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Indice

1. Motivazioni

2. L’America negli anni ‘60

3. Truman Capote, life and works

4. “Breakfast at Tiffany’s”, the novel . the plot . the characters . the themes

5. “Breakfast at Tiffany’s”, the film

6. La Pop Art . Jasper Johns

. Robert Rauschenberg . Claes Oldenburg . Roy Lichtenstein

7. Andy Warhol

8. La risposta italiana alla Pop Art

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1. Motivazioni Quando per la prima volta ho visto “Colazione da Tiffany”, ero una bambina, facevano questo film alla TV e mia mamma mi disse subito di guardarlo con lei. Io, che ero ancora troppo piccola, lo giudicai un film noioso, vecchio, che guardavano la mamma e la nonna e dunque non poteva sicuramente piacere a me. Dopo qualche anno, trovai lo stesso film a casa di mia nonna e non ricordando, di averlo già visto, lo portai a casa e lo guardai. Era il film più bello che avessi mai visto, e lei, Audrey Hepburn, era bellissima. Sembrava una principessa nella foto della locandina ed è da lì che è partita la mia idea di tesina. Il motivo per cui ho deciso di creare un percorso tutto nuovo e di approfondire un argomento che non rientra nei programmi scolastici è nato proprio da quel personaggio di Truman Capote che poi è diventato un simbolo per tutte le donne, di bellezza, di raffinatezza e di classe intramontabile. Questo percorso che parte da Truman Capote, scrittore tanto criticato quanto acclamato negli anni ’50 e ’60 in America, per arrivare ad Andy Warhol, artista punto di riferimento per la Pop Art; vuole aprire una finestra non tanto su un preciso periodo storico, ma invece su uno stile di vita che tutt’oggi affascina, ovvero, quel mondo fatto di luci, feste e champagne che girava attorno ai grandi personaggi del cinema, a scrittori e politici; il Jet Set americano. Giorgia Vettore

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2. Gli anni ’60 in America Sulla scena internazionale, gli anni ‘60 furono dominati da una consolidata coesistenza tra gli USA e l’Unione Sovietica, la quale generò il cosiddetto “equilibrio del terrore”: tale condizione si fondava infatti sulla consapevolezza, da una parte e dall’altra, di non poter prevalere sull’avversario, senza mettere a repentaglio la propria sopravvivenza e quella dell’umanità, e sul conseguente equilibrio degli armamenti nucleari. Numerosi si rivelano gli eventi importanti che caratterizzarono questo decennio, dalle vicende dei Kennedy alla guerra del Vietnam, alle rivolte giovanili e operaie del ‘68. Infatti, nel novembre del ‘60 salì alla presidenza degli USA John Fitzgerald Kennedy (democratico), il quale proveniva da una ricca famiglia cattolica di origine irlandese e divenne a soli 44 anni il più giovane presidente americano. Appoggiato da gran consenso e da gruppi di intellettuali, Kennedy cercò di continuare la politica progressista di Wilson e Roosevelt. Tante furono, per quanto riguarda la politica interna, le riforme applicate da Kennedy per aumentare la spesa pubblica, soprattutto per ciò che riguardava le esplorazioni spaziali, i programmi sociali e i tentativi di integrazione razziale. La politica estera, invece, fu caratterizzata da una linea oscillante tra quella pacifista, propensa alla distensione con l’est, ed una che salvaguardava gli interessi degli USA. Nel giugno del ‘61, a Vienna, ci fu il primo incontro tra Kennedy e Kruscev, che non ebbe tuttavia gli esiti sperati; infatti, gli USA riconfermarono il loro appoggio a Berlino Ovest e i sovietici in risposta alzarono un muro (il famoso muro di Berlino) per evitare fughe (all’epoca molto diffuse dall’una all’altra parte). Ma, in questo periodo, il momento più drammatico si ebbe in America Latina, quando Kennedy tentò di reprimere il regime socialista di Cuba, appoggiando vari gruppi di esuli emigrati anti-castristi; questo tentativo si attuò in un’azione militare nel ‘61, che era già stata ideata durante la presidenza repubblicana di Eisenhower, presso la “Baia dei Porci”. Il tentativo si risolse in un fallimento perché i guerriglieri di Castro erano più esperti nel combattimento in quelle zone dato che vi avevano già combattuto negli anni della rivoluzione cubana del 1959 e anche perché Kennedy confidava nell’adesione della popolazione al rovesciamento di Castro, cosa che non avvenne; al contrario la sua posizione si rinsaldò, provocando un ulteriore avvicinamento dell’isola all’URSS. Di fatto gli USA si trovarono ai confini un paese di modello socialista. L’Unione Sovietica reagì installando, nella stessa Cuba, delle basi di lancio per missili

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nucleari. Quando le basi furono scoperte dagli americani, fu immediatamente ordinato un blocco navale intorno Cuba, in modo da evitare che navi sovietiche raggiungessero l’isola. Per pochi giorni la situazione si fece molto tesa, fino a quando Kruscev cedette, acconsentendo allo smantellamento delle basi missilistiche, a patto che gli USA si astenessero da azioni militari contro Cuba. Questa vicenda contribuì a creare una fase di distensione, tanto che nel 1963 USA e URSS firmarono un trattato “Limited Test Ban Treaty” che sanciva la messa al bando degli esperimenti nucleari nell’atmosfera. In questi anni, dunque, si accentuò il tono pacifista, e l’antagonismo tra USA e URSS divenne sempre più una competizione economica tra i due paesi. Tuttavia, nonostante la sfida lanciata da Kruscev verso i paesi capitalistici, il leader sovietico venne smentito dall’andamento negativo dell’economia del suo paese e fu costretto alle dimissioni. Poco tempo dopo, scomparve anche l’altro importante protagonista di quegli anni, Kennedy, il quale fu assassinato a Dallas in Texas, da mandanti politici ancora oggi sconosciuti; stessa sorte toccò al fratello Robert Kennedy, durante la campagna elettorale per la Casa Bianca. Il successore di Kennedy fu Lynday Johnson (democratico), che, accanto allo sviluppo di molti progetti di legislazione sociale, diede il via alla missione in Vietnam. La vicenda, che si protrasse per oltre 10 anni, tra il 1964-1975, rappresenta il momento di scontro più acuto tra Usa e mondo comunista, allora scisso tra Cina e URSS, ma comunque unito, per quanto riguarda i sostegni bellici ed economici verso le forze anti- imperialiste . L’obbiettivo di Johnson era di difendere gli interessi americani del sudest asiatico e la sicurezza del pacifico era essenziale per gli interessi americani; questo comportò l’intervento militare degli stati uniti contro il Vietnam del nord, sostenuto da aiuti militari sovietici e dalla Cina. Nel 1964 un incidente nel golfo di Tonchino, diede l’opportunità per un aumento del corpo di spedizione americano e nel 1965 l’aviazione americana iniziò a bombardare il Vietnam del nord. Furono impiegate tutte le armi più moderne, comprese bombe al Napalm, defoliante con cui gli americani distrussero intere foreste allo scopo di eliminare i guerriglieri nascosti nella vegetazione. L’opinione pubblica di tutto il mondo, per la prima volta, poté seguire gli effetti devastanti di questo intervento e l’immagine degli Stati Uniti come liberatori dell’occidente, nella seconda guerra mondiale, mutò a tal punto che si moltiplicarono sia in America che in Europa le manifestazioni di protesta contro questa inutile guerra. Nel 1968 i Vietcong, guerriglieri vietnamiti, assalirono le basi americane del Vietnam del sud e la capitale di Saigon. Il presidente Johnson ordinò nel marzo del 1968 di cessare i bombardamenti. La

