conmigo mismo. Las superficies XXL tienen un gran poder comunicativo, pueden llamar desde lejos y se pueden desarrollar más historias. Suelo representar mucho a ani-males, personalmente me siento más cerca de ellos que de los seres humanos. Cada especie tiene una manera de rela-cionarse diferente pero los animales están en equilibrio con el ambiente en el que viven y difícilmente generan guerras contra ejemplares de la misma especie. El ser humano, hasta hoy incapaz de encontrar un equilibrio con la bios-fera, se siente dueño de todo y libre de poner las manos donde quiere. Los animales que yo represento son símbolos de cosas abstractas. Por ejemplo el gorila que dibujé en Montreal representa el instinto del hombre. Otras veces los

animales son guías chamánicas, otras veces son víctimas de los experimentos humanos. Hablo de la relación entre nuestra especie, las otras y el lugar donde vivimos, el pla-neta. Mi pintura puede ser considerada naÏf pero no es sólo eso, es un mix entre pintura infantil, intensidad expresiva con un dato visionario psicodélico acentuado y pequeños momentos de gore. Viviendo en la postmodernidad es difícil que las cosas no sean una mezcla de varios elementos y lenguajes. La gente tiene internet, viaja más, tenemos una cultura visual mucho más compleja respecto a las genera-ciones precedentes. Es una de las cosas buenas de esta época de globalización. En este momento estoy trabajando en Brasil, en la ciudad de Curitiba. Trabajo, junto a un amigo, Auma, en una exposición que se inaugura en marzo. La exposición se llamará Hibrido y será una doble visión sobre los seres híbridos y el concepto de hibridación. Estamos realizando varias piezas, algunas a cuatro manos, una instalación de peluche de seis metros y varias paredes formato supersize, para quien no este aquí publicaremos todo en la web del proyecto www.hibridoarte.net y www.hibridoart.blogspot.com, pero si podéis, ¡venid a Brasil que es más divertido! En el futuro inmediato estaré en París, en abril, con mis hermanos brujos del proyecto Ritual (Kenor, H101, Zosen) haciendo una exposición. En un futuro más lejano me gustaría continuar viajando a países que no conozco, descubriendo, trabajando, emocionándome... Pero “secretamente” os digo que estoy considerando la opción de montar mi base aquí en Brasil o en sudámerica. Y me gustaría hacer muchas más cosas que todavía no he hecho, como estudiar árabe, nadar ente medusas inofensi-vas, que viven en un lago de Indonesia de cuyo nombre no puedo acordarme, cantar con las ballenas, ver la aurora boreal, conocer África, celebrar la llegada del 2012 en Machupichu, estar abierto a amar cuando llegue el momento, oler una Rafflesia Arnoldii en el Amazonas y muchas cosillas más… En fin os dejo con las que han sido las obras de arte más importantes para mi desarrollo como persona. Si fuera música seria Anarchy UK de Sex Pistols (me gustaría haberla escrito yo), si fuera película seria Mononoke Hime de Hayao Miyazaki (mi corazón llora todas las veces que la veo), si fuera arte figurativo… mmm… que difícil… hay varias obras que me gustan, no sabría… quizás… ¡la vida misma!.

www.golanimal.com

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Photography: Núria RiusStyling: Ivona Yvon

Model: Belize Nicolau Kazi(www.myspace.com/ohcakethecookie)

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American Apparel_+34 933 012 632Converse_+34 913 198 244

Diesel_ +34 934 453 554Franklin & Marshall_+34 972 226 9200

H&M_+34 932 608 660Henrik Vibskov_+49 30 420 19 266

Holala!_+34 934 122 307Levi’s_+34 932 276 900

Nudie Jeans_+34 972 226 9200Paco Rueda_+34 933 100 674

Wilde Vintage Sunglasses_Wood Wood_+49 30 420 19 266

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FloRentijn HoFman Veintidós casas pintadas de color azul cobalto en el centro de Rotterdam. Un conejo verde de doce metros de altura con un biberón de golosinas. Una calle de un kilómetro de longitud pintada de color amarillo. Un patito de goma de veinticinco metros y un mono de quince metros hecho con havaia-nas. Esto es el universo de Florentijn Hofman. Con obras inusuales, llama-tivas y asombrosas, sorprende y afronta la experiencia diaria. La obra de Florentijn es grande. De tamaño grande y con un gran impacto. El mundo es su caja de arena XXL.

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De alguna manera la escala de los materiales que uso siempre se aumenta a un tamaño de doce a quince metros. La obra tiene referencias humanas, porque a menudo utilizo materiales inusuales que están hechos a esa escala. Más grande es mejor. Se transmite más. Se puede ver desde una gran distancia y se adapta a la ciu-dad y los grandes espacios. Es adictivo hacer una produc-ción donde no hace falta concentrarse en cada acción, sólo en el relleno de una superficie, los métodos senci-llos y la repetición. ¡La obra se libera durante el proceso! Además muchos de mis trabajos, como Beukelsblauw, son efímeros. Si una obra desaparece repentinamente,

comienza tal vez la parte más importante. La ausencia de una obra. Eso es muy importante. Demuestra que se le coge cariño, que tiene un sitio en tu corazón y que mueve emociones. Tal vez es la mejor parte de una obra, se con-vierte en un icono, un hito que se quedará en la conciencia de la gente. Es lo contrario de la dirección que tomaban antes: estatuas de bronce, hormigón, obras en almace-nes. El estado temporal sin duda mantiene fresca esta época de cultura visual de la cual yo también soy un pro-ducto. En octubre estuve en Sao Paulo. Es una jungla de hormigón. Una ciudad en la que se debe ser flexible, osci-lando entre sus opciones donde la ley de la selva preva-lece. Un mono de quince metros me pareció una buena metáfora de esta selva que gruñe. ¿Puedes manejar la presión? ¿Estás relajado y acostado con la barriga llena como un mono satisfecho? ¿O se cayó de un rascacie-los? Me pidieron ofrecer una charla en el Pixel Show para dos mil personas y, por otra parte, hacer una interven-ción pública. Utilizar havaianas como píxeles me parecía interesante, así que empecé a utilizarlas a ver si funcio-naba. ¡Funcionó! La gente estaba muy entusiasmada y antes de darme cuenta ya habían muchos medios de comunicación. Después de la conferencia hemos inten-tado regalar la mayoría de las chanclas a los transeúntes. Para realizar mis proyectos trabajo con un gran equipo. Si trabajo con un equipo fijo o no, varía según la obra. En Brasil tenía 150 solicitudes de participación. He seleccio-nado diez alumnos, un productor y mi propio asistente. Trece personas pues. De momento están trabajando seis personas con el oso de diez metros en Amsterdam y cinco personas con el conejo de once metros. Por lo general, tengo en el mismo lugar a dos o tres voluntarios, a veces más, a los que, por todo su entusiasmo, intento dar tra-bajo. Así se convierten en discípulos, apóstoles y promo-

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tores de la obra en el área local. La idea detrás del patito de goma fue la globalización. Los océanos del mundo son nuestra bañera. Todo el mundo reconoce al patito de goma, desde Japón hasta el Polo Norte. El pato de goma no conoce fronteras. No discrimina a las personas y no tiene una connotación política. Además el patito flotante puede aliviar las tensiones mundiales, así como las defi-nen. El pato de goma es suave, agradable y apto para todas las edades. Bueno, alguien llevó su coche al agua después de ver el patito. Por la emoción se había olvidado de poner el freno de mano, cuando quería hacer una foto. Y en Bélgica, el pato inflable fue pinchado. Mi primera reacción fue iconoclasia, un reflejo de la sociedad. Los autores nunca han sido capturados, pero casi empezó una tercera guerra mundial. En realidad no tengo nada especial con los animales. Me decanto más por los obje-tos encontrados. Hace años que busco imágenes que me inspiren en mercados de pulgas y mercadillos. Hay muchos objetos con la forma de un animal que utilizo como icono. Los animales tienen algo humano y las per-sonas algo animal. Esto es lo que nos atrae y repele. Al cambiar los roles de tamaño la perspectiva se trans-forma y se producen algunos momentos interesantes. El arte en el espacio público añade algo y no es en sí mismo. No hay que olvidar que nadie compra una entrada para el espacio público y por lo tanto no hay que hacer arte populista. He elegido Rotterdam como mi ciudad de resi-dencia por amor. Después de mi graduación en artes plásticas del ArtEZ Zwolle y un máster en Berlin sólo había una ciudad en los Países Bajos y era Rotterdam. Hasta la fecha de hoy, la decisión ha sido la correcta. Es una ciudad llena de oportunidades para mí. En este momento estoy trabajando mucho. Muy diver-tido. También he conseguido un nuevo taller para los siguientes diez años, un almacén de 900 metros cuadra-dos. Ahora empiezo con la renovación. Me encantaría hacer algo en España. Vamos a ver. ¿Hay espacio para el arte contemporáneo en el espacio público? Según las últimas noticias la economía española está estan-cada. Pero siempre estoy más que interesado en nuevos lugares, personas e imágenes.

www.florentijnhofman.nl

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Dicen que el concepto XXL responde perfectamente a su filosofía artística. Es fácil corroborar esta afirmación al ver sus instalaciones arquitectónicas. Algunas juegan con enormes tubos hinchados que atraviesan edificios y abrazan fachadas. Otras utilizan grandes escaleras y las ubican en emplazamientos poco habituales. Dos propuestas artísticas diversas que buscan lo mismo, transformar los espacios tratando de respetar la arquitectura existente. Hay más propuestas y todas son fruto de un proceso de trabajo minuciosamente planificado. Sus creadores nos las presentan para que veamos que en el arte de grandes dimensiones también se puede cuidar el detalle.

