PAQUITO D’RIVERA (*1948)
From: Brazilian Fantasy (2010) (arr. by Daniel Freiberg)
Antonio Carlos Jobim (1927-1994)
1 No. 1 Corcovado 06:16
Jacob do Bandolim (1918-1969)
2 No. 2 Doce di Coco 04:25
Pixinguinha (1897-1973) & Benedito Lacerda (1903-1958)
3 No. 3 Um a zero 04:08
Soloists: Paquito D’Rivera, Clarinet & Andy Miles, Saxophone
Guests: Omar Rodriguez Calvo, Bass; Rolando Villalón, Percussion; Daniel Freiberg, Piano
GEORGE GERSHWIN (1898-1937)
4 Rhapsody No. 2, for Piano and Orchestra (1931) 13:02
Wayne Marshall, Piano
PAQUITO D’RIVERA
5 The elephant and the clown (2010) 11:19
GEORGE GERSHWIN
6 Strike up the Band: Ouverture (1927) (orch. by Don Rose) 06:42
7 Girl Crazy: Ouverture (1930) 05:42
8 Of thee I sing: Ouverture (1931) (orch. by Don Rose) 04:24
9 Rhapsody in Blue, for Piano and Or chestra (1924) (orch. by Ferde Grofe) 17:50
Wayne Marshall, Piano
TOTAL TIME 73:51
BORN TO PLAY
WDR Funkhausorchester · WAYNE MARSHALL Conductor
Live Recordings: II 2019 (Tr. 1-3); IX 2018 (Tr. 4+5); IX 2015 (Tr. 9) · Studio Recordings: VI 2017 (Tr. 6-8) · Recording Location all Tracks: Köln, WDR Klaus-von-Bismarck-Saal
Executive Producer: Corinna Rottschy · Recording Producers: Christoph Terbuyken (Tr. 1-3; 5); Julia Sikora (Tr. 4; 6-8); Stephan Hahn (Tr. 9)
Sound Engineers: Lutz Rameisel (Tr. 1-3; 5); David Schwager (Tr. 4); Thomas Sehringer (Tr. 6-8); Arnd Coppers (Tr. 9) · Sound Technicians: Rolf Lingenberg (Tr. 1-3; 5); Lutz Rameisel (Sound Arrangement Tr. 4)
Publishers: Corcovado Music Corp. (Tr. 1); Rio Musical LTDA (Tr. 2); APRS (Tr. 3); Schott (Tr. 4; Tr. 6; Tr. 7; Tr. 9); Warner Chappell Music (Tr. 8); Boosey & Hawkes (Tr. 5)
Wayne Marshall was eight years old when, at home in England, he heard a Gershwin concert broadcast
on the radio – a pivotal listening experience, as he recalled fifty years later in a WDR video clip. It
may have set his life in a new direction, eventually leading to Cologne as Chief Conductor of the
Funkhausorchester. It comes as no surprise that outstanding recordings from those six years at
WDR include productions of great Gershwin works. And Marshall has already released a complete
recording of Gershwin’s output for piano and orchestra with the Aalborg Symphony – assuming the
double role of conductor and pianist like André Previn in the Concerto in F with the London Symphony
Orchestra, a disc that made a lasting impression upon him.
Although Gershwin thought the Second Rhapsody was the best music he had ever written in terms of
form and orchestration, it never attained the popularity of Rhapsody in Blue. The reason lies not so much
in the music per se, but in the somewhat convoluted source material. Rhapsody in Blue, composed
in haste in 1924, also exists in several versions, but the differences lie mainly in the orchestration.
Gershwin wrote the Second Rhapsody seven years later, and the work can be found in several com-
peting versions. It all began with the film music for Delicious, one of the first Hollywood comedies to
have featured several scenes in colour. Gershwin not only composed a handful of songs for the film,
but also a more extensive instrumental work originally called Manhattan Rhapsody. In 1931, before
the film came out, Manhattan Rhapsody was performed in New York with Gershwin conducting and
at the piano. A recording of a dress rehearsal is still preserved: the music differs from the score of
Second Rhapsody as well as from the film version, which was cut to seven minutes. For a long time,
the only version featured in concert was an arrangement by composer Robert McBride who, fourteen
years after Gershwin’s death, made extensive changes in the orchestration. Wayne Marshall thus
prefers to return to Gershwin’s original version in the cautiously revised new edition. In this case
he refrains from improvising in the piano part, although improvisation is part of his musical DNA,
as he says himself: Marshall had already started to master the keyboard exclusively by ear when
he was three years old. That was the driving force that lay the foundation for his acclaimed career
as organist and as pianist, as clearly reflected in the prizewinning jazz solo album A Gershwin
Songbook – Marshall’s personal tribute to Gershwin, particularly to Porgy and Bess, his favourite
work among all others.