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guerra si concluse durante la presidenza Nixon (repubblicano) nell’aprile del 1975 con la caduta di Saigon e il ritiro delle truppe americane. Il 2 luglio 1976 il Vietnam veniva riunificato con capitale Hanoi.

Nikita Kruscev e John F. Kennedy

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3. Truman Capote Life and Works

Truman Capote was born in New Orleans, Louisiana in 1924.When he was four, his parents divorced. Capote was often seen at age five carrying his dictionary and notepad, and he claimed to have written a book when he was nine years old. In 1933, at age nine, he moved to New York City to live with his mother and her second husband. When he was 11, he began writing seriously in daily three-hour sessions and he said: “I began writing really seriously when I was about eleven. I say seriously in the sense that like other kids go home and practice the violin or the piano or whatever, I used to go home from school every day and I would write for about three hours. I was obsessed by it." When he was 17, Capote ended his education and began to work for the New Yorker, a famous magazine; years later he wrote, "Not a very good job, for all it really involved was sorting cartoons and clipping newspapers. Still, I was fortunate to have it, especially since I was determined never to set a studious foot inside a college classroom. I felt that either one was or wasn't a writer, and no combination of professors could influence the outcome. I still think I was correct, at least in my own case." Between 1943 and 1946, Capote wrote a continual flow of short fiction, including "A Mink of One's Own," "Miriam," "My Side of the Matter," "Preacher's Legend," "Shut a Final Door" and "The Walls Are Cold." These stories were published in both literary quarterlies and well-known magazines, including The Atlantic Monthly, Harper's Bazaar, Harper's Magazine, Mademoiselle, and The New Yorker. Interviewed in 1957 for the The Paris Review, Capote was asked about his short-story technique, and he answered:”Since each story presents its own technical problems, obviously one can't generalize about them on a two-times-two-equals-four basis. Finding the right form for your story is simply to realize the most natural way of telling the story. The test of whether or not a writer has defined the natural shape of his story is just this: After reading it, can you imagine it differently, or does it silence your imagination and seem to you absolute and final. As an orange is final. As an orange is something nature has made just right.” In 1943 Capote wrote his first novel, Summer Crossing, about the summer romance of Fifth Avenue socialite Grady O'Neil with a parking lot attendant. Capote later claimed to have destroyed it, and it was regarded as a lost work. However, it was stolen in 1966, resurfaced in 2004 and was published in 2005. In 1945 Capote began Other Voices, Other Rooms, which is

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the story of 13-year-old Joel Knox following the loss of his mother. Joel is sent from New Orleans to live with his father who abandoned him at the time of his birth. "I am me," he whoops, "I am Joel; we are the same people." So, in a sense, Truman made peace with his own identity. With the short fiction “Miriam” published on the “Harper’s Bazaar” Capote became quite famous and he began to frequent the New York’s club where he was identified as the intellectual dandy and he became friend with many famous people like Jackie Kennedy, Humphrey Bogart, Ronald Reagan, Tennessee Williams and Andy Warhol, who often talked about his pictures and his works; and he wrote many fan letters to Capote. The "new book," In Cold Blood: A True Account of a Multiple Murder and Its Consequences”, was inspired by a 300-word article that ran on the New York Times on Monday, November 16, 1959. The story described the unexplained murder of the Clutter family in , Kansas. In Cold Blood was serialized in The New Yorker in 1965 and published in hardcover by Random House in 1966. The "non-fiction novel," as Capote labeled it, brought him literary acclaim and became an international bestseller. “Answered Prayers”, the unfinished Novel, the book, which had been in the planning stages since 1958, was intended to be the American equivalent of Marcel Proust's “Remembrance of Things Past” and a culmination of the "nonfiction novel" format, it was published in 1975. In the late 1970s, Capote was in and out of rehab clinics. In 1978 talk show host Stanley Siegal did a live on-air interview with Capote, who, in an extraordinarily intoxicated state, confessed that he might kill himself. After the revocation of his driver's license and a hallucinatory seizure in 1980 that required hospitalization, Capote became reclusive. These hallucinations continued unabated and scans revealed that his brain mass had perceptibly shrunk. On the rare occasions when he was lucid, he continued to hype “Answered Prayers”. On a few occasions, he was still able to write. In 1982, a new short story, "One Christmas", appeared in the December issue of Ladies Home Journal and the following year it became, like its predecessors "A Christmas Memory" and "The Thanksgiving Visitor”.

In 1983 he appeared in Playboy magazine. Capote died in Los Angeles on August 25, 1984, at the age of 59; according to the coroner's report the cause of death was "liver disease complicated by phlebitis intoxication."and multiple drug

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Truman Capote nel suo salotto.

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Truman Capote. Andy Warhol e Truman Capote.

4. “Breakfast at Tiffany’s” – the novel Published in 1958, the heroine, Holly Golightly, became one of Capote's best-known creations; for Capote, Breakfast at Tiffany's was a turning point and in an interview he said: ”I think I've had two careers; one was the career of precocity, the young person who published a series of books that were really quite remarkable. I can even read them now and evaluate them favorably, as though they were the work of a stranger... My second career began , I guess it really began with Breakfast at Tiffany's. It involves a different point of view, a different prose style to some degree. Actually, the prose style is an evolvement from one to the other—a pruning and thinning-out to a more subdued, clearer prose. I don't find it as evocative, in many respects, as the other, or even as original, but it is more difficult to do. But I'm nowhere near reaching what I want to do, where I want to go. Presumably this new book is as close as I'm going to get, at least strategically.”

