PAQUITO D’RIVERA (*1948)

From: Brazilian Fantasy (2010) (arr. by Daniel Freiberg)

Antonio Carlos Jobim (1927-1994)

1 No. 1 Corcovado 06:16

Jacob do Bandolim (1918-1969)

2 No. 2 Doce di Coco 04:25

Pixinguinha (1897-1973) & Benedito Lacerda (1903-1958)

3 No. 3 Um a zero 04:08

Soloists: Paquito D’Rivera, Clarinet & Andy Miles, Saxophone

Guests: Omar Rodriguez Calvo, Bass; Rolando Villalón, Percussion; Daniel Freiberg, Piano

GEORGE GERSHWIN (1898-1937)

4 Rhapsody No. 2, for Piano and Orchestra (1931) 13:02

Wayne Marshall, Piano

PAQUITO D’RIVERA

5 The elephant and the clown (2010) 11:19

GEORGE GERSHWIN

6 Strike up the Band: Ouverture (1927) (orch. by Don Rose) 06:42

7 Girl Crazy: Ouverture (1930) 05:42

8 Of thee I sing: Ouverture (1931) (orch. by Don Rose) 04:24

9 Rhapsody in Blue, for Piano and Or chestra (1924) (orch. by Ferde Grofe) 17:50

Wayne Marshall, Piano

TOTAL TIME 73:51

BORN TO PLAY

WDR Funkhausorchester · WAYNE MARSHALL Conductor

Live Recordings: II 2019 (Tr. 1-3); IX 2018 (Tr. 4+5); IX 2015 (Tr. 9) · Studio Recordings: VI 2017 (Tr. 6-8) · Recording Location all Tracks: Köln, WDR Klaus-von-Bismarck-Saal

Executive Producer: Corinna Rottschy · Recording Producers: Christoph Terbuyken (Tr. 1-3; 5); Julia Sikora (Tr. 4; 6-8); Stephan Hahn (Tr. 9)

Sound Engineers: Lutz Rameisel (Tr. 1-3; 5); David Schwager (Tr. 4); Thomas Sehringer (Tr. 6-8); Arnd Coppers (Tr. 9) · Sound Technicians: Rolf Lingenberg (Tr. 1-3; 5); Lutz Rameisel (Sound Arrangement Tr. 4)

Publishers: Corcovado Music Corp. (Tr. 1); Rio Musical LTDA (Tr. 2); APRS (Tr. 3); Schott (Tr. 4; Tr. 6; Tr. 7; Tr. 9); Warner Chappell Music (Tr. 8); Boosey & Hawkes (Tr. 5)

Wayne Marshall was eight years old when, at home in England, he heard a Gershwin concert broadcast

on the radio – a pivotal listening experience, as he recalled fifty years later in a WDR video clip. It

may have set his life in a new direction, eventually leading to Cologne as Chief Conductor of the

Funkhausorchester. It comes as no surprise that outstanding recordings from those six years at

WDR include productions of great Gershwin works. And Marshall has already released a complete

recording of Gershwin’s output for piano and orchestra with the Aalborg Symphony – assuming the

double role of conductor and pianist like André Previn in the Concerto in F with the London Symphony

Orchestra, a disc that made a lasting impression upon him.

Although Gershwin thought the Second Rhapsody was the best music he had ever written in terms of

form and orchestration, it never attained the popularity of Rhapsody in Blue. The reason lies not so much

in the music per se, but in the somewhat convoluted source material. Rhapsody in Blue, composed

in haste in 1924, also exists in several versions, but the differences lie mainly in the orchestration.

Gershwin wrote the Second Rhapsody seven years later, and the work can be found in several com-

peting versions. It all began with the film music for Delicious, one of the first Hollywood comedies to

have featured several scenes in colour. Gershwin not only composed a handful of songs for the film,

but also a more extensive instrumental work originally called Manhattan Rhapsody. In 1931, before

the film came out, Manhattan Rhapsody was performed in New York with Gershwin conducting and

at the piano. A recording of a dress rehearsal is still preserved: the music differs from the score of

Second Rhapsody as well as from the film version, which was cut to seven minutes. For a long time,

the only version featured in concert was an arrangement by composer Robert McBride who, fourteen

years after Gershwin’s death, made extensive changes in the orchestration. Wayne Marshall thus

prefers to return to Gershwin’s original version in the cautiously revised new edition. In this case

he refrains from improvising in the piano part, although improvisation is part of his musical DNA,

as he says himself: Marshall had already started to master the keyboard exclusively by ear when

he was three years old. That was the driving force that lay the foundation for his acclaimed career

as organist and as pianist, as clearly reflected in the prizewinning jazz solo album A Gershwin

Songbook – Marshall’s personal tribute to Gershwin, particularly to Porgy and Bess, his favourite

work among all others.