The Second Rhapsody prominently features repetitive rhythms that sound like a riveting hammer –
indeed, at one point the work was called Rhapsody in Rivets, but Gershwin discarded the title. We
also hear sinuous Latin American rhythms, which would soon be featured anew in Gershwin’s Cuban
Overture. Clarinettist, saxophonist, band leader, and composer Paquito D’Rivera finds that Brazil is
the musical nation that “has found the most well-balanced manner of combining rhythm, melody
and harmony”. Due to the repression of the Castro regime, D’Rivera fled his native Cuba in 1981
and became a US citizen; he went on to become one of the most successful artists in the history of
the Grammys and the Latin Grammys, with over a dozen awards and many more nominations in the
jazz and classical categories to his name.
Brazilian Fantasy is based on an arrangement made by Daniel Freiberg for Paquito D’Rivera
of immortal tunes such as Antônio Carlos Jobim’s Corcovado – a bossa nova song that acquired
the status of a jazz standard, also thanks to the interpretation of Stan Getz, another legend of the
so-called Latin saxophone. In this recording, however, it is D’Rivera’s clarinet that plays the main
role, while the saxophone part is taken up by WDR clarinettist Alan Miles.
The Elephant and the Clown is an original composition by Paquito D’Rivera, and it exists in arran-
gements for smaller wind ensembles as well as in this one, for a large orchestra with additional
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“GERSHWIN REALLY CHANGED MY LIFE”
“effect instruments” that imitate a number of animal sounds and bird calls. Full virtuosity is likewise
demanded from the players of “normal” orchestral instruments. The piece harks back to D’Rivera’s
childhood memories of the Spanish clowns Gaby, Fofó and Miliki, who once pretended to have stolen
an elephant. After the rehearsals for this recording, D’Rivera said that he had never heard a better
interpretation of The Elephant and the Clown than this one with Wayne Marshall conducting the WDR
Funkhausorchester. Before he became a star, George Gershwin was one of dozens of Tin Pan Alley
song pluggers. As a pianist – or, rather, as a sales agent for music publishers – his job was to attract
customer interest for the latest potential hits. However, his increasing success in the music enter-
tainment business only kindled his ambition to become a “serious” composer all the more. Without
abandoning the light muse, he accomplished that feat with Rhapsody in Blue. In collaboration with
his brother, lyricist Ira Gershwin, he penned an impressive number of Broadway musicals including
the political satire Of Thee I Sing as well as Strike Up the Band, a parody of American belligerence.
Soon even Hollywood would be clamouring for the two brothers’ talent. The overtures to their musicals
also found their way into concert repertoire, including the one to Girl Crazy, featuring the well-
known tunes I Got Rhythm and Embraceable You.
Gershwin’s most famous melody, the clarinet glissando at the beginning of Rhapsody in Blue, is
perhaps not a melody at all, and he didn’t actually invent it either. It became the musical symbol of
an era, a true reflection of the mood of the Roaring Twenties in New York City. Although the “first”
Rhapsody was not destined for the theatre, circumstances were just as hectic as if it had been
a Broadway production. Orchestrator Ferde Grofé was asked to adapt the arrangement to Paul
Whiteman’s big band, with strings added specifically for the occasion; Gershwin extemporized his
piano part, and the sole indication in the score was “wait for nod”. Here Wayne Marshall also allows
himself a certain latitude for improvisation without affecting the work’s core substance.
Gershwin only came up with the “idea of the century” to let the clarinet’s introductory solo glide
up through 17 notes when he heard clarinettist Ross Gorman accomplish that feat in a rehearsal.