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Más es más. Así se podría definir la filosofía de nues-tro proyecto artístico Lang/Baumann. Somos Sabina Lang (Berna, 1972) y Daniel Baumann (San Francisco, 1967), una pareja que vive y trabaja en Suiza. Colaboramos desde 1990 y nuestros inicios estuvieron marcados por la experimentación con la fotografía, la pintura, la performance, las colaboraciones con músi-cos, las instalaciones, los murales y los proyectos públi-cos. Tras varios años trabajando con todo tipo de formatos artísticos, nos fuimos interesando más y más en la transformación de espacios. Actualmente conti-nuamos en esta línea, tratando de desarrollar proyec-tos ya sea en la calle como dentro de las paredes de un museo. Ambos espacios nos parecen interesantes. Por una parte, la calle nos ofrece la posibilidad de enfrentar-nos a un público menos sensibilizado con el arte. En este

sentido, compartimos un poco la filosofía de los street artists que apuestan por mostrar el arte allí donde la gente está realmente. Por otra parte, también nos gus-tan los paisajes silenciosos donde el arte crea una atmósfera completamente diferente. Quizás esta duali-dad hace que nos veamos a nosotros mismos de un modo bastante clásico, como artistas que trabajan den-tro y fuera del cubo blanco. También sentimos curiosi-dad por la experimentación con técnicas y materiales muy diversos. Un buen ejemplo de ello son nuestras intervenciones con objetos hinchables. Éstos nos per-miten llenar un espacio, cambiarlo totalmente sin dañarlo. Sólo es aire así que simplemente basta con des-hinchar estos objetos para que toda la obra desapa-rezca. Creemos que esta forma de creación efímera nos aporta una enorme libertad porque sabemos que la

obra, aunque no debe permanecer para siempre, puede vivir en la memoria de aquellos que la vieron. Recientemente hemos desarrollado diversas instalacio-nes que se incorporan a nuestra serie Comfort –como las realizadas en 2010 para la Nuite Blanche de París y para el Setouchi International Art Festival de Megijima (Japón)– en las que utilizamos tubos rectos hinchados, metidos a presión en la arquitectura. Al final, son la pre-sión del aire y el propio edificio los que crean las formas. Es fácil, pues, deducir que la arquitectura y el paisaje son dos elementos que juegan un papel muy importante en todos nuestros proyectos. Es primordial que nues-tras piezas artísticas encajen perfectamente en el emplazamiento elegido, respetando el espacio existente e integrándose en él, a veces, como si siempre hubieran estado allí. Los lugares donde desarrollamos nuestros proyectos –fachadas y azoteas de edificios, espacios naturales o campos de fútbol, entre otros– pueden parecer insólitos aunque, en realidad, no lo son. Es más el equilibrio entre nuestro trabajo y el emplazamiento lo que consigue crear una atmósfera insólita. Como en el caso de Beautiful steps #2, una intervención realizada en 2009 que une mediante una escalera dos puertas colocadas en el exterior de un alto edificio, y de la que estamos muy orgullosos. Quizás no será nuestra favo-rita para siempre, porque esto es algo que va cam-biando, pero de momento nos sigue gustando mucho. Si nos preguntan acerca de la arquitectura firmada por arquitectos estrella, pensamos que la calidad no es una cuestión que esté estrictamente ligada al tamaño de un estudio o a la fama de un arquitecto, esto depende de cada proyecto. Aunque hay que reconocer que los arqui-tectos estrella son capaces de idear ciertos edificios que normalmente no serían posibles. Por eso son estre-llas. El Guggenheim de Nueva York de Frank Lloyd Wright, muchos proyectos de Oscar Niemeyer o de Le Corbusier, o más recientemente la Torre CCTV en Beijing de Rem Koolhaas y las Termas de Vals en las montañas suizas de Peter Zumthor son algunos ejemplos de edificios sensa-cionales. Creemos que son tristes los casos en los que un gran nombre es sólo utilizado como marca, propi-ciando la construcción de obras que no dejan de ser más que copias malas del propio lenguaje desarrollado por estos arquitectos. Un problema que también existe en el mundo del arte. A pesar de esto, muchos de estos arqui-tectos y artistas han sido y siguen siendo inspiradores para nosotros. Por ejemplo, nos agrada el trabajo del

artista gráfico suizo Olivier Mosset y también podríamos nombrar películas como Simón del desierto de Luis Buñuel, La naranja mecánica de Stanley Kubrick y Wild Style de Charlie Ahearn, o libros como In praise of sha-dows de Jun’ichiro Tanizaki y Vampyroteuthis infernalis de Vilem Flusser que han sido fuente de inspiración para nuestras obras. También amamos el trabajo de Serge Gainsbourg, David Bowie y Patti Smith. En general, nos gusta la música hardcore, la electrónica abstracta, el rap old school y el rock’n’roll. El ritmo de nuestro día a día lo marcan nuestra hija de siete años y sus horarios escolares. Desde hace un tiempo tenemos nuestro estu-dio, nuestra oficina y nuestro apartamento en el mismo sitio así que solemos trabajar también por las tardes y por las noches. Y aunque nos encanta soñar despiertos, una de nuestras mayores obsesiones es tenerlo todo perfectamente planificado a la hora de trabajar. Gracias a esta actitud, sólo en 2010 hemos tenido experiencias profesionales muy variadas como la creación de una pin-tura que cubría las calles de un pequeño pueblo de mon-taña llamado Vercorin (Suiza), la realización de una exposición individual en la Galería Foksal de Varsovia (Polonia) o el desarrollo de dos intervenciones en un castillo austríaco, además de las mencionadas antes en París y Japón. Todavía tenemos un enorme archivo de proyectos por realizar pero, de momento, para el 2011 estamos planificando una pequeña incursión en un museo y otra en un espacio de Buenos Aires (Argentina). Quizás volvamos a España donde anteriormente había-mos trabajado para la desaparecida galería KBB de Barcelona o para La Noche en Blanco de Madrid con dos instalaciones de la serie Comfort. Y si nos pedís que definamos nuestro trabajo artístico con sólo tres adje-tivos, pues seguramente escogeríamos los siguientes: hermoso, irritante y real. También volveríamos al inicio de nuestra conversación y os diríamos que, puestos a elegir entre menos o más, nuestra opción siempre es XXL, siempre es más. A ver si estáis de acuerdo.

langbaumann.com

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fotografía t: isabel sánchez / f: cortesía petros chrisostomou & galerie xippas, paris/atenas

Imágenes dramáticas cargadas de preguntas. Un huevo o unos zapatos de tacón fotografiados por el artista inglés son mucho más que eso, desafiando al espectador, Chrisostomou juega con los espacios y tamaños, sacando de contexto a lo más común y dotándolo de un sentido totalmente nuevo. Escultura, iluminación y su inseparable cámara analógica juegan a favor de la construcción de su particular mundo, que bien podría ser sacado de las ilustraciones que Sir John Tenniel realizó para Alicia en el País de las Maravillas.