The Second Rhapsody prominently features repetitive rhythms that sound like a riveting hammer –

indeed, at one point the work was called Rhapsody in Rivets, but Gershwin discarded the title. We

also hear sinuous Latin American rhythms, which would soon be featured anew in Gershwin’s Cuban

Overture. Clarinettist, saxophonist, band leader, and composer Paquito D’Rivera finds that Brazil is

the musical nation that “has found the most well-balanced manner of combining rhythm, melody

and harmony”. Due to the repression of the Castro regime, D’Rivera fled his native Cuba in 1981

and became a US citizen; he went on to become one of the most successful artists in the history of

the Grammys and the Latin Grammys, with over a dozen awards and many more nominations in the

jazz and classical categories to his name.

Brazilian Fantasy is based on an arrangement made by Daniel Freiberg for Paquito D’Rivera

of immortal tunes such as Antônio Carlos Jobim’s Corcovado – a bossa nova song that acquired

the status of a jazz standard, also thanks to the interpretation of Stan Getz, another legend of the

so-called Latin saxophone. In this recording, however, it is D’Rivera’s clarinet that plays the main

role, while the saxophone part is taken up by WDR clarinettist Alan Miles.

The Elephant and the Clown is an original composition by Paquito D’Rivera, and it exists in arran-

gements for smaller wind ensembles as well as in this one, for a large orchestra with additional

4

“GERSHWIN REALLY CHANGED MY LIFE”

“effect instruments” that imitate a number of animal sounds and bird calls. Full virtuosity is likewise

demanded from the players of “normal” orchestral instruments. The piece harks back to D’Rivera’s

childhood memories of the Spanish clowns Gaby, Fofó and Miliki, who once pretended to have stolen

an elephant. After the rehearsals for this recording, D’Rivera said that he had never heard a better

interpretation of The Elephant and the Clown than this one with Wayne Marshall conducting the WDR

Funkhausorchester. Before he became a star, George Gershwin was one of dozens of Tin Pan Alley

song pluggers. As a pianist – or, rather, as a sales agent for music publishers – his job was to attract

customer interest for the latest potential hits. However, his increasing success in the music enter-

tainment business only kindled his ambition to become a “serious” composer all the more. Without

abandoning the light muse, he accomplished that feat with Rhapsody in Blue. In collaboration with

his brother, lyricist Ira Gershwin, he penned an impressive number of Broadway musicals including

the political satire Of Thee I Sing as well as Strike Up the Band, a parody of American belligerence.

Soon even Hollywood would be clamouring for the two brothers’ talent. The overtures to their musicals

also found their way into concert repertoire, including the one to Girl Crazy, featuring the well-

known tunes I Got Rhythm and Embraceable You.

Gershwin’s most famous melody, the clarinet glissando at the beginning of Rhapsody in Blue, is

perhaps not a melody at all, and he didn’t actually invent it either. It became the musical symbol of

an era, a true reflection of the mood of the Roaring Twenties in New York City. Although the “first”

Rhapsody was not destined for the theatre, circumstances were just as hectic as if it had been

a Broadway production. Orchestrator Ferde Grofé was asked to adapt the arrangement to Paul

Whiteman’s big band, with strings added specifically for the occasion; Gershwin extemporized his

piano part, and the sole indication in the score was “wait for nod”. Here Wayne Marshall also allows

himself a certain latitude for improvisation without affecting the work’s core substance.

Gershwin only came up with the “idea of the century” to let the clarinet’s introductory solo glide

up through 17 notes when he heard clarinettist Ross Gorman accomplish that feat in a rehearsal.