Neither was Gershwin solely responsible for the work’s title: inspired by James Whistler paintings
such as Nocturne in Black and Gold, his brother Ira suggested Rhapsody in Blue. The concert was
announced as an “experiment”, but the audience at the world premiere on 12 February 1924 in the
Aeolian Hall fell into raptures, immediately grasping that jazz had suddenly been brought into a
unique symbiosis with Classical symphonic music. Only a few professional critics were less enthu-
siastic; indeed, from a purely academic point of view, the Rhapsody in Blue may leave something
to be desired. Even Leonard Bernstein, who obviously loved it, admitted as much: “The Rhapsody in
Blue is not a composition at all. It is a string of separate paragraphs stuck together with a thin paste
of flour and water.” The piece still makes up for that lack of cohesion thanks to its irresistible drive,
which has lost nothing of its energy.
© 2020 Johannes Jansen (Translation by Stanley Hanks)
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Er war acht Jahre alt, als er zu Hause in England die Radioübertragung eines Gershwin-Konzerts hörte.
Das habe sein Leben verändert, erzählt Wayne Marshall rund fünfzig Jahre später in einem Video-Clip
des Westdeutschen Rundfunks. Das Hör-Erlebnis, das seinem Leben die vielleicht entscheidende
Wendung gab, hat ihn schließlich auch nach Köln geführt, als Chefdirigent des Funkhausorchesters.
Zu den herausragenden Dokumenten seiner sechsjährigen Tätigkeit beim WDR gehören, beinahe
selbstverständlich, Produktionen großer Gershwin-Werke. Eine Gesamteinspielung der Komposi-
tionen für Klavier und Orchester hat er bereits mit dem Aalborg Symfoniorkester vorgelegt. Wie
seinerzeit André Previn bei der Aufnahme des Concerto in F mit dem London Symphony Orchestra,
die ihn so nachhaltig beeindruckt hatte, ist Wayne Marshall dabei in die Doppelrolle als Dirigent und
Klaviersolist geschlüpft.
Obwohl George Gershwin selbst die Second Rhapsody unter dem Gesichtspunkt der Form und
Orchestrierung für das beste hielt, was er je geschrieben hatte, erreichte sie nie die Popularität
der Rhapsody in Blue. Die Ursache dafür ist weniger im Werk selbst zu suchen als in der etwas
unübersichtlichen Quellenlage. Auch die 1924 unter großem Zeitdruck komponierte Rhapsody in
Blue existiert in mehreren Versionen, doch liegen deren Unterschiede vorwiegend im Bereich der In-
strumentation. Bei der sieben Jahre später entstandenen Second Rhapsody hingegen konkurrieren
mehrere Fassungen miteinander. Alles begann mit einer Filmmusik zu Delicious, einer der ersten
Hollywood-Komödien, bei denen einige Szenen auch in Farbe zu sehen waren. Neben einer Handvoll
Songs, die Gershwin dazu beisteuerte, war es vor allem eine längere Komposition, die ursprünglich
Manhattan Rhapsody hieß. Noch vor Veröffentlichung des Films erklang sie 1931 als selbstständiges
Werk in New York unter Gershwins eigener Leitung und mit ihm am Klavier. Es existiert ein Mitschnitt
dieser Aufführung, die allerdings nur ein Probedurchlauf war und von der Partitur der Second Rhapsody
ebenso wie von der auf sieben Minuten Länge gekürzten Filmversion abweicht. Im Konzertleben
vorherrschend war lange Zeit eine Fassung, die erst vierzehn Jahre nach Gershwins Tod durch den
Komponisten Robert McBride angefertigt wurde, mit tiefgreifenden Änderungen der Orchestrierung.
Wayne Marshall nutzt deshalb lieber die behutsam revidierte Neuausgabe der Originalversion, ohne
dabei den Klavierpart improvisatorisch zu verändern – obwohl er das Improvisieren, wie er selbst
sagt, als Teil seiner „DNA“ betrachtet, denn schon als Dreijähriger hat er begonnen, sich nur nach
dem Gehör die Welt der Tasten zu erobern. Da liegen die Antriebskräfte seiner großen Karriere als
Organist und Pianist, die auch in seinem preisgekrönten Jazz-Solo-Album A Gershwin Songbook
ihren Niederschlag gefunden haben. Es ist Marshalls persönliche Hommage an Gershwin, speziell
auch an Porgy and Bess, sein Lieblingswerk.