Supongo que empecé a hacer fotos a los diez años, cuando conseguí mi primera cámara, antes de eso me dedicaba básicamente a dibujar. Mi madre fue una gran influencia, ella era mi heroína y me inspiró mucho. Cuando yo era pequeño solía crear cosas para mí, nos disfrazábamos, construíamos casas en los árboles o ponía una manta sobre dos sillas y dentro de ese espa-cio teníamos una cueva, una nave espacial e íbamos donde nuestra imaginación quisiera. También me com-pró mi primera cámara real, nunca podré agradecerle lo suficiente que me apoyara tanto. La idea de una foto-grafía de naturaleza muerta nace quizás de la tradición del bodegón, no lo sé... puede que la respuesta esté en un libro de historia del arte. Trato de hacer hincapié en el ego del objeto para que tenga algo que decir más allá de su condición social mundana, por lo que al presen-tarlo de una manera extravagante, creo que puede amplificar el volumen de la voz de los objetos. Para crear este mundo, uso la fotografía y la escultura, donde los dos métodos forman parte del mismo pro-ceso, se necesitan mutuamente para existir y son igual de satisfactorios artísticamente. Mis fotos son comple-tamente analógicas, sin manipulación digital, quiero que mi trabajo sea totalmente sincero y sin mentiras. Las pistas están ahí mirando directamente al espectador, mi intención es simplemente persuadir al que mira para que tenga un poco de fe y pase por alto lo obvio, que entre en la fantasía y anular su incredulidad. Yo sugiero una idea, un punto de vista, pero cómo interpretar la obra está totalmente en manos del que observa. Si se

inspiran de alguna manera entonces estoy agradecido, pero si lo que sienten es rechazo, puedo sentirme muy satisfecho igualmente. Me gusta mucho cuando la gente ve algo en mi trabajo dirigido específicamente a ellos que yo ni había visto ni planeado, ya que esa circunstan-cia acaba hablándome de mí mismo. Es muy enriquece-dor porque siento que he conectado con otra persona. Estoy reconstruyendo mi propio mundo, una parte está hecha de los ambientes en los que he vivido y basados en recuerdos de la infancia. La otra faceta está copiada de imágenes que he descargado de internet, espacios reales que existen, pero en los que nunca he estado. Recreándolos soy capaz de entenderlos y revivir estas experiencias. El tercer elemento es un espacio total-mente ficticio al que aspiro. De alguna manera hay una lógica en el método, aunque es bastante esquizofrénico. El cuadro es metafórico, veo la situación social desde la caja, es simbólico y por lo tanto deben haber paredes y límites a fin de demostrar la idea. Mis mayores fuentes de inspiración son la exclusión social, el aburrimiento, la pobreza, las distinciones de clase social, y el ridículo. Artistas como Giuseppe Arcimboldo y el movimiento del post-estructuralismo han influido definitivamente en mis creaciones. Me gustaría trabajar con mucha gente, tal vez colaborar con algunos diseñadores de moda sería genial también: Christian Louboutin, Balenciaga, McQueen, Prada, Valentino... Ahora me he alejado de Londres y vivo en Nueva York, voy a ver lo que me depara el futuro. Siento como si estuviera empezando desde cero de nuevo.

www.petrosc.com

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SeBaStian neitSCH ≥el eSpaCio CamBiante El minimalismo es su principio. Cambiar el entorno es su objetivo. La relación entre los humanos y el espacio físico es su obsesión, y la luz su herramienta. El artista alemán nos sorprende con su nueva instalación video-mapping, una invitación a interactuar con una proyección que juega con los contornos de cada superficie del edificio Goethe-Institute, dando la posibilidad que la presencia humana la transforme en un mapa gráfico minimalista.

arte t: meritxell bonastre / f: florian reimann (www.flickriver.com/photos/diskoscheisze)

Ars

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Empecé a experimentar con la luz al utilizar el orde-nador. Debido a la manera en que usamos estas máqui-nas, casi siempre estamos limitados a la luz de productos como las pantallas y los proyectores así que me acabé encaprichando con la luz de éstos, ya que para modificar la apariencia de la arquitectura, resulta muy simple y conveniente usarlos. De hecho, me encan-taría mover material real en lugar de proyectar y entonces jugar con su forma, cosa que ya hago algunas veces. Pero hasta ahora, practicar esto ha sido muy complicado y caro. Es importante saber que no estoy tan interesado en la luz en particular, ésta funciona más como una herramienta que utilizo para cambiar nuestro entorno. Los humanos somos una especie muy carac-terizada para responder a lo visual y tampoco podemos ver nada sin luz, es de suma importancia para noso-tros. Todas las emociones y sentimientos que tenemos en un espacio pueden cambiar drásticamente si varia-mos, aunque sea un poco, la iluminación. Mi primer tra-bajo importante basado en la proyección de la luz fue ‘’impasse’’, realizado junto a mi antiguo compañero de la escuela Stefan Schwabe. Se trataba de una proyec-ción interactiva en un suelo cubierto de arena. La gran diferencia en relación a lo que había hecho antes radi-caba en que el espectador ya no se quedaba quieto observando la proyección o la pantalla, sino que se situaba en medio de la luz que iba cambiando gracias a sus movimientos, es decir, los visitantes modificaban la configuración de la sala simplemente con su presencia. Esta fue la primera vez que me di cuenta de que a la mayoría de gente le gustaba este tipo de proyección interactiva y que valía la pena continuar experimentado con este concepto. El video-mapping es un término bas-tante nuevo, pero ya muy común en los medios de comu-nicación de última generación. En él se describe la posibilidad de proyectar exactamente sobre los espa-cios definidos por la arquitectura. De este modo, se puede por ejemplo, destacar los bordes de las ventanas o incluso de los muebles. Amplía el espectro de proyec-ción más allá de una pared plana, además de que se pueden crear sombras falsas o ilusiones al estilo 3-D. Primero quiero que se visualice la relación entre los humanos y los espacios. Los dos se influyen mutua-mente, pero la mayoría de las veces ni siquiera miramos a nuestro alrededor, sino que sólo pasamos por allí. Por

otro lado, quiero transmitir que los espacios artificiales no tienen por qué ser estáticos necesariamente, pue-den cambiar su faceta o incluso su forma a lo largo del tiempo y reaccionar a nuestra presencia. La naturaleza siempre ha estado haciendo esto. La música puede lle-gar a ser muy importante para el sentimiento que quie-res crear, por ejemplo, destacando la imagen visual con los sonidos exactos. El hecho de usar el sonido como el motor para crear una imagen es muy nuevo para mí. Y aún no sé qué pensar sobre ello. Quiero que los espec-tadores jueguen con la proyección y creen su propia imagen, que se detengan, observen e interactúen. Que sientan que su presencia influye en el espacio y que este espacio afecta a sus comportamientos. Mis traba-jos son normalmente muy abstractos y minimalistas, algunos de ellos parecen ser muy funcionales como el diseño al estilo Bauhaus. También hay artistas minima-listas como Richard Sierra que me inspiran muchísimo. Estudiando a los arquitectos y diseñadores actuales, tengo que decir que admiro a algunos colectivos de Londres como Troika o Randon-Inernational. La ilumi-nación de mi casa es básicamente algunas bombillas sin cubrir, una lámpara de araña muy simple y dos grandes esferas de vidrio procedentes de un edificio antiguo del gobierno austríaco. En un futuro me gustaría diseñar más robots como en mi trabajo Silke. Como he dicho antes, quiero mover el material y cambiar el espacio o habitación. En febrero empezaré a construir muchos juguetes robots: gatos electrónicos, perros, o coches que sigan a la gente o huyan de cualquier intruso. No me he planteado nunca hacer un vídeo audiovisual al estilo abstracto porque no soy un director de cine. Por otro lado, sería divertido ayudar con algo relacionado a la puesta en escena para un teatro o incluso para pelícu-las. No soy más sensible a la luz que otra gente, pero me gusta cuando el sol reluce, ¿a quién no?.

www.sebastianneitsch.de

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tv t: isabel sánchez vallejo

Estrenando nueva temporada y tras siete años de emisiones, Do o “Denominació D’origen” es una apuesta por la creatividad y los nuevos talentos, donde la experimentación tiene cabida. Hemos hablado con Pere Gibert, responsable del proyecto, para que nos contara qué hay detrás de esta interesante e innovadora propuesta.

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En la gestación del programa hay dos nombres clave: Lau Delgado, de la Xarxa Audiovisual Local, y Xavier Marcé, el que era responsable de l’Institut Català de les Indústries Culturals de la Generalitat. Ellos firmaron un convenio a finales del 2004 para una nueva línea de emi-siones de calidad para la televisión local. Así nació DO. Lo que empezó como estricto programa de televisión es hoy un proyecto multiplataforma en expansión con más sen-tido que nunca. En la nueva temporada las productoras Key Project y Camille Zonca juegan por primera vez con nosotros. Con KPF hemos coproducido Rest, un proyecto onírico creado por doce profesionales donde cada uno se ha responsabilizado de un capítulo independiente, aunque con coherencia. Con Camille Zonca hemos realizado una iniciativa de ciencia-ficción llamada Projecte Oracle. Por otro lado, vuelve La cámera enamorada con nuevo pro-yecto de Lluís de Sola bajo el título Tu i jo i tots els animals del bosc. Se trata de una ficción muy particular que explica la vida de una chica con trastorno de personalidad. También tenemos Concerts Privats, donde incorporamos público en las grabaciones. Será muy íntimo y con Minifilms TV detrás de la aventura. La música es esencial en DO. En esta temporada se incluye también la animación con Diari de l’Últim Home, co-producido por Gusano Films y Señal Colombia, que obtuvo el reconocimiento del Mercat Audiovisual de Catalunya y participó en el Animac Mentors 2010. Los encargados de unir todas las piezas artísticas son Ade Lamas y Roger Amat de Miniature, que junto a su equipo, se ocupan de vestir a DO con creaciones muy par-ticulares de calidad. Son los responsables de su imagen y esencia. WE ARE DO es un grito de guerra, de libertad y, al mismo tiempo, un club de creadores, mentes inquietas con actitud abierta y gran capacidad de expresión artís-tica. Nos gusta jugar con los géneros y los formatos. Preferimos la ambigüedad y la multiplicidad de interpreta-ciones. Antes os adelantaba algunas novedades de la pri-mera temporada, pero los meses de primavera también van a ser muy fuertes. Vuelven Crampton y Asmatik con