Neither was Gershwin solely responsible for the work’s title: inspired by James Whistler paintings

such as Nocturne in Black and Gold, his brother Ira suggested Rhapsody in Blue. The concert was

announced as an “experiment”, but the audience at the world premiere on 12 February 1924 in the

Aeolian Hall fell into raptures, immediately grasping that jazz had suddenly been brought into a

unique symbiosis with Classical symphonic music. Only a few professional critics were less enthu-

siastic; indeed, from a purely academic point of view, the Rhapsody in Blue may leave something

to be desired. Even Leonard Bernstein, who obviously loved it, admitted as much: “The Rhapsody in

Blue is not a composition at all. It is a string of separate paragraphs stuck together with a thin paste

of flour and water.” The piece still makes up for that lack of cohesion thanks to its irresistible drive,

which has lost nothing of its energy.

© 2020 Johannes Jansen (Translation by Stanley Hanks)

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Er war acht Jahre alt, als er zu Hause in England die Radioübertragung eines Gershwin-Konzerts hörte.

Das habe sein Leben verändert, erzählt Wayne Marshall rund fünfzig Jahre später in einem Video-Clip

des Westdeutschen Rundfunks. Das Hör-Erlebnis, das seinem Leben die vielleicht entscheidende

Wendung gab, hat ihn schließlich auch nach Köln geführt, als Chefdirigent des Funkhausorchesters.

Zu den herausragenden Dokumenten seiner sechsjährigen Tätigkeit beim WDR gehören, beinahe

selbstverständlich, Produktionen großer Gershwin-Werke. Eine Gesamteinspielung der Komposi-

tionen für Klavier und Orchester hat er bereits mit dem Aalborg Symfoniorkester vorgelegt. Wie

seinerzeit André Previn bei der Aufnahme des Concerto in F mit dem London Symphony Orchestra,

die ihn so nachhaltig beeindruckt hatte, ist Wayne Marshall dabei in die Doppelrolle als Dirigent und

Klaviersolist geschlüpft.

Obwohl George Gershwin selbst die Second Rhapsody unter dem Gesichtspunkt der Form und

Orchestrierung für das beste hielt, was er je geschrieben hatte, erreichte sie nie die Popularität

der Rhapsody in Blue. Die Ursache dafür ist weniger im Werk selbst zu suchen als in der etwas

unübersichtlichen Quellenlage. Auch die 1924 unter großem Zeitdruck komponierte Rhapsody in

Blue existiert in mehreren Versionen, doch liegen deren Unterschiede vorwiegend im Bereich der In-

strumentation. Bei der sieben Jahre später entstandenen Second Rhapsody hingegen konkurrieren

mehrere Fassungen miteinander. Alles begann mit einer Filmmusik zu Delicious, einer der ersten

Hollywood-Komödien, bei denen einige Szenen auch in Farbe zu sehen waren. Neben einer Handvoll

Songs, die Gershwin dazu beisteuerte, war es vor allem eine längere Komposition, die ursprünglich

Manhattan Rhapsody hieß. Noch vor Veröffentlichung des Films erklang sie 1931 als selbstständiges

Werk in New York unter Gershwins eigener Leitung und mit ihm am Klavier. Es existiert ein Mitschnitt

dieser Aufführung, die allerdings nur ein Probedurchlauf war und von der Partitur der Second Rhapsody

ebenso wie von der auf sieben Minuten Länge gekürzten Filmversion abweicht. Im Konzertleben

vorherrschend war lange Zeit eine Fassung, die erst vierzehn Jahre nach Gershwins Tod durch den

Komponisten Robert McBride angefertigt wurde, mit tiefgreifenden Änderungen der Orchestrierung.

Wayne Marshall nutzt deshalb lieber die behutsam revidierte Neuausgabe der Originalversion, ohne

dabei den Klavierpart improvisatorisch zu verändern – obwohl er das Improvisieren, wie er selbst

sagt, als Teil seiner „DNA“ betrachtet, denn schon als Dreijähriger hat er begonnen, sich nur nach

dem Gehör die Welt der Tasten zu erobern. Da liegen die Antriebskräfte seiner großen Karriere als

Organist und Pianist, die auch in seinem preisgekrönten Jazz-Solo-Album A Gershwin Songbook

ihren Niederschlag gefunden haben. Es ist Marshalls persönliche Hommage an Gershwin, speziell

auch an Porgy and Bess, sein Lieblingswerk.