Zu den Charakteristika der Second Rhapsody gehören gehämmerte Rhythmen – auf die Geräusche
eines Niethammers weist der später verworfene Titel Rhapsody in Rivets (rivets = Nieten) hin –, die
sich mit geschmeidigen Rhythmen aus Lateinamerika verbinden, wie sie sich dann wenig später
auch in der Cuban Overture wiederfinden. Für den Klarinettisten, Saxophonisten, Bandleader und
Komponisten Paquito D’Rivera ist Brasilien dasjenige Musikland, das „die ausgewogenste Formel
für das Zusammenspiel von Rhythmus, Melodie und Harmonie“ gefunden hat. D’Rivera selbst ist
Kubaner, floh jedoch 1981 vor den Zumutungen des Castro-Regimes, nahm die US-amerikanische
Staatsbürgerschaft an und wurde mit insgesamt mehr als einem Dutzend Auszeichnungen und etlichen
Nominierungen sowohl in der Jazz- als auch in der Klassik-Kategorie zu einem der erfolgreichsten
Künstler in der Geschichte der Grammy und Latin Grammy Awards.
Die Brazilian Fantasy beruht auf einem von Daniel Freiberg für Paquito D’Rivera zusammengestellten
Arrangement zeitloser Titel wie Corcovado von Antônio Carlos Jobim; der Bossa-nova-Song wurde
nicht zuletzt durch die Interpretation von Stan Getz – auch er eine Legende des sogenannten Latin
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“GERSHWIN REALLY CHANGED MY LIFE”
Saxophone – zu einem Jazz-Standard. In dieser Aufnahme ist allerdings der Klarinette von D’Rivera
die Hauptrolle zugedacht; das Saxophon spielt WDR-Klarinettist Alan Miles.
The Elephant and the Clown ist eine Eigenkomposition von Paquito D’Rivera und existiert sowohl
in Bearbeitungen für kleinere Bläser-Kammermusikbesetzungen als auch in einer Fassung für gro-
ßes Orchester mit zusätzlichen Effektinstrumenten, die eine Vielzahl von (Vogel-)Stimmen imitieren.
Aber auch die Spielerinnen und Spieler ‚normaler‘ Instrumente haben allerhand zu tun und werden
in ihrer ganzen Virtuosität gefordert. Die zugrundeliegende Geschichte ist ein vom berühmten spa-
nischen Clownstrio Gaby, Fofó und Miliki als Ulk inszenierter Elefantendiebstahl – eine Erinnerung
aus D’Riveras Kindertagen. Nach den Proben zum vorliegenden WDR-Konzertmitschnitt sagte der
Komponist, er habe nie eine bessere Wiedergabe seines Werks als die des Funkhausorchesters unter
Wayne Marshall gehört.
Ehe er selbst zum Star aufstieg, hatte George Gershwin zum Heer der sogenannten Song-plugger in
der legendären Tin Pan Alley gehört. Als Pianisten oder vielmehr Verkaufsagenten der dort ansässigen
Notenverlage war es ihre Aufgabe, Kaufinteressenten die jeweils neuesten Schlager buchstäblich
einzuhämmern. Doch je erfolgreicher Gershwin in der Unterhaltungsbranche war, desto stärker
brannte sein Ehrgeiz, ein ‚ernsthafter‘ Komponist zu werden. Mit der Rhapsody in Blue hat er es
geschafft, ging der leichten Muse deswegen aber nicht verloren. Zusammen mit seinem Bruder und
Textdichter Ira Gershwin schuf er, ehe dann auch Hollywood die Hände nach ihnen ausstreckte, eine
beeindruckende Reihe von Broadway-Musicals, darunter die politische Satire Of Thee I Sing und das
als Militär-Parodie angelegte Strike Up the Band. Die zugehörigen Ouvertüren fanden später auch
Eingang ins Konzertrepertoire, ebenso diejenige zu Girl Crazy mit Kennmelodien wie I got Rhythm
und Embraceable You.
Gershwins vielleicht bekannteste Melodie ist eigentlich gar keine und stammt genaugenommen
nicht einmal von ihm: das Klarinetten-Glissando am Beginn der Rhapsody in Blue. Es wurde zum
musikalischen Symbol einer Epoche und des Lebensgefühls der Roaring Twenties in New York.