“ She’ s weird, pleasant, touching and real.” The Atlantic.

“The most exciting pussy cat that Truman Capote’s typewriter has ever written. She’s a mixture between a “Lolita” and a young “ Auntie Mame”, lonely, naive and scared.” The Times.

Capote later in life said that Holly Golightly was his favorite character. In an early version of the book he gave her the inappropriate name of Connie Gustafson, but later he gave her the more symbolic name Holly Golightly: because she is a woman who makes a holiday of life, but treads through it lightly; in fact the name Holly Golightly in an acronym of “ Holiday go lightly”.

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Set in Manhattan's Upper East Side during the final years of World War II, it documents the story of a young girl, Holly Golightly and her neighbour. The simple, linear narrative of “Breakfast at Tiffany's” provided Capote with the perfect vehicle to refine his characteristically minimal, naturalistic prose style, marking the novel as a transition phase between the author's more elaborate earlier writings and the documentary-style realism of his next major work, the masterpiece “In Cold Blood”. The title “Breakfast at Tiffany's “is drawn from an anecdote about an ignorant who, upon being asked which glamorous New York restaurant he would like to visit, answered, "Well, let's have breakfast at Tiffany's".

The story tells the life of Holly Golightly, a young woman transplanted to Manhattan with an unknown past. She is trying to find her place in the world when she meets her neighbour, an unemployed writer who’s also the narrator of the story. The first real encounter between Holly and “Fred” comes in the middle of the night, as she is trying to escape a violent, drunk man, and climbs the fire escape outside her bathroom window, into the narrator's apartment above; at this first meeting, Holly names the narrator "Fred" (his real name is never revealed) as her brother. This establishes her relationship with the narrator as close but fraternal rather than romantic. It is revealed that Holly and her brother Fred were runaway orphans, when, Doc Golightly, a vet who lived in Texas, asks the 14-year-old "Lulamae Barnes" to be his wife, and she apparently agreed. Seeking more from life, perhaps influenced by the magazines she used to receive, Lulamae ran away from this life to Hollywood, where she starts a film career but before her film career has even begun Holly leaves Hollywood for New York City.

In New York, the 19-years old Holly's "occupation" consists of socializing with wealthy and famous men because she is looking for a wealthy man to marry. She begins dating a Brazilian politician (Jose), a kind man, who does not quite know what to make of Holly.

Holly resigns herself to the fact that she will marry the politician, Jose, whose baby she is carrying, and she will move with him to Brazil, so she invites the narrator for a horseback ride in Central Park in order to say "goodbye," but during their ride, the narrator's horse bolts and Holly chases after. As a result of the accident, Holly loses the baby.

Holly's source of income is the $100 a week she receives to visit the mobster Sally Tomato, in prison delivering coded messages which Holly later naively claims she was not aware were such. For this reason she goes to jail and this destroyed her chances of moving to Brazil with Jose. On a rainy afternoon she

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packs up her things, abandons her cat in Spanish Harlem (the only living being she painfully admits belongs to her and she to it) and leaves the country. What happens to Holly remains a mystery.

The title of the novel is drawn from Holly's affection for the jewelry store Tiffany's, where she believes nothing bad could ever happen.

The Characters:

"Narrator": The reader is never informed of the name of the narrator and protagonist, whom Holly simple refers to as "Fred", because he looks like her brother.

“Joe Bell”: The owner of a bar located around the corner from the apartment building in which the narrator and Holly Golightly lived.

“I.Y. Yunioshi”: Another tenant in the brownstone apartment building in which the narrator and Holly live. A photographer for a popular picture magazine, Yunioshi is attracted to Holly. "Cat": Holly's pet, a striped orange tom cat she picked up at the river whom she refuses to give a name. On the day of her escape from New York, Holly drops him off on the corner of a Spanish Harlem street, which she later regrets. The narrator promises to search for "cat" after she has left, and later finds him behind the window of house in Spanish Harlem. “Fred Barnes”: Holly's beloved brother, who does not appear in the narrative action. Holly describes him as "sweet", "vague", "slow", and over six feet tall, a height she attributes to his affection for peanut butter. Holly calls the narrator "Fred", as he reminds her of her brother. A soldier in the U.S. military, Fred is killed in overseas action, a tragedy that causes Holly great grief. After he dies, Holly never mentions her brother again, and stops calling the narrator "Fred". “Jose Yberra-Jaegar”: An important Brazilian politician who aspires to the presidency of his country. He is cultured, well-dressed and attractive. Holly admits that Jose is not her ideal lover, but is happy to be having her first "non-rat romance". He appears to love Holly, but remains protective of his high social and political status. "Sally Tomato”: A major figure in the New York mafia incarcerated in Sing Sing prison on racketeering charges, and with whom Holly gets involved in a major drug scandal.

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Themes: Stability vs. Freedom The psychological struggle between the need for stability and the desire for freedom is perhaps the central concern of Breakfast at Tiffany's. The conflict structures the relationship between the narrator and Holly, who are opposing forces. While the narrator is happy to have his first home, Holly is consumed by her need to constantly escape from places, people and things. Even Holly's identity is in a constant state of flux. Holly assumes the name "Holiday Golightly", which imply her strategy of avoiding stability by making a holiday out of life, and abandoning relationships and responsibilities when they threaten to compromise her freedom. For Holly, the distinction between stability and freedom is articulated by two of the novel's major symbols; animals (including Holly's cat) and Tiffany's (in which Holly feels properly "at home"). Holly despises the caging of animals, and refuses to name her cat. As a "wild thing", she feels he doesn't "belong" to her. Her fantasy that one day she will have, "breakfast at Tiffany's," an absurdity since Tiffany's does not serve food, indicates her choice to avoid stability by casting it in the unattainable ideals of fantasy. By casting the two main characters on opposite sides of the stability/freedom divide, Capote suggests that each one has something to learn from the other. The influence of the two friends is demonstrated by their Christmas gift exchange, in which Holly gives the narrator a bird cage and the narrator gives her a medal of St. Christopher. Each gift illustrates a median between stability and freedom: Holly's gift is a cage, but it will never imprison a bird, and the narrator's gift is a medal of the patron saint of travel, but it comes from Tiffany's, Holly's personal symbol of home. By the conclusion of Breakfast at Tiffany's, it is clear that this influence has, at least in part, been realized: Holly confesses her sense of "belonging" with her cat, and the narrator reveals that, since the conclusion of their friendship, he has enjoyed lengthy trips around the world. The narrator feels a constant outsider, his nose pressed against a glass, and Holly is convinced that she is a "wild thing", unsuited to a proper place in society. Thus, Holly and the narrator are similar because; for both of them, "home" has become a charged object of fantasy and longing. Naming as Identification Throughout Breakfast at Tiffany's, the act of naming is invested with special significance. The novel is populated with characters whose names or nicknames suggest their personality. The meaning of names in Breakfast at Tiffany's draws a parallel between naming and personal identity that provides the reader with particular insight into the