Zu den Charakteristika der Second Rhapsody gehören gehämmerte Rhythmen – auf die Geräusche

eines Niethammers weist der später verworfene Titel Rhapsody in Rivets (rivets = Nieten) hin –, die

sich mit geschmeidigen Rhythmen aus Lateinamerika verbinden, wie sie sich dann wenig später

auch in der Cuban Overture wiederfinden. Für den Klarinettisten, Saxophonisten, Bandleader und

Komponisten Paquito D’Rivera ist Brasilien dasjenige Musikland, das „die ausgewogenste Formel

für das Zusammenspiel von Rhythmus, Melodie und Harmonie“ gefunden hat. D’Rivera selbst ist

Kubaner, floh jedoch 1981 vor den Zumutungen des Castro-Regimes, nahm die US-amerikanische

Staatsbürgerschaft an und wurde mit insgesamt mehr als einem Dutzend Auszeichnungen und etlichen

Nominierungen sowohl in der Jazz- als auch in der Klassik-Kategorie zu einem der erfolgreichsten

Künstler in der Geschichte der Grammy und Latin Grammy Awards.

Die Brazilian Fantasy beruht auf einem von Daniel Freiberg für Paquito D’Rivera zusammengestellten

Arrangement zeitloser Titel wie Corcovado von Antônio Carlos Jobim; der Bossa-nova-Song wurde

nicht zuletzt durch die Interpretation von Stan Getz – auch er eine Legende des sogenannten Latin

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“GERSHWIN REALLY CHANGED MY LIFE”

Saxophone – zu einem Jazz-Standard. In dieser Aufnahme ist allerdings der Klarinette von D’Rivera

die Hauptrolle zugedacht; das Saxophon spielt WDR-Klarinettist Alan Miles.

The Elephant and the Clown ist eine Eigenkomposition von Paquito D’Rivera und existiert sowohl

in Bearbeitungen für kleinere Bläser-Kammermusikbesetzungen als auch in einer Fassung für gro-

ßes Orchester mit zusätzlichen Effektinstrumenten, die eine Vielzahl von (Vogel-)Stimmen imitieren.

Aber auch die Spielerinnen und Spieler ‚normaler‘ Instrumente haben allerhand zu tun und werden

in ihrer ganzen Virtuosität gefordert. Die zugrundeliegende Geschichte ist ein vom berühmten spa-

nischen Clownstrio Gaby, Fofó und Miliki als Ulk inszenierter Elefantendiebstahl – eine Erinnerung

aus D’Riveras Kindertagen. Nach den Proben zum vorliegenden WDR-Konzertmitschnitt sagte der

Komponist, er habe nie eine bessere Wiedergabe seines Werks als die des Funkhausorchesters unter

Wayne Marshall gehört.

Ehe er selbst zum Star aufstieg, hatte George Gershwin zum Heer der sogenannten Song-plugger in

der legendären Tin Pan Alley gehört. Als Pianisten oder vielmehr Verkaufsagenten der dort ansässigen

Notenverlage war es ihre Aufgabe, Kaufinteressenten die jeweils neuesten Schlager buchstäblich

einzuhämmern. Doch je erfolgreicher Gershwin in der Unterhaltungsbranche war, desto stärker

brannte sein Ehrgeiz, ein ‚ernsthafter‘ Komponist zu werden. Mit der Rhapsody in Blue hat er es

geschafft, ging der leichten Muse deswegen aber nicht verloren. Zusammen mit seinem Bruder und

Textdichter Ira Gershwin schuf er, ehe dann auch Hollywood die Hände nach ihnen ausstreckte, eine

beeindruckende Reihe von Broadway-Musicals, darunter die politische Satire Of Thee I Sing und das

als Militär-Parodie angelegte Strike Up the Band. Die zugehörigen Ouvertüren fanden später auch

Eingang ins Konzertrepertoire, ebenso diejenige zu Girl Crazy mit Kennmelodien wie I got Rhythm

und Embraceable You.

Gershwins vielleicht bekannteste Melodie ist eigentlich gar keine und stammt genaugenommen

nicht einmal von ihm: das Klarinetten-Glissando am Beginn der Rhapsody in Blue. Es wurde zum

musikalischen Symbol einer Epoche und des Lebensgefühls der Roaring Twenties in New York.