Obwohl nicht für den Broadway bestimmt, entstand diese ‚erste‘ Rhapsody unter vergleichbar hek-
tischen Produktionsbedingungen wie die Musicals der Zeit. Das zeigt sich in der Hinzuziehung des
Arrangeurs Ferde Grofé, der die Instrumentation der eigens für diesen Anlass um einige Streicher
erweiterten Bigband von Paul Whiteman anpasste, aber auch darin, dass Gershwin seinen Klavierpart
bei der Aufführung improvisierte; die entsprechenden Stellen in der Orchesterpartitur waren mit einem
bloßen „wait for nod“ („bis zum Nicken“) markiert. Auch Wayne Marshall nutzt einen gewissen
Spielraum der Improvisation, allerdings ohne gravierende Eingriffe in die Werksubstanz.
Die Jahrhundertidee, das Eingangssolo als Glissando über 17 Noten ausführen zu lassen, kam Gershwin
erst bei einer Probe mit dem Klarinettisten Ross Gorman, der dieses Kunststück fertigbrachte. Auch
der Name des Werks geht nicht auf den Komponisten allein zurück, sondern sein Bruder machte den
Vorschlag – inspiriert von James Whistlers Gemälden mit Titeln wie Nocturne in Black and Gold – es
Rhapsody in Blue zu nennen. Das Publikum reagierte begeistert auf das als „Experiment“ angekündigte
Konzert und verstand auf Anhieb, dass hier der Jazz zu einer einzigartigen Symbiose mit klassischer
sinfonischer Musik gefunden hatte. Nur einige professionelle Kritiker äußerten nach der Uraufführung
am 12. Februar 1924 in der New Yorker Aeolian Hall eher zurückhaltende Begeisterung. Aber was die
Rhapsody in Blue unter musik-akademischen Gesichtspunkten tatsächlich vermissen lässt – sogar
Leonard Bernstein, der das Stück liebte, sagte einmal, es habe mit „Komposition“ im strengen Sinne
nichts zu tun –, macht sie durch ihren bis heute unverbrauchten Drive bei weitem wieder wett.
© 2020 Johannes Jansen
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Wayne Marshall’s relationship with music began at the age of three, when he had already fa-
miliarised himself with the piano; he only began to take formal lessons a few years later. He was
a student at Chetham’s School of Music in Manchester from 1971 to 1979. He won a foundation
scholarship to the Royal College of Music in London, which was combined with the post of Organ
Scholar at St George’s Chapel, Windsor Castle, and he was a postgraduate student at the Hochschule
für Musik in Vienna from 1983-84.
Wayne’s musical forays led him to experiment in multiple genres, including church music and jazz, but
he quickly found his professional voice as an organ/piano recitalist. This was also the time in which Wayne
began to find his footing as a conductor, a path that would see him working with some of the world’s
most accomplished orchestras. He is thus a man with two gifts and one legacy.
He was the BBC Music Magazine’s Artist of the Year in 1998. In 2004, Wayne received an Honorary
Doctorate from Bournemouth University, and in 2010 became a Fellow of the Royal College of Music.
2016 he received the prestigious Golden Jubilee Award in commemoration of his services to music.
www.waynemarshall.com
Mit 3 Jahren versuchte sich Wayne Marshall bereits auf dem Klavier; ein paar Jahre später erhielt
er seinen ersten Unterricht. Von 1971 bis 1979 studierte er an der Chetham’s School of Music in
Manchester. Er erhielt von der Royal College of Music in London ein Stipendium, das mit der Position
eines Orgelstudenten an der St George’s Chapel im Schloss Windsor verbunden war; daraufhin war
er 1993/94 für ein Aufbaustudium an der Hochschule für Musik in Wien.
Mit seiner breiten Palette an Talente und Gaben setzte sich Wayne ausgiebig mit den verschiedensten
Genres einschließlich Kirchenmusik und Jazz auseinander. Bald aber fand er zu seiner eigentlichen
Leidenschaft als Organist und Pianist. Parallel spürte er immer mehr Interesse am Dirigieren, das
später zu vielen Gastspielen mit führenden Orchestern weltweit führte.
1998 kürte ihn das BBC Music Magazine zum Künstler des Jahres. 2004 wurde ihm die Ehrendoktor-
würde der Universität Bournemouth verliehen; 2010 wurde er Mitglied des Royal College of Music. 2016
erhielt er den ehrenvollen Golden Jubilee Award in Anerkennung seiner Verdienste für die Musik.
www.waynemarshall.com
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WAYNE MARSHALL Conductor & Piano WAYNE MARSHALL Dirigent & Klavier
The WDR Funkhausorchester is surprisingly different. It delights the audiences with a wide array of
genres, gems from musicals, operas and operetta, film music and unknown jewels from the classical
era, as well as current streams such as symphonic jazz and even Rap and Dubstep Crossover. “Serious
music” is just another color in the musical rainbow of the orchestra.