apuestas radicales. Con Atzucac Films trabajamos en una ficción interactiva que pronto verá la luz. Hay un montón de criterios a la hora de seleccionar los proyectos, en estos años la calidad técnica ha aumentado hasta el punto que se presentan menos propuestas, pero de producto-ras y realizadores muy preparadas. Esto permite cen-trarse más en el contenido, aunque todavía falta crítica social. Hoy más que nunca necesitamos ser constructi-vos. Internet promociona de forma intensa a la televisión, no le quita espectadores. Lo que tendrían que hacer las televisiones es montar plataformas IP para ver conteni-dos de forma legal, afrontarlo como una herramienta que juega a favor. La multiplicación de pantallas genera nuevas posibilidades, pero la persona que llega cansada a casa después de un día de trabajo duro, se sienta en el sofá y ve la televisión. DO continúa siendo una excepción, un laboratorio de pruebas que convive con otros experimen-tos. Nuestro objetivo es introducir en televisión proyectos de calidad y contenidos que remuevan al espectador. No queremos transformarla en un museo, nos gusta incluir iniciativas cargadas de humor e ironía que algunos consi-deran “demasiado” comerciales, aunque justificadas. Hay que crear formatos, no basta con importarlos. En los últi-mos años, con la fragmentación de audiencias y la multi-plicación de canales, parecía que se buscaban nuevos contenidos, pero la oferta sigue siendo la misma aunque en canales temáticos de poco presupuesto, basados en el reciclaje, una lástima. Por suerte el público es activo y sabe buscar. En la red hay buenos contenidos creados sin grandes estructuras y visibles a nivel internacional. Pero lo importante sigue siendo el contenido. Todo el trabajo alrededor de la continuidad del DO de este año va enfo-cado a la idea del contenido a partir del trabajo de Miniature alrededor de un objeto esencial y minimalista que representa lo que es y representa la televisión…lo podéis ver vosotros mismos en www.wearedo.tv.

www.wearedo.tv

“Tu i jo i tots els animals del bosc” de La càmera enamorada.

t: david moreu / f: mississippi gulf coast CVB + david moreu

GeoRGe e. oHR El mundo del arte es una burbuja de sueños que no responde a ningún patrón determinado. Todas las obras que se exponen en los museos y que se venden por millones, únicamente existen gracias al azar. No en vano, los mayores artistas de la historia han sido personajes excéntricos, que se opusieron a las normas y alcanzaron la fama después de su muerte. Este es el caso de George E. Ohr, un genio incomprendido que vivió en el profundo sur de los Estados Unidos y revolucionó el arte de la cerámica con sus creaciones surrealistas. Su vida fue una vorágine de proporciones XXL, plagada de excesos, sueños y fracasos, pero ahora se inaugura un espectacular museo para celebrar la magia de su obra.

THE MAD POTTER

OF BILOXI


Toda leyenda tiene un inicio y la de George E. Ohr empezó en el pequeño pueblo de Biloxi (Mississippi) en 1857. Durante su juventud ya demostró ser un personaje inquieto, via-jando a New Orleans en busca de fortuna y trabajando en más de catorce profesiones distintas, hasta que descu-brió su pasión por la cerámica. Entonces recordó que su vieja profesora del colegió le había dicho “siempre debes hacer lo que realmente desees”, así fue como emprendió un viaje a través de los Estados Unidos para aprender a moldear la arcilla y ver qué hacían otros artistas en ciuda-des lejanas. En 1883 regresó a Biloxi y abrió un taller de cerámica. Su sueño se hacía realidad, pero solamente era el inicio de una aventura de proporciones épicas. Durante diez años George E. Ohr estuvo moldeando toda clase de vasijas para los vecinos de Biloxi. Era una manera honrada de ganarse la vida, pero él aspiraba a convertirse en una estrella y que sus creaciones fueran verdaderas obras de arte. Seguramente todo habría seguido igual si el destino no se hubiera cruzado en su camino de forma repentina. El 12 de octubre de 1894 su estudio se incendió y perdió toda su producción bajo el fuego devastador. De aquella catástrofe emergió un artista rebelde e inconformista que empezó a experimentar con la arcilla, mezclando formas imposibles, colores vibrantes y temas escanda-losos para una sociedad extremadamente conservadora. Evidentemente, la élite artística de la época no prestó atención a la obra de aquel excéntrico bohemio, pero él viajó por todo el país mostrando sus creaciones en ferias de artesanía e incluso ganó el premio a la originalidad en la St. Louis Exposition de 1904. Dos años después abandonó por completo la producción de cerámica, desilusionado por la falta de éxito. Aún así, almacenó toda su obra (unas 8.000 piezas) en el trastero de su casa y ordenó a su fami-lia que no la tocara hasta que alguien decidiera comprarla. Cuando George E. Ohr falleció en 1918, su fama de lunático ya era un recuerdo del pasado. Su obra permaneció en el olvido durante décadas, hasta que un amigo de la familia convenció a sus hijos para que mostraran algunas piezas en la Gulf Pottery Show de 1965. Aunque muy poca gente prestó atención a aquellas vasijas transgresoras, las nuevas vanguardias artísticas y los ceramistas de la era hippy empezaron a reverenciar a George E. Ohr como un auténtico visionario que se había adelantado a su tiempo. La fortuna del artista cambió por completo al descubrirse la existencia de su obra almacenada en Biloxi y, en 1973, un anticuario de New York adquirió la colección entera siguiendo su última voluntad. Después de tres meses de

limpieza y catalogación, aquellas piezas recuperaron el esplendor de antaño y se mostraron al mundo por pri-mera vez. Evidentemente, los coleccionistas empezaron a demandar su obra y el nombre de George E. Ohr se convirtió en un referente indiscutible del arte norteame-ricano. A diferencia de otros artistas, George E. Ohr fue diseminando fragmentos de información sobre su persona en forma de textos y de fotografías surrealistas que él mismo manipulaba de forma asombrosa. Puede que fuera un personaje inestable y volátil, pero creía en un futuro brillante y deseaba que, un día, su vida se reconstruyera como un puzle. Esta colección de materiales tan curiosos ha permitido apreciar la magnitud de su obra y conocer su particular filosofía de vida. La historia de un artista multi-disciplinar, que influyó a los dadaístas y que hoy se cotiza al alza en las mejores galerías de arte. El pueblo de Biloxi siempre se ha enorgullecido de su artista más internacio-nal y encargó la construcción de un museo que albergara su obra. Pero el 29 de agosto de 2005 el huracán Katrina arrasó por completo aquel sueño dorado. Aunque la fama de George E. Ohr siguió creciendo y las autoridades locales decidieron poner en marcha un nuevo proyecto de museo. Esta vez se involucró al famoso arquitecto Frank Gehry, ferviente admirador del excéntrico ceramista, y el pasado 6 de noviembre se inauguró el Ohr-O’Keefe Museum of Art. Un final ilustre para una historia incomparable.

www.georgeohr.org

El pasado sábado 18 de diciembre 20 elegidos madrugaron para vivir una experiencia cien por cien lamono.

La jornada Follow us fue una cita a ciegas con final feliz. Lo que ha unido lamono que no lo separe el hombre.

CRÓNICA DE UN DÍA MUY LAMONO BY XAVI OCAñAFOTOS BY THOMAS WILLIAMS

> GOOD MORNING @ THE PRIVATE SPACELas primeras líneas de una historia son las más importantes. Nuestro relato follow us comenzó con miradas de curiosidad, una dosis de folk, desayuno de Buenas Migas y la obra de Nico Baixas en The Private Space, el lugar escogido para dar el pistoletazo de salida a lo que se preveía un día muy intenso. La galería se convirtió en el escenario para el concierto del acogedor folk de Cálido Home. La voz y los acordes de este dúo catalán fueron acariciando y despertando los sentidos poco a poco, a la vez que Buenas Migas ofrecía un desayuno especial inspirado en lamono a base de repostería, yogurt natural y una buena dosis de café. En el preciso momento en el que se repartieron las DIANA de lomography para que toda la experiencia se recogiera en un click, supimos que estába-mos en el principio de algo grande. Así fue el comienzo de la historia de FOLLOW US, justo antes de tomar nuestro autocar rumbo a nuestro siguiente destino: la moda.