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novel's main two characters. For example, the narrator's name is never revealed to the reader and Holly, also a mysterious character, changes her name to prevent others from knowing about her origins. Moreover, she refuses to name her cat, as she feels he doesn't properly "belong" to her. This statement indicates how, within the world of the novel, proper names symbolize both personal and public identity. Like the cat, the narrator's unnamed status in the novel suggests that he doesn't "belong" to any person or thing. However, unlike the cat, the narrator willingly doesn’t tell his name to protect his personal identity. Holly's use of a pseudonym and her reluctance to confer a name on her cat are thus symptoms of her general rejection of stability. She refuses to take or give a fixed identity until she feels at home in the world. The Diversity of Love At the heart of Breakfast at Tiffany's is an exploration of the diverse kinds of love that define, enrich, and at times destroy adult relationships. In contrast to dominant social and literary representations of love, Capote's novel explores the validity and power of asexual relationships, often describing such arrangements more friendly than romantic . What makes this distinction particularly interesting is that Capote suggests non-romantic relationships are not superior because they lack sex, but because they are not based on need or desire. Breakfast at Tiffany's collocates love and desire, drawing a sharp contrast between Holly's relationships governed by desire, and her relationships free from it. Her arrangements with Rusty Trawler, Jose, Mag, and Berman appear quite different, but all are based on need. Jose desires Holly sexually, Rusty needs Holly to fulfill his quasi-sexual infantile complex, Mag desires to share Holly's social contacts and apartment, and Berman seeks to profit from Holly's potential as an actress. Conversely, Holly desires what these people can offer her in return, money, professional contacts, or merely help around her apartment. While such relationships appear solid, all crumble, more or less, when Holly is incarcerated and no longer able to fulfill her companions' desires. In contrast to Rusty, Jose, Mag, and Berman, the narrator and Joe Bell, both implied homosexuals, do not desire Holly sexually. Moreover, both are poor and unconnected to the New York elite. Consequently, Holly has nothing to gain from her association with them. Their friendships are based on sincere mutual affection, which Capote suggests is stronger than sexual or social desire. Accordingly, Joe and the narrator are Holly's only two friends to offer her unqualified support during her arrest, and even help her escape,

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endangering their own reputations and safety. Demonstrating the sincerity of the bond between a straight woman and two gay men, Breakfast at Tiffany's implicitly questions the narrow definition of love as heterosexual romance that is as dominant now as it was in 1950s America. Nature vs. Culture Through the character of Holly Golightly, Breakfast at Tiffany's explores one of the major themes of Western literature. The opposition of nature and culture. Holly identifies herself with nature - wild, untamed, and unknowable - over the structured, convention-bound world of human culture. Animals, both wild and domestic, symbolize Holly's rejection of social convention. As the child bride of Doc Golightly, her freedom from marriage is paralleled by her releasing her tamed pet crow. As a New York socialite, her self-sufficiency is embodied in her unnamed cat, a stray who Holly calls "an independent". The cage, a symbol of the human imprisonment of nature, remains an object of anxiety for Holly throughout the novel, and she refuses to even look at animals in the zoo. While Holly considers herself a "wild thing", inherently unsuited to the rules that govern human culture, it appears that this is, at least in part, a facade. Holly is more than willing to be domesticated when she is offered the right price, and settles down more or less happily with the wealthy Jose. Her reliance on fine things and entertainment, and her worship of Tiffany's, a near-universal symbol of New York capitalist excess, indicates that Holly's appetites are not those of an animal, but a woman remarkably invested in the products of American culture. This ambivalence is suggested by another recurring animal motif: horses. The horse is a long-established figure for human control over nature and animal instinct; for Holly, horses appear to represent her control over men. Her first boyfriend after running away from Doc is a horse jockey, she keeps volumes of books about horses on her bookshelf as "research" for her involvements with male suitors, and she fantasizes about running off to Mexico, where she plans to train horses with her brother Fred. She marks the end of her friendship with the narrator with a horseback ride, in which she demonstrates her skill as a rider. In each case, Holly has emotional or sexual control over the male character in the episode. While Holly associates herself with nature and the "wild things", the novel presents Holly in a more complex relationship with the natural world. In her relationships with men, she acts the part of both wild animal and trainer, achieving emotional and sexual control over her male admirers while evading responsibility and commitment.

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Art as Commodity Breakfast at Tiffany's is deeply concerned with the purpose of art and its shifting position in mid-century consumer culture. Holly is the novel's major symbol for art. Her character is entirely self-constructed. Even her signature appearance is, as the narrator discovers, the result of deliberate artifice. Her hair is dyed and conceals her eyesight with stylish dark glasses. Aside from concealing her true identity, Holly's self-fashioning implies that she sees herself an artificial object, an art work of her own creation. It is this artificial persona that the wealthy men in Holly's life pay for, establishing Holly not only as an art object, but as one that is sold as a commodity in the sexual marketplace. Holly's willingness to sell her body and her image extends to her attitude towards art in general. She is particularly baffled by the narrator's reluctance to write primarily for profit. In the narrator's aesthetic ideology, art is a profound expression of personal and social truths and is thus unsuited to the often crass tastes of mass culture. Altering his writing to suit the demands of the masses would compromise the narrator's artistic integrity, something he is unwilling to do. Holly and the narrator are both artists of sorts; their difference lies in their distinct attitudes towards art's position on the popular market. Indeed, the characters' major dispute centres on the question of whether or not art is a commodity. As with other differences between Holly and the narrator, the characters' attitudes towards art appear, by the end of the novel, to be less distinct. The narrator begins selling his fiction successfully. Holly, now symbolized by the African carving of her head, comes to represent a less commodified definition of art: the carver refuses to sell the carving to Yunioshi, even when he is offered a large amount of much needed goods and money. The carving is a personal expression of the artist's affection for Holly. Despite a lifetime of selling herself to the highest bidder, Holly's final image is not for sale. Information and storytelling Breakfast at Tiffany's is less a story about Holly Golightly and more a novel about telling stories about Holly. Capote articulates this focus on both structural and thematic levels. Holly is introduced to the reader through four layered narratives: the African's story, which he tells to Yunioshi, Yunioshi's story, which he tells to Joe Bell, Joe's story, which he tells to the narrator, and the narrator's story, which he relates to the reader. The introduction