The WDR Funkhausorchester presents new ways of hearing orchestral concerts, with stories and
convincing concepts.
The orchestra loves to travel new and surprising musical roads – with innovative, imaginative concert
programs and a wide offering of educational projects expertly tailored for specific age groups. The
fine balance of exciting programs and relaxing evenings is a hit with its fans but also opens the door
for less experienced concertgoers.
The WDR Funkhausorchester performs together with international soloists and ensembles, but also
works with and within other artistic disciplines such as film, dance, pantomime, visual arts and
theater. Moderators, storytellers and comedians add a special note to the performances so that each
concert becomes a unique experience.
The WDR Funkhausorchester named for its spectacular, historic broadcasting center in the heart of
Cologne is one of the most listened-to German orchestras. With regular live broadcasts, radio series
and recordings it strives to accompany the audience throughout their day. The guiding principle:
Always worthwhile, Always close to our audience, There for Cologne, our region and the world.
Wayne Marshall, principal conductor and, by the way, an internationally known virtuoso organist
and pianist, fires up his orchestra and audiences alike with his ideas and his energy. Together with
his musicians he realizes his vision of a modern, self-confident pops orchestra each and every day.
(Translation by WDR)
Das WDR Funkhausorchester ist ein überraschend anderes Orchester. Mit großer Kunst von Musical,
Spieloper und Operette über Filmmusik und Nischen der klassischen Musik bis hin zu sinfonischem
Jazz will es das Publikum unterhalten. Die sogenannte „ernste Musik“ ist beim Orchester eine be-
reichernde Klangfarbe in einem vielseitigen Programm.
Das WDR Funkhausorchester eröffnet neue Perspektiven auf die Welt der orchestralen Musik. Seine
Konzerte erzählen Geschichten und überzeugen mit schlüssigen und lebendigen Konzepten.
Das WDR Funkhausorchester hat den Mut, neue, überraschende Wege einzuschlagen – mit innovativen,
fantasievollen Konzertprogrammen und einem reichen Angebot an passend auf die jeweilige Altersgruppe
zugeschnittenen Education-Projekten. Die fein ausbalancierte Mischung aus anregenden und ent-
spannenden Programmen punktet bei den Fans und bricht das Eis auch für konzertunerfahrene Hörer.
Das Orchester sieht sich klar als Teamplayer in der Welt der Musik. Es setzt auf Kooperation mit
internationalen Solisten und Ensembles, aber auch mit anderen künstlerischen Gewerken wie Film,
Pantomime, Bildender Kunst und Schauspiel. Sprecher und Comedians bereichern das Ensemble
und machen gemeinsam mit dem Funkhausorchester jedes Konzert zum einmaligen Erlebnis.
Das WDR Funkhausorchester ist eines der am meisten gehörten Orchester der Welt. Mit regelmäßigen
Liveübertragungen, Sendestrecken und Musikproduktionen ist es im Alltag des Publikums präsent.
Das ist ein Grundprinzip des Funkhausorchesters: Immer zuverlässig, immer nah am Publikum, für
Köln, NRW und die Welt.
Chefdirigent Wayne Marshall (bis 2020), auch ein virtuoser Organist, beflügelt Musiker und Publikum
mit seinen Ideen und seiner Energie. Seine Vision von einem modernen, selbstbewussten Unterhal-
tungsorchester setzen er und die Musiker täglich um – auf höchstem professionellen Niveau.
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THE WDR FUNKHAUSORCHESTER DAS WDR FUNKHAUSORCHESTER
42 6008553978 9 P 2015-2019 This compilation by Westdeutscher Rundfunk, Cologne/Germany g 2020 Avi-Service for music, Cologne/Germany · All rights reserved · LC 15080 · STEREO · GEMA · Made in Germany DDD · Design: www.BABELgum.de · Photos: g WDR/Detlev Overmann (Cover & Inlay); WDR/Langer (page 2) · www.waynemarshall.com · www.avi-music.de · www.wdr.de · Licensed by WDR mediagroup GmbH