> PHOTOSHOOTING @ BONZO STUDIOAndy Warhol dijo una vez que en el futuro todo el mundo viviría sus 15 minutos de fama. Para los 20 monos ganadores y protagonistas del día FOLLOW US los 15 minutos se convirtieron en más de dos horas y la fama tomó forma de photoshooting en Bonzo Studio de Barcelona con un equipo profesional de estilistas y maquilladores. Lee, D.A.T.E, Urbanears, Bench, Food&Event, Red Bull, luces, cámara… ¡acción! El autocar FOLLOW US, conducido por el encantador Armand, nos trasladó a todos de The Private Space a Bonzo Studio, situado en el corazón del barrio de Gracia. Todos nos convertimos en modelos y además teníamos que elegir bien nuestro estilismo porque tanto las prendas de Lee, como el calzado de Date y los complementos Bench iban directos a nuestros armarios. Por unos instantes nos olvidamos de quiénes éramos y nos dedicamos a cautivar el objetivo de Mark Rabadán.

Photoshooting: Mark Rabadán. / Equipo maquilladores: Gloria Peñaranda, Erick Herrera & Yadro Ochoa. / Equipo estilistas: Ivona Yvon, Mariela Mata, Adele Cany & Cassia Campos.

> LOS TOROS, SERGIO MORA Y LUSESITA NOS ABREN SU NAVE ESPACIALNunca una bienvenida había sido más salerosa. Los Toros nos abrieron la puerta de su Nave Espacial con la furia de Los Brincos. Y nos hicie-ron brincar, a la velocidad de la luz. Dicen que una de las claves para tener un futuro de éxito está en pensar a lo grande. Para confirmarlo, deberíamos preguntar a los activistas del día FOLLOW US que pasaron de eruditos de la moda a estrellas del rock en cuestión de minutos. Con los chicos de Los Toros a las guitarras y bate-ría y su vocalista “detenido” en Miami, algunos de nuestros monos se animaron a poner voz a uno de los temas más emblemáticos del grupo Los Brincos, no sin antes haber aclarado sus voces con alguna que otra Carlsberg. Todo esto recargando pilas a base de la comida mejicana de Chico Chango. Unos tacos, jalapeños y nachos después, el autobús del tour FOLLOW US vol-vía a recogernos para trasladarnos a nuestra siguiente parada en el camino, sobre ruedas y llena de sprays.

> STREET & SKATE ART BY RVCA & CONTEMPORÁNEAEl arte es la única forma de cambiar el mundo. Y cuando viene de Contemporánea y se acompaña de los skaters de RVCA, mucho más. Sprays de Montana en mano y juego del pañuelo incluido, des-montamos el universo. Una cosa nos quedó muy clara a lo largo del día: la realidad siempre supera la ficción. Artkatraz se convirtió en el escenario perfecto para acoger la parada más street de todo el día FOLLOW US. Al cruzar sus puertas, todos pudieron escuchar un sonido que les resultó familiar: el de las ruedas de los riders de RVCA deslizándose por el skatepark y el de los sprays de unos artistas de lujo dejando su huella en los muros del espacio. José Luis Negrin “El pali”, Octavio Barrera y Carlos Neiran ofrecieron a todos los monos presentes una verdadera exhibición de ska-teboarding, dejando a unos con la boca abierta con cada salto y animando a otros a probar su talento sobre la tabla. Y mientras unos derrochaban espíritu street en movimiento, otros lo hacían a base de arte estático a todo color. Alex Castañeda, Rubén Sánchez y Kram fueron los artistas invitados por la prestigiosa galería Contemporánea. Tres artistas con los que nuestros monos, aero-sol de Montana en una mano y Carslberg en la otra, tuvieron la oportunidad de compartir creatividades, justo antes dar comienzo al juego del pañuelo como actividad para sortear un pack de pro-ductos de RVCA. Todo este torrente de actividades, al ritmo del sonido y las mezclas de DJ Marcerock.

> COMUNIÓN MUJERES EN CASA DE PAUPau Hu Le “nos vendió su casa” y MUJERES se adueñaron de su salón. A estas alturas del juego ya sabíamos que lo más importante para estar vivo es sentir que a veces hay días irrepetibles… Pau fue el merecido ganador del concurso “Véndenos tu casa”. Eso convirtió su comedor en parte de la ruta, en concreto, en uno de los momentos más esperados: el exclusivo concierto de MUJERES. Su rock and roll desenfadado nos contagió a todos con ganas de pasarlo bien dando paso a un incesante desfile de cocktails de Cutty Sark y bailes frenéticos que siguieron incluso más allá del último acorde del grupo. Puede que fuese el efecto de concentrar la magia que se genera en los directos en un espacio tan reducido como un comedor, pero la cuestión es que el concierto de MUJERES dejó a todos con un feeling muy especial y con mono de más.

> CULMINACIÓN EN RAZZMATAZZMucho se ha escrito y especulado acerca de la relación amor-odio que mantienen el principio y el final de las cosas, pero para un día que empezó bien y acabó mejor, sobran las palabras. Una jornada increíble se merecía un final a la altura ¿y qué mejor que un triple concierto by the face en Razzmatazz 2? Lasers, Slowreno y Mendetz ponían la música y los cientos de amigos de lamono hacían el resto. El autobús de FOLLOW US nos llevó directos a Razzmatazz 2, donde nos esperaba una zona reservada con catering de Food&Event y barra libre gentileza de Cutty Sark y Red Bull. Las buenas vibraciones y sensacio-nes acumuladas a lo largo del día, dejaron de contenerse y explotaron contagiando a los cientos de amigos de lamono allí reunidos al ritmo del pop cósmico de Lasers, la ener-gía incombustible de Slowreno y electro-rock más baila-ble de Mendetz. Pero no fue solo música lo que dimos a los que se dejaron caer por el concierto. Entre actuación y actuación, tuvo lugar nuestra particular (y adelantada) noche de reyes: una lluvia de regalos de Bench, Lee y Urbanears. Finalmente, como una estrella fugaz, FOLLOW US llegó y pasó. Pero supimos aprovechar su paso para llenarnos de energía y deseos de futuro… deseos de más… deseos de que lo mejor aún está por venir.

f: Reni Li Wu

Camisa Round Hem (60 €)Jean Marley (85 €)

Photography: Mark RabadánPhoto assistant: Cristian di StefanoStyling: Adele Cany, Cassia Campos, Ivona Yvon & Mariela MataHair & Make up: Erick Herrera, Yadro Ochoa & Gloria Peñaranda

Todas las prendas son de LEE. www.lee.comSneakers D.A.T.E. www.date-sneakers.comComplementos BENCH. www.bench.co.ukHeadphones URBANEARS. www.urbanears.com

pHotoSHootinG @ BonZo StUDio

Jean Blake (80 €)Camisa workshirt (55 €)

Vestido Smock (55 €)Camiseta Popcorn (60 €)

Camisa Slim Western (70 €)Jean Jade (85 €)

Camisa Workwear (65 €)Cazadora Rider Jacket (120 €)Jean Daren (90 €)

Jean Scarlett (80 €)Camiseta Tank (25 €)

Camisa Worker (65 €)

Camisa Faded Denim (60 €)Jean Scarlett (85 €)

Chica izquierda: Camisa Faded Denim (60 €)Jean Scarlett (85 €)

Chica derecha:Camisa de cuadros Cropped Shirt (50 €)Jean Scarlett (85 €)

Camisa Workwear (65 €)Jean Blake (90 €)

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VIDAS ILUSTRADAS

La sociedad moderna a través del dibujo y el collage Tenemos muy claro que la mejor manera para expresar nues-tra opinión, frustraciones o incluso hacer una declaración de amor, es el arte. La innovadora Galería Víctor Lope Arte Contemporáneo comparte nuestra opinión y por este motivo desde su inauguración se han centrado siempre en apoyar a artistas emergentes de todo el mundo. Su próxima exhibición tendrá lugar del 17 de febrero y estará hasta el 30 de marzo, con los paradigmas de la sociedad moderna como tema prin-cipal. Jóvenes creadores han plasmado a través del collage y la ilustración su punto de vista, como Vanesa Linares, que aportará un toque naïf al conjunto o Malgosia Jankowska que nos transportará a oníricos espacios. También tendremos la oportunidad de revisar las obras más animales de Dani Buch, aka Roughattitude, Gastón Liberto, Alexandra Kopf y Sean Mackaoui. T: Isabel Sánchez-Vallejo

Del 17 de febrero al 30 de marzo.Galería Victor Lope Arte Contemporáneo.Tres senyores, 40. Barcelona.www.victorlope.com