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foreshadows the emphasis on storytelling and information maintained throughout the novel. Throughout Breakfast at Tiffany's, the narrator's information about Holly comes from three sources: his observations of Holly, the stories she tells him, and the stories that others tell him about her. Berman, Doc, and Jose all have different investments in Holly, and their stories function to communicate their own attitudes towards Holly rather than identify truth. The lengthy quotes from newspaper reports on Holly's arrest, which contain numerous exaggerations and errors, cast a similarly skeptical light on the seemingly objective information in the press. Perhaps, the novel suggests, there is no such thing as pure objectivity, and even information is a form of story-telling subject to distortion and personal bias. In contrast to such narratives, the narrator writes stories that are largely descriptive: "not the kinds of stories you can tell" as Capote himself said. Aware that stories are inherently subjective, revealing more about the teller than the object of the tale, the intensely private narrator refrains from the kind of storytelling that the other characters appear to indulge in regularly. However, the narrative of Breakfast at Tiffany's is presented as the narrator's written recollections of his friendship with Holly. In light of the critical treatment of narrative throughout the novel, the reader is implicitly encouraged to treat the narrator's own words with similar skepticism. Rather, the reader is compelled to read Breakfast at Tiffany's not as a story about Holly, but as a story about the narrator and his investment in their friendship; for example at the beginning the narrator starts telling Holly’s story throughout his life . Rebirth Many of the important events in Breakfast at Tiffany's occur on or around Christmas Day. The discovery of the African carving that resembles Holly and provokes the narrator to relate his story occurs on Christmas Day, 1956. On Christmas Eve, 1943, Holly and the narrator exchange gifts that confirm the strength of their friendship and symbolically articulate each character's desire for both stability and freedom - he gives her a St. Christopher's medal, and she gives him a birdcage. Finally, Sally Tomato dies in Sing Sing on Christmas Day, 1944, thus releasing Holly from her last pressing ties to New York City. The motif of Christmas appears to be most linked to Holly, as her two pseudonyms - Holiday and Holly - are references to the "holy day" and the traditional plant of Christmas, respectively. Within the Christian tradition, Christmas is a symbol of rebirth, as the birth of the Messiah enabled His

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followers to be "born again" through His teachings and the ritual of baptism. Moreover, Christmas heralds the beginning of the Western New Year, a time which many feel holds the possibility of new beginnings. Holly's narrative presents her as "re-born" into different characters and attitudes at several key points that correspond to Christmas. The gift exchange (1943) confirms her presence in the narrator's life, Sally's death (1944) severs her connection to New York and thus the narrator, and the discovery of the carving (1956) marks Holly's final transformation into an art object that inspires the narrator's own art: the written narrative that is Breakfast at Tiffany's.

5. “Breakfast at Tiffany’s” – the film

“Breakfast at Tiffany’s” was released by Paramount Pictures in 1961 starring Audrey Hepburn and George Peppard, featuring Mickey Rooney as Mr. Yunioshi. It is more popular than the novel it was adapted from; while the film closely follows much of the original dialogue, it does depart from the novel in several crucial ways. Most of the major changes to the novel's plot and characters were consequences of the shift to a typical Hollywood love story. In the novel, the narrator is a private, conscientious homosexual with an unrevealed name. In the movie, this character was transformed into "Paul Varjak", a man who is love with Holly. The film introduced the character "Tooley" as Paul's benefactor, and omitted most of the novella's references to Holly's sexual promiscuity and prostitution. The film preserves Capote's depiction of semi-prostitution, but shifts the activity from Holly to the male protagonist, in keeping with dominant double standards that accepted male promiscuity and condemned openly sexual women. According to Capote's provocative exploration of sexual difference, this is absent from the film version of "Breakfast at Tiffany's". The discussions of lesbianism, homosexuality and gender that made the novel so innovative were omitted from the screenplay, and the two main characters are portrayed according to the dominant gender stereotypes of the early sixties. The film preserves all of Holly's signature stylistic quirks except her short, "boyish" haircut, which in the novel signified her rejection of the current feminine ideal. Most strikingly, the film revises Capote's ambiguous conclusion in favor of a romantic happy ending between Paul and Holly that conforms to the formula of mainstream Hollywood cinema.

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In a letter to his aunt, Capote admitted that he had originally picked Marilyn Monroe to play the part of Holly because he truly adored Marilyn and on one of his best biographical pieces “The Dogs Bark “, is written about her.

Truman Capote

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Capote and Marilyn shared a similar background; they both grew up from desolate childhoods and both had trouble throughout their careers dealing with their fame through drugs and alcohol and although Capote lived longer than Marilyn, they both had a similar end; but for the producer, Audrey Hepburn may have been more aesthetically appropieted, in fact Hepburn's character as Holly Golightly is considered among her best performances, and gained her an Academy Award nomination for Best Actress. Hepburn's costumes, designed by legendary designers Edith Head and Givenchy, had an immediate and profound influence on both 1960s couture style and popular

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women's fashion. To this day, "Breakfast at Tiffany's" is singled out as one of the greatest achievements in costume design, and Hepburn's image as Holly Golightly remains synonymous with elegant, minimalist style; as Audrey Hepburn said in an interview after the film Breakfast at Tiffany’s in 1961: "I was nothing like her, but I felt I could 'act' Holly. I knew the part would be a challenge, but I wanted it anyway. I always wonder if I risked enough on that one. I should have been a little more outrageous. But at the time, as a new mother, I was about as wild as I could be. If only I were a Method player, huh? But the fact is, I didn't really believe in The Method. I believed in good casting. And I'm still not sure about Holly and me..."

Audrey Hepburn.