Obwohl nicht für den Broadway bestimmt, entstand diese ‚erste‘ Rhapsody unter vergleichbar hek-

tischen Produktionsbedingungen wie die Musicals der Zeit. Das zeigt sich in der Hinzuziehung des

Arrangeurs Ferde Grofé, der die Instrumentation der eigens für diesen Anlass um einige Streicher

erweiterten Bigband von Paul Whiteman anpasste, aber auch darin, dass Gershwin seinen Klavierpart

bei der Aufführung improvisierte; die entsprechenden Stellen in der Orchesterpartitur waren mit einem

bloßen „wait for nod“ („bis zum Nicken“) markiert. Auch Wayne Marshall nutzt einen gewissen

Spielraum der Improvisation, allerdings ohne gravierende Eingriffe in die Werksubstanz.

Die Jahrhundertidee, das Eingangssolo als Glissando über 17 Noten ausführen zu lassen, kam Gershwin

erst bei einer Probe mit dem Klarinettisten Ross Gorman, der dieses Kunststück fertigbrachte. Auch

der Name des Werks geht nicht auf den Komponisten allein zurück, sondern sein Bruder machte den

Vorschlag – inspiriert von James Whistlers Gemälden mit Titeln wie Nocturne in Black and Gold – es

Rhapsody in Blue zu nennen. Das Publikum reagierte begeistert auf das als „Experiment“ angekündigte

Konzert und verstand auf Anhieb, dass hier der Jazz zu einer einzigartigen Symbiose mit klassischer

sinfonischer Musik gefunden hatte. Nur einige professionelle Kritiker äußerten nach der Uraufführung

am 12. Februar 1924 in der New Yorker Aeolian Hall eher zurückhaltende Begeisterung. Aber was die

Rhapsody in Blue unter musik-akademischen Gesichtspunkten tatsächlich vermissen lässt – sogar

Leonard Bernstein, der das Stück liebte, sagte einmal, es habe mit „Komposition“ im strengen Sinne

nichts zu tun –, macht sie durch ihren bis heute unverbrauchten Drive bei weitem wieder wett.

© 2020 Johannes Jansen

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Wayne Marshall’s relationship with music began at the age of three, when he had already fa-

miliarised himself with the piano; he only began to take formal lessons a few years later. He was

a student at Chetham’s School of Music in Manchester from 1971 to 1979. He won a foundation

scholarship to the Royal College of Music in London, which was combined with the post of Organ

Scholar at St George’s Chapel, Windsor Castle, and he was a postgraduate student at the Hochschule

für Musik in Vienna from 1983-84.

Wayne’s musical forays led him to experiment in multiple genres, including church music and jazz, but

he quickly found his professional voice as an organ/piano recitalist. This was also the time in which Wayne

began to find his footing as a conductor, a path that would see him working with some of the world’s

most accomplished orchestras. He is thus a man with two gifts and one legacy.

He was the BBC Music Magazine’s Artist of the Year in 1998. In 2004, Wayne received an Honorary

Doctorate from Bournemouth University, and in 2010 became a Fellow of the Royal College of Music.

2016 he received the prestigious Golden Jubilee Award in commemoration of his services to music.

www.waynemarshall.com

Mit 3 Jahren versuchte sich Wayne Marshall bereits auf dem Klavier; ein paar Jahre später erhielt

er seinen ersten Unterricht. Von 1971 bis 1979 studierte er an der Chetham’s School of Music in

Manchester. Er erhielt von der Royal College of Music in London ein Stipendium, das mit der Position

eines Orgelstudenten an der St George’s Chapel im Schloss Windsor verbunden war; daraufhin war

er 1993/94 für ein Aufbaustudium an der Hochschule für Musik in Wien.

Mit seiner breiten Palette an Talente und Gaben setzte sich Wayne ausgiebig mit den verschiedensten

Genres einschließlich Kirchenmusik und Jazz auseinander. Bald aber fand er zu seiner eigentlichen

Leidenschaft als Organist und Pianist. Parallel spürte er immer mehr Interesse am Dirigieren, das

später zu vielen Gastspielen mit führenden Orchestern weltweit führte.

1998 kürte ihn das BBC Music Magazine zum Künstler des Jahres. 2004 wurde ihm die Ehrendoktor-

würde der Universität Bournemouth verliehen; 2010 wurde er Mitglied des Royal College of Music. 2016

erhielt er den ehrenvollen Golden Jubilee Award in Anerkennung seiner Verdienste für die Musik.

www.waynemarshall.com

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WAYNE MARSHALL Conductor & Piano WAYNE MARSHALL Dirigent & Klavier

The WDR Funkhausorchester is surprisingly different. It delights the audiences with a wide array of

genres, gems from musicals, operas and operetta, film music and unknown jewels from the classical

era, as well as current streams such as symphonic jazz and even Rap and Dubstep Crossover. “Serious

music” is just another color in the musical rainbow of the orchestra.