SUSANNA POZZOLI

On the block. Harlem Private View Harlem se está transformando a un ritmo acelerado. Este mítico barrio de Nueva York está viviendo un polémico proceso de gen-trificación. Mucha gente nueva llega a vivir al barrio con un poder adquisitivo más alto que el de los vecinos habituales haciendo así que suban los precios, especialmente el de las viviendas, y que la población “histórica” tenga que emigrar a otras zonas. On The Block. Harlem Private View es una exposición de la artista ita-liana Susanna Pozzoli en la que muestra este proceso, del que sabe que es en parte culpable. La artista llegó a Harlem en julio de 2007 por un programa de residencia internacional para artis-tas emergentes y así, inevitablemente, empezó a formar parte del controvertido proceso de cambio. Una joven artista europea que se dedicaba a llamar a las puertas de las brownstones, las típicas casas de piedra arenisca, de los bares, de la escuela o de la iglesia... fotografiando todos los espacios. La artista reconoce que pasó momentos tensos y situaciones duras con los vecinos que no comprendían su proyecto; esa parte de la comunidad resi-dente que tiene que abandonar sus casas a causa de la subida de los precios. Susanna Pozoli siguió adelante y presenta ahora una colección de sesenta y seis fotografías que trasladan al espec-tador a Harlem. Las fotografías, tomadas todas con luz natural, destacan por la ausencia de personas, símbolo de la tesis que motivó este proyecto. Una obra que presenta la dignidad de las atmósferas de todos estos espacios de Harlem. T: Eunís Font

Del 20 de Enero al 4 de marzo. The Private Space Gallery. Roc Boronat, 37. Barcelona.www.susannapozzoli.comwww.theprivatespacebcn.com

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KAISEI YAMAMOTO El mundo de la caligrafía japonesa El próximo día 7 de febrero se estrena en la Galería Aragón 232, la exposición El mundo de la caligrafía japonesa, de la artista japonesa Kasei Yamamoto. El mismo día de la inauguración Kaisei Yamamoto hará un live Painting, de donde saldrá la última obra de la muestra. El proceso creativo de Kaisei Yamamoto es casi un work in progress que comenzó en Japón y culmina ahora en Barcelona con una profunda reflexión sobre el sentimiento del artista hacia la caligrafía japonesa. La artista ha realizado cien obras de pequeño formato para la exposición, con la finalidad de cumplir un deseo y rendir homenaje a su madre que falleció mien-tras Kaisei se encontraba en el proceso creativo de la obra. La obra numero cien se titula Arigatou (gracias), en agradecimiento al apoyo de su madre a su carrera artística. Esta pintura está trabajada con la técnica Hiragana, las otras 99 con la técnica kanji.

Inauguración: lunes 7 de febrero a las 20h.Exposición hasta el 13 de febrero. Galería Aragón 232.www.galeria-aragon232.comDou. “Sho” (Caligrafía japonesa con tinta china) sobre papel japonés washi.

música t: natalia brovedanni / f: oscar garcía

Los puristas acérrimos ya pueden ponerse a llorar. El hervidero local ha decidido meter en una olla tamaño XXL, toda serie de reta-zos sonoros, vestigios que combinan la métrica internacional con el sentimiento “hecho en casa” bajo el bienvenido manto del trans-estilo. Ya no estamos para hablar de shoegaze, electrónica o punk, ahora es mejor hablar de sensaciones, formas y dejarse de tonterías con las etiquetas. Lásers confirma todo esto. Su sonido repta, se retroalimenta, envuelve el ambiente a golpe de atmósferas cimentadas mediante capas, detalles barro-cos y espacialidad. Los ganadores del último Levi’s Unfamous Awards tienen su primer EP entre manos, un disco que recuerda a Animal Collective sin perder identidad y que, quizás, alguna vez escuchemos en Marte.

Formamos Lasers en 2009. Alex y yo tocábamos juntos imitando a grupos como A Place to Bury Strangers o My Bloody Valentin”. Después se unió Ángel, que nos inculcó todo su mundo cósmico y después vino Iván a poner las cosas en orden, y así, poco a poco nos fuimos redireccionando hacia un sonido más electró-nico y orgánico. Nos gusta todo muy barroco y que tenga un muro de sonido. De cara al nuestro primer EP, que salió el 21 de enero, los nuevos temas tienen ele-mentos más house, como voces o pianos, o percusiones distorsionadas, con todo esto tratado de una forma bastante espacial y atmosférica. Usamos un secuencia-dor de bajos electrónicos y baterías, un sampler, tres sintetizadores, fuzzs de la marca Death by Audio, un Space Echo y un looper Digitech PDS 1002, además de otros pedales más normales, tipo el Whammy o compre-sores, según nos apetezca. Además lo típico, batería acústica y 1 trigger lanzado a un módulo, 1 guitarra y bajo. Generalmente hacemos un loop a partir de muchas pistas raras, para luego sacar de ahí un sólo sonido principal que defina la canción, y luego todo el resto. Usamos generalmente Live, pero muchas veces gene-ramos a partir de tomas que nosotros mismos hemos lasersmusic.bandcamp.com

láSeRSDe paseo por Marte


grabado en el local, igual recogemos unos minutos de ruidos y de ahí elegimos un trozo que nos guste. El loop generalmente sale de forma espontánea, aunque otras veces es por melodías que te vienen, o simplemente por un ritmo diferente que te apetece probar. Trabajamos en nuestro estudio y también subiendo los proyectos a un servidor para que luego cualquiera del grupo lo modi-fique o le de la vuelta según su visión. Después vamos al local y lo ensayamos. ¿Qué escuchamos? De todo. Desde Scott Walker hasta Nathan Fake, Fuck Buttons, Midnight Juggernauts, Junior Boys, El Guincho, Oneohtrix Point Never, etc... clásicos de house, Frankie Knuckles o más alemán clásico, Krafwerk, no sé, pero hay muchos más, Pony Bravo, o lo que sea. No somos expertos musicales ni en estilos ni tenemos una enorme cultura, la verdad. Vamos descubriendo cosas y nos influencian, ¡gracias a internet en gran parte! El mejor momento fue ganar el Levi’s Unfamous Awards y grabar el disco, y el peor al principio, cuando no sabíamos qué hacer y no nos con-vencía nada de lo que nos salía, nos costaba bastante llegar a algo que nos gustara, ahora todo fluye más y nos sentimos más cómodos. El primer concierto que dimos sonó a rayos. Estamos contentos y a gusto con

todo, la verdad, porque nos lo pasamos bastante bien haciendo algo que nos llena. De eso se trata. Lo de los festivales, o eres una banda reputada y con recursos o suele ser todo muy a saco y con poco tiempo. Estaría muy bien alguno en Japón, sería la buena. O por ejemplo tocar en directo cuando el hombre llegue a Marte, si seguimos vivos, poniendo música al evento, esto siendo unos flipados, por imaginar. Tenemos preparado un vinilo de 180gr que se podrá adquirir en algunas tiendas y vía internet. Igualmente nos hemos centrado en hacer una distribución digital. El vinilo es un capricho porque nos gusta el formato y nos apetecía presentarlo pri-mero así. Nos hemos centrado también mucho en el artwork, que lo ha hecho Raul Goñi. El 21 de enero empezamos a sacar las canciones vía internet, tres canciones antiguas regrabadas y dos nuevas, que apun-tan nuevas vías para nosotros, gracias al sampler que nos compramos, con el que empezamos a probar cosas diferentes. Está grabado por Marco Morgione y maste-rizado por Yves Roussel. Estamos realmente conten-tos. En abril entramos a grabar nuestro segundo disco de cinco canciones. Este primero lo sacamos con Hubble round, el sello que hemos creado.

música t: òscar nin / f: núria rius

la oRQUeStaDel CaBallo GanaDoR

Conducción vanguardista


De los postulados más vanguardistas del Free Jazz al trote del Underground. Edu Pou (Conduction drummer y miembro de ZA!) nos lleva al hipódromo alter-nativo de la música. De filosofías minoritarias nacieron corrientes mayoritarias en el Arte. Jockey fustigando, caballo ganador. Apuesten.