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6. La Pop Art

Il termine Pop, contrazione di “Popular Art”, fu coniato da artisti, critici e intellettuali inglesi come Richard Hamilton e Lawrence Alloway, negli anni seguenti alla seconda guerra mondiale, per fare riferimento a un’arte che è espressione della cultura popolare, la quale scaturisce dalla tradizione dalla società e dall’immaginario collettivo. La Pop Art nasce in Inghilterra nel ‘56 con la mostra “This is Tomorrow” allestita in una galleria a Londra, per poi svilupparsi soprattutto negli Stati Uniti d’America a partire dagli anni ’60, riprendendo con sfumature diverse il colorato e attraente linguaggio dei mass media. Questa nuova forma d’arte popolare, è in netta contrapposizione con l’eccessivo intellettualismo dell’Espressionismo astratto e rivolge la propria attenzione agli oggetti, ai miti e ai linguaggi della società dei consumi. L’appellativo "popolare" deve essere inteso però non come arte del popolo o per il popolo ma, più puntualmente, come arte di massa, cioè prodotta in serie; e poiché la massa non ha volto, l’arte che la esprime deve essere il più possibile anonima, solo così potrà essere compresa e accettata dal maggior numero possibile di individui. Anche se è stata chiamata popolare, questa manifestazione artistica non è certo stata capita dal popolo, che l'ha considerata con la stessa intolleranza riservata ad altri movimenti dell'arte contemporanea. In un mondo dominato dal consumo, la Pop art respinge l'espressione dell'interiorità e dell'istintività e guarda, invece, al mondo esterno, al complesso di stimoli visivi che circondano l'uomo contemporaneo: il cosiddetto "folclore urbano".

La Pop Art usa il medesimo linguaggio della pubblicità e risulta dunque perfettamente omogenea alla società dei consumi che l’ha prodotta; infatti, prende a modello oggetti spesso banali, ma di uso quotidiano nella società dei consumi. I soggetti rappresentati sono spesso semplici beni di consumo come le scatole di zuppa, immagini dei cartelloni pubblicitari, insegne, foto di giornali oppure ritratti delle stelle del cinema, di personaggi politici e della televisione. L’oggetto viene quindi estraniato dal proprio contesto per meglio evidenziare la sua esistenza, concentrando su di essa la nostra attenzione; per realizzarli vengono utilizzate tecniche di produzione già in uso nelle industrie, come la stampa serigrafica.

A prima vista la Pop Art non sembra distinguersi dalla pubblicità, l'una e l'altra sottopongono i prodotti commerciali e industriali, in lizza sul mercato,

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in modo ostentato e ossessivo. La Pop Art, senza evadere dalla civiltà dei consumi, rovescia il senso del messaggio pubblicitario. Mentre la pubblicità, con la sua strategia di persuasione addormenta la nostra mente e la nostra volontà, le opere ironiche e divertenti Pop svegliano la nostra mente suggerendo nuove possibilità estetiche. La Pop Art documenta quindi in maniera precisa la cultura popolare americana, trasformando in icone le immagini più note o simboliche tra quelle proposte dai mass-media

Questo movimento, non unitario, affonda le sue radici nella cultura capitalista, dettato dal progresso tecnologico della società industriale occidentale. Fra gli iniziatori della Pop Art si collocano Jasper Johns e Robert Rauschenberg, ma I più autentici rappresentanti della Pop Art Americana sono Warhol, Lichtestein e Oldenburg. La loro iconografia è caratterizzata dalla spersonalizzazione, dall'anonimato, dalla standardizzazione dei soggetti

Nelle mani di un artista pop le immagini della strada si trasformano nelle immagini "ben fatte" dell'arte colta.

Ciò che fa la Pop Art è quindi una cinica e ironica presa d'atto dell'omologazione e dell'appiattimento della società moderna.

È infatti un'arte aperta alle forme più popolari di comunicazione: i fumetti, la pubblicità, i quadri riprodotti in serie. Il fatto di voler mettere sulla tela o in scultura oggetti quotidiani elevandoli a manifestazione artistica si può idealmente collegare al movimento svizzero Dada, ma completamente spogliato da quella carica dissacratoria o di denuncia. La critica alla società dei consumi, degli hamburger, delle auto, dei fumetti si trasforma presto in merce, in oggetto che si pone sul mercato “dell'arte” completamente calato nella logica mercantile. Ciò nonostante gli artisti che hanno fatto parte di questo movimento hanno avuto un ruolo rivoluzionario introducendo nella loro produzione l'uso di strumenti e mezzi non tradizionali della pittura, come il collage, la fotografia, il cinema, il video. La sfrontata mercificazione dell’uomo moderno, l’ossessivo martellamento pubblicitario, il consumismo eletto a sistema di vita, il fumetto quale unico, residuo veicolo di comunicazione scritta, sono i fenomeni dai quali gli artisti pop attingono le loro motivazioni. Il più grosso pregio della Pop Art rimane invece quello di documentare, senza paura di sporcarsi le mani con la cultura popolare, i cambiamenti di valori indotti nella società del consumismo; cambiamenti che consistono in una preferenza per valori legati al consumo di beni naturali e alla proiezione degli ideali comuni sui valori dell'immagine, intesa in questo caso soprattutto come apparenza. E di ciò sono testimonianza i nuovi miti o idoli in cui le masse popolari tendono a identificarsi. Miti ovviamente creati dalla pubblicità e dai

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mass-media che proiettano sulle masse sempre più bisogni indotti, e non primari, per trasformarli in consumatori sempre più avidi di beni materiali.

Jasper Johns (Augusta, Georgia, 1930) rifiutò di essere definito pop e in effetti, mantenne sempre il senso compositivo e pittorico, per cui può essere considerato un artista di passaggio fra l’informale e una sorta di neorealismo in cui si esprime il rapporto diretto uomo-società dei consumi.

La bandiera di Johns non sventola gloriosamente attaccata a un pennone o portata da un soldato vittorioso, ma è distesa come se fosse attaccata ad un muro. Johns non ha rappresentato la bandiera, ma ci ha offerto una bandiera, senza cercare di spacciarla per vera. Robert Rauschenberg ( Port Arthur, Texas, 1925-2008 ) non si limita a riprodurre gli oggetti, ma talvolta, li introduce direttamente nel quadro. Ciò non significa una semplice assunzione dell’oggetto a opera d’arte, perché esso viene combinato con gli altri oggetti e parti dipinte dall’autore secondo un criterio soggettivo. Per Rauschenberg questo vuol dire essere attuali, senza voler vivere nel futuro né ripetere il passato, che però ci insegna che al di là del tema tradizionale il pittore ha sempre rappresentato la vita in tutti i suoi aspetti.