The WDR Funkhausorchester presents new ways of hearing orchestral concerts, with stories and

convincing concepts.

The orchestra loves to travel new and surprising musical roads – with innovative, imaginative concert

programs and a wide offering of educational projects expertly tailored for specific age groups. The

fine balance of exciting programs and relaxing evenings is a hit with its fans but also opens the door

for less experienced concertgoers.

The WDR Funkhausorchester performs together with international soloists and ensembles, but also

works with and within other artistic disciplines such as film, dance, pantomime, visual arts and

theater. Moderators, storytellers and comedians add a special note to the performances so that each

concert becomes a unique experience.

The WDR Funkhausorchester named for its spectacular, historic broadcasting center in the heart of

Cologne is one of the most listened-to German orchestras. With regular live broadcasts, radio series

and recordings it strives to accompany the audience throughout their day. The guiding principle:

Always worthwhile, Always close to our audience, There for Cologne, our region and the world.

Wayne Marshall, principal conductor and, by the way, an internationally known virtuoso organist

and pianist, fires up his orchestra and audiences alike with his ideas and his energy. Together with

his musicians he realizes his vision of a modern, self-confident pops orchestra each and every day.

(Translation by WDR)

Das WDR Funkhausorchester ist ein überraschend anderes Orchester. Mit großer Kunst von Musical,

Spieloper und Operette über Filmmusik und Nischen der klassischen Musik bis hin zu sinfonischem

Jazz will es das Publikum unterhalten. Die sogenannte „ernste Musik“ ist beim Orchester eine be-

reichernde Klangfarbe in einem vielseitigen Programm.

Das WDR Funkhausorchester eröffnet neue Perspektiven auf die Welt der orchestralen Musik. Seine

Konzerte erzählen Geschichten und überzeugen mit schlüssigen und lebendigen Konzepten.

Das WDR Funkhausorchester hat den Mut, neue, überraschende Wege einzuschlagen – mit innovativen,

fantasievollen Konzertprogrammen und einem reichen Angebot an passend auf die jeweilige Altersgruppe

zugeschnittenen Education-Projekten. Die fein ausbalancierte Mischung aus anregenden und ent-

spannenden Programmen punktet bei den Fans und bricht das Eis auch für konzertunerfahrene Hörer.

Das Orchester sieht sich klar als Teamplayer in der Welt der Musik. Es setzt auf Kooperation mit

internationalen Solisten und Ensembles, aber auch mit anderen künstlerischen Gewerken wie Film,

Pantomime, Bildender Kunst und Schauspiel. Sprecher und Comedians bereichern das Ensemble

und machen gemeinsam mit dem Funkhausorchester jedes Konzert zum einmaligen Erlebnis.

Das WDR Funkhausorchester ist eines der am meisten gehörten Orchester der Welt. Mit regelmäßigen

Liveübertragungen, Sendestrecken und Musikproduktionen ist es im Alltag des Publikums präsent.

Das ist ein Grundprinzip des Funkhausorchesters: Immer zuverlässig, immer nah am Publikum, für

Köln, NRW und die Welt.

Chefdirigent Wayne Marshall (bis 2020), auch ein virtuoser Organist, beflügelt Musiker und Publikum

mit seinen Ideen und seiner Energie. Seine Vision von einem modernen, selbstbewussten Unterhal-

tungsorchester setzen er und die Musiker täglich um – auf höchstem professionellen Niveau.

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THE WDR FUNKHAUSORCHESTER DAS WDR FUNKHAUSORCHESTER

42 6008553978 9 P 2015-2019 This compilation by Westdeutscher Rundfunk, Cologne/Germany g 2020 Avi-Service for music, Cologne/Germany · All rights reserved · LC 15080 · STEREO · GEMA · Made in Germany DDD · Design: www.BABELgum.de · Photos: g WDR/Detlev Overmann (Cover & Inlay); WDR/Langer (page 2) · www.waynemarshall.com · www.avi-music.de · www.wdr.de · Licensed by WDR mediagroup GmbH