En 2004 Fernando Junquera (Estrategia lo capto, Balano, Negro) funda la Orquesta del Caballo Ganador siguiendo los postulados de Butch Morris. Bajo la tutela de esta ‘Conduction’ se embarcan los miembros de ZA! y el hermano de Fernando, Marcos. La idea no puede ser más simple y a la vez enormemente complicada: Improvisación conducida. Mediante un código de señales se conduce a la orquesta, esas directrices crean un marco sonoro al cual los músicos dotan de contenido. Improvisación conducida que hemos hecho nuestra a base de tirar más de “free” que de los postulados inicia-les y estrictos de Morris. Cualquier músico de La Orquesta del Caballo ganador puede ser el director del cotarro, cada uno de nosotros tiene una concepción dife-rente de la música, tenemos nuestro propio código ges-tual para interactuar con el público y con nosotros mismos. El abanico es tan grande que puede abarcar desde colaboraciones con miembros de Tarántula, hasta gente de conservatorio pasando por dj’s industriales. No podemos ni aspiramos a seguir estelas marcadas por el propio Morris u otras concepciones de Orquestas por el estilo, no somos profesionales y se nos vería el cartón en algún que otro solo, suplimos esas carencias con humor y con buena música. Partiendo de la Vanguardia creo que hemos llegado a un sonido propio, que bebe más del Jazz, el Afro-Beat, el Tropicalismo y el Rock que de cualquier vanguardia al uso. Nos interesa mucho más tocar que teorizar, en ese sentido estamos más cercanos a la con-cepción clásica de banda de Rock. Tocamos para pasarlo bien, todo lo demás es secundario. Interactuar con el público, que éste sea un agente activo en nuestros con-ciertos es primordial. Les pedimos que saquen las llaves de casa, que nos insulten, que formen parte viva del evento, que se transformen en un instrumento más, un músico adicional. La cuestión de estar más o menos cer-cano a un público underground o seguidor de músicas alternativas no me preocupa ni afecta al desarrollo de la Orquesta. Es evidente que nos sentimos mucho más cómodos en el Heliogàbal, por ejemplo, donde la gente prácticamente te está tocando y hay un feeling especial

con el público que en los recintos grandes y públicos mayoritarios, como el de Primavera Sound. Aún recuerdo algunas caras en el Apolo. De todas maneras nuestra puesta en escena bebe, mayoritariamente del Rock. Reconstruirlo, trabajar sobre él, darle la vuelta, mez-clarlo… esa es la idea. ¿Que a algún purista no le acaba de convencer lo del dj? Bueno, tampoco importa tanto eso. En nuestros proyectos en solitario tampoco estamos acostumbrados a escuchar a críticos estúpidos que hablan sobre ‘capas de sonido ocre’ y cosas por el estilo. En breve, definiremos una serie de conciertos para mayo, orquestaciones del Caballo Ganador sobre proyec-ciones que no veremos hasta ese día. Madrid, Barcelona… informaremos en breve cuando el tema esté cerrado. Sabemos que es difícil contactar con nosotros y obtener información sobre los próximos conciertos en Elche y posteriores; no es una pose underground, es que somos unos dejados. Solucionaremos el tema en breve vía mys-pace. A ver si nos escucha Pedro Jota y salimos en El Mundo y así tendréis más noticias sobre nosotros. La libertad creativa tanto en ZA! como en la Orquesta del Caballo Ganador es ilimitada. Puedo estar más cerca de June of 44 o Elvin Jones, pero también de Sun Ra o Rage Against The Machine y eso no quita ni pone méritos a mi trabajo aquí o en Pony Bravo. Siempre he jugado con la libertad y la capacidad creativa, ‘Macumba o Muerte’ (Acuarela, 2009) de ZA! sería una buena introducción para un concierto de La Orquesta del Caballo Ganador. Ahora contamos con Alberto, que ha vuelto del sudeste asiático con unas historias de Camboya y Laos y nos está impartiendo disciplina, de ahí saldrán cosas muy intere-santes. Las teorizaciones interesan a muy poca gente, en un escenario si no vales se te nota a la primera de cam-bio. Nuestras actuaciones son únicas, que después se teoricen a posteriori, pues bien, pero el instante del directo es ese que queda ahí, que no estaba escrito, ni antes, ni después. ¿Vanguardia? ¿Rock?

www.myspace.com/elcaballoganador

www.myspace.com/putosza

música t: andrea jarales

Alma Funk

Somos cuatro músicos influenciados por bandas similares, que han tocado juntos, creado, vivido y expe-rimentado demasiadas cosas fantásticas en los últimos doce años. Tocamos la música que nos sale de forma natural, la que instintivamente hacemos cuando estamos juntos, con confianza y la meta común que queremos lle-var a cabo es sacar lo mejor de nuestras habilidades, así como compartir nuestra energía musical con el mayor número de gente receptiva. En los inicios, nos inspira-ban definitivamente los Dj’s de nuestro entorno que pin-chaban melodías masculinas de Deep Funk & Soul Jazz. También estuvimos influenciados por la mayoría de las formaciones de música negra y de música electrónica. Últimamente, desde que estuvimos de gira intensiva por USA, estamos más influenciados por la escena de música en directo de por ahí, ahora hacemos shows más largos, con mayor espontaneidad y con más fe en nuestro tra-bajo. Cada uno de nosotros escucha estilos de música distintos, desde el jazz tardío de los 60’s, hasta Coltrane, Bobby Hutcherson & Lee Morgan… de todo menos Funk. Nos ha emocionado conseguir nuestra pri-mera inclusión en Hollywood, sin embargo lo que de ver- www.myspace.com/newmastersounds

dad nos gustaría hacer es una banda sonora completa para una película, incluso si fuese un pequeño film inde-pendiente. La semana pasada, durante un día de des-canso en la playa de Miami South, un renombrado artista cubano me hizo una pregunta: “dada la ocasión, ¿qué elegirías una guitarra de tamaño medio o de tamaño grande?” Mi respuesta fue “¿realmente tengo que res-ponder a eso?” no porque sea obvio, sino porque real-mente no quería contestarlo... sin embargo, la realidad es que me gusta bastante el Ukelele. Nosotros preferi-mos grupos más pequeños. El problema con una banda mayor, es que la música tiene que ser más organizada y responder a un plan. Es más difícil comunicarte de un extremo al otro del escenario con ocho personas, si quieres de repente cambiar el groove, la sección, los arreglos o lo que sea, esa es la belleza de The New Mastersounds, en cualquier momento del show puedo cambiar, con nada más que una simple señal, lo que me hace sentir como un DJ, siendo posible adaptar el con-junto a como se siente el público, respondiéndoles.

tHe new maSteRSoUnDS

Todo empezó en Leeds, una ciudad situada al norte de Inglaterra, donde Eddie y Pete se conocieron en 1993. Fueron presentados por un saxofonista loco que estaba formando una banda llamada The Jupiter Mission, quería que tocaran con monos naranjas y con los nombres bordados en la parte delantera... no duraron mucho. Después se unió Simon, no mucho después de que se formara la composición original de la banda Mastersounds en 1996. Comenzó presentándose a los Shows y pronto reemplazó al batería original. The New Mastersounds se formó en 1999 añadiendo a Bob Birch al órgano Hammond, el único tio que tocaba realmente un Hammond en Leeds por aquel entonces. Fue reemplazado por Joe en 2006, cuando Bob decidió que la carretera no era para él. Joe había sido un amigo para todos y habían trabajado juntos en bandas diferentes, así que fue un cambio bastante fácil. Comprobaron que era una fantástica adquisición para la banda, tanto en el escenario como en la parte compositiva. Empezaron adentrándose en la escena de los clubs antes de que su música se pudiera escuchar en disco y desde la publicación de su álbum debut Keb Darge presents en 2001, no han parado de sudar y hacernos bailar esos nuevos sonidos con alma funk que tanto les caracterizan.

cd’s t: natalia brovedanni

AtletA · Catedrales (Aloud Music) Jaume Pantaleón y Jose Roselló son de los pocos músicos locales con la suficiente habilidad para enfrentarse a un proyecto tan ambicioso y arriesgado como lo es AtletA. Después de lanzar el 7”, Fariseos, los ex-12Twelve se han propuesto aportar a la escena la originalidad que pedía a gritos desde hace tiempo. Casi como si nos hubiesen ence-rrado en la casa del ácido, Catedrales invita a dejarse caer, a arrastrarse por atmósferas afectadas de psicodelia, el kraut-rock y la electrónica más elegante para terminar entendiendo que si hay un “post” que le pega a AtletA es el post-sensacional porque cada canción ataca directamente al mundo de las sensaciones interiores. Muy prometedor. La Célula Durmiente · Póstumo (BCore) Es innegable que Joan Colomo tiene mucha personalidad musical. Cualquier cosa que toca se transforma en un material al que echarle ojo. Póstumo es un trabajo ante todo entusiasta, que apuesta por el colorido y el guitarreo constante guiado por melodías de voz casi sectarias fruto del bien logrado engranaje de Inés y Joan. Bajo la fórmula del punk pop y la afección por los sonidos distorsionados, La Célula Durmiente consigue atraparte hasta el final ins-taurando una pequeña revolución hormonal digna de la más honrada adolescencia temprana.

Ainara LeGardon · We once wished (Aloud Music) Cuatro discos se dicen muy rápido. Ainara LeGardon sabe muy bien a dónde quiere ir y así lo demuestra en We once wished, una colección impecable de canciones que, si bien distan de lo que ya conocíamos, muestran su arista más visceral e intensa, como si se estuviese arrancando trozos de sí misma en cada pasaje. Before walking up o Thirsty representan el espíritu de un disco de rock, en el que des-tacan no sólo las composiciones de Ainara sino el talento de Héctor Bardisa a la batería y una sensibilidad tremenda para desgarrar una canción y hacerla verdaderamente grande.