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L'opera più famosa dell'artista è "Tempo 3":

Un pezzo di legno, un orologio, una catenella, una camicia appoggiata sulla tela: questi sono gli oggetti reali che l'artista ha incorporato nella sua opera assieme al colore. Il colore, sentito più come materia che come forma, diventa una pasta nella quale immergere alcuni frammenti della realtà. Tempo 3, titolo dell'opera, vuole rappresentare tempo antico, tempo moderno, tempo contemporaneo. Rauschenberg, artista contemporaneo, è ossessionato dal presente. In una intervista rilasciata nel 1961, egli afferma : "Sono nel presente. Cerco di celebrare il presente... Il passato non esiste, così come l'avvenire, che è una supposizione. Il passato fa parte del presente". Più guardiamo questa moderna "allegoria" del tempo, più sentiamo che l'impatto visivo supera qualsiasi indagine critica. L'unica cosa sicura è che siamo di fronte ad una realtà espressiva forte e drammatica. Ciascuno di noi, davanti a quest' opera "incomprensibile", è libero di inoltrarsi in una sua lettura personale. Claes Oldenburg (Stockolm, 1929)

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Nell' opera "Fornello"( 1962, New York ) la cucina vera con i cibi finti (di gesso colorato) ricorda gli oggetti proposti dai dadaisti. Nella Pop Art l'oggetto rappresentato però non è frutto di un atteggiamento moralistico; la provocazione si risolve nel divertimento. L'artista domina, esorcizza il consumismo giocando con i suoi ingredienti.

Le grandi sculture di Claes Oldenbug ripropongono oggetti normali, eventualmente deformati, in un ingigantimento di gusto surreale, che diventano mostruose, ma anche affettuose icone del quotidiano.

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Roy Lichtenstein (New York 1923-1997) coglie uno dei lati più appariscenti dell’immagine contemporanea: “ Il Fumetto” e fra gli innumerevoli fumetti sceglie quelli più commerciali, quelli di più vasta produzione su scala mondiale, quelli che accompagnano ormai da molti decenni la nostra vita di ragazzi e di adulti: i fumetti di Walt Disney, con i suoi eroi popolari Topolino e Paperino, oppure con i fumetti avventurosi dove il protagonista è il supereroe onesto e leale, vincitore del male; il superuomo nel quale molti vorrebbero riconoscersi e che ciascuno immagina di poter essere nei propri sogni.

Tra gli artisti della Pop Art è quello che più riesce a creare una linea stilistica inconfondibile, restandovi fedele fino all'ultima produzione.

Uno tra i quadri più famosi di questo artista è "Hopeless", che come molti quadri da lui realizzati, prende titolo dalla vignetta inserita nell'immagine. Il suo stile nasce dall'adozione delle tecniche proprie della stampa. Per stampare un'immagine a colori si ricorre alla "resinatura", ossia l'immagine viene fotograficamente scomposta in 4 colori fondamentali che sono quelli poi utilizzati nella fase di stampa: nero, giallo, cyan e magenta.

L'artista aumentando le dimensioni delle vignette, isolandone un solo frammento, zoomando su di un particolare e distribuendo il colore mediante l'accostamento di puntini (come nella stampa tipografica) accresce la banalità e la futilità del messaggio."Non sono molto certo del genere di messaggio sociale contenuto nella mia arte, ammesso che ve ne sia uno. Per la verità non intendo trasmettere messaggi. Non sono interessato a divulgare tematiche che insegnino qualcosa alla gente o che cerchino in qualche modo di migliorare la società...La sola ragione dei miei lavori è dimostrare come in America si manifesta la lcomunicazione visiva..."(R. Lichtenstein)

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Nel caso di Lichtestein il ricorso al linguaggio dei fumetti non ha probabilmente una valenza ironica o polemica, ma sembra nascere da una precisa convinzione estetica. La produzione di Lichtestein non si è limitata al solo ingrandimento di vignette e fumetti, ma, una volta definito il suo stile, lo ha usato per rivisitare e dialogare con diversi artisti del Novecento; in questo caso l' ispirazione nasce da opere di Picasso.

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7. Andy Warhol Nome d'arte di Andrew Warhola nasce il 6 agosto del 1928 a Pittsburgh da una famiglia di immigrati cecoslovacchi. Tra il 1945 e il 1949 studia al Carnegie Institute of Technology della sua città. Negli anni ‘50 comincia la carriera come disegnatore pubblicitario a New York. Lavora per “Vogue”, Harper’s Bazar”, “Glamour” ottenendo successo e guadagni strepitosi. Fa anche il vetrinista e realizza le sue prime pubblicità per il calzaturificio I. Miller. Nel 1952 tiene la prima personale alla Hugo Gallery di New York con quindici disegni ispirati ai racconti di Truman Capote. Disegna anche scenografie. Nel 1956 espone alcuni disegni alla Bodley Gallery e presenta le sue Golden Shoes in Madison Avenue. Intorno al 1960 Warhol comincia a realizzare i primi dipinti che si rifanno a fumetti e immagini pubblicitarie. Nei suoi lavori compaiono Dick Tracy, Popeye, Superman e le prime bottiglie di Coca Cola. Nel 1961 iniziano i suoi ritratti seriali. Negli anni successivi decide di abbracciare un progetto più vasto, proponendosi come imprenditore dell'avanguardia creativa di massa. Per questo fonda la "Factory" lo studio permanente, che può essere considerata una sorta di officina di lavoro collettivo, che è insieme un centro di cultura, di arte e di spettacolo. Soprattutto è un clan di persone talvolta geniali, spesso distrutte dal loro stesso talento, dalla droga e dalle proprie nevrosi. Nel 1963 inizia a dedicarsi al cinema e produce due lungometraggi: "Sleep" ed "Empire" (1964). Nel 1964 espone alla Galerie Sonnabend di Parigi e da Leo Castelli a New York. Per il Padiglione Americano alla Fiera mondiale di New York realizza i Thirteen Most Wanted Men. Fallito il tentativo di fondare un gruppo musicale con La Monte Young e Walter de Maria (due dei più celebri compositori d'avanguardia del periodo), nel 1967 si lega al gruppo rock dei Velvet Underground (di Lou Reed), di cui finanzia il primo disco: "The Velvet Underground and Nico". Anche la nota copertina del disco, una semplice banana gialla su sfondo bianco, è sua. Pubblica il romanzo " A novel" e produce il primo film in collaborazione con Paul Morissey. Si tratta di "Flash", cui seguiranno "Trash" nel 1970 e "Heat" nel 1972. Nel 1968 rischia la morte, all'interno della Factory, per l'attentato di una squilibrata, tale Valerie Solanas, unico membro della S.C.U.M. (società che si propone di eliminare gli uomini). Nel 1969 fonda la rivista "Interview", che da strumento di riflessione sul cinema amplia le sue tematiche a moda, arte, cultura e vita mondana. A