The Idiot · Far Away, Beyond (Independiente) Si en este país existiera una banda de forajidos musicales quizás esos deberían llamarse The Idiot. A golpe de per-cusiones cabalgantes y sátira urbana, Far Away, Beyond luce un compendio de canciones refinadas, que bien pueden sembrar un clima festivo, volverse más íntimas y oscuras (Cherry Blue), ambientar una película de los 50 o hacer del free-jazz la herramienta más indicada para que la voz de Gerard fluya entre coros impecables, al mejor estilo Caléxico. Versartilidad y muy buen gusto.

conciertos & sesiones

1_HEAVY TRASH El incansable Jon Spencer vuelve junto a Matt Verta-Ray para presentarnos Midnight Soul Serenade, el tercer disco de estudio de la formación. Aprovechando las vacaciones de The Jon Spencer Blues Explosion, los dos músicos salen a la carretera para con-tagiarnos con su explosiva mezcla de géneros musicales. La [2]. Martes 1 de febrero. 18/22€. BCN. Sala Stereo. Miércoles 2 de febrero. 12/15€. ALICANTE. Sala El Sol. Jueves 3 de febrero. 18/22€. MAD.2_BAND OF HORSES + MIKE NOGA & THE GENTS La espe-rada banda de Seattle liderada por Ben Bridwell está de vuelta por Europa. Formados en 2004 tras la disolución de Carissa’s Wierd, su última propuesta discográfica: Infinite Arms, vuelve a las raíces de la música ameri-cana con el gran Neil Young como referente principal. Sala Heineken. Martes 8 de febrero. 23€. MAD. Apolo. Miércoles 9 de febrero. 23€. BCN.3_SKUNK ANANSIE Diez años después de su disolu-ción, los ingleses Skunk Anansie están de vuelta. Y no de cualquier manera, después de publicar su grandes éxitos y agotar entradas en su última visita de 2009, el lanzamiento de Wonderslustre les sirve como excusa para demostrar la fuerza por la que son conocidos sus shows. La Rivera. Miércoles 9 de febrero. 27€. MAD. Sala Razzmatazz. Jueves 10 de febrero. 27€. BCN.4_THE SCRIPT Después de vender 1,8 millones de ejempla-res hace un par de años, los irlandeses The Script vuel-ven para presentar su segundo larga duración: Sciende & Faith. Concienciados y preparados para dar lo mejor de su repertorio, el trío emocionará a todo el público con su música, capaz de sorprender y con una gran variedad

que va desde el soul, el pop, el rock e incluso con guiños al R&B. Sala Razzmatazz. Sábado 12 de febrero 23€. BCN. La Riviera. Domingo 13 de febrero. 23€. MAD.5_FESTIVAL IN-SOMNI: MUJERES+FUCKIN’BOLLOCKS+ELLA ELECTRICA Tres de las bandas con más proyección del país encabezan la última edición del Festival In-Somni en Barcelona. Ella Electrica vuelven después de tres años de silencio con su intenso directo junto a Fuckin Bollocks, la gran esperanza del garage barcelonés, que estrenan Congo Tapes, su primer álbum. Los frenéti-cos Mujeres encabezan el cartel. Apolo. Viernes 18 de febrero. 16/23€. BCN.6_THE NEW MASTERSOUNDS Pioneros del Deep Funk Británico, la música de este cuarteto de Leeds es un tributo a los grandes del Soul, Jazz o Funk. Reconocidos como una banda clave en su escena y girando por medio mundo, sus directos están cargados de potencia. Fender Club. Lunes 2 de febrero. MAD. Durango Club. Martes 4 de febrero. VALENCIA. Boogaclub. Miércoles 5 de febrero. GRANADA. Sala Malandar. Jueves 6 de febrero. SEVILLA. Asklepios. Miércoles 9 de febrero. VALLADOLID. Café Rock Dom Pedro. Jueves 10 de febrero. GIJON. Jimmy Jazz Club. Viernes 11 de febrero. VITORIA. La [2]. Sábado 12 de febrero. BCN.7_WIRE + WEEKEND Formados en el Londres de mediados de los 70, Wire se dieron a conocer gracias a su sonido atmosférico y rico en detalles en medio de la explosión punk. Influenciando a innumerables bandas posteriores, el grupo ha conseguido crear un estilo propio e inconfundible experimentando incluso con la electrónica y con diversos cambios de formación. Ahora, es el turno de presentarnos Red Barked Tree, su último trabajo editado este mismo año

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del que podremos disfrutar junto a sus temas más conoci-dos. Sala Moby Dick. Jueves 17 de febrero. 20/23€. MAD. La [2]. Viernes 18 de febrero. 20/23€. BCN.8_HERCULES AND LOVE AFFAIR Nacidos en Nueva York como proyecto del DJ Andy Butler, Hercules and Love Affair jue-gan con la mezcla de disco, dance y punk. Blue Songs es su segundo trabajo, que precedido por el éxito de su disco debut y siguiendo su estela, seguro que hará bailar a todo el público. Sala Joy Eslava. Jueves 17 de febrero. 20/24€. MAD. Sala Bikini. Sábado 19 de febrero. 20/24€. BCN.9_FESTIVAL MIL.LENI: PATTI SMITH Poco queda por decir de Patti Smith. Poeta, cantante e inspiración para muchos, la artista saltó a la fama con su impactante debut Horses, dando un toque femenino al punk de los 70. Desde entonces hasta Just Kids, su última y aclamada obra literaria, Patti no ha dejado de reinventarse y sus directos siguen cargados del mensaje y la rabia de sus inicios. Una gran oportunidad de ver a uno de los mitos vivientes de la historia de la música. Palau de la Música Catalana. Lunes 21 de febrero. 18/ 58€. BCN.10_LOVE OF LESBIAN Los Barceloneses Love Of Lesbian cierran su interminable gira 1999. Después de más de

10 años de trayectoria y de estrenar su sexto trabajo, la banda se ha ganado un puesto en el trono del indie nacional. Melodramáticos, épicos o galácticos, su música triunfa allá donde va. Sala Joy Eslava. Miércoles 2, Jueves 3 y Viernes 4 de febrero. 20/25€. MAD. Sala Razzmatazz. Jueves 24, Viernes 25 y Sábado 26 de febrero. 20/25 €.BCN.11_FRAN HEALY Lanzándose a la aventura y con disco en solitario bajo el brazo, el cantante y compositor de los escoceses Travis está de gira pasando por dos ciu-dades españolas. Tras demostrar con su banda que es una de las mejores voces del pop británico, esta vez el artista ha escogido locales más íntimos para presentar Wreckonder, un disco diferente que nos muestra su nueva faceta. Ramdall Music Live. Jueves 17 de febrero. 22€. MAD. Sala Be Cool. Viernes 18 de febrero. 22€. BCN.12_STANDSTILL Después de presentar su espectáculo sonoro-visual Rooom por media España, Standstill nos siguen ofreciendo la oportunidad de disfrutar de la propuesta. Dividido en tres capítulos, éstos incluyen cronológicamente todos los temas de su último tra-bajo: Adelante Bonaparte. Auditori Atrium, Viladecans. Sábado 26 de febrero. 15€. BCN.

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BARCELONA: Sala Apolo. Nou de la Rambla, 113. +34 934 414 001. La [2]. Nou de la Rambla, 111. +34 934 414 001. Sala Razzmatazz. Pamplona, 88. +34 933 208 200. Sala Bikini. Avinguda Diagonal, 547. +34 933 220 800. Sala Be Cool. Pl. Joan Llongueras, 5. +34 933 620 413. Palau de la Música Catalana. Palau de la Música 4-6. +34 902 442 882. Auditori Atrium Vilaldecans. Av. Josep Tarraellas, s/n.Viladecans. +34 936 594 160. MADRID: EL Sol. Calle de los Jardines, 3. +34 915 326 490. Sala Heineken. Princesa, 1. +34 915 221 815. La Riviera. Paseo Bajo de la Virgen s/n. +913 652 415. Fender Club. Escaño, 20. Getafe +34 607 979 858. Moby Dick. Avda de Brasil, 5. +34 915 557 671. Joy Eslava. Arenal, 11. +34 913 663 733. Ramdall Music Live. Ferraz, 38. s/n. +34 914 358 508. ALICANTE: Sala Stereo. Pintor Velázquez, 5. 28. +34 965 143 946. GRANADA: Boogaclub. Santa Bárbara, 3. +34 965 143 946. SEVILLA: Sala Malandar. Torneo, 43. +34 954 370 188. VALLADOLID: Asklepios. Torrecilla, 14. +34 983 251 083. GIJON: Café Rock Dom Pedro. Paseo del Muro, 2. +34 984 491 801. VITORIA: Jimmy Jazz Club. Coronación de la Virgen Blanca, 4. VALENCIA: Durango Club. Llanterners, 35. +34 605 829 497

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sección crèdito

Date post:	11-Mar-2016
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issue 70 # / XXL

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