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partire da questa data, fino al 1972, esegue ritratti . Dal 1972 esegue ogni anno dai 50 ai 100 ritratti di persone famose e amici che andranno a formare la serie Ladies and Gentleman. Degli anni Ottanta sono i Dollar Sign e i Myths in cui raffigura dieci miti tra cui se stesso, Superman, Dracula, Topolino e Babbo Natale. Rivisita opere famose del passato come L'ultima cena di Leonardo da Vinci e capolavori di Paolo Uccello e Piero della Francesca. Scrive anche un libro: "La filosofia di Andy Warhol (Dalla A alla B e ritorno)". Nel 1980 diventa produttore della Andy Warhol's TV. Andy Warhol muore a New York il 21 febbraio 1987 durante una semplice operazione chirurgica. Nella primavera del 1988, 10.000 oggetti di sua proprietà vengono venduti all'asta da Sotheby's per finanziare la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Nel 1989 il Museum of Modern Art di New York gli dedica una grandiosa retrospettiva. L’arte di Warhol è fatta di immagini in serie che ritraggono volti, ma anche oggetti di uso comune. La stessa immagine viene ripetuta un numero infinito di volte. Tutti conoscono i suoi ritratti di Liz Taylor, Marilyn Monroe e Mao; le sue straordinarie lattine Campbell. E’ il più tipico rappresentante della Pop Art. Rifiutata per intero la storia dell'arte, con tutta la sua stratificazione di significati e concettualizzazioni, l'arte di Warhol si muove unicamente nelle coordinate delle immagini prodotte dalla cultura di massa americana. La sua arte prende spunto dal cinema, dai fumetti, dalla pubblicità, senza alcuna scelta estetica. L'opera intera di Warhol appare quasi un catalogo delle immagini simbolo della cultura di massa americana.

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“Campbell’s Soup” 1962 Caseina e pastello “Five Coca Bottles” 1962. Vervice di polimeri sintetici su tela, (cm ) The Menil Collaction, Houston. e inchiostro su tela (cm 40,6x50,8). Coll priv. N-Y.

Cosa mai può significare l'immagine di una scatoletta di minestra al pomodoro? Visto che l'immagine non ha un valore estetico, si è ricercato in esso un valore etico: la scatoletta, rappresentando l'omogeneizzazione della società moderna che propone alimenti preconfezionati uguali per tutti, può divenire implicitamente una critica a tale società. Non sembra questa l’intenzione dell' autore, che anzi nella società americana vede un valore positivo proprio per il suo grande livellamento. Il bello degli americani, come lo stesso Warhol ha espresso è che “ Mentre guardi alla televisione la pubblicità della Coca-Cola, sai che anche il Presidente beve Coca-Cola, Liz Taylor beve la Coca-Cola, e anche tu puoi berla. Una Coca è una Coca e nessuna somma di danaro ti può permettere una Coca migliore di quella che si beve il barbone all’angolo della strada. Liz Taylor lo sa, lo sa il Presidente, lo sa il barbone e lo sai anche tu.” In ciò è evidente quella mitica "american way of life" in cui l'ugualianza si realizza in una società che consente uguali possibilità per tutti.

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“Self Portrait “ 1964 Vernice di polimeri Copertina “The Velvet Underground & Nico” sintetici e inchiostro serigrafico su tela (cm 5°,8 x 40,6) N. Y., The Andy Warhol F.

“Jackie “ 1964 Vernice di polimeri sintetici “ Marylin” 1967 Serigrafia su carta (cm91,5x91,5) e inchiostro serigrafico su tela (cm 50,8 x New York, The Andy Warhol Fondation. 40,6) N.Y., The Andy Warhol Fondation

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8. La Risposta Italiana alla Pop Art

In linea di massima la Pop Art, a parte il caso inglese, non ha trovato in Europa una particolare rispondenza. Le diverse condizioni economiche e ambientali, il fatto stesso che l'Europa conservasse nel suo tessuto urbano una ricca tradizione storica, hanno reso meno palesi l'invadenza e il trionfo dei nuovi linguaggi di massa. Curiosamente proprio in Italia, la scuola romana fornì una delle risposte più originali alla Pop Art statunitense. Da segnalare in particolare l'attività di Mario Schifano, che partito dagli schermi monocromi dei suoi primi dipinti, ha introdotto in seguito nella sua pittura veloce e sgocciolata, tutta una serie di emblemi quotidiani: segnali stradali, frammenti di scritte pubblicitarie. La parte più interessante del suo lavoro è quella in cui tenta una sorta di fusione tra certe formule Pop e immagini riguardanti il Futurismo, come a sottolineare una continuità fra avanguardia storica e Neoavanguardia.

Mario Schifano, “Futurismo rivisitato a colori”.

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Bibliografia T. Capote, Colazione da Tiffany, Garzanti, Milano 2007. T. Capote, Preghiere esaudite, Garzanti, Milano 2006. T. Capote, Incontro d’estate, Garzanti, Milano 2006. T. Capote, Musica per Camaleonti, p. 227-242, Garzanti, Milano 2006. T. Capote, Breakfast at Tiffany’s, Classic Notes, Grave Saver. I. Bignardi, La ragazza col filo di perle che fece impazzire l’America, Repubblica, 13 agosto 2002. A. Warhol, La filosofia di Andy Warhol (dalla A alla B e ritorno),Costa e Nolan editori, Milano 2008. A. De Bernardi- S. Guarracino, La Conoscenza storica 3, p.356-361, Ed. Scol Mondadori, Milano 2000. P. Adorno- A. Mastrangelo, Dell’Arte e degli artisti 4, p. 292-299, G.D’Anna, Firenze-Messina 2007. Immagini www.google.it www.audreyhepburn.com M.Gala, John Fitzgerald Kennedy, Mondadori, Milano 2004. Warhol, I Classici dell’arte- Rizzoli Skira, Milano 2004.

Sitografia www.audreyhepburn.com www.tiffanysite.com www.tiffany.com/About http://it.geocities.com/IncantevoleAudrey/_1960/_1960.htm http://www.repubblica.it/speciale/2002/novecento/idee/43.html http://www.gradesaver.com/classicnotes/titles/breakfast/essays.html http://en.wikipedia.org/wiki/Breakfast_at_Tiffany%27s http://en.wikipedia.org/wiki/Truman_Capote http://it.wikipedia.org/wiki/Patrial_Test_Ban_Treaty

Filmografia M.Jurowe- R.Shepherd, Colazione da Tiffany, Paramount Pictures